El autor: Nightcrawler literario

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La Sección Oficial del Zinemaldia ha acogido a El autor, de Manuel Martín Cuenca, tras su paso por el Festival de Toronto. La película adapta El móvil, la primera novela del escritor Javier Cercas. En ella, un aprendiz de escritor que vive eclipsado por el éxito de su mujer decide tomar medidas drásticas para abrirse paso en el mundo de la literatura.

Varios alicientes de partida. El primero, un director que parece que en cualquier momento puede que va a dar el campanazo. Cuenca estuvo cerca con La flaqueza del Bolchevique y Canibal, películas que a pesar de su calidad, no terminaban de rematar. La segunda un intérprete que desde que se destapó en La isla mínima vive en estado de Gracia: Javier Gutiérrez. Motivos más que suficientes para sentarse en la butaca.

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Y empieza bien El autor. Su primera hora es de gran nivel, con algunas de las mejores secuencias del cine español reciente y un animal como Gutierrez comiéndose la pantalla, bien secundado por el siempre extraordinario Antonio De la Torre. Lástima que haya un pero. La película se mete en un laberinto en la segunda mitad del que no consigue salir, lo que desemboca en una ausencia de climax y un final que no resulta satisfactorio. Es una pena, porque tras los primeros minutos se puede llegar a pensar incluso que estamos en lo que podría ser un clásico del cine español. El filme funciona mejor cuando se desata del todo. De la Torre regala escenas que recuerdan a una versión literaria del J.K. Simmons de Whiplash, mientras Gutierrez se va convirtiendo con los minutos en el Jake Gyllenhaal de Nightcrawler.

Por el camino, la película lleva al extremo la búsqueda del “yo escritor” y su convivencia con el “yo persona”. Cada cierto tiempo leemos sobre las locuras que cometen algunos intérpretes para preparar algunos papeles, extravagancias que siempre son aplaudidas por prensa y público. ¿Pero que pasaría si los creadores hicieran lo mismo y decidieran implicarse de lleno con su historia? Seguramente algo parecido a lo que cuenta la película de Martín Cuenca. Al final, lo que se esconde detrás de su personaje protagónico es la historia de una obsesión.

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En definitiva, estamos ante filme irregular que funciona mejor por piezas que en conjunto. A pesar de que el sabor de boca que deja no es el muy bueno, al salir del cine sus momentazos hacen que la experiencia merezca la pena. Sin ser la mejor, estamos ante una de esas pelis españolas que hay que ver en 2017. Si el filme os ha dejado con ganas de más, nada mejor que revisionar En la Casa, una gran película sobre procesos creativos que ganó la Concha de Oro en 2012.

 

 

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IT: El trauma infantil se disfraza de payaso

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Lo tenía verdaderamente jodido Andrés Muschietti. El nuevo proyecto de IT cobró relevancia gracias a las noticias que sentaban en la silla del director a Cary Joji Fukunaga, director de la primera temporada de True Detective. Una noticia ilusionante que dejó de serlo cuando se confirmó que el también autor de Beast of no nation y Jane Eyre abandonaba el proyecto tras desavenencias con el estudio. El marrón le quedada a Muschietti, autor argentino que debutó en el terror sin pena ni gloria con Mamá. Las expectativas bajaron, pero volvieron a subir tras los primeros screenings y las aterradoras imágenes promocionales. El hype comenzó a crecer, y parecía que la burbuja, una vez más, iba a explotar. Pero esta nueva IT ha flotado por encima de las expectativas. Contra todo pronóstico, estamos ante uno de los mejores trabajos de horror de los últimos años.

El gran acierto de la película es tomar la valiente decisión de apostar por los personajes, una opción que no es la mayoritaria dentro del género. Los niños protagonistas crean un vínculo casi inmediato con el espectador, lo que nos hace cómplices de su terror. Un mecanismo más elaborado que la habitual colección de sustos, que seguramente defraude a los que solo acudan al cine a paliar los problemas de estreñimiento, pero que a la vez conquistará a los que busquen algo más que entretenimiento.

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IT es una gemela oscura de títulos como Los Goonies, Cuenta conmigo o Super 8, aunque su pariente actual más cercano se llama Stranger Things. La nostalgia vuelve a dar buenos resultados. Estamos ante una nueva confirmación de que lo retro es tendencia en el presente audiovisual.

IT es uno de esos proyectos en los que si algo falla el resultado final puede ser completamente ridículo, pero el acabado técnico de la cinta logra colocarse fuera de la sombra de la serie B. Esto se consigue gracias a una elegante fotografía, una banda sonora de calidad y unos impolutos efectos especiales. El resto lo hace un acertado casting en el que destaca la magnética Sophia Lillis, la actriz que da vida a Beverly. Ojo, que quizá estemos ante el nacimiento de una estrella.

De Pennywise, el payaso protagonista al que da vida Bill Skarsgård, decir que en los primeros minutos me ha dado la impresión de que quedaba eclipsado por el recuerdo del excelso trabajo de Tim Curry en la TV movie noventera. Ese payaso, de apariencia más humana que en esta nueva versión, es sin duda uno de los rostros más célebres de la historia del género. Pero este Pennywise se hace ‘querer’ según avanza el metraje. Aunque hay que tener en cuenta que el clown no deja de ser un falso nueve dentro de lo que de verdad cuenta la película. Los niños protagonistas desarrollan diferentes fobias, pero cada una de ellas esconde un problema más grave que el natural temor infantil. El verdadero miedo del grupo de ‘Los perdedores’ está en la vida real.

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A pesar de todas las virtudes, el título también cuenta con algunos problemas, como la redundancia de algunas escenas o el alargamiento excesivo del desenlace. No obstante, queda patente que en la sala de montaje se ha tenido que tirar de tijera. Por suerte, hablamos de exceso, pero no de aburrimiento. De hecho este IT deja con ganas de más. De esa segunda parte ya en proyecto que muestra a los protagonistas 27 años después del fatídico encuentro. Por si fuera pequeño el Hype, suena Jessica Chastain como Beverly adulta. Por favor, que así sea.

 

Proyecto Lázaro: Un dramón sobre la resurrección

Tenía ciertas esperanzas depositadas en el regreso de Mateo Gil a la dirección tras las satisfactorias Nadie conoce a nadie (1999) y Blackthorn: Sin destino (2011). Aunque si por algo ha trascendido Gil es por haber escrito algunos de los guiones más importantes del cine español de los últimos años, para Amenabar en su mayor parte. Suyos son los de Tesis, Abre los ojos, Mar Adentro, El método o Ágora. Proyecto Lázaro en su regreso a la ciencia ficción, un terreno que no pisa desde que Eduardo Noriega despertará como el hombre elefante tras un accidente de coche. Aunque no hay un nexo argumental, la película se presenta como una secuela tardía de Abre los ojos, y pretende explicar la vida después de la criogenización.

A pesar de lo interesante de la cuestión, Proyecto Lázaro nunca termina de arrancar. La película centra demasiado el foco en el amor y el drama. El protagonista vive atormentado por la vida que dejó atrás con su pareja, y ese eje tractor del filme no contiene el interés suficiente para crear intriga. Se apuesta todo al conflicto interior dejando de lado lo más significativo: Las consecuencias para la humanidad de esa primera resurrección.

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No ayudan tampoco las interpretaciones. Los personajes de Gil parecen robots con apariencia humana. Les cuesta demasiado expresar, y al espectador mucho más empatizar. El uso y abuso de la voz en off termina consiguiente que veamos al protagonista (Marc Jarvis) como un tipo cansino. Naomi (Oona Chaplin), su novia del pasado, no consigue más de lo que hubiese conseguido un maniquí. Nada resulta real.

La estética acaba por rematarla. Más cercana a un publirreportaje de una clínica dental que al cine en si mismo. Si se llega a llamar el Método Dentix nos quedamos igual. Mateo Gil ha intentado hacer su Gattaca bebiendo de Abre los ojos, pero se le ha Gattascado seriamente. Una pena. Esperamos su pronta recuperación y un regreso a la senda de anteriores trabajos.

Alien Covenant: Apocalipsis antes del Génesis

Pocas películas han despertado en los últimos años tantas filias y fobias como Prometheus. A mi personalmente me encantó el regreso de Ridley Scott al universo del xenomorfo. Prometheus no solo mostraba ese miedo a lo desconocido tan de la saga Alien. Se atrevía con una vuelta de tuerca que ponía en contacto al ser humano con sus creadores.

Revisionando Prometheus esta semana me di cuenta de la verdadera cuestión que abarcaba la película: El inevitable choque entre el creador y su creación. Pusimos el foco en los seres humanos y los misteriosos arquitectos, pero descuidamos que David, el sintético que interpreta Michael Fassbender, era también una creación, en este caso humana. Precisamente en ese punto empieza Alien: Covenant, con una conversación en flashback entre Peter Weyland (Creador) y David (Creación).

Los que esperaban un falso remake del Alien original, al estilo de Jurassic World o El despertar de la fuerza, pueden estar tranquilos. Hay más elementos de Alien: El octavo pasajero que en su predecesora, pero podemos decir que Covenant tiene un 50% de Alien y otro 50% de la metafísica de Prometheus. Los primeros acordes de la banda sonora de Jed Kurzel evocan a la partitura que Jerry Goldsmith compuso en 1979. El espíritu inicial está de vuelta, pero a diferencia del clásico, hay algo más que ‘La mujer y el monstruo’.

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Estamos ante una película ciertamente irregular. Empieza bien, pero Scott se toma su tiempo en el nudo para subrayar algunas lineas. Sin desvelar nada, diré que sobra alguna clase de flauta que otra en la parte central. Quizá el mayor problema de Covenant es que Scott ha cedido ante los que pedían más criaturas que en Prometheus. Si por algo se ha caracterizado la saga es por esa sensación de no saber por donde te va a aparecer el xenomorfo. Si viene de arriba, de abajo, de dentro, de fuera… En ese sentido Scott peca de querer contentar a los fans, o al estudio, y mostrar demasiado al bicho. Aunque hay que reconocer que los highlights de la saga no fallan.

Por suerte, Scott lo compensa con un gran prólogo, un intenso climax y un gran cierre. Al final la película pasa volando. Tenía muchas dudas con la elección de Katherine Waterston en el papel protagonista, la nueva ‘Ripley’, que toma el relevo de personajes femeninos fuertes que ya encarnaron en la saga Sigourney Weaver y Noomi Rapace. Pero la protagonista de Animales Fantásticos y Donde encontrarlos demuestra estar a la altura de las circunstancias. Aunque una vez más, el gran protagonista acaba siendo un Michael Fassbender que se come la pantalla.

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Intuímos que a Covenant no le vendrá mal un futuro revisonado, porque la película está plagada de referencias. La biblia, El paraíso perdido de Milton, Lord Byron, el mito de Prometeo, Frankenstein (Cuyo nombre original era Frankenstein o el moderno Prometeo), el soneto soneto Ozymandias de Percy Bysshe Shelley, Richard Wagner… Claves que esconden otras claves. Claves que conectan con algunos misterios sin resolver. Un ejemplo, ¿Sabías que Lord Byron murió desangrado a causa de las sanguijuelas que le pusieron alrededor del cuerpo para curar una fiebre? Nada es casual. Y esto ya es mucho más de lo que ofrece cualquier blockbuster. En ese sentido, Scott demuestra que sigue siendo un autor.

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Al acabar la película uno se queda con ganas de más, y eso siempre es una gran señal. Cruzamos los dedos para que la película funcione en la taquilla americana y podamos tener universo Alien para rato.

Noctem: Araquiel’s Box Project

Noctem es la última aportación española al Found Footage tras La saga REC y La cueva. El FANT 23 recibió a su director Marcos Cabotá y a sus protagonistas, Adrian Lastra y Esteban Piñero ‘Basty’ para hacer el primer pase con público de la película dentro de la Sección Oficial del Festival. Lastra, conocido por Primos o la serie Velvet, explicó que la idea de la película surge de una experiencia paranormal vivida en su casa. A partir de ahí decidieron hacer una película/experimento sobre lo ocurrido.

¿De qué va? Adrian Lastra y Esteban Piñero ‘Basty’ han desaparecido en México. El actor Álex Gonzalez, amigo de Adrian, le pide a un amigo que rescate los videos de sus móviles para clarificar los hechos.

La película comienza bien gracias a la acertada decisión de que los actores no interpreten a personajes, si no que sean ellos mismos con sus nombres reales, recurso que ya hemos visto en otras obras como Juerga hasta el fin. Y no todos son actores. Esteban Piñero ‘Basty’, miembro del grupo musical D’Nash se estrena en el cine con este papel. Según cuenta Cabotá, el reparto tuvo la generosidad de abrir las puertas de su casa y mostrar su intimidad. En el filme aparecen también parejas y amigos de los protagonistas haciendo de si mismos. De este modo, el texto y las situaciones de la película son en parte pura improvisación. En ese entorno ‘natural’ destaca la interpretación de Álex González.

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En lo argumental, Noctem encajaría como un guante como uno de los sucesos que recrea cuarto milenio. La amenaza se llama Araquiel, un muy digno representante de las fuerzas del mal. El problema principal reside en que la película se fija demasiado en otros found footage ya conocidos, especialmente El proyecto de la bruja de Blair y Paranormal Activity. Algunas ideas de puesta en escena están sacadas de la obra maestra de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez. Por esta razón diría que la película puede ser encajada mucho mejor por espectadores no iniciados en el género.

En la parte técnica hay algunos detalles que se podían haber pulido para hacer un resultado más realista, como las interferencias de los videos y la excesiva iluminación del flash del móvil en las escenas de oscuridad. Demasiado artificiales. Detalles como estos son los que me han impedido tener una experiencia terrorífica. Aunque he de decir que si que ha oído algún grito en la sala durante la proyección.

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En definitiva, estamos ante una cinta sin pretensiones que consigue entretener, pero cuyo resultado es irregular. Algunas ideas funcionan y otras no. Aún así, siempre es bienvenido cualquier nuevo intento en géneros poco transitados por la cinematografía española. Ojalá Noctem funcione.

 

FANT 23: Análisis del Palmarés

Ya sabéis que en este blog no somos nada de Copy+Paste, por lo que además de compartir  el palmarés nos hemos tomado la licencia de opinar sobre el mismo. De este modo aportamos algunas reseñas de películas que aún no tienen artículo propio en el blog. Agradecemos al FANT la impecable organización de esta edición. De largo, el mejor festival de cine de Bizkaia.

PELÍCULA GANADORA FANT 23

“Seoul Station”, (Corea del Sur, 2016) de Yeon Sang-ho

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Seoul Station confirmó que no encajo con la animación de Sang-ho. Mi sensación al final de la película fue muy similar a la que tuve con The Fake, obra que pudo verse hace dos años en la Sección Oficial del FANT. Los personajes de ambas solo se expresan en modo colérico. Recuerda demasiado a Sálvame. Así es imposible empatizar. Al género zombie tampoco aporta nada argumentalmente. Por destacar algo, me quedo con el sorprendente giro final.

PREMIO FANT EN CORTO

Premio del Jurado Mejor Cortometraje:

“La Voce” (Canadá, 2016, 20’) de David Uloth

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Ya me gustó esta breve ópera de matadero (Puedes leerlo en nuestro artículo del FANT en corto internacional) pero aún se le coge más cariño tras ver el original video de agradecimiento que David Uloth mandó al festival. Siguiendo la línea de su corto, el director se cambió la voz con su hijo pequeño para dar las gracias.

Premio del Jurado Mejor Cortometraje Vasco:

“Bestealdetik” (2016, 15 min) de Mar González Ruiz de Larramendi

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Merecido premio a un trabajo, que como ya os contamos en este artículo, es un auténtico poema en imágenes.

Premio del Público al Mejor Cortometraje:

“The App” (España, 2016), de Julián Merino.

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Y uno de los votos fue el mío. Puedes leer más aquí.

PREMIO MEJOR GUIÓN DE SECCIÓN OFICIAL

(CONCEDIDO POR LA ASOCIACIÓN DE GUIONISTAS VASCOS)

“I Am Not a Serial Killer” (IRE/UK 2016) de Billy O´Brien

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Interesante cinta independiente con la habilidad de camuflarse entre géneros. En mi opinión un tanto irregular en su desarrollo, que suma buenos momentos con otros en los que el interés se resiente, sobre todo en el nudo.

PREMIO A LA DIRECCIÓN MÁS INNOVADORA  DE SECCIÓN OFICIAL

(CONCEDIDO POR EL CINE CLUB FAS)

“The Eyes of my Mother”, (USA, 2016) de Nicolas Pesce

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Merecido premio para una elegante obra en lo visual. Una película cruda sobre la maldad desde una perspectiva realista. Un suceso atroz desde dentro. La emparentaría con The with, por esa muestra de horror al margen de la civilización, aunque esta no tiene el elemento sobrenatural.

PREMIO FANTROBIA 2017

Sean Brosnan

Puedes leer aquí nuestra crítica de My father die

ESTRELLA DEL FANTástico  2017

Barbara Crampton

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Una estrella del género que se ha mostrado cercana y simpática durante su estancia en Bilbao, en la que la hemos visto en varios pases. Es de agradecer esa implicación. En otros certámenes solemos ver el ‘Toma el premio y corre’. Un acierto del festival este galardón. El gran misterio del FANT es resolver como se conserva tan bien Barbara a sus 58 años.

FANT DE HONOR 2017

Pedro Rivero

Terele Páez

También acertados los reconocimientos a Pedro Rivero y Terele Pávez, aunque esta última no pudo recoger el premio en la ceremonia inaugural por encontrarse en Punta Cana.

PREMIO AL MEJOR LARGOMETRAJE DE LA SECCIÓN PANORAMA

“A Floresta Das Almas Perdidas”, (Portugal, 2016) de Jose Pedro Lopes.

•MENCIÓN ESPECIAL: “Therapy” (Francia, 2016) de Nathan Ambrosioni.

PREMIO AL MEJOR CORTOMETRAJE DE LA SECCIÓN PANORAMA

“Einstein Rosen”, (España, 2016) de Olga Osorio.

No hemos podido asistir a la Sección Panorama, pero el agradecimiento slasher que envió Nathan Ambrosioni al FANT ha sido de nota.

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR  FALSO TRAILER 

“Fishface”, José Mellinas

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1ER PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR FALSO TRÁILER

“Hugo”, Iker Maguregi

2º PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR FALSO TRÁILER AUX

“Coleccionista”, Angel Holgado

Merecidísimo Premio del jurado para Fishface de José Mellinas, que como ya hizo en Mermelada (Donde cogía como base la leyenda urbana de Ricky Martin, Sorpresa Sorpresa, el perro y la mermelada) vuelve a tomar la ‘realidad’ como punto de partida. ¿Qué pasaría si el famoso youtuber del ‘caranchoa’ va convirtiéndose poco a poco en una especie marina? Mellinas responde.

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My father die: El salvaje Mississippi

Sean Brosnan, hijo de Pierce Brosnan, ha sido reconocido con el Premio FANTrobia de la 23ª edición del FANT. Se trata de un galardón dirigido a jóvenes promesas del Cine Fantástico y de Terror. Tras ver My father die, su primer largo como director, entendemos los motivos de esta decisión.

¿De qué va? La película cuenta la historia de Asher, un joven sordomudo traumatizado por la muerte de su hermano a manos de su padre. Cuando el parricida abandona prisión, Asher decide que ha llegado el momento de la venganza.

Brosnan deja claro desde la introducción que vamos a ver una cinta potente y sin compasión. Los primeros minutos nos muestran la brutal muerte del hermano, con voz en off y un gran uso del blanco y negro. Una gran intro que nos sirve para adentrarnos en la América profunda y salvaje que Brosnan quiere mostrarnos. Una América a orillas del Mississippi en el que no hay lugar para la piedad.

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La violencia es una constante durante todo el metraje. A Brosnan le ha salido una ópera prima muy tarantiniana, aunque con bastante menos verborrea. En el reparto destaca Gary Stretch, que encarna al despiado padre de familia. El personaje es una nueva visión del Schwarzenegger de la primera entrega de Terminator.

La cruedad del filme está aderezada en todo momento por un acertado uso del humor negro. La excelente fotografía y una acertadísima selección musical consiguen que la película brille formalmente.

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No sabemos a ciencia cierta si este My father die tiene doble lectura, pero la película resulta una manera brillante de quitarse esa etiqueta de “hijo de…” que en ocasiones lastra algunas carreras. Aunque el bueno de Pierce figura en los créditos como uno de los productores del filme.

La película ha sido una de las sorpresas de este FANT. Un gran debut en el mundo del largo para Brosnan. Estamos seguros de que tras este debut indie, los grandes estudios llamarán a su puerta.

 

 

FANT 23: FANT en corto internacional

El FANT en corto internacional ha elevado esta edición un peldaño su nivel gracias a una elaborada selección de trabajos que demuestran el buen estado del género más allá del largo. Si tendríamos que resumir los trabajos proyectados en un palabra la tendríamos clara: ORIGINALIDAD.

The bald future, de Paul Cabon (Francia, 2017)

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Una parodia en defensa de los que perdemos pelo que llama a su integración en la sociedad. Habla de la calvicie, pero podría ser aplicable a cualquier característica física que se sale del canon de belleza impuesto. Con lo bonita que es la imperfección… Gran trabajo.

Driven, de Johannes Bachman (Suiza, 2015)

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Una mujer huye de su vehículo tras un accidente en una carretera secundaria. Un trabajo que, aunque no se entiende nítidamente, consigue inquietar con su puesta en escena. Nos quedamos con ganas de saber más de su trama. Buena señal.

Fucking Bunnies (Saatanan Kanit), de Teemu Niukkanen (Finlandia, 2017)

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No conseguí conectar con el rollo de este corto finlandés que mezcla death metal y el subgénero ‘nuevos y extraños vecinos’. Aunque por las carcajadas de los espectadores puede ser que quizá fuera el único. Aún así entretenido trabajo, que no es poco. Y muy del gusto del FANT.

Humaine, de Jean-Philippe Alix y Quentin Alix (Francia, 2016)

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El término pretencioso va como anillo al dedo a este corto entre crítico y espiritual que intenta resumir el histórico maltrato que el hombre ha dado a la mujer, para a continuación hacer un llamamiento a la esperanza. Eso y fotos moñas en las nubes.

A Father’s day, de Mat Johns (Reino Unido, 2016)

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Lo mejor de este trabajo de temática zombie son precisamente sus extraordinariamente maquillados muertos vivientes. El guión nada que no hayamos visto antes. El amor paterno-filial llevado al campo de los no muertos.

La voce, de David Uloth (Canada, 2016)

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Una gran ópera en corto con una inquietante idea. La de adquirir la última voz escuchada. Cuando este fenómeno se da en un matadero las consecuencias pueden ser terribles. Un trabajo imperfecto, pero curioso. Absténganse animalistas.

Neron, de Rubin Stein (España, 2017)

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Ambientación de diez, y desarrollo digno de un episodio de HBO. Lo cierto es que su desenlace no está a la altura de su magnífica puesta en escena, así que lo dejamos en ‘gran ejercicio de estilo’. El director parece preparado para un largo.

Pussy, de Renata Gasiorowska  (Polonia, 2016)

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En Pussy, un coño cobra vida y decide buscar el placer por su cuenta. El orgasmo femenino llevado al terreno de la animación, con humor y absurdidad. Trazos ingeniosos en un trabajo original y divertido.

Save, de Iván Sáinz-Pardo (Alemania, 2016)

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Ya disfrutamos de Save en la Semana de Terror de Donostia. Cortometraje con bebé que juega con una idea sencilla, pero completamente terrorífica. Gran trabajo.

The App, de Julián Merino (España, 2016)

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Para mí, el mejor corto de la noche. Explora los peligros de la iphonización mundial con sentido del humor. Un miniepisodio de Black mirror a la española, con Carlos Areces y un señor de Pontevedra. Her para no hipsters.

Actualización:

LA VOCE se ha alzado con el Premio del jurado, mientras que The App ha conseguido el Premio del Público. 

The evil within: Resplandor de serie Z

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Estábamos en un corrillo hablando sobre el buen nivel del FANT tras la proyección de My father die. Ahora entiendo que ese inocente acto era en realidad una invocación a algo que peor que Satán: The evil within. La película, que comparte nombre con un exitoso videojuego survival horror, es lo peor de lo que llevamos de festival.

¿De qué va? Todo cambia en la vida de Dennis, joven discapacitado mental, cuando su hermano decide llevar a su habitación un espejo. Ese elemento será la entrada a un mundo de pesadillas con consecuencias fatales en la vida real.

The evil within falla en casi todo. Actores de telefilme, un guión descuidado y unos efectos especiales que chirriarían en los 70. Este pretendido homenaje al terror ochentero y a los episodios de Twighlight zone no funciona ni como producto de videoclub. Si hablamos de calidades su lugar de venta sería más bien una gasolinera. Da pena ver a un icono del horror como Michael Berryman (Las colinas tienen ojos, Los renegados del diablo) prestándose a hacer de fantoche para la función. Tampoco funcionan sus guiños, que los hay. El homenaje a la araña de La cosa es como la versión de Nirvana que hizo Ramoncín.

Andrew Getty, director y guionista, no acierta con el tono. La película no asusta, pero tampoco se decanta por la comedia. La mayoría de asesinatos no se nos muestran, por lo que tampoco saciará a amantes del gore. Y como revival acaba siendo víctima de lo que parodia. Uno se pregunta… ¿A qué público va dirigida esta película?

Si la película es mala, peor aún es su mensaje. El joven discapactitado que protagoniza el relato es apedreado en la plaza pública, metafóricamente. 90 minutos de sorna a una enfermedad mental, de insultos innecesarios. Mongolo, retrasado y otros que os sonarán. Estaba convencido que el personaje iba a tener la oportunidad de desquitarse de todos los insultos, que estábamos en realidad ante una crítica a todo esto, pero de eso nada. La visión que se da de este problema mental es sencillamente mezquina.

Si podemos salvar algo de la película salvamos a Dina Meyer, que se conserva tal y como la vimos en Starship Troopers. Y la salvamos porque da pie a decir “Mira, la pelirroja de Starship Troopers está viva”, no porque lo haga bien. Este debut del director y guionista Andrew Getty en el cine no tiene pinta de ser recordado, al menos para bien. En la habitación 237 de El resplandor se proyectaba esta película.

FANT 23: FANT en corto vasco

Tras la inauguración con Pieles, llegó el momento de mostrar el estado del cine vasco de género. El FANT en corto vasco es una gran oportunidad de detectar el talento que viene.

Bestealdetik, de Mar González Ruiz de Larramendi ·

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Empieza como una película de terror en cabaña, pero Bestealdetik es un auténtico poema en imágenes. Más cerca de la lírica que de la prosa. Una gran reflexión sobre el peso del tiempo y el inevitable final. Mikel Laboa remata la jugada.

Decorado, de Alberto Vázquez

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Estuvimos hace unos meses en la Semana de Terror de Donosti. El desatado público del Festival gritaba en alto Decorado en cada una de las películas. Ahora lo entendemos todo. Decorado es ya una obra magna de la animación absurda. Una auténtica joya.

Nunca pasa nada, de Javier Prieto

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Nunca pasa nada recorre la cola del INEM con una técnica de animación cercana a la de Waking life y A Scanner Darkly de Linkater. Corto de tiempos de crisis, de como vemos la vida pasar sin que nada cambie. Mención especial a su potente banda sonora.

Ihesa, de Alejandro Díaz Castaño

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Empieza como terror con invasión casera, pero no nos muestra hasta el final su verdadera naturaleza. Un trabajo que invita a cierta reflexión y con el que no cuesta demasiado empatizar. Que dura es la rutina.

Bright lights, de María Zabala

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Más que un cortometraje, un buen videoclip para el tema Molly & Pete de Belako. Funciona a nivel estético, pero su guión no está a la altura de las imágenes.

Precious Moments, de Asier Iza

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El cortometraje de la noche. Comienza con tono cómico en uno de esos picaderos de carretera secundaria, después se pasa al lado inquietante. El resultado final parece cómico, pero pasados unos minutos te das cuenta de que has visto algo terrorífico. Una original vuelta de tuerca al Christine de Stephen king.

Si la oscuridad nos lleva, de Mikel R. Alonso

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Estamos ante un microretrato de asesino comprimido en un ZIP. Su ambientación resulta inquietante. (Muy) Breve, pero intenso.

Villa Mnemósine, de Rubén Salazar

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El corto de más presupuesto de la lista (O eso creemos por su diseño de producción). Una interesante idea que llama a la reflexión. Tiene calidad, pero el FANT no era su lugar.

Ulises, de Aitor Gutiérrez

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Una de las sorpresas de la noche. Un hombre llega a un hotel para ser varios hombres. Un interesante juego de rol cómico para un solo jugador. Si habría un premio al Mejor Actor de este FANT en Corto sería sin duda para Kandido Uranga. Sencillamente lo borda. Además, el cortometraje sirve de homenaje a la profesión de actor

Extático, de Azahara Gómez

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Cortometraje en plano tarantiniano sobre dos guardias forestales y un cadáver. Una vez más, homo homini lupus est. La sorpresa no es tal, y la sangre final resulta demasiado artificial.

Jules D., de Norma Vila

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Empieza tan bien que acaba decepcionando al elegir la vía más ‘gótica’ del relato Un canto de amor a Drácula con un gran look y una dirección prometedora. Lástima que el ‘Qué’ no esté a la altura del ‘Cómo’.

 

It Stains the Sands Red: Choni v. Zombie

En apenas quince minutos It Stains the Sands Red consigue follarse de forma salvaje a las cinco películas de la saga Resident Evil. Molly, la gran protagonista de la función, carece del estilo y las artes marciales de Alice, pero va sobrada de algo más importante cuando hablamos de cine zombie, el instinto de supervivencia. ¿Qué un zombie quiere sangre y necesito despistarle? Pues nada, me saco un tampón del coño y ya tengo perrito. Y para satisfacción de los espectadores, no es su único truco.

¿De qué va? Una pareja huye por carretera de un apocalíptico Las Vegas. Tras una breve parada, el vehículo en el que viajan no consigue arrancar. Un zombie se acerca para aprovechar la ocasión.

It stains the sands red (Mancha las arenas rojas, o algo así) es una comedia, un western, una de terror y un drama familiar. Todo al módico precio de una entrada a 2,90€ para el turno de noche del FANT 23. Un buen aporte a un género zombie que, por suerte, siempre consigue encontrar la vuelta de tuerca adecuada.

Molly, interpretada magistralmente por Brittany Allen, está más cerca de Belén Esteban que de Milla Jovovich. Curioso que la última gran heroína del cine zombie lleve plataformas, pantalones de leopardo, un tampax y cocaína. Todo un kit de supervivencia. La actriz supera con nota el desafío de supervivencia zombie en el desierto. Habría que ver cuanto dura Jesús Calleja. Y no nos olvidamos de Juan Riedinger. El actor canadiense interpreta a ‘Polla pequeña’ (cariñosamente Smalls), y no es un indio compañero de ‘Pipa grande’, si no el zombie que persigue incansablemente a la protagonista. ¿La mejor interpretación de un no muerto en la historia del subgénero? Yo diría que sí (Si se os ocurre uno mejor dejar un comentario, please).

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A la película le da además tiempo para darle una buena patada en la boca al machismo, y por ende a los humanos menos evolucionados del género masculino. El filme acierta al comparar a los muertos vivientes con los típicos babosos de discoteca. Y recuerdo que solo hay una amenaza peor que los muertos: Los vivos.

El director Colin Minihan es parte junto a Stuart Ortiz de los autodenominados Vicious Brothers, responsables de Grave Encounters y su secuela. Habrá que seguir la pista a este joven canadiense nacido en 1986. Aún tiene mucho que aportar al cine de terror.

It stains the sands red tiene los elementos suficientes como para ganarse un hueco en la historia del género. Su estética (Heredera de Los renegados del diablo) y ese desierto de Las Vegas lo merecen, y hacen que perdonemos alguna escena de más en su parte final e incluso algún gazapo. Ya sabéis, lo que pasa en Las Vegas se queda en Las Vegas.

El ataúd de cristal: La limusina de Caronte

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Es un orgullo afirmar que la mejor película de lo que llevamos de FANT es bilbaina. No acudía con demasiadas expectativas al pase, quizá porque los cortos de Haritz Zubillaga, aunque correctos, no me habían maravillado. Pero El ataúd de cristal conquista por la vía rápida.

¿De qué va? Una ‘Meryl Streep‘ del cine se dirige en limusina a recoger un premio a toda su carrera. Lo que parecía una convención más en la vida de una estrella se convertirá en una auténtica pesadilla.

La actriz tinerfeña Paola Bontempi, que ya trabajó con Zubillaga en She’s lost control, sale airosa de un desafío complicado. Bontempi aparece en la práctica totalidad del metraje, y lo que soporta durante sus 75 minutos no es precisamente un camino de rosas. Estamos ante una exigente interpretación a todos los niveles. Esto no es Paseando a Miss Daisy.

Pero si Bontempi es importante en la película más lo es la limusina que la transporta, el bien llamado Ataúd de Cristal. Un espacio hipnótico que emparenta Cube con 2001: Una odisea en el espacio. De Cube tiene ese uso del color. Si en la película de Natali cambiaba el color en cada cubo aquí tenemos lo mismo, pero con control remoto De 2001 la película se lleva el ojo de Hal 9000, esta vez manejado por algo más peligroso que la inteligencia artifiial: El ser humano.

Tanto el trabajo de dirección artística como la fotografía son impresionantes. Nada hace indicar que estemos ante una cinta de bajo de presupuesto. Hasta la violencia es elegante en el interior del vehículo. Mención especial merece la excelente banda sonora de la película, compuesta por Aránzazu Calleja. Música siempre presente para indicarnos en todo momento que la amenaza es real. Encaja como anillo al dedo con las imágenes de la película.

Por si esto fuera poco, Zubillaga ha creado además un personaje icónico que nos ha conquistado desde la presentación: El misterioso chofer de la limusina. Nos hemos quedado con ganas de saber más de él. Da para un spin off, o al menos para un cameo en la próxima película.

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En definitiva, estamos ante un potente filme que aprovecha al máximo sus recursos y al que no se le ven las costuras. Esperamos que pueda tener el estreno digno en salas que realmente merece. Una gran opera prima.

“No he visto Saw” Haritz Zubillaga

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Tras la proyección, Haritz Zubillaga, el guionista Aitor Eneriz y Paola Bontempi respondieron a las preguntas de la audiencia. Uno de los espectadores hizo referencia al parecido entre El ataúd de cristal y el juego macabro de Saw, pero Zubillaga afirmó no haber visto la célebre película de James Wan. Eneriz habló de otros parecidos que le han sacado a la película, como el de un productor estadounidense que la relacionó acertadamente con el clásico ¿Qué fue de Baby Jane?. Asimismo desgranó como fue el rodaje de algunas escenas, como la espectacular secuencia final. El equipo estuvo ‘defendido’ en todo momento por el imponente chofer de la limusina.

Pieles: La malformación está en la mirada

El FANT 23 ha empezado fuerte. El Teatro Campos Eliseos ha sido un año más el escenario elegido para la ceremonia inaugural, y como en ediciones anteriores Lander Otaola y Maria Goiricelaya se han metido al público en el bolsillo con un humor espontáneo, valiente y muy oportuno. En esta ocasión han estado bien secundados por las ‘maníacas’ que se mezclaban entre el público para recordarnos que esto va de terror, aunque si hay que pasar de horror a La La Land se pasa. Cuánta razón Otaola al nombrar todos los festivales de cine bilbaínos para rematar diciendo “El FANT, al que va gente”, y es que en el Campos no cabía ni un alfiler.

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Este año la organización ha acertado de pleno con Pieles, la mayúscula bizarrada española que ha abierto el certamen. La opera prima de Eduardo Casanova es un auténtico salto al vacío artístico en el que el director consigue caer milagrosamente de pie. Pocos director pueden presumir de tanta libertad en su primer trabajo, aunque esto quizá hay que agradecérselo a Álex De la Iglesia, productor de la película.

Pieles pertenece al subgénero de historias cruzadas. La película presenta a varios personajes al límite unidos por un físico diferente, algo similar a lo que Tod Browning nos enseñó en La parada de los monstruos.

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Uno de los mayores logros de Casanova es la rapidez con la que el espectador se familiariza con ‘lo diferente’ tras la sensación de estupor inicial. Y es que cuesta en un primer momento cuesta hacerse a personajes como el que interpreta Ana Polvorosa, una joven con ano por boca. Si por algo merece todos los elogios esta cinta es por su extraordinaria labor de maquillaje, bien acompañada por una dirección artística cuidada al detalle en el que predominan los tonos rosas (Veáse en look del elenco en la foto de portada).

Las referencias de la película son claras. Las más evidentes un Almodovar desatado o un David Lynch menos oscuro de lo habitual. A Casanova bien podríamos emparentarle con Carlos Vermut, quizá porque ambos comparten sendos debuts suicidas y se decantan por las historias cruzadas. La sensación tras terminar Diamond Flash no era muy distinta de la que se queda al final de pieles.

Casanova también ha acertado con el reparto, del que hay que destacar su generosidad. Sorprende para bien el ‘Freddy Krueger’ que interpreta Jon Kortajarena, totalmente irreconocible hasta el final. Muy meritorio también el ya mencionado personaje de Ana Polvorosa. Lo más sencillo era caer en el más absoluto ridículo, pero lo excesivo del maquillaje contrasta con la serenidad de la actriz para afrontarlo. Itziar Castro es para mi uno de los descubrimientos de la cinta. Quizá el personaje de la casi siempre extraordinaria Candela Peña es el que mejor sintetiza el sentir del filme. Siente que no va con ella lo de ‘ser diferente’ y ve claramente que el problema lo tiene el espectador.

La peor noticia para Casanova es que estamos ante una de esas películas que despertará fobias directas por su contenido, incluso entre los que no lleguen a verla. La mejor, es que estamos ante una pieza de culto instantáneo.

*La película se estrena en cines el 9 de junio de 2017

Assassin’s Creed: Videojuego en Sevilla, ninguna maravilla

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Es un poco triste tener que abrir un artículo con un tópico, pero Assassin’s Creed confirma de nuevo que el salto a la pantalla de los videojuegos suele ser un salto al vacío que casi siempre acaba en hostiazo. Y eso que daba la impresión de que esta vez la cosa podía funcionar. El director Justin Kurzel repetía con Michael Fassbender y Marion Cotillard, con los que acababa de trabajar en su reciente adaptación de Macbeth. Parecía que el estudio no quería renunciar a intentar hacer algo más que un producto, y tras ver la película, ese intento de dignificar la película es quizá lo que ha terminado de hundirla.

En Assasin’s Creed un condenado a muerte se libra de la ejecución a cambio de participar en un programa que pretende recuperar la manzana mordida de Eva, una reliquia que puede hacer que la violencia desaparezca de la sociedad. La acción se desarrolla a caballo entre el presente y la España de 1492.

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Tras unas intrigantes y prometedoras escenas iniciales todo se viene abajo rápidamente. Ese continuo juego presente-pasado provoca que nunca nos acabemos de trasladarnos a ninguna de las dos épocas. El vehículo que utiliza la película para hacer el viaje se denomina el ‘Animus’, una evolución tecnológica capaz de viajar a los recuerdos. Las escenas de Fassbender en el presente y de Aguilar, su antepasado español, son lo peor de la película. Justo cuando parecemos estar ante la inquisición volvemos adelante para ver como Fassbender sufre jugando a una especie de Wii extrema.

Kurzel se empeña en darle trascendencia a lo que en realidad es poco más que una película de hostias, y el interés cae en picado con el paso del metraje. Llega un momento en el que ya no sabes si estas viendo El código Da Vinci, La Isla, El Ministerio del tiempo o Aguila roja. Las interpretaciones no ayudan. Fassbender y Cotillard están peor que nunca. Uno se pregunta quién les convenció para meterse en este jardín, y todo indica que la respuesta tiene unos cuantos ceros.

Estamos ante una película que ni siquiera agradará a los ultras de la saga de la videoconsolas. Asassin’s Creed no es solo decepcionante, también es muy mala. De momento la única adaptación potable de un videojuego sigue siendo la de Silent Hill. ‘El caballero oscuro’ de este subgénero aún está por venir.

 

La cura del bienestar: El encanto de la imperfección

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Gore Verbinski se acaba de ganar todo mi respeto. Hasta ahora se podía hablar de un director cuya carrera se ha caracterizado por un eficiente trabajo al servicio de las majors. De la primera trilogía de Piratas del Caribe al remake de The Ring, pasando por Un ratoncito duro de roer, El hombre del tiempo, Rango o The Mexican. Un cineasta que ha pasado de ser un mero peón de la industria a dirigir un filme de terror gótico de dos horas cuarenta, sin estrellas y con suculentas idas de olla. Quizá La Cura del bienestar de la que habla el filme es la que ha tomado Verbinski, dejando encargos de lado y haciendo de una vez por todas lo que le ha salido del nabo.  Y bien saben los lectores que en esta página somos enemigos de los que piden moderación desde el sofá contándonos que ‘El cementerio está lleno de valientes’. Tal vez desconocen que la hora nos llega a todos, y de palmar, palmar con estilo.

El comienzo de La cura del bienestar es de esos a lo Apocalypse now: Un hombre con la misión de encontrar a otro hombre. Un tiburón de Wall Street es enviado por los mandamases de la empresa a buscar a un compañero que se niega a volver a Manhattan tras su estancia en un balneario suizo. Todo se complicará al comprobar que el enclave alpino no es tan idílico como aparenta.

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Las referencias son evidentes. Imposible no mencionar al Scorsese de Shutter island. Por parecer se parece hasta Dane DeHaan, protagonista de la película, a Leonardo Dicaprio. Aunque en todo momento se ve más un homenaje que un plagio. También hay guiños a El resplandor, como ese plano aéreo de la carretera camino al balneario que recuerda tanto al del inicio de la película de Kubrick, o a La Escalera de Jacob. El resto es una Hammer de serie A.

La película que va sobrada visualmente. La fotografía y la dirección artística son de Oscar. Por el precio de la entrada nos llevamos una treintena de planos perfectos. Por momentos La cura del bienestar nos traslada a ese balneario. La hipnosis de Verbinski funciona y el viaje merece la pena. A pesar de que estamos ante un título que también cuenta con algunos problemas evidentes. El más notable su reiteración de ideas. También padece de uno muy habitual en los títulos de suspense: La sobrexplicación en el último acto. Pero en ningún momento esto provoca el derrumbe, mérito añadido tras sus casi 160 minutos. Quizá esa irregularidad, esos pasos bruscos de la solemnidad al What the fuck son los que consiguen que la película acabe conquistando.

Y además La cura del bienestar nos muestra el lado oscuro de los avances de la ciencia. Esa búsqueda del progreso se ha cobrado muchas vidas en el pasado y se las sigue cobrando hoy en día. Es el fantasma que se esconde tras nuestra rutina, eso que algunos llaman bienestar. Desde ya reivindicamos este título, que está dejando las salas tras su primera semana de proyección con bastante más pena que gloria. Con el tiempo quizá se hable de esta película como un título de culto. Merece la pena apuntarse a la cura.

Trailer:

 

 

El bar: La cara B de España

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De la iglesia se ha convertido con el tiempo en un género en si mismo. Todas sus películas se presentan como comedias, pero casi ninguna lo es como tal. Todas parecen thrillers, pero casi ninguna lo es. Todas parecen de género fantástico, pero casi ninguna lo es. No es excepción El bar, que aún estando lejos de sus mejores obras, cumple los mínimos de un director que rara vez baja del seis.

La película cuenta la historia de un grupo de personas que coincide por azar en una taberna. Situación cotidiana de no ser por el disparo en la cabeza que recibe uno de los clientes al salir del local. A partir de ahí, los desconocidos comenzarán un encierro que les llevara al límite.

El bar tiene las virtudes y defectos de las últimas películas del director: Un comienzo espectacular y una ligera caída hacia el final. En esta ocasión se debe a que el guión que firma Jorge Guerricaechevarría junto al propio director no está a la altura de la brillante puesta en escena. Por suerte esto no afecta al entretenimiento. El bar dura en un suspiro, y la experiencia merece la pena. En parte gracias a ese bar que es visita ineludible en Madrid, el mítico Palentino de la Calle Pez, en Malasaña. Escenario ideal para que el apocalipsis resulte cotidiano.

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Los actores habituales de la última etapa del director responden una vez más. En especial los polos más extremos de la función: ‘El mendigo’ encarnado por Jaime Ordoñez y ‘la pija’ que interpreta Blanca Suarez, quizá los dos personajes más jugosos y mejor defendidos.

De la Iglesia no desaprovecha la ocasión de mostrarnos a la España en B, una España que se ha desarrollado ‘bajo manta’ mientras celebraba el gol de Iniesta. Una España regida por trileros y una población jugadora que acepta la estafa en cada partido, todo esto patrocinado por el cuarto poder, incapaz de denunciar la trampa. Y lo peor es que los que pillan el juego se acaban matando entre ellos. Si no sabéis de lo que hablo preguntarle a Iglesias o Errejón, o preguntar por los idus de marzo del PSOE. El bar es una gran metáfora de nuestro tiempo.

 

 

En Spoiler (Deja de leer aquí si no lo has visto)

El cine español ha perdido una oportunidad de oro de entrar en el terreno de la ‘falsecuela’: Película que se presenta como un estreno independiente, pero que acaba encajando en otra saga sin marketing ni aviso previo), el trampantojo hecho cine. Digo esto porque la película de Álex encajaría como un guante como una historia enlazada al universo cinematográfico de REC.

PreFANT recopila lo mejor de la última cosecha de cine fantástico y de terror

Vuelve el PreFANT con un doble objetivo. Hacer que el ‘mono’ de FANT se relaja y calentar motores para los que nos espera. El PreFestival se desarrollará en los espacios habituales, Sala BBK y Bidebarrieta, a los que este año se suma el Museo Guggenheim.

Los días 24, 25 y 27 tendremos ración doble en la sala BBK con parte de lo mejor del cine de género de los últimos meses gracias al ciclo Sitges Tour AContracorriente y un pre-estreno:

La autopsia de Jane Doe (Lunes 24 abril, 18:00)

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Película de terror con aroma clásico dirigida por André Øvredal, responsable de Troll Hunter. Obtuvo la mención especial del jurado en el festival de Sitges.

Shin Godzilla (Lunes 24 de abril, 20:00)

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Tras la última adaptación USA del célebre nipón, la criatura vuelve al cine japonés, lugar del que nunca debió haber salido. Shin Godzilla mezcla Kaiju y cine político post-Fukushima.

Somnia. Dentro de tus sueños (Before I Wake) (Martes 25 de abril, 18:00)

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Cinta de terror psicológico sobre los sueños y los miedos infantiles. Dirige Mike Flanagan, responsable de   Hush (Silencio, Oculus: El espejo del mal y Ouija: El origen del mal).

Train to Busan (Martes 25 de abril, 20:00)

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La cinta coreana es la gran película de zombies de los últimos tiempos. La película logró dos premios en Sitges: Mejor director y mejores efectos especiales. Dirige Yeon Sang-ho, que ya compitío en FANT con las animadas The king of pigs y The fake.

Pre-estreno: Always Shine (Jueves 27 de abril. 18:00)

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Triller psicológico indie ambientado en el mundo de la interpretación que se hizo con el premio a la mejor actriz en el Festival Tribeca de Nueva York.

Melanie. The Girl with All The Gifts (Jueves 17 de abril, 20:00)

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Interesante película inglesa de zombies que mezcla a niños y muertos vivientes. Su desolador paisaje recuerda a 28 días después.

*Todas las proyecciones son de entrada libre hasta completar aforo.

Conferencia sobre Robocop (26 de abril, 19:30h)

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La charla de este año en Bidebarrieta estará dedicada a Robocop con motivo del estreno del 30 aniversario de la primera película de la saga, y estará impartida por el cineasta bilbaino Toni García Abad. Si queréis ir estudiados de casa podéis leer el artículo que dedicamos en La Vaca de Twister a la relación entre Robocop y La Biblia, entre otras anécdotas.

Clausura del PreFant en el Guggenheim: Girl Asleep + Carlos Bayona DJ (Viernes 28 de abril)

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La distribuidora La Aventura proyectará en el Museo Guggenheim Girl Asleep (20:00) coincidiendo con su estreno en salas de Madrid y Barcelona. Se trata de una cinta australiana Low cost que mezcla el género fantástico con cine al estilo Wes Anderson.

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Tras la proyección, Carlos Bayona, hermano del director de Un monstruo viene a verme, ofrecerá una sesión especial para FANT desde la cabina de DJ, dentro del Ciclo Art After Dark del Museo Guggenheim

Muestra “The Vault of Rob Zombie. A Cómic Tribute”

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Y nos llegan noticia del FANT, que se celebrará del 5 al 12 de mayo. Azkuna Zentroa acogerá la exposición “The Vault of Rob Zombie. A Cómic Tribute”, una recopilación de carteles de 16 ilustradores que se han apoyado en la imaginación del director de Los Renegados del diablo para llevar a cabo sus obras. La muestra está coordinada por Borja Crespo.

CRUDO: PRIMERO DE CANIBALISMO

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A Crudo le ha pasado lo mismo que a The Witch el año pasado. Películas de autor que acaban en mutilsalas debido a campañas de marketing engañosas. Ni The witch era la película más terrorífica de la historia, ni Crudo es la gran salvajada que han querido vender. El filme se ha hecho hueco gracias al eslogan “Puede provocar mareos” que se ha vendido en los medios. Ahora bien, el debut en la dirección de Julia Ducournau merece todos los elogios que ha recibido por parte de la crítica.

La película nos lleva a la universidad de la mano de Justine, una joven que llega al Campus para iniciar sus estudios de veterinaria. Formada en una educación vegetariana, su vida cambiará por completo al descubrir los encantos de la carne.

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Crudo naturaliza una cuestión que la sociedad ha convertido en tabú: El canibalismo, al que Ducournau decide darle un tratamiento similar al de la adicción a las drogas. A partir de ahí se abre la veda para que cada espectador decida jugar con esa metáfora de ‘comernos unos a otros’, más si cabe en un entorno universitario en el que los novatos viven sometidos por los alumnos de segundo curso.

Estamos también ante el enésimo viaje iniciático puente entre la adolescencia y la edad adulta tras dejar atrás el hogar familiar. Quien haya pasado por esa franja horaria vital sabrá que es una zona gobernada por el cambio constante. De hacer y dejar de hacer cosas por el ‘que dirán’. Una época de influencia del entorno que acaba cuando encontramos nuestra propia identidad. Encontrareis todo esto en Crudo. dejando a la vista que a pesar del factor canibal estamos ante un retrato de personaje fascinante y jodidamente veraz.

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La fuerza de los personajes femeninos y ese aire francés, evoca a La Vida de Adele. Las jóvenes Garance Marillier y Ella Rumpf  son el equivalente perfecto a Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux, aunque en el caso de Crudo el nexo sea únicamente fraternal. Todo el trabajo interpretativo se ve apoyado en una fotografía excelsa y en una hipnótica banda sonora que recuerda al trabajo de Rob para la versión francesa de Maniac, dirigida por Frank Khalfoun. También encontramos un guiño a Carrie, la obra maestra de Brian De Palma. Mezclando sangre y novatadas era imposible no recurrir a ella.

Crudo sin duda será recordada como una de las grandes de este 2017. A pesar de la hemoglobina, una cinta que puede gustar a cualquier cinéfilo. Más difícil lo van a tener los que esperen encontrar una película de terror al uso. Ya esperamos ansiosos el próximo paso de Ducournau tras esta brillante opera prima.

Incidencias durante la proyección: Niños/as en la sala

En la sala a que acudimos había niños, y no me refiero a niños de 14 años, si no a niños de menos de diez. Al girarnos para ver su reacción ante alguna de las escenas hardcore,  vimos a uno de ellos con el envase de palomitas en la cabeza.  ¿Qué lleva a alguien a llevar a niños pequeños a ver este tipo de películas? ¿Hasta que punto debería haber cierta regulación en la entrada de menores a según que proyecciones? Dejo abierto el debate por si alguien quiere comentar algo al respecto.

 

 

Logan: Slow food para la última cena mutante

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Reconozco la valentía de la pareja Hugh Jackman-James Mangold al intentar darle un final digno a uno de los grandes personajes del cine de superhéroes. Tras dos spin-offs insatisfactorios, Logan no solo pone fin al más célebre personaje de la Patrulla X, también despide a la primera generación cinematográfica de mutantes. La apuesta de Mangold era dejar de lado el fast-food cinema para hacer una pellicula más pausada, más íntima, con sabor a western crepuscular. Algo más que la habitual empanadilla de hostias. El director sacrifica acción poniendo corazón, y en parte funciona. La pena es que al resultado final le falta cabeza.

La acción nos sitúa en un futuro incierto en el que los mutantes se encuentran en peligro de extinción. En ese contexto, un Lobezno alcohólico y desmejorado parece haber olvidado su pasado mutante. Alguien se cruzará en su camino para encomendarlo una último misión.

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La película se alimenta de algunos de los grandes títulos de los últimos años. La relación Logan-Laura recuerda a la que mantuvieron en los 90 Arnold Schwarzenagger y Edward Furlong en Terminator 2, y los enemigos del filme parecen lanzados por Skynet.  La búsqueda de la tierra prometida y algunas escenas en vehículo nos llevan a Mad Max: Furia en la carretera. También está presente el terror fronterizo de No es país para viejos. Y no nos olvidamos de las series. La película parece en ocasiones pariente de Stranger Things. Los paralelismos entre Once y Laura son evidentes, al igual que los de sus lugares de origen.

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Logan es además un gran espectáculo interpretativo. Jackman rinde a gran altura. Hugh Jackman es Lobezno, y Lobezno es Hugh Jackman. Por muchos Lobeznos que veamos en el futuro nunca habrá debate. No habrá uno mejor. Si los premios consideraran este género, Hugh Jackman sería una de los cinco candidatos finales al próximo Oscar. No se queda atrás Patrick Stewart, que encarna a un profesor Xavier entrado en la noventena y con importantes problemas de salud.

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A pesar de las virtudes, los problemas de Logan son evidentes. El principal sus 135 minutos de duración, que se hacen largos ante el vacío de acontecimientos en algunas partes. A eso hay que sumar un guión nunca está a la altura de la estética. Vemos el ocaso del héroe, pero en ocasiones falta un porqué. La película avanza con claros acelerones y frenazos. Nunca encuentra su ritmo. Por suerte, su antológico plano final y el Hurt de Johnny Cash en los créditos elevan un escalón la calidad de la película.

Estamos ante una película para devotos del personaje que gustará a muchos cinéfilos ajenos al género, pero que decepcionará a los que busquen la película definitiva de los X Men. Al menos en esta ocasión hay amputaciones sin censura Made in Lobezno. Decepcionante, pero Logan no es ni mucho menos una mala película.

 

 

Que Dios nos perdone: Madrid bajo el terror del Follaviejas

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La segunda película de Rodrigo Sorogoyen (Stockholm) alcanza de forma instantánea el Olimpo del Thriller español. Estamos ante uno de los mejores filmes de la caza del spanish serial killer. El tiempo la pondrá en su lugar, si no lo ha hecho ya.

La película nos traslada al Madrid 2011, un Madrid difunto de las Olimpiadas en el que el 15M y la visita de Benedicto Equis Uve Palito manchan de tinta los periódicos. En ese contexto, dos peculiares policías investigan la muerte violenta de varias ancianas.

Hay dos influencias claras en Que Dios nos perdone. Por un lado encontramos ecos del thriller Fincheriano, por otro encontramos un tono cercano al del thriller coreano. El éxito de Sorogoyen radica en beneficiarse de elementos conocidos para reinventar el thriller castizo. El resultado esta lejos del thriller de pura influencia americana de Daniel Monzón. La película es española, muy española, y madrileña más concretamente. La ciudad se presenta como un personaje más de la trama. Una gran recreación del sofocante julio madrileño, con tanto acierto como el desgarrador madrid estival del Barrio de León de Aranoa.

Y todo esto dando total protagonismo a los personajes, defendidos extraordinariamente por todo el reparto. Antonio De la Torre consigue en la película algo muy complicado: Que a pesar de ser Antonio De la Torre veamos a su personaje, el tartamudo Velarde. Un investigador de nivel, parco en palabras, y con un auténtico infierno interior. Brilla a la misma altura un desatado Roberto Álamo, convertido en un colérico policía que se sitúa en la frontera entre John Mclane y Jose Luis Torrente.

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Quizá lo peor del filme sean sus últimos minutos. Si bien responden a una lógica, no están a la altura del potentísimo resto del metraje. Por suerte, predomina lo notable, como esa realización trepidante cámara en mano que incorpora realidad al resultado final.

Que Dios nos perdone confirma el gran momento del thriller español, gracias a las recientes El hombre de las mil caras o Tarde para la ira, que se suman a títulos aventajados como Tesis o La Isla mínima. Empezaba a ser hora de que el cine español dejara atrás el drama o la comedia.

 

Múltiple: El niño de ‘El sexto sentido’ deja de ver a Shyamalan

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M. Night Shymalan ha vuelto para confirmar que lo que vimos en La Visita no fue un espejismo. El ‘Isabel Gemio’ hindú, ha regresado de entre los muertos con Múltiple.

En esta ocasión, el director lleva a las últimas consecuencias dos subgéneros del thriller: El psicológico y el sobrenatural. En Múltiple, un hombre con severo trastorno de personalidad secuestra a tres jóvenes. Las chicas pronto se darán cuenta de que su captor está muy lejos de ser un delincuente al uso.

La película es un gran estudio de traumas severos. La mezcla de thriller, terror, drama y acción funciona como en los días gloriosos del director de El sexto sentido, El Bosque, El protegido o Señales. Prueba de ello son las tres semanas consecutivas que el filme lleva liderando el ranking USA. Con la calidad también vuelve el público.

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En el aspecto interpretativo asistimos a un duelo de primer nivel, el que enfrenta a Anya Taylor Joy (La bruja) y James McAvoy. La joven intérprete encarna a la perfección el resultado de una infancia difícil, mientras que el actor británico acierta en uno de esos papeles que permiten lucirse. McAvoy más desatado que nunca dando vida a los habitantes inciertos del antagonista. Un enemigo de primer nivel. También destaca la veterana Betty Buckley, que da vida a la doctora Karen Fletcher, un personaje que recuerda al doctor Loomis de La noche de Halloween.

En definitiva, una película que entusiasmará a los adeptos del director, y que entretendrá a la gran mayoría de la audiencia. Un título que deja con ganas de más.

ANÁLISIS EN SPOILER (Si no la has visto ni se te ocurra leer esto. Te arrepentirás toda tu puta vida)

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El nacimiento de la falsecuela

Shyamalan es un género en si mismo, y la conclusión de la película no hace más que confirmar esta afirmación. Tras el rótulo final, suenan unos acordes que nos resultan familiares. ¿Esto no es la banda sonora de El protegido? Habréis recordado muchos. Y allí está él, al final de la barra, David Dunn (Bruce Willis), revelando que todo lo visto hasta ese momento no era otra cosa que la presentación del archienemigo de la película que Shyamalan había dirigido 15 años antes. Pelos como escarpias. El director ha vuelto a dar en el clavo con un giro histórico. Ahora solo falta poner fecha al duelo de titanes que enfrentará a David Dunn y La horda. Un héroe que no puede sufrir dolor y un enemigo que castiga a las personas que no han sufrido. Épico. Los actores están por la labor.

Y el cabrón de M. Night Shyamalan se la saca diciendo que ya dio la pista en el poster. Los posters de El protegido y múltiple… ¡Encajan!

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El caso Fischer: La tercera guerra mundial sobre un tablero

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Hay películas que sin ser gran cosa se convierten en fenómeno. Y también existe el efecto contrario, películas que a pesar de su calidad pasan completamente desapercibidas. Eso es lo que ha ocurrido con El Caso Fischer, en inglés Pawn Sacrifice, una visión apasionante de la compleja mente del ajedrecista norteamericano Bobby Fischer, que ascendió al Olimpo del ajedrez mientras sufría una auténtica pesadilla en su cabeza.

La cinta recrea el episodio más célebre de su carrera, el duelo ante el soviético Boris Spassky. Había oído hablar del enfrentamiento, pero desconocía la historia detrás de la partida. Este desconocimiento no ha hecho más que mejorar la experiencia, aunque la película también gustará a los iniciados en la figura del ajedrecista, o simplemente a los fans del cine de la guerra fría. Una guerra que tenía lugar en todos los ámbitos, de la carrera espacial al hockey sobre hielo. Estados Unidos y la Unión soviética aprovechaban el éxito en cualquier materia para mostrar al mundo su condición de potencia dominante. La partida Fischer-Spassky sintetiza a la perfección lo que supuso la guerra fría para ambas naciones.

Tobey Maguaire ofrece en esta película la que es posiblemente la mejor interpretación de su carrera. También cumple Liev Schreiber, en buena línea tras su buen trabajo en Spotlight el pasado año. Buena parte del resultado final se debe al buen hacer de ambos intérpretes.

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Dirige el eficiente Edward Zwick, responsable de un puñado de títulos competentes (Diamante de sangre, Leyendas de pasión, El último samurai, Resistencia), pero que nunca alcanzan la excelencia.  Y se puede decir que hace un ‘Another brick in the wall’ para confirmar esta fama de cumplidor.

No es una película redonda, pero El caso Fischer es una película que merece la pena recuperar. Sin tanto nombre da mil vueltas a películas de su liga, como Una mente maravillosa. Una historia bien contada y bien interpretada que se ve de un tirón, a lo que ayudan ciertos toques cómicos en algunas partes del metraje. Más allá del cine, estamos ante una historia que merece ser conocida.

Bonus track:

Las referencias de Los chicos del maíz siempre son interesantes. En este tema sacan chispas al duelo Bobby Fischer vs Spassky.

 

Ciencia ficción: el género maldito de los Oscar

Desde la primera edición de la gala de los Oscar, 88 películas han sido galardonadas con la estatuilla a la mejor película. ¿Sabéis que tienen en común? Ninguna de ellas fue de ciencia ficción. Los académicos han convertido al género en parte del decorado cuando la noche se pone seria y comienzan los premios gordos. Detallamos caso a caso este ninguneo histórico.

1968: CASO 2001, UNA ODISEA EN EL ESPACIO

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Oscar a los mejores efectos visuales. 4 nominaciones, incluyendo Director y Guión

Los efectos especiales de 2001 siguen siendo enormes aún hoy. Tan buenos eran que muchos siguen creyendo hoy que Kubrick dirigió en un plató la llegada del hombre a la luna. Y hasta ahí. Los Oscars ningunearon al filme en un año que ganó Oliver, de Carol Reed. Al menos tuvieron la decencia de nominar a Stan como mejor director, pero tampoco ganó. Demasiada película para la Academia.

1979: CASO ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO

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Mejores efectos visuales. Nominada a Mejor dirección artística

La primera obra maestra de Ridley Scott se llevó a casa la merecida estatuilla de efectos especiales, y hasta aquí podemos leer. Ni la película ni la magistral dirección de Scott tuvieron opción a premio. Tampoco el soberbio trabajo de Sigourney Weaver fue nominado. Al menos tuvieron la decencia de nominar a su dirección artística, categoría en la que compitió junto a Star Trek, pero ambas cedieron ante All That Jazz.

La vencedora de la noche fue Kramer contra Kramer, cuyo hueco en la historia del cine es mínimo comparado con los sucesos de la Nostromo. Esos Oscars debieron estar entre Alien y Apocalypse Now. La obra maestra de Coppola si estuvo nominada en las categoríaas principales, pero solo triunfó en fotografía y banda sonora.

La recompensa para Weaver llegaría con Aliens: El regreso, pero en forma de nominación. Ripley mereció mucho más.

1982. CASO BLADE RUNNER Y E.T. EL EXTRATERRESTRE

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BLADE RUNNER

2 nominaciones al Oscar: Mejor dirección artística, efectos visuales

E.T: EL EXTRATERRESTRE

4 Oscar: Música, Sonido, FX, Efectos sonoros. 9 nom. incluyendo Película

En 1982 se estrenaron dos mitos del cine: E.T. de  Steven Spielberg y Blade Runner, de Ridley Scott, historia del cine. Pero los Oscar decidieron que ese año fuera el de Gandhi, de Richard Attenborough, una buena película, pero a años luz de las anteriormente nombradas.

E.T. se llevó 4 Oscars de los considerados técnicos (Música, Sonido, FX y efectos sonoros) de los 9 a los que aspiraba. Y estuvo presente en las categorías de mejor película y mejor director. Echamos de menos la presencia del propio E.T. como mejor actor de reparto.

Lo verdaderamente sangrante fue que Blade Runner tuviera que conformarse con una presencia testimonial: Nominaciones en dirección artística y efectos visuales. El ninguneo en las categorías principales fue total.

Todo el mundo estará de acuerdo en que el diseño de producción de la película de Scott es sin duda uno de las mejores de la historia. Pues de poco sirvió, otro oscar para Gandhi.

La impresionante banda sonora de Vangelis no estuvo nominada, en una categoría en la que como curiosidad contaremos que si estuvo la de Poltergeist, de Jerry Goldsmith.

1985: CASO REGRESO AL FUTURO

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 Mejores efectos de sonido. 4 nominaciones

Regreso al Futuro es un icono del cine, pero no por la noche de los Oscar. Consiguió uno testimonial, el de mejores efectos sonoros, pero la película de Zemeckis ni siquiera apareció en las categorías principales. La más prestigiosa la nominación al mejor guión original, en la que cedió ante Único testigo. La triunfadora de la noche fue Memorias de África. Incluso la también Sci-Fi Cocoon ganó más oscars (Mejor actor de reparto y mejores efectos visuales).

1992: CASO TERMINATOR 2

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4 Oscars: Mejor sonido, efectos de sonido, ef. visuales, maquillaje. 6 nom.

La mejor película de James Cameron obtuvo cuatro oscars, pero todos menores. Lo triste es que La bella y la bestia compitiera por ser la mejor película y Terminator 2 no. En mejor montaje y mejor fotografía cedió ante JFK: Caso abierto, de Oliver Stone. Al menos la triunfadora de esa noche si es historia del cine: El silencio de los corderos.

1993: CASO PARQUE JURÁSICO

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3 Oscars: Mejor sonido, efectos de sonido, efectos visuales.

Parque jurásico se enfrentó a un gran problema en el 1993, competir junto a la película más prestigiosa de Steven Spielberg: La lista de Schindler. Así que mientras la recreación del holocausto se llevó los Oscars serios, Parque Jurásico recibió los técnicos. La echamos en falta especialmente en las categorías de Banda sonora, guión adaptado, dirección y montaje, en las que ni siquiera fue nominada.

1995: CASO 12 MONOS

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2 nominaciones al Oscar: Mejor actor de reparto (Brad Pitt), vestuario

La mejor película de Terry Gilliam también mereció algo mejor que dos nominaciones en una edición en la que fueron multinominadas Apolo XIII (9 nominaciones) y Babe, el cerdito valiente (7 nominaciones). Director y guión debieron tener opciones importantes en la que fue la noche de Mel Gibson y su Braveheart.

1999: CASO MATRIX

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4 Oscars: Mejor montaje, sonido, efectos visuales, efectos sonoros

Matrix está considerada la gran renovadora del género, y también del blockbuster. La película levantó con facilidad cada una de las cuatro estatuillas a las que fue nominada, y la gran pregunta rondó la ceremonia ¿Por qué quedo fuera de las nominaciones principales? Aunque el nivel era alto (American Beauty, El sexto sentido, El dilema, Magnolia o La milla verde) debió tener su hueco, como se lo ha ganado en la historia del cine. Quizá no hubiera podido con American Beauty, la triunfadora, pero debió tener la oportunidad de medirse con ella.

2006: V DE VENDETTA

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0 NOMINACIONES

V de Vendetta es una de las preferidas del público de la década de los 2000, pero no tuvo la más mínima oportunidad. La interpretación de Hugo Weaving o su guión adaptado debieron ser candidatos. La triunfadora de la noche fue Infiltrados, en una ceremonia en la que El laberinto del Fauno obtuvo tres estatuillas.

2009: CASO AVATAR, DISTRITO 9 Y WATCHMEN

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Avatar

3 Oscars: fotografía, dirección artística, efectos visuales. 9 nominaciones

Distrito 9

4 nominaciones, incluyendo mejor película

Watchmen

0 nominaciones

Avatar partía como una de las favoritas de la noche, sumando 9 nominaciones, las mismas que En tierra hostil, pero ni la popularidad de la película de Cameron, un auténtico taquillazo, sirvió para competir con la película de su ex mujer, Kathryn Bigelow, que se hizo con los Oscars principales. 6-3 en una ceremonia descafeinada en la que hasta Sandra Bullock se llevó su estatuilla.

En la misma ceremonia tuvo su hueco una de las grandes sorpresas del género en los últimos años, Distrito 9, que si bien no consiguió ningún premio fueron suficientes para alargar la vida comercial de la película. Ya es bastante teniendo en cuenta el estigma de la SCI-FI.

Una que no figuró y echamos en falta fue Watchmen. Cero nominaciones a pesar de gran dirección artística y un gran Jackie Earle Haley, que bien podía haber competido en la categoría de mejor secundario. La dirección de Zack Snyder también mereció un hueco.

2010: CASO ORIGEN

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4 Oscars: mejor fotografía, sonido, ef. sonoros y visuales. 8 nominaciones

Además de las categorías técnicas, Origen si estuvo en la lucha de mejor película o mejor guión adaptado, pero la película de Nolan se vio frenada por un telefilme de la tarde de Antena 3: El discurso del rey. Le queda el consuelo de que esta no le superó en Oscars. Empataron a cuatro.

2013: CASO GRAVITY

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7 Premios Oscar: incluyendo mejor director. 10 nominaciones

No es ningún secreto que Gravity no es una película que despertara nuestra devoción, pero si es la película Sci-fi que más cerca ha estado de arrasar en los Oscar. De hecho arrasó en número, consiguiendo nada menos que 7 estatuillas. Entre ellas las de dirección, fotografía y banda sonora, pero en la madre de todas las categorías, mejor película, cedió ante 12 años de esclavitud. Casi.

2014: INTERESTELLAR

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Oscar: Mejores efectos visuales. 5 nominaciones incl. mejor banda sonora

La de 2014 tampoco fue la noche de Nolan. A pesar de su gran recepción por parte del público, la película se vio relegada a nominaciones menores, y solo logró la estatuilla a los mejores efectos visuales. Ni siquiera su contundente banda sonora tuvo opción. Los académicos debieron perderse en algún agujero de gusano. Era la noche de la sobredimensionada Birdman, que también dejó fuera a títulos de la talla de Whiplash o Boyhood.

2016:  CASO MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA

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6 Premios Oscar: incluyendo mejor montaje. 10 nominaciones

La cuarta entrega de Mad Max volvió a demostrar que la Sci-fi solo tiene opciones en las categorías menores. Hasta 6 Oscars técnicos obtuvo la película de George Miller. La academia la incluyó también en los grandes apartados (Película y director), pero fue mera figurante a pesar de su triunfo en la letra pequeña. El Oscar al mejor director de nuevo para Iñarritu. Robo a Miller.

2017: CASO LA LLEGADA

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8 nominaciones, incluyendo mejor película y director

Tras leer todo esto… ¿Necesitaís de verdad que os expliquemos lo que va a pasar con La llegada? Otra vez será. De momento ya se han cepillado a Amy Adams en la categoría de mejor actriz, una de las candidatas más potentes.

Las 17 películas más esperadas de 2017

2017 puede se presenta como un año suicida. Ridley Scott y Danny Boyle vuelven a sus obras maestras, Christopher Nolan se va a la guerra, resucitan los Power Rangers, regresa el payaso más celebré del cine… ¿De verdad saldrá bien todo esto? Éste es el cine que viene:

LA LA LAND, LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS (13 DE ENERO)

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Si no hay sorpresas, La la land arrasará en la próxima edición de los Oscar. Tampoco es que sea una gran garantía esta afirmación. Lo que nos da cierta esperanza es que tras la cámara está Damien Chazelle, director de Whiplash, una de las grandes sorpresas de la pasada temporada.

MÚLTIPLE (27 DE ENERO)

Tras encadenar varios bodrios consecutivos, M. Night Shyamalan recuperó sensaciones con La Visita. Múltiple promete continuar esa senda con la historia de un psicópata con un trastorno de personalidad. James McAvoy nos ofrecerá una de las interpretaciones más desatadas de los últimos años.

 T2: TRAINSPOTTING (3 DE MARZO)

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En marzo llega el primer revival gordo de la temporada. Danny Boyle vuelve a dirigir en la secuela al elenco de la película original, que promete actualizar su discurso y otra banda sonora de escándalo. Un título que llevamos veinte años esperando.

CRUDO (17 DE MARZO)

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Cinta de horror canibal que se alzó con tres premios en Sitges y el de la FIPRESCI en Cannes. Ya tenemos mesa en el restaurante para degustar este gore de autor.

EL BAR (24 DE MARZO)

De la Iglesia traslada su locura habitual al interior de un bar. Fuera alguien acaba de recibir un disparo en la cabeza. La trama promete. En el reparto habituales del director como Terele Pávez y Mario Casas, a los que se unen nombres como Carmen Machi o José Sacristán.

LA CURA DEL BIENESTAR (24 DE MARZO)

No es que seamos muy de Gore Verbinski (Piratas del Caribe: La maldición de la Perla negra), pero el trailer de su última película ha despertado nuestro interés. Su trama enfermiza de turbio hospital puede ser uno de los grandes entretenimientos del año.

GHOST IN THE SHELL (31 DE MARZO)

Junto con Akira, posiblemente Ghost in the Shell  sea el más celebre manga Sci-fi. Scarlett Johansson y su impresionante primer trailer nos han dado esperanzas en su paso a la acción real. Ojo a la dirección artística.

LIFE (VIDA) (7 DE ABRIL)

Que le vamos a hacer, nos encantan las aventuras espaciales. En esta ocasión Jake Gyllenhaal, Rebecca Ferguson y Ryan Reynolds lideran una expedición que, como no, se verá en problemas. El trailer recuerda a Alien.

POWER RANGERS (12 DE ABRIL)

La mítica saga televisiva da el salto al cine para competir con Transformers. Siempre he sido muy de los Power Rangers, para que disimularlo. En esta ocasión se ha optado por una trama muy similar a la que vimos en el mockumentary Chronicle. Todo lo que pase del aprobado será una victoria.

GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL. 2 (28 DE ABRIL)

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La gran Space Opera Marveliana regresa este año. No será fácil estar a la altura tras el notable primer episodio. Si mantiene el tipo quizá estemos ante la Star Wars de esta generación.

ALIEN: COVENANT (19 DE MAYO)

En esta página somos muy de Prometheus. Los trailers dejan ver que esta vez estaremos más cerca de Alien que de la película protagonizada por Noomi Rapace. ¿Tendrán respuesta las preguntas que despertó la primera entrega? ¿Estamos ante una precuela directa de Alien a lo Rogue one? Sea lo que sea tenemos ganas de ver xenomorfos.

DUNKERQUE (21 DE JULIO)

Vuelve Christopher Nolan, y eso ya debería ser suficiente para llenar salas de medio mundo. En esta ocasión aparca la ciencia ficción para darnos su visión de uno de los episodios más importantes de la Segunda Guerra Mundial. ¿Volverá a triunfar?

LA TORRE OSCURA (4 DE AGOSTO)

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Dos pesos pesado, Idris Elba y Matthew McConaughey se han puesto a las órdenes del director danés Nikolaj Arcel para adaptar la célebre saga literaria de Stephen King. De momento no hemos visto demasiadas imágenes del proyecto, pero a priori puede salir bien.

 IT (ESO) (8 DE SEPTIEMBRE)

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El payaso más célebre del cine de terror volverá a la vida en dos partes. La primera entrega de la nueva adaptación llegará después de verano. Una pena que Cary Joji Fukunaga (True detective) se cayese del proyecto. El argentino Andrés Muschietti intentará estrenar una película al nivel del libro de Stephen King.

BLADE RUNNER 2049 (6 DE OCTUBRE)

Estaríamos maldiciendo esta película de no ser por contar con Dennis Villeneuve en la dirección. El director de Incendies, La llegada, Sicario y Prisioneros nos hace soñar con una secuela la mitad de buena que su predecesora. Con eso nos bastaría.

THOR: RAGNAROK (27 DE OCTUBRE)

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Marvel sigue acertando en cada nuevo estreno. Tras un flojo inicio de saga y un buen segundo capítulo, Thor debe explotar a la tercera. Para ello ya se nos ha asegurado la presencia de Hulk.

STAR WARS: EPISODIO VIII (15 DE DICIEMBRE)

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Rian Johnson, director de Brick y Looper, intentará que la franquicia galáctica siga haciendo historia. El episodio VII dejó buenas sensaciones, pero ahora toca llevar a la saga a otro nivel. Crucemos los dedos.

Comanchería: En la América de Trump

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Los resultados de Texas en las últimas elecciones presidenciales de Estados Unidos son un fiel reflejo de lo sucedido en el resto de la nación. Trump se impuso con el 52,2% de los votos, una victoria holgada frente al 43,2% que optó por Clinton. 9 puntos de diferencia, que se traduce en unos 800.000 votos. Pero no todos los territorios votaron por igual al magnate.

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Resultados de las elecciones 2016 en el estado de Texas

Las principales ciudades (Dallas, Austin, Houston, El Paso y San Antonio)  eligieron a Hillary, en tres de ellas con un porcentaje superior al 60%. Mientras en condados como el de Archer, donde comienza Comanchería, Trump fue respaldado por el 88,7% de los votantes. La prueba evidente de que existe otra América, una América rural olvidada, asfixiada, y en la que no calan los bailes de Barack y Michelle. La película recorre algunas carreteras secundarias de la America de Trump. Las vías por las que no transita el sueño americano.

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Resultados en Texas. Rojo: TRUMP. Azul: CLINTON
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Resultados en el condado de Archer, escenario del primer robo de Comanchería

Vamos a ser claros, se dice tan a la ligera lo de peliculón incontestable que se debería tener cierta prudencia al usar semejantes términos, pero a la mierda. Comanchería es un peliculón incontestable. En esta película todo es notable, el guión, la dirección, la fotografía, la banda sonora, el sonido, el montaje, el reparto… Y cuando esto sucede solo queda aplaudir. Además la taquilla americana la ha convertido en el éxito independiente del verano. Un milagro en un panorama en el que es muy complicado hacerle sombra al blockbuster.

Estamos ante un neowestern de tiempos en los que los vaqueros no llegan a fin de mes. No esperéis al John Wayne de turno en este panorama. Los protagonistas son dos ladrones de bancos que buscan encadenar con acierto varios golpes para recuperar la dignidad perdida. Todo esto en un entorno en el que los bancos representan el papel que antaño era propiedad de la banda de hijoputas que atemorizada al poblado en el western.

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El cuarteto protagonista está de escándalo, especialmente la extraña pareja policial que forman Jeff Bridges y Gil Birmingham. El primero es un inteligente agente a punto de jubilarse que no ha perdido el buen olfato, aunque Torrente aparezca en su modelo de conducta. El segundo, un policía con antepasados indios y mexicanos que será el blanco de los chistes Bridges, a pesar de ello en el transcurso de la película irán desarrollando una extraña hermandad. La otra, nunca mejor dicho, es la de los hermanos protagonistas (Chris Pine y Ben Foster), que llevan el peso dramático de la película.

Los melómanos están de enhorabuena. A la excelente banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis hay que sumarle temas de Colter Wall, Chris Stapleton o Johnny Cash. Se agradece además que se hayan dignado a subtitularlas en español durante el metraje.

En definitiva, una película redonda que está llamada a convertirse en un título de culto. Lo único que chirría en su traducción al español, de Hell or High Water a Comanchería. Nos imaginábamos a los traductores diciendo…

-Hay que traducir Hell or High water al español

-¿Cómo chería?

-Me gusta, adjudicado

Aunque la realidad nos ha jodido el chiste. Comanchería era el título inicial de la película. Así es llamada la zona ocupada por los comanches antes de 1860, y que abarca el este de Nuevo Mexico, el oeste de Texas, parte de Oklahoma, las montañas de Wichita y grandes porciones de Colorado y Kansas.

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A pesar del vacío en premios (no en nominaciones) de la película en los Globos de Oro, nos encantaría que pudiera rascar algo en los Oscar, aunque esta edición está llamada a ser la de la victoria amplia de La la land. Ya sabéis que esto también va de modas. Una última recomendación, acercaros a disfrutarla en una sala de cine antes de que sea tarde.

 

 

Passengers: El despertar por la fuerza

Ni Jennifer Lawrence ha evitado esta vez la tragedia. Y eso que la primera mitad de Passengers se sigue con interés. 45 minutos en los que somos cómplices del naufragio VIP de Chris Pratt. No lo pasamos tan bien como con Matt Damon en Marte, pero merece la pena ser cómplices de los descubrimientos tecnológicos de Pratt. Y es precisamente en el momento en el que la película tiene que poner el turbo cuando comienza a encallarse definitivamente. De ahí al final, de mal en peor, víctima del virus de la comedia romántica, y uno aún más letal: Arrodillarse ante el gran público.

Lo mejor de Passengers en su interesante premisa: ¿Qué pasaría si despertaras de una hibernación espacial 90 años antes de lo previsto? ¿Qué pasaría si además fueras el único pasajero al que le sucede? Hay cierto ánimo de poner en jaque al espectador ante esta situación extrema. También de crear un debate sobre la hoja de ruta a seguir. Pero por desgracia la película se despierta del sueño autoral para recordarse a si misma que su naturaleza es la de un blockbuster navideño.

Nos apena lo de Mortem Tyldum, director que mostró una gran personalidad en Headhunters, su divertidísima ópera prima. Personalidad que ya perdió en The imitación game, su segunda película. Passengers confirma que el sistema Hollywood ha dilapidado otra prometedora carrera. Tampoco es que el libreto de John Spaihts, co-guionista de Prometheus, sea nada del otro jueves.

Ni el buenismo de Pratt y Lawrence consiguen mantener en pie la propuesta. ¿En que momento aceptaron una película tan simplona? Nada nuevo para el actor, que parece haberse abonado a todo proyecto con vista a conquistar la taquilla más que a leer a fondo los guiones. A día de hoy es el nuevo chico florero de Hollywood. Para eso JLo suele tener mejor visión, alternando esta clase de productos con otros que dan lustre a su filmografía.

En definitiva, una película que podría haber sido mejor, pero que está destinada a ser uno de esos títulos de ‘domingo por la tarde’.

Análisis en Spoiler

La película fracasa al optar por la superficialidad desperdiciando el jugo de su debate. Chris Pratt decide despertar a JLo 90 años de lo previsto, condenándola  de por vida a una prisión no elegida. A pesar de lo poco ético de semejante decisión, la película nos manda durante todo su metraje el mensaje de que Chris Pratt es el bueno, pintando en ocasiones a Lawrence como una puta desquiciada. Extraño, puesto que en el fondo el protagonista masculino representa a un auténtico psicópata. No utiliza la fuerza física para despertar a Lawrence, pero aún así se puede afirmar que la despierta por la fuerza. Además utiliza la mentira para que la bella durmiente caiga en la trampa. Lo dibujan como un príncipe, pero esta más cerca del monstruo de Amstetten

 

 

 

 

Caca de la Vaca: Las peores películas de 2016

Empezamos con la lista de lo mejor del año. Ahora toca dar las malas noticias…

10. ELECTION: LA NOCHE DE LAS BESTIAS

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Tras la remontada con Anarchy, las expectativas ante la tercera entrega de La purga eran altas. Lástima que tras un inquietante comienzo la película empiece a hundirse para convertirse en un producto de acción, y de los malos.

LEER LA CRÍTICA DE ELECTION: LA NOCHE DE LAS BESTIAS

9. BATMAN V. SUPERMAN

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Cuando terminó me pareció simplemente decepcionante, pero el paso del tiempo no ha hecho más que empeorarla. A pesar de algunas ideas interesantes en su discurso, se hunde al no justificar en ningún momento las razones de la enemistad entre los dos pesos pesados del cómic. Y hay algo peor aún… La resolución del conflicto.

LEER CRÍTICA DE BATMAN V. SUPERMAN

8. ESCUADRÓN SUICIDA

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Parecía que la película de David Ayer iba a ser la salvadora del sello DC, pero nos equivocamos de lleno. Una película de acción al uso que solo funciona gracias a algunos destellos de Harley Quinn, lo demás es material defectuoso. Eso, sí, la BSO es temazo tras temazo.

LEER CRÍTICA DE ESCUADRÓN SUICIDA

7. MONEY MONSTER

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Tenemos buen concepto de Jodie Foster como actriz y directora, pero en esta ocasión el patinazo es serio. Una película completamente superficial sobre las consecuencias de la crisis con un poco convincente George Clooney.

6. EL RENACIDO

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La prensa y todo Hollywood intentó hacernos creer que esta película de supervivencia con aires de grandeza iba a ser la película del año. Iñárritu deja de ser Iñárritu para intentar ser Malick, y no lo sale. Dos horas y medias para que DiCaprio gane un Oscar de consolación. Ahora ya tiene los mismos que Angelina Jolie.

LEER LA CRÍTICA DE EL RENACIDO

5. ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS

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Tras el dramón que supuso su remake de Godzilla, Gareth Edwards vuelve a hacer de las suyas, esta vez con la franquicia Star Wars. Una sucesión de decisiones sin ningún tipo de sentido encaminadas a pegarse con el episodio IV. Y el pegamento es de barra.

LEER LA CRÍTICA DE ROGUE ONE

4. BLOODSUCKING BASTARDS

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Es mala de cojones, pero la perdonamos por sus escasas pretensiones y bajo presupuesto. Una película de vampiros de oficina que prescinde del ingenio para instalarse en el tópico. Los actores a cual peor. Infumable.

LEER CRÍTICA DE BLOODSUCKING BASTARDS

3. LA FIESTA DE LAS SALCHICHAS

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El “caca, culo, pedo, pis” llevado a la animación. Dos horas de chistes de pollas sin ningún tipo de gracia. Una película que no es para niños, pero mucho menos para adultos.

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2. EL HIJO DE SAÚL

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Palma de Oro en Cannes, Oscar a la Mejor película de habla no inglesa… Y no se lleva la caca de la vaca porque ha habido una peor. El hijo de Saúl nos pone en la chepa de uno de los limpiadores de la masacre. Deja la violencia fuera de campo para mostrarnos como el protagonista intenta darle un funeral a uno de los fallecidos, lo que convierte la experiencia en un auténtico coñazo difícil de soportar. Hora y media en la que apenas ocurre nada. Como bien ha apuntado @vivakiarostami en Twitter… “Colega, dónde está mi rabino”.

1. RESURRECCIÓN

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El FANT 2016 nos regaló la película del año, pero también la Caca de la Vaca del presente curso. Merecidísimo galardón gracias a una larguísima hora y media con realización digna del peor culebrón. Si os pica la curiosidad, podéis disfrutarla en el catálogo de Netflix.

 

Las mejores películas de 2016 según La Vaca de Twister

Como viene siendo tradición llega nuestra lista de las mejores películas de 2016. El año nos deja un balance irregular. Si, hemos visto auténtica basura. Por suerte lo compensan un puñado de películas notables y tres obras maestras. Vamos a ello:

10. SOUTHBOUND

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El género de película episódica goza de buena salud en los últimos tiempos. Muestra de ello es la terrorífica Southbound. Road movie de horror con sabor sureño que se atreve con todos los palos del género. Terror independiente del bueno.

LEER CRÍTICA DE SOUTHBOUND

9. UN MONSTRUO VIENE A VERME

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Ni me gustaba Bayona ni me apasionaban los dramas lacrimógenos, pero con Un monstruo viene a verme me equivoqué de pleno. Es muy Bayona, y es muy lacrimógena, pero tiene una dirección artística completamente arrebatadora. El director madrileño juega a ser Spielberg y gana por goleada a la versión actual del director americano. Piropos más que merecidos.

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8. EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS

ROLDÁN Y PAESA REAPARECEN EN PARÍS DE LA MANO DEL DIRECTOR ALBERTO RODRÍGUEZ

No era fácil para Alberto Rodriguez rodar cuando su anterior película, La Isla Mínima, arrasó con todo. Pero si el artesano es bueno, también suele serlo la película. El berenjenal era serio: Llevar al cine la vida de Francisco Paesa al cine, centrándose en el Caso Roldán. Por suerte Rodriguez lo resuelve con estilo y mucha clase.

LEER CRÍTICA DE EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS

7. CAPITÁN AMÉRICA: CIVIL WAR

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DC se pegó una buena hostia con la crítica por Batman v. Superman. Parecía que la idea de enfrentar a superhéroes en pantalla podía acabar también con el buen hacer de Marvel. Nada de eso, en Capitán América hay algo que no existía en las de DC: Un buen motivo para pelear. Más de dos horas de acción justificada. Entretenimiento de calidad.

6. EXPEDIENTE WARREN: EL CASO EINFIELD

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Que bueno es James Wan. The conjuring puso alto el nivel. Aire retro, buenas interpretaciones y una dirección magistral. En esta ocasión la trama se trasladaba a Inglaterra, y es ese toque inglés es el que eleva un peldaño más el resultado final. Wan se supera a si mismo con otra masterclass de manejo de la cámara.

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5. EL INFIERNO VERDE (THE GREEN INFERNO)

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Aunque pudo verse en Sitges 2013, no ha sido hasta 2016 cuando ha llegado a España El infierno verde, el Holocausto Caníbal de Eli Roth. Un atracón gore en plena jungla que esconde un tortazo a lo caranchoa a la sociedad de nuestro tiempo. Sangrienta, divertida y con más miga de lo que aparenta.

4. ELLE

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No, no tenemos la más mínima duda de que Paul Verhoeven es un auténtico genio, y si a eso le añades a una inspiradísima Isabelle Huppert, el resultado final solo puede ser excepcional. La (negrísima) comedia del año, y eso que empieza con una violación.

3. SPOTLIGHT

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Nada menos que tres obras maestras ha tenido 2016, y Spotlight fue la primera en llegar. La prensa y los Oscar se empeñaron en hypear El Renacido mientras subestimaban este películón sobre investigación periodística. Por suerte rectificaron a tiempo. Porno (del bueno) para periodistas.

LEER CRÍTICA DE SPOTLIGHT

2. LA LLEGADA

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Ha tardado demasiado, pero el director Dennis Villeneuve ya está en boca de todos. La Llegada descarta jugar a los marcianitos para aportar una visión adulta e inteligente del hipotético primer contacto. Todo funciona en este clásico instantáneo de la ciencia ficción.

LEER CRÍTICA DE LA LLEGADA

1. HIGH RISE

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El FANT nos trajo este año High Rise unos días antes de su estreno en salas comerciales. Una película en la que el director Ben Weathley adaptaba a JG Ballard con un casting de nivel liderado por Tom Hiddleston. Y eso era todo lo que sabía antes de la proyección. Lo siguiente fueron dos horas de placentera hipnosis. La lucha de clases comprimida en un bloque de viviendas y musicada por el imprescindible Clint Manssell. High Rise no solo es un peliculón, también es diferente a todo lo que has visto.

LEER CRÍTICA DE HIGH RISE

 

 

Rogue one: Una historia de Star Wars. Cuando la fuerza no acompaña

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“Pium pium pium pium”. Así podríamos resumir Rogue one, la última excusa de Disney para seguir recaudando fondos para la causa galáctica. Que podamos abreviar una película con cuatro onomatopeyas no es algo precisamente bueno.

La película nos sitúa entre los episodios III y IV, una dura época en la que el imperio campa a sus anchas y los Jedi son solo un mito. La resistencia, en horas bajas, intentará dar un golpe maestro al enemigo: Robar los planos de su gran amenaza, la Estrella de la muerte. Lo se, pintaba genial. Lástima que un guión ridículo, un áspero tono y una dirección mediocre reduzcan todo a polvo estelar.

El gran problema de Rogue one es que todo sucede porque sí, porque me da la gana. Imagino a los responsables de la película en un despacho al grito de “Da igual que no tenga lógica, lo importante es llenar el hueco entre episodios”. Todo parece metido con un gran calzador galáctico. Las soluciones de la película son siempre ridículas (El momento interruptor o lo de Estrellita rozan la vergüenza ajena).

Si algo caracteriza a Star Wars es que los conflictos están tan bien marcados que se podrían representar en el escenario de un teatro sin necesidad de efectos especiales. Algunos pasajes de la saga parecen salidos de la pluma de William Shakespeare. Rogue one es la antítesis de esa esencia.

Los actores consiguen lo que pocos podían pensar: Que un droide del imperio reprogramado les barra en carisma. Hasta un personaje del nivel de Darth Vader parece fuera de lugar. Con la protagonista (Jyn Erso) han querido repetir la jugada de ‘Rey’, pero no les ha salido. Show Guerrera, Cassian Andor, Chirrut Îmwe o Baze Malbus (Ríete tú de Jar Jar Binks) son mera comparsa. Eliminadles en un remontaje mental y veréis que ninguno era necesario. Lo que si consigue dar el pego son las resurrecciones digitales de algunos personajes, que encajan extrañamente, pero encajan.

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Uno de los gran temores era que Disney redujera la película a un “Canta con nosotros”, pero por suerte o desgracia Rogue one no es una película para niños. Una nueva esperanza enamoró a toda una generación, pero no ocurrirá lo mismo con esta ensaimada de disparos que queda lejos de resultar simpática. Agradecemos que Gareth Edwards haya pasado de no meter ni un solo gag en su infumable versión de Godzilla a los tres de Rogue one. De rescatar algo podríamos rescatar el climax final, un desenlace que hace que nos preguntemos si los 100 minutos anteriores eran estrictamente necesarios. Hasta ahora pensábamos que la saga solo nos presentaba un planeta si era fundamental en la trama. En Rogue One visitamos quince sin justificación aparente. En conclusión, con un mediometraje de conexión hubiéramos tenido más que suficiente.

Al menos la película mantiene el sello político de la saga, tan presente en los episodios I, II, III. Resulta curioso además que la muy conservadora Disney haya permitido estrenar una película que resulta una gran reivindicación del terrorismo. Una película que no ve con malos ojos derribar las torres del imperio (¿Os suena de algo?).

Desde hace unos meses se corre el rumor de que el primer montaje de la película era el bueno, pero Disney se reveló. Tras ver varias películas de Gareth Edwards mi postura es que quizá lo que intentó Disney es evitar un desastre mayúsculo y que todo quedara en desastre relativo. Siempre habrá quien defienda este simplón capítulo por devoción a una saga que en este momento vive de las rentas. Yo me niego a pensar que todo se ha reducido a una entrega de Los mercenarios sin carisma. Los más exigentes esperamos que el episodio VIII pueda devolver el equilibrio a la fuerza. Para ver tiros me vale Fast & Furious.

 

Hasta el último hombre: A la mierda la segunda enmienda

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“Bajo esta máscara hay algo más que carne y hueso, bajo esta máscara hay unos ideales, señor Creedy, y los ideales son a prueba de balas”. Reconoceréis esta cita. Es de la versión cinematográfica de V de Vendetta. Y es perfectamente aplicable a Desmond Doss, protagonista de Hasta el último hombre, un soldado que se agarró a sus principios para salvar la vida de sus compañeros.

Se ha prodigado poco Mel Gibson en esto de la dirección, pero cuando lo ha hecho ha sido para trascender. Braveheart marcó un antes y después en las escenas de batalla. Apocalypto mostró la naturaleza salvaje de los mayas. La pasión de Cristo se convirtió en un fenómeno que llevó a las salas a millones de espectadores no habituales. Es normal que ante una película de su sello las expectativas estén altas.

Es importante matizar que no estamos ante una cinta bélica al uso. Hasta el último hombre más que el episodio del acantilado de Hacksaw cuenta la historia de Desmond Doss, el primer objetor de conciencia condecorado por el ejército de Estados Unidos. Un tipo que sin tocar un arma se plantó en la puerta terrestre del infierno. Si habláramos de ‘jugar a los médicos’ Desmond Doss estaría en nivel Dios.

Se podría dividir la historia en tres partes: Romance, campo de entrenamiento y guerra. Las dos primeras se podrían enmarcar en el terreno del cine clásico americano. Ahí es donde Gibson se pone el disfraz de Clint Eastwood para narrar con mano firme y a la vieja usanza. Un tipo de cine casi extinto.

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Es en la guerra donde vemos la cara más reconocible del director, haciendo de la violencia una de las bellas artes. La coreografía bélica del australiano es digna de mención. A esto hay que añadirle que se ha prescindido de los efectos especiales apostando por la acción real. Como cuenta el propio director en el Making Off “Todo lo que se ve en pantalla está rodado de verdad”. Así que cuando vemos a una persona en llamas en la película hubo fuego real, no el ya habitual fuego por ordenador.

El problema de Hasta el último hombre es el mismo que padecieron Braveheart o Apocalypto. A Gibson le cuesta atravesar la capa de superficialidad que hay en sus películas. Hay amor, hay sufrimiento, hay guerra… Pero todo parece orquestado. Hay violencia, hay dolor, pero falta esa capa de realismo que nos acerque aún más a sus protagonistas. Falta crudeza.

Tampoco me ha convencido Andrew Garfield. He visto más a un ‘actor haciendo de’ que al verdadero Desmond Doss. He visto ‘al que hizo de Spiderman’, lo cual no dice mucho a su favor. Por suerte los secundarios, fantásticos Vince Vaughn, Sam Worthington y Hugo Weaving, consiguen lo que no logra el protagonista. También brilla con luz propio Teresa Palmer. Vale, su interpretación no es nada del otro mundo, pero como le dicen a Doss en un momento de la película… “¿Sabes qué juega en otra liga, verdad?”. Vamos, que la chica no está mal.

Tras esta valoración gratuita y superficial volvamos a la película. Aún con sus fallos, el material con el que cuenta Gibson es de primer nivel. Hay una historia que merecía ser contada, y que por si solo hace que la película funcione. Además aparecen temas como el bullying, porque Hasta el último hombre no es solo una película antibelicista, también es una gran cinta contra los prejuicios.

La historia real de Desmond Doss (Leer solo si ya has visto la película)

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Aunque parezca la última gran americanada la historia de Desmond Doss es completamente verídica. Sus compañeros de misión contabilizaron más de 100 salvamentos por parte del objetor de conciencia, pero Doss, del que todos los que le conocieron destacan su humildad, dijo que ‘solo’ habían sido unas 50, por lo que el ejercito americano dejó la cifra en 75.

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En el momento de su rescate tras la explosión de una granada, la película omite una de sus mayores heroicidades. (Quizá Gibson pensó que era demasiado ya). A pesar de la gravedad se tiró de la camilla y cedió su lugar a otro herido. Se mantuvo esperando cinco horas en el campo de batalla  a la siguiente camilla.

La guerra pasó factura a Doss, que sufrió tuberculosis, perdió un pulmón y se quedó sordo.

Almodovar se carga el acento gallego en Julieta

Hoy no vamos a hablar de la notable Julieta, una de las mejores películas del Almodovar reciente. Vamos a hablar de una inexplicable decisión del director en la película.

Además de Madrid, la película se desarrolla en un lugar indeterminado de Galicia. No solo lo sabemos porque se ha rodado en lugares como Redes, Ares o Mugardos. Los nombres de los personajes, Xoan o Antia, o la muy gallega decoración de la casa gallega de Xoan así lo confirman. Tras Madrid, es el lugar más frecuentado por la trama. Xoan es pescador, su hija Antia ha crecido allí hasta la adolescencia, y Marian, ama de llaves de la casa, parece no haber salido jamás de ese pueblo ficticio. Al igual que Ava, amiga de Xoan desde la infancia que también pertenece al lugar. Pues bien, ninguno de estos personajes habla gallego. Aquí podríamos entrar en un debate sobre lo que suma o resta la inclusión de subtítulos y otras lenguas. Puede pasar. Pero hay un elemento que convierte a este drama con elementos de thriller en una película de ciencia ficción: ¡Ninguno de estos personajes tiene acento gallego!

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Quizá se la puedan ‘meter’ a alguien que no ha estado en la fascinante tierra de Cunqueiro y Castelao, pero a mi no me la cuelan. He pasado la mayor parte de mis veranos en Galicia por razón de sangre, y hablar de gallegos de zonas rurales sin acento es más increíble que el monstruo del Lago Ness en una clase de biología. Y no se queda solo ahí. La película tampoco pone acento cuando la acción se traslada a Andalucia.

La pregunta es ¿Por qué? Y solo Almodovar tiene la respuesta. Pero de entrada me parece una falta de respeto a la riqueza que aporta esa seña de identidad, esa carta de presentación que indica nuestro origen y que cuesta tanto disimular.

Hay que mantener los acentos del cine, aunque siempre haya algún gilipollas que viendo la muy sevillana ‘El mundo es nuestro’ grite a la pantalla… ¡Qué aprendan castellano! Va siendo hora de que los espectadores conozcan la realidad peninsular. Bravo por el euskera de Igelak o el catalán de La propera pell. Bravo por los creadores que hacen que el cine español no sea uno grande y libre, y en perfecto castellano.

Ahora os toca opinar a vosotros.

American Crime Story: The people v. O.J. Simpson. La cuestión racial

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Curioso que en 2016, 21 años después del juicio contra el célebre jugador de fútbol americano y actor  O.J. Simpson, se hayan emitido los dos mejores trabajos audiovisuales al respecto: La serie documental OJ: Made in America y la serie de ficción American Crime Story: The people v. O.J. Simpson. Nos centraremos en el producto de ficción del canal estadounidense FX, que ha sido estrenado en España por Netflix, una vez más sacando a flote lo mejor de la programación televisiva americana.

Al frente de la serie encontramos a Ryan Murphy, uno de los grandes nombres del sector gracias a Nip/Tuck, Glee, American Horror Story y Scream Queens. En esta ocasión se aleja del terror y la comedia para dramatizar el juicio más mediático de la historia de los Estados Unidos.

Si no sabes nada de los que sucedió en ese 1994 estas en la posición óptima para ver la serie. No era mi caso exactamente. Recuerdo ver en el telediario las imágenes de O.J. huyendo en una furgoneta blanca, imágenes que por alguna extraña razón tengo grabadas en la memoria. Pero hasta ahí. Mi temprana edad me impedía entender la complejidad de un juicio. Supongo que por eso mi cerebro decidió que era más sencillo quedarse con la imagen de un coche escapando a toda velocidad.

O.J fue acusado de doble asesinato por la muerte de su mujer, Nicole Brown, y Ronald Goldman. A pesar de que estaba muy lejos de ser portavoz de la comunidad negra, la estrategia de la defensa convirtió el juicio en una cuestión racial. La televisión le dio al proceso una cobertura inaudita, y todos los implicados en el juicio se convirtieron de la noche a la mañana en protagonistas de la programación televisiva.

Murphy ha sabido dramatizar esos meses convulsos desde la misma noche del suceso con un guión inteligente que nunca se estanca en las arenas movedizas del lenguaje judicial. Prima el entretenimiento, un entretenimiento nunca exento de calidad. El guión consigue que siempre queramos más, haciendo que los diez episodios pasen un suspiro. Todo funciona como un reloj, desde la elegante dirección a la acertada puesta en escena.

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Y a pesar del buen material de partida, son las interpretaciones son la gran baza de esta serie. El nombre de Simpson resuena en el título, pero no es el acusado el personaje principal. La fiscal Marcia Clark, brillantemente interpretada por Sarah Paulson, es la auténtica protagonista. Sin duda es la de Paulson la mejor interpretación femenina de 2016 en el terreno series. El resto del reparto también rinde a gran nivel. La tarea de reciclaje de Murphy con John Travolta, David Schwimmer y Cuba Wooding Jr, intérpretes en clara decadencia, es digna de mención. Travolta también figura como productor ejecutivo de la serie.

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La segunda temporada de la franquicia American Crime Story, ya en producción, se centrará en el desastre del huracán Katrina, a priori un tema con menos pegada que el caso Simpson. Mientras que la tercera, recién confirmada, se centrará en el asesinato de Gianni Versacce. Un gran reto después de esta gran primera temporada.

 

Animales fantásticos y donde encontrarlos: Jugando a Pokemon Go en el Nueva York de los años veinte

 

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Sin ser Harrypotterófilo, recorrí la saga del mago con interés, aunque sin gran entusiasmo. Aún así reconozco que fue un placer tropezar en la piedra filosofal en plena adolescencia, al igual que cerrar el ciclo con la segunda entrega de Las reliquias de la muerte diez años después (pero en plena adolescencia igualmente). Por el camino películas buenas, e incluso alguna notable, como esa gran versión de El prisionero de Azkhaban que regaló Alfonso Cuarón.  Las de David Yates (Las cuatro últimas) mantuvieron un buen nivel, aunque quizá como cinéfilo me resultaba más interesante la idea del director invitado.  La saga ha disfrutado de una regularidad envidiable.

Sin gran entusiasmo, pero con mucha curiosidad he accedido a ver Animales fantásticos y donde encontrarlos, un nuevo comienzo para el universo Potter. El título responde al homónimo de uno de los libros de magia de lectura obligada en Hogwarts, y la acción se desarrolla en 1926, a modo de precuela, aunque la Rowling afirme que se trata de una historia diferente en el mismo universo de la saga.

No se si afirmar que se trata de la mejor película de la franquicia desde El cáliz de fuego, pero de lo que no tengo duda alguna es que es el mejor trabajo de dirección de David Yates para el universo Potter. Este reinicio le ha venido estupendamente para mostrar su propia personalidad y construir un puñado de buenas escenas. Todas bajo el regusto clásico que aporta el Nueva York de los años veinte.

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Una de las claves que el buen sabor de boca que deja la película son sus personajes. Newt Scaramander, magníficamente interpretado por Eddie Redmayne, encarna a la perfección a un bicho raro especialista en bichos raros. Lo mismo ocurre con Dan Fogler, que interpreta a Jacob Kowalski (El personaje más cómico) o Katherine Waterston, que interpreta a Tina Goldstein, oveja negra del MACUSA (Congreso Mágico de los Estados Unidos). El otro protagonista es la espectacular y muy cuidada dirección artística, complementada con unos adecuados efectos especiales.

Las influencias de ‘Animales fantásticos’ son claras y diversas:

Cazafantasmas: El (divertido) caos que provoca la fuga de criaturas de Scaramander recuerda al que montaban los fantasmas de las películas de Ivan Reitman.

Pokemon: Los animales fantásticos de la película

X-Men: El conflicto entre magos y no-majs recuerda a la tensa situación política que viven los mutantes con el resto de la humanidad.

Star Wars: Al igual que en la saga Potter, la magia oscura recuerda al lado oscuro de la fuerza.

Por último, es de agradecer que a pesar de que vivimos en la era del spoiler la película entregue en su parte final alguna sorpresa inesperada. No era fácil levantar de nuevo el fenómeno Potter, y el riesgo a pegársela era grande, pero la película sale airosa del desafío. El resultado es que ya esperamos ansiosos la segunda entrega, en la que ya se rumorea el regreso de uno de los grandes personajes de la saga.

 

The Neon Demon: La confirmación del Ultraestilo

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Tras firmar una obra maestra de la talla de Drive, Nicolas Winding Refn tenía dos opciones: Normalizar su propuesta para buscar la estatuilla a la que ni siquiera fue nominado o seguir avanzando en un lenguaje fílmico propio. El director danés eligió la segunda vía, lo que desde ahora llamaremos el ‘ultraestilo’. Tras Drive llegó Solo Dios perdona, una cinta preciosista con escasas lineas de texto. Y tras Solo Dios perdona llega The Neon Demon. Un título que confirma a NWR como un cineasta alejado del lenguaje habitual y más interesado por la estética que por el guión. Algo similar a lo que les sucede a las supermodelos de la película, preocupadas únicamente por mejorar su imagen. Intencionadamente o no, Winding Refn ha hecho una metáfora de su cine.

The Neon Demon es una película ‘bonita de ver’ (Un anuncio de perfume en versión muy extendida), pero es incapaz de crear un clímax que consiga levantar interés. Funciona por momentos hipnotizando al personal, pero no consigue ese ‘algo más’ para encandilar sin guión. Lo siento Nicolas, pero no eres David Lynch. Y aún así me costaría afirmar que estamos ante una mala película. Lo bueno de The Neon demon es que se presta a múltiples lecturas, y que cada espectador podrá sacar la suya. La más evidente es una crítica atroz del mundo de la moda, pero escarbando un poco se puede hablar de la búsqueda de la perfección, del valor de lo natural, de la dictadura de la imagen, del deseo de lo ajeno… Da para unas cuantas pajas mentales (sin el ‘mentales’ si os va la necrofilia). Lamentablemente poco más.

Lo mejor: Su imagen, sus tonos, su contraste, su color… Su estilazo

Lo peor: La ausencia de una historia

Reacción en sala (Teatro Principal, Donostia)

El siempre enrollado público de la Semana de terror de Donostia, en la que disfrutamos la película, hizo más llevadero el metraje con su sarcasmo habitual. La acogida por parte de los fans del terror fue bastante mala. Quizá no era la película más adecuada para este festival, puesto que no apuesta por el terror ni por la ciencia ficción, y se enmarcaría más en una liga de Cine de autor, pero tampoco se me ocurre el lugar idóneo para esta propuesta.

 

 

La fiesta de las salchichas: Hora y media sin comedia

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La comedia es un género complicado. Lo que le hace gracia a una persona a otra le puede provocar rechazo. A pesar de ser un idioma universal, es complicado universalizarla. Me encantaría deciros que me he partido la caja con La fiesta de las salchichas, pero va a ser que no. Me considero una persona bastante risueña, pero ni siquiera he hecho amago de sonreír durante sus noventa minutos. Y eso que la película tiene alguna virtud reseñable, pero desde luego que no es la de hacer reír.

No soy uno de los fieles de la secta Pixar, pero la empresa del flexo hubiera explotado a la perfección ese océano de ideas que pueden salir de un supermercado. ¿El problema de Sausage Party? Se limita a monotematizar su humor, que solo se puede describir como soez. El caca culo pedo pis de toda la vida enfocado hacia el sexo. Lo de la salchicha y el panecillo podría haber funcionado sin un gag cada tres minutos de metraje (no exagero). Lo que más me sorprende es que la película no se titule: “¿Fiesta? La que te va a dar esta?”

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En el lado positivo de la balanza encontramos su visión de la religión, de la fe, y de como se articula en la sociedad. Sin duda se sustenta como antídoto ante nuestros miedos. El “mas allá del supermercado” es para los alimentos un Valhalla, hasta que descubren lo que hay realmente tras la linea de cajas. Discurso adulto, pero la lástima es que parece estar contado para un público entre los 13 y 16 años. Así se consigue una película que no funciona ni en adultos ni en niños. Cuesta ver que ha visto en ella la crítica especializada. ¿Será la falta de sexo en ese mundillo? ¿De verdad les vale con un panecillo con tacones? 

Para terminar de joderla, esa parte de Metacine a lo La Lego película (También copian el concepto de Todo es Fabuloso) para mayor gloria de Seth Rogen. Completamente innecesaria, pero es lo que tiene el afán por figurar. En fin, que nos han vuelto a vender la moto.

Lo mejor: La goma de mascar Hawking

Lo peor: Ni puta gracia

 

Black Mirror. Tercera temporada. Rozando el presente

Netflix ha acertado de pleno incorporando Black Mirror a su sello en su tercera temporada. Tras una primera temporada de tres episodios y una segunda de otros tres más especial navideño, parecía que ofrecer seis capítulos esta temporada incrementaba el riesgo de cagarla. Va a ser que no, estamos ante la mejor y más entretenida temporada de la serie. Imprescindible.

3×01 Caída en picado vacometro4

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Brillantísimo inicio de temporada que plantea un mundo regido por una app prima-hermana de Instagram que puntúa a todo el mundo. La popularidad del instituto hecha aplicación de móvil, un filmaffinity humano. Posiblemente sea el episodio más entretenido de toda la serie. Engancha desde el minuto uno sin necesidad de giros. Por si fuera poco, Bryce Dallas Howard está de diez. Gran trabajo en la dirección de Joe Wright, director de Orgullo y prejuicio o Expiación.

3×02 Playtesting  vacometro3

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Era cuestión de tiempo que la temática de los videojuegos protagonizara un episodio de Black Mirror. También que se apostara por el terror. Playtesting se abona al ya visto dilema de ‘Juego o realidad’ mezclándolo con elementos de películas como Cabin in the woods o ExistenZ. Entretenido, aunque deja poco poso. El arriesgado giro final mejora el resultado. Dirige Dan Trachtenberg, responsable de la recomendable Calle Cloverfield 10.

3×03 Cállate y baila vacometro4

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La serie saca su lado más crudo y malrollero en este episodio con el ciber-chantaje como tema estrella. Un niño se verá amenazado por unos hackers que asaltan la intimidad del usuario para jugar a titiriteros bajo la amenaza de airear sonrojantes actos privados. Deja muy mal cuerpo, y lo peor, el futuro que muestra está demasiado cerca. Mañana, si no es hoy. Un mundo dominado por los trolls 2.0. Lo redondea el Exit music (for a film), temazo del Ok computer de Radiohead. “Wake… from your sleep. The drying of your tears… Today.. we escape… we escape. Dirige James Watkins, responsable de la imprescindible Edén Lake y la hammeriana La mujer de negro.

3×04 San Junipero vacamarketmaszul

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Y llegó la madre de todos los capítulos de Black Mirror (Con permiso de Tu historia completa, el 1×03). Curiosamente el menos oscuro, el menos atroz, quizá el menos Black mirror. Su primera mitad trascurre sin rastro de Sci-fi, con brillantes referencias de nivel al cine, la música y los videojuegos. A mi me ponen Girlfriend in a coma de Los Smiths, Scream y el Bubble Bobble en el mismo capítulo y es imposible no conquistarme. Excepcionales la dirección artística y vestuario. Una historia de amor como nunca habíamos visto, ni seguramente veremos, en Black Mirror.

Charlie Brooker, creador de la serie,  ha subido a Spotify el insondable setlist del episodio: https://open.spotify.com/user/charliebrooker/playlist/1enamd7IoA2KtAoMxeiINW

 

3×05 La ciencia de matar vacometro3

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Y llegaron los zombies. Primer episodio a lo The Walking dead de la serie. También el primero que muestra la guerra. Gran entretenimiento, en la linea de la temporada, aunque se agarra demasiado a una (interesante) única idea. Como Playtesting, un escalón por debajo del resto, dentro del buen nivel. Participa Michael Kelly, el Doug Stamper de House of cards.

3×06 Odio nacional vacometro4

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Para cerrar la temporada 89 minutos de Thriller. Si Caída en picado daba protagonismo a Instagram, Odio nacional se lo la a otra de las redes más populares: Twitter.  Como tema principal el control gubernamental, y cierto homenaje al subgénero de terror por plaga, debidamente modernizado. Gran química entre la pareja de investigadoras Kelly Macdonald y Faye Marsay. Termina con Fall into me de Alev Lenz, un temazo. Belleza dentro del caos. Un buen colofón.

Doctor Strange: Un ‘Origen’ para las guerras venideras

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Tras la muy física Civil War, Marvel termina 2016 mostrando su lado más místico con Doctor Strange, un estimulante entretenimiento bajo el sello de la casa de las ideas. La película cuenta la historia de Stephen Strange, un excéntrico cirujano de la escuela ‘House’ que se verá obligado a buscar soluciones más allá de la medicina tras un accidente de coche.

El éxito del filme tiene nombre y apellido: Benedict Cumberbatch, que resulta un acierto total del equipo de casting. Una vez más, el actor interpreta a la perfección a un personaje más complejo de lo que Marvel nos tiene habituados. Si una mitad es Cumberbatch, la otra mitad es la psicodélica dirección artística. Los FX funcionan, pero… ¿Hubieran sido así de no existir Origen de Christopher Nolan? El parecido es tan evidente que la duda es más que razonable. La película también tiene imágenes que recuerdan a Matrix o conceptos que parecen sacados de Star Wars, e incluso Star Trek.

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Entre los puntos débiles encontramos a un desaprovechado Madds Mikkelsen, que interpreta a Kaecilius y un descafeinado Chiwetel Ejiofor, que da vida a Mordo. Lo compensa Tilda Swinton, interpretando a una especie de Maestra Miyagi nepalí.

Doctor Strange es un nuevo acierto de Marvel. No está a la altura de las entregas de las dos últimas entregas de Capitán América, pero supone una atractiva variación en la saga a la que seguro que podrán sacar más partido en el futuro. Lo mejor, es que a pesar de su complejidad (Habla de multiversos y viajes en el tiempo) la saga no pierdo una de sus principales cartas: El humor. Este doctor Extraño nos prepara además para las guerras venideras. No olvidemos que el próximo año vuelven Thor y los guardianes de la galaxia.

Lo mejor: La parte nepalí

Lo peor: Le falta un climax potente

 

La noche del virgen: Pagafantas hardcore

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La noche del virgen empieza con una parodia de las campanadas de La 1 en la que Ignatius Farray, ‘capado’ para la ocasión, encarna a Ramón García. Paralelamente, en un disco-pub comienza la siempre decadente celebración de la nochevieja. Es ahí donde conocemos a Nico, un ‘loser in da dancefloor’ interpretado magistralmente por Javier Bódalo. Sus ganas de estrenarse en el golf casero le llevarán a una sucursal terrestre del infierno.

La opera prima de Roberto San Sebastián comienza como una efectiva comedia, como una prima guarrilla del Pagafantas de Borja Cobeaga. Chico busca chica desesperadamente, y se topa con madura misteriosa dispuesta a todo. Las carcajadas de la sala confirman que la fórmula funciona (Mención especial a los momentos del whatsapp de Nico). La pena es que cuando la película baja al barro y saca su vena más escatológica todo se frena en seco.

El problema es el que es. Uno del que ya os hemos hablado en alguna ocasión: El efecto Jes Extender, que debe su nombre al célebre alargador de pene de la teletienda. Esta técnica intenta mostrar tanto las virtudes de la película que éstas acaban volviéndose en su contra.  Lo que es divertido en segundos se hace pesado cuando supera el minuto. Como ejemplo la escena de la sokatira umbilical, alargada hasta la extenuación.

Esto genera a su vez que a la película le cueste respirar en espacio cerrado. Tan solo la ventana parece quitarle opresión al conjunto con divertidas escenas que parecen sacadas de la pensión de El día de la bestia. Los directores Juanfer Andrés y Esteban Roel solucionaron bastante mejor la papeleta de interiores en la también opresiva ‘Musarañas’.

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A pesar de este problema originado por el montaje, La noche del virgen tiene su punto. En sus mejores golpes la película de Roberto San Sebastián tiene algo del Peter jackson primerizo, mezclado con el primer De la Iglesia. No parece casual que ese neonato final parezca primo del peque de Braindead. También son dignos de mención los curiosos FX, más si cabe tratándose de una cinta Low Cost.

En el apartado interpretativo destaca la pareja protagonista (Javier Bódalo y Miriam Martín), que logra una extraña química. Bódalo aguanta estoicamente las secuencias más salvajes de la película. En cambio, es difícil encontrar explicación a la inclusión de un personaje como el de Araña, interpretado por Victor Amilibia. Un personaje machacante que solo parece estorbar, y cuya caracterización de ‘heavy de palo’ resulta poco creíble.

Lo mejor: El momento musical “Rata de dos patas”. MUY TOP.

Lo peor: Su empecinamiento por alargarlo todo.

Reacciones del público

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El siempre interactivo público de la Semana de Terror de Donostia se entregó de manera entusiasta en la parte inicial y rajó de lo lindo en la segunda mitad. Quizá le pasó factura a La noche del virgen esa presentación tan rojiblanca y provocadora ante el nada futbolero público del festival. Esto provocó que hacia el final se sucedieran los comentarios sobre el origen bilbaino de la película. Las partes más gore fueron recibidas con aplausos.

*Los respondables de la película tuvieron el detalle de repartir condones y caretas del prota a la entrada de la sesión. La pena es que no aprovecharan la ocasión para sacar un fotón con cientos de Bódalos en las butacas del Principal. 

Teaser de la película:

Making a murderer (T1): La oveja negra de Wisconsin

Qué el éxito de Netflix no es casual lo demuestran productos como Making a murderer, serie documental que recrea el caso del pueblo de Manitowoc (Wisconsin) contra Stephen Avery, un vecino poco integrado en la comunidad. Diez episodios que nos harán replantearnos el funcionamiento de la justicia gracias a una minuciosa recopilación de información montada con tintes de thriller. En ausencia de adaptaciones de John Grisham lo mejor que podemos hacer es recurrir a la cruda realidad.

A partir de aquí va la primera recomendación. ¡No busques información sobre el caso real! No necesitas saber nada. De este modo obtendrás los asientos de primera fila de esta montaña rusa de acontecimientos. Tras el interesante piloto llegué a pensar que el caso ya estaba contado, y resulta que solo acababa de empezar. Con el paso de los capítulos lo interesante se torna en apasionante. Hacía tiempo que no me enganchaba tanto a una serie.

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Quizá no estemos ante un producto para todos los públicos. Aquí no hay gente guapa ni personajes carismáticos. Tampoco encontramos bellos paisajes. Estamos en la América profunda y la protagonista es la investigación. Desconocemos como se ha llevado a cabo la labor de recopilación de información, pero el trabajo de las realizadoras Laura Ricciardi y Moira Demos es sencillamente deslumbrante. No falta un audio, una declaración, un testimonio, una llamada clave. Da la impresión de que todo está ahí.

Además la serie ha conseguido traspasar las barreras del consumidor de documentales hasta el gran público. El éxito de sus diez episodios ha dejado una fuerte resaca en la sociedad americana. El caso de Making a murderer deja en ropa interior a un sistema judicial que presume de no tener parangón en el planeta. Una vez más, la (supuesta) primera potencia mundial queda muy tocada.

Solo me queda recomendaros la que ya es una de las mejores series de los últimos años. Que no os eche para atrás la etiqueta de documental, Making a murderer es una serie de primera división. Y adictiva como pocas. Una de juicios, a mi juicio, imprescindible. Para muestra su intro:

El hombre de las mil caras: Luis Roldán, contigo empezó todo

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El escándalo Roldán es uno de mis primeros recuerdos informativos relacionados con la lacra de la corrupción. Su nombre se repetía en el telediario, pero mi juventud me impedía saber que había detrás de ese señor calvo. Aún así tenía claro que no era el que salía en el envase del limpiasuelos. Igualmente sabía que Vera y Barrionuevo no eran una pareja de cómicos, o que Mario Conde más bien debió apellidarse Esconde (El dinero).

La sociedad dormía plácidamente pensando que casos como éste no eran más que excepciones de un sistema en el que de vez en cuando se colaba algún personaje de la picaresca española. Pocos sabían que en silencio se construían los cimientos de una organización criminal que se hacía fuerte aprovechando los mecanismos del poder político. Solo hay que echar un vistazo a la prensa para comprobar que esa organización ha perdurado hasta nuestros días. Lo peor de todo es que España la sigue legitimándolo en las urnas, como si fuera una representación de nuestra propia naturaleza.

Como veis, no son pocas las reflexiones que dejará El hombre de las mil caras, el filme que aporta elementos de ficción a la fuga que articuló Roldán con ayuda del espía Francisco Paesa. Pero hablemos de cine, que eso va este blog (cuando no me voy por la ramas).

Una frase en mi mente al terminar el metraje: “Alberto Rodriguez ya es uno de los grandes del cine español”. Y es que a pesar del gran nivel que muestran los actores, en especial Eduard Fernandez, en este filme el director es la estrella. Recuerdo leer le noticia de que Rodriguez había optado por este proyecto y pensar en su osadía y en la tremenda hostia que podía pegarse ante la dificultad del material. Hoy solo reitero lo de valiente, porque Rodriguez lo ha vuelto a hacer. Hay thriller, hay cine negro, hay cine de espías… pero sobre todo hay buen cine.

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El guión, del propio Rodriguez y Rafael Cobos, es otro de los puntos fuertes. Era demasiado fácil caer en el amarillismo o en la crítica implícita, pero la película evita pararse a juzgar o revolcarse en el lodo del escándalo. También funcionan a la perfección la (de nuevo) excelsa fotografía de Álex Catalán y la magnífica banda sonora de Julio De la Rosa. Si eres bebedor ocasional de Jaggermeister has de saber que la película incluye además la escena más lúcida sobre los efectos del licor alemán en el corto plazo.

Durante el visionado me han venido a la cabeza dos títulos cercanos a este hombre de las mil caras: La compleja El topo, de Tomas Alfredson, y Munich de Steven Spielberg, uno de los mejores títulos de su filmografía reciente.

Da gusto ver que el cine español se atreve con la historia reciente. La Gürtel, Marbella, la Operación Puerto… Hay material de sobra en este sistema putrefacto. Y Alberto Rodriguez demuestra una vez más que también hay talento. Por lo pronto, se intuyen no pocas nominaciones a los Goya.

Warcraft: El Origen. Algunos orcos buenos

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Es increíble la de mensajes contradictorios que en ocasiones puede mandar un mismo largometraje. Voy a compartir con vosotros pensamientos internos durante los 120 minutos que dura Warcraft, completamente basado en hechos reales y en orden cronológico:

  • “Pinta bien”
  • “¿Qué coño es esto?”
  • “No entiendo nada”
  • “Me he perdido con tanto nombre. ¿Algún personaje que no tenga nombre de medicamento”
  • “Los efectos no están mal”
  • “¿Una orco que está buena? Es contradictorio”
  • “Vergüenza ajena”
  • “Los efectos flojean”
  • “Duncan Jones es mentira. ¿De verdad este tipo dirigió Moon?”
  • “Las escenas de acción aburren”
  • “Igual la dejo aquí”
  • “Espérate que remonta”
  • “Pues igual no está tan mal”
  • “Parece que Duncan Jones ha hecho lo que quería hacer”
  • “Juego de tronos”
  • “Me gusta lo directo de las batallas”
  • “Duncan Jones es un genio”
  • “Quiero secuela”

Una puta montaña rusa amigos. Y no, no siempre me pasa esto. Warcraft es un auténtico cocktail molotov que mete en la licuadora El señor de los anillos, Stargate, Avatar, Star Wars y Juego de tronos, y que a pesar de todo al final acaba encontrando un lenguaje propio. De el Señor de los anillos tiene las razas y el escenario, de Stargate el portal hacia otros mundos, de Avatar el componente humanista y los efectos especiales, de Star Wars el alto precio de las artes oscuras y de Juego de Tronos las intrigas palaciegas y la mano larga con las muertes.

He de decir que nunca he jugado al célebre World of Warcraft, videojuego que adapta el filme. Quizá por eso en algunos momentos no he hecho pie y he añorado la simpleza de la cameroniana cinta de extraterrestres azules. Lo bueno es que todo ese entramado se va desenredando a medida que transcurre la trama para desembocar en un final lógico (y épico).

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Si me llegan a decir que Warcraft adapta una novela escrita hace cien años me lo hubiera creído. A pesar de basarse en algo tan reciente como un videojuego, Duncan Jones (Moon, Código fuente) apuesta por el lenguaje clásico. Por momentos la película parece una inmensa tragedia griega, con toques de Shakespeare y Tolkien.

Ahora la productora se enfrenta al dilema de entregar o no una segunda parte de un filme que ha fracasado estrepitosamente en Estados Unidos y ha sido un taquillazo en china. Incluso se habla de una secuela de capital chino. Parece que a Jones no le importaría ponerse de nuevo al mando. Por mi encantado.

Tarde para la ira: Venganza en plato templado

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El actor Raúl Arévalo ha dado el salto a la dirección con Tarde para la ira, una historia de venganza ambientada en la otra España, la que se encuentra alejada del centro de la ciudad, la España agreste y salvaje.

La película ofrece una cruda historia de venganza que poco tiene que ver con  el efectismo de Park Chan Wook (Old Boy, Simpathy for Lady Vengeance) o Quentin Tarantino (Kill Bill I y II). Para asegurarse el éxito, Arévalo ha contado con Antonio De la Torre, todo un seguro de vida. En esta ocasión da vida a un personaje parco en palabras y con muchas líneas interiores, su enésima contención.

La película gana en sus cuartos más sucios y oscuros, en los bajos fondos, y sube un escalón cuando aparece la violencia. También funcionan sus salidas de tono, con esos mafiosos de barrio sacados del cine quinqui o esas vecinas de pueblo tan de Espejo público. El uso de la cámara resulta todo un acierto, desde el potente plano secuencia inicial al seguimiento de personajes tan del cine de Darren Aronofsky.

Entre los puntos negativos encuentro el empecinamiento de Arévalo por parecer un autor. El alargue de algunos planos parece impostado. Contrasta con la naturalidad y crudeza de la mayoría de metraje. Ese intento de trascender resta autenticidad a un filme que no necesitaba aire. Quizá por ello sus 92 minutos no pasan todo la rápido que debería.

A pesar de todo esto, el debut de Arévalo (No me refiero al de los chistes casposos) es prometedor. Con este largo se asegura una segunda película en la que podamos ver si además de buenas referencias al Peckinpah de Perros de paja hay talento. De momento no pinta mal.

 

The Act of killing: Demonios de la Indonesia salvaje

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No es casual que The act of killing aparezca en el puesto 14 en la lista de las 100 mejores películas del Siglo XXI que recientemente ha realizado la BBC. El documental de Josua Oppenheimer demuestra que aún quedan millas por recorrer en este género, y es que lo que propone es algo nunca visto: Dar protagonismo a auténticos genocidas, convertidos en estrellas dentro de una sociedad donde el odio al comunismo vende y la corrupción tiene buena prensa. Todo esto aligerado con un indescriptible toque cómico.

Vayamos a la raíz. Desde 1965 entre medio millón y un millón de personas han sido asesinadas en Indonesia. Así, como si de un atroz truco de magia se tratase. Y no mucha gente lo sabe. Parece que en occidente estábamos tan sobrecogidos con el genocidio nazi que se nos olvidó mirar hacia oriente. Los ejecutores eran gangsters al servicio del gobierno, que lejos de ser apartados de la sociedad, gozan hoy en día de fama y aceptación popular. Los matarifes se vuelven a reunir con la excusa de grabar una película en la que recrean sin ningún pudor los asesinatos cometidos.

Si hay algo casi tan atroz como las barbaridades perpetradas por los protagonistas, es su falta de arrepentimiento. Asoma algún liviano remordimiento en forma de pesadilla, pero los verdugos parecen mucho más cómodos a la tranquila sombra del The Show must go on.

The act of killing es además una concatenación de enormes WTF. Por momentos he pensado estar viendo una falsecuela de Pink Flamingos. Por haber hay hasta alucinatorios números musicales. Ojo al momento “arcada”, escena para la historia del cine documental.

Estamos ante una película imprescindible, que deja un interesante debate sobre la violencia. Uno de esos títulos que debería verse sí o sí en institutos y universidades. Los monstruos existen, y están entre nosotros.

 

 

 

No respires: El Lazarillo de Detroit

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En el  primer episodio de El Lazarillo de Tormes, el joven Lázaro es mantenido por un mendigo ciego amante del vino. Ante la negativa del invidente a dar zumo de uva al pícaro, Lázaro decide tomarse la caridad por su cuenta y hacer un agujero al botijo de su amo para acceder al caldo. El joven es pillado in fraganti y recibe una monumental paliza. Eso es en esencia No respires, aderezado con las reglas del terror y con desarrollo en una desértica Detroit. Quizá me he excedido narrando todo este episodio, pero se que para muchos de vosotros el Lazarillo es un niño que sale en un anuncio de quesos. Y no os culpo. Mis compañeros de la universidad aún recuerdan mi relectura del libro en un examen de Literatura española, en el que respondí que la muerte del padre de Lázaro se produjo por el brutal atropello de un carro, cuando realmente murió en la guerra.

Vuelvo al tema. No respires no descubre vida en Marte, por momentos pierde la coherencia, pero funciona, tiene algo auténtico, a pesar de la escasa credibilidad del trio de ladrones protagonista, que decide asaltar una vivienda con el deseo de cambiar Detroit por California. Su look, su crudeza y la gran dupla que realizan protagonista femenina (Jane Levy) y antagonista (Stephen Lang) terminan por aupar esta cinta de terror un par de peldaños por encima de la media.

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Al igual que en su revisión de Posesión infernal, el director Fede Álvarez deja lo mejor para el último tercio. Un final con sabor a títulos como La matanza de Texas o Wolf Creek. En el nudo la cinta se encarga de romper la monotonía con un par de afortunados giros. Quizá el título ha llegado a nuestros cines demasiado dopada por la crítica americana, pero merece la pena adentrarse en su meritorio pasaje del terror. En el Top de sus Highlights el momento ‘chupito’. Los que la habéis visto ya sabéis a que me refiero.

Un blog de cine con muy mala leche