Secuelas que superaron a la película original

A estas alturas el tópico “Segundas partes nunca fueros buenas” está más que muerto, por lo que nos planteamos otra cuestión. ¿Qué secuelas superaron a la primera película? No vamos a hablar de las que le empataron el partido al episodio original, si no de las que lo ganaron. Aquí van:

La guerra de las galaxias: El imperio contraataca

hoth-el-imperio-contraataca

Tras el impacto generado por La guerra de las galaxias, ahora conocida con el soso título de Una nueva esperanza, parecía imposible superar el listón. Pero Lucas lo consiguió. El filme partió desde Hoth hacia algunas de las mejores escenas de todos los tiempos, incluida la del “Yo soy tu padre”. El carisma de Yoda hizo el resto. Mucho más que una simple Space Opera.

El caballero oscuro

el-caballero-oscuro-nolan

Los (ligeros) problemas de ritmo que tenía Batman Begins se ven resueltos en este episodio que ya forma parte de la historia del cine. Sin duda lo peor de esa primera entrega era El Espantapájaros, un sparring en manos de Batman que no lució como lo hace en el cómic. El personaje que interpretaba Cillian Murphy se ve sustituido aquí por el Joker de Heath Ledger, el mejor villano de la historia del cine. Sin presentaciones de por medio, Nolan consiguió hacer una película redonda en lo que todo brilla por encima de la original.

Anarchy (La noche de las bestias) / The Purgue 2

anarchy-la-noche-de-las-bestias

The Purgue: La noche de las bestias sacrificó una brillante premisa para ofrecernos una sosa película de invasión casera. El director James DeMonaco recuperó esa idea de la noche del asesinato legal para centrarse esta vez en lo que pasa fuera. Cine serie B con vocación antisistema no exento de terror. Una película para disfrutar.

Los renegados del diablo

12_devils_rejects_blu-ray

No fue fácil de digerir una película como La noche de los mil cadáveres, un filme a medio pulir que a pesar de sus buenas ideas y su tremenda dirección artística no acababa de ser disfrutable. El director Rob Zombie se quitó las ataduras en este segundo trabajo y llevó a su terrorífica familia de vacaciones. Y que bien le sentó salir de casa… Zombie ejecuta magistralmente un gran guión. La sala de montaje hizo el resto. Una gozada para los fans del terror, y quizá también para los que no lo son.

H2 (Halloween 2)

halloween-2-rob-zombie

En Halloween: El Origen vimos a un Rob Zombie demasiado respetuoso con el gran material de partida, nada menos que La noche de Halloween de John Carpenter. En Halloween II es donde el rockero y director se soltó la melena, libre de las ataduras de la primera película. Halloween II tiene personalidad propia, y ese final con Nights in white Satin es impagable. Así sí.

 

Capitán América: El soldado de invierno

capitan-america-soldado-invierno-rogers-romanoff-beso

Aunque es difícil hablar de secuela, puesto que el universo Marvel arrastra más películas, la segunda aventura en solitario del capi le dio un baño a Capitán América: El primer vengador. El soldado de invierno se convirtió en la película más thriller de la era Marvel, y también en el título menos infantil del sello. El excesivo CGI de la franquicia se cambió al fin por acción y peleas a pie de calle. Estamos ante la brillante recreación del despertar de Hydra.

Los juegos del hambre: En llamas

saludo los juegos del hambre

Tras una buena presentación de la franquicia por parte de Gary Ross, el director Francis Lawrence supo inyectar adrenalina y más contenido político a una franquicia que lo demandaba. Manteniendo lo que funcionaba en la original pero siendo más incisivo en las escenas de acción el entretenimiento se multiplicó. Lástima que tras esto llegaran dos infumables episodios más.

Star Trek: En la oscuridad

star-trek-en-la-oscuridad-benedict-cumberbatch

Tras el notable reinicio de franquicia que supuso Star Trek (2009), JJ Abrams hizo lo mismo pero mejor en un segundo episodio que no solo supera en cada aspecto a la primera entrega, si no que cuenta con Benedict Cumberbatch, y así es fácil ganar el partido. Más y mejor acción.

Spiderman II

spiderman-2-octopus-doctor

Tras la entretenida pero irregular primera entrega, Spiderman II elevó un peldaño el nivel de la saga del hombre araña. En parte, gracias a uno de los villanos más carismáticos del cómic: El doctor Octopus, interpretado por Alfred Molina. Más y mejores escenas de acción en una película más desenfadada y más Sam Raimi que su predecesora. Lástima que el caos llegara en la tercera entrega.

28 semanas después

28-semanas-despues

Lo tenía muy difícil Fresnadillo tras un buen primer episodio por parte de un mastodonte como Danny Boyle. Por suerte, la incertidumbre apenas duró unos minutos. La espectacular fuga inicial, excelentemente montada, llevaba a la franquicia a nuevas cotas. Una de las mejores películas de zombies hasta la fecha.

Terroríficamente muertos (Evil dead 2)

terrorificamente-muertos-evil-dead

Todo lo bueno de Posesión infernal se multiplicó por cinco en esta nueva entrega, un nuevo episodio que se podría calificar como remake. Ayudó la inspiración de Bruce Campbell, prestándose a todo tipo de gags. La obra cumbre del estilo Raimi.

Desperado

desperado-banderas-los-lobos

Lo que es tener pasta. Robert Rodriguez ejerció de conejillo de indias para financiar El Mariachi, su primera y baratísima película. Con dinero de estudio y una estrella latina como Banderas hizo lo que la pasta no le permitió en su primera incursión. Además el filme lanzó al estrellato a Salma Hayek. Una película más divertida, más entretenida y con mejor look que la meritoria primera entrega. De lo mejor de Rodriguez. Para el recuerdo su gloriosa escena de créditos.

Jungla de Cristal III: La venganza

jungla-de-crista-3-la-venganza

No era fácil partir de una película como Jungla de Cristal, una cinta que ya formaba parte del Olimpo del cine de acción con Bruce Willis como frontman de excepción. Quizá por eso la segunda entrega no funcionó. Por suerte John McTiernan, director de la original, se sentó de nuevo en la silla del director para extender el Nakatomi Plaza por toda la ciudad de Nueva York. El yo contra todos se convirtió en un Yo y Samuel L. Jackson contra Jeremy Irons en un juego salvaje por la gran manzana. Si no es la mejor película de acción de todos los tiempos poco le falta.

Indiana Jones y la última cruzada

indiana-jones-y-la-ultima-cruzada-padre-hijo

Tras dos buenas entregas era difícil pensar que el arqueólogo más célebre de la historia del cine podía llegar aún más lejos. Pero Spielberg lo consiguió. En buena parte gracias a la inclusión de Sean Connery como padre del héroe. Juntos consiguieron los mejores momentos de la saga. Una de los mejores títulos de aventuras jamás filmados.

 

Harry Potter y el Prisionero de Azkaban

harry-potter-mejor-azkaban

El mexicano Alfonso Cuarón solo dirigió un episodio de la saga Potter, y fue el mejor. Tras dos buenas primeras adaptaciones de los libros de JK Rowling, Cuarón llevó a la franquicia a otro nivel. Un capítulo oscuro y adulto que no es solo una gran película de Harry Potter, también es una gran película.

¿Echas algún título de menos? Háznoslo saber en la zona de comentarios.

 

Dinos cuál es su película de terror favorita y te diremos quién es

¿Estás conociendo a alguien y quieres saber si la cosa funcionará? Se acabaron tus dudas. La Vaca de Twister ha elaborado un estudio, en colaboración con la universidad de Sitges, que vincula la película preferida del cine de terror con algunas claves de la personalidad. Sólo tienes que sacarle el tema. Aquí te hacemos el resto.

¿Cuál es su película de terror favorita?

El exorcista: Persona lista, que sabe hasta latín. Domina las lenguas muertas. Procura quitar los crucifijos cuando vayáis a casa de tu abuela, porque jura en hebreo. Cuidado en las celebraciones, que bebe como un poseso y tiende al vómito. Elasticidad extrema. Girando la cabeza 360º se pueden hacer muchas cosas, o tal vez no. Si acabas llamando a un cura, lo siento, pero seguramente no sea para que os case.

The ring: No te hagas muchas ilusiones, porque es posible que tu gozo acabe en un pozo

Saw: Algo malo has debido hacer en la vida para acabar con esta persona. Le gusta jugar. Aficionado al ciclismo. Si quieres que la relación prospere tendrás que dejarte la piel, literalmente. Es posible que pierdas unos kilos.

saw-primera-parte

Destino final: Más que una boda, prepara un funeral.

La profecía: Insiste constantemente en tener descendencia. Y da igual que tengas 12 o 60 años. Usa protección, a poder ser doble. Y ojo .No descartes la sagrada concepción.

Pesadilla en Elm Street: Si has llegado aquí es porque te ha confundido su look tan Eduardo Manostijeras, pero no todo es lo que parece. Siempre agobiado con temas de curro, de familia, de amigos… Está muy quemado. No estaría mal que le compraras un jersey que no fuera a rayas. Intentará que te duermas a toda costa, pero tu procura mantenerte despierta.

Elm-street-bañera-escena

La matanza de Texas. Su familia acabará siendo un gran obstáculo. Enemigo de grandes hoteles, prepárate para pasar la luna de miel en un chalet compartido buscado en Air BNB de la región de Murcia. La alternativa es ir a la sierra.

Se lo que hicisteis el último verano: Una persona con mucho gancho. Con tendencia a ir de victima convirtiendo cualquier discusión en un atropello. Cambia su chubasquero por un chaleco reflectante. Es más práctico.

Psicosis: Te hará vivir grandes escenas en la ducha. Todo irá bien hasta que te empiece a faltar ropa en el armario, y descubras que en ocasiones se traviste.

Scream: Es posible que el sea quien te pregunte por tu película de terror favorita. Es de los que regodea hablando de si mismo, con tendencia a la autoparodia. Que no te sorprenda su sorpresa final, nunca fue quien decía ser.

El resplandor: Es un hacha, aunque un poco maniático a la hora de planificar las vacaciones. Le van los hoteles grandes, vacíos y mal ubicados. Si tienes descendencia serán gemelas.

Cube: Una persona bastante cuadriculada. Piénsatelo bien antes de una segunda cita, puede que comiences una relación de la que no consigas salir.

cube-película-terror

La mosca: Que te hayas fijado en esta persona no habla demasiado bien de ti. Siempre se acerca a la mierda.

Los otros: Olvida la playa y la montaña, porque esta persona no es muy de salir de casa. Preparate para vivir en un continuo mantita y peli. ¿El sexo? A oscuras.

REC: Olvídate tu intimidad, esta persona lo graba todo. Prepárate para ser protagonista de su documental Ojo en las primeras citas, que le van los portales. Usa protección y cuidado con las infecciones.

Tiburón: Es la primera vez que le ves por la costa. Prepárate para vivir un auténtico amor de verano, aunque es posible que tu relación acabe en el mar rojo. Si hay un final no intentes volver. Segundas partes nunca fueros buenas

The human centipede: Huye. Estás en peligro.

Joy: Por no decir JLaw

vacometro3

Jennifer Lawrence me recuerda al Stephen Curry de esta temporada en la NBA. Puede parecer un símil delirante, pero la sensación que tengo al verles es similar. Van sobrados. Supongo que la única razón por la que JLaw no se hizo con la estatuilla fue simplemente tener ya una. Ella es la responsable de que esta Joy se eleve muy por encima de la película infumable que podía haber sido. En esta ocasión la interpretación está por encima del personaje.

Joy cuenta la historia real de Joy Mangano, una mujer que pasó de ama de casa plurihipotecada a reina de la Teletienda. Quizá no sea la historia más apasionante del planeta, pero la buena mano en la dirección David O. Russell convierte la película en una experiencia satisfactoria. Aunque el guión esté por debajo de los The fighter, El lado bueno de las cosas o La gran estafa americana, el acertado (e intencionado) tono Frank Capra aporta cierta magia a la película.

Poco puedo decir del resto del casting, habituales del director como Robert De Niro o Bradley Cooper, que se ven eclipsados por el cometa Lawrence. Como es habitual es las pelis de O. Russell, la dirección artística esta cuidadísima, y la selección de temas para la banda sonora vuelve a ser un acierto.

joy-mangano-jennifer-lawrece

Además Joy muestra una variante complicada del sueño americano. Intentar lograrlo siendo mujer trabajadora, madre soltera y ama de casa en el seno de una familia complicada. Si es algo complicado hoy más lo era a principios de los años noventa.

Dicho todo esto, no entiendo la mala acogida de crítica y un importante sector del público que tuvo la película. Quizá su sencillez juegue en contra, pero mi sensación es que David O. Russell es uno de esos directores a los que esperan con antorchas cada vez que estrena. Puede que no sea ese rey de Hollywood que convierte en oro cada proyecto que toca, pero lo que es innegable es su personalidad y estilo propio a la hora de narrar. Esta Joy merece una oportunidad.

FANT en Corto Vasco 2016

En las dos últimas ediciones del FANT, el FANT en Corto Vasco había superado a la selección internacional, quizá por eso acudíamos con muchas ganas a esta sesión, pero la verdad es que el resultado fue decepcionante. A la salida del Teatro Campos el comentario generalizado es que este año la selección había quedado floja. Aún así nos llevamos en la memoria un puñado de cortos interesantes, alguno incluso brillante. Os enseñamos nuestro TOP 5 de este año:

5. False Flag, de Asier Urbieta

falseflag-asier-urbieta

False Flag, de Asier Urbieta, es un cortometraje excelentemente rodado que nos habla de la guerra sucia y la manípulación. Fantástico su plano secuencia. Un buen trabajo, que no me parece perfecto por lo directo de su denuncia. Quizá una pizca de sutilidad habría ayudado a crear un trabajo redondo.

4. Fishura, de Yago Mateo

Fishura-yago-mateo

Con su comienzo a lo Amelie y su estilo en blanco y negro he de decir que me temía lo peor. Pero enseguida el humor negro salió al rescate para mostrar que estábamos ante algo diferente. Una pieza divertida e imaginativa sobre otro tipo de pesca. Muy recomendable.

3. Duellum, de Tucker Dávila Wood

duellum-tucker-davila-wood

Duellum comienza de forma similar al brillante corto de espada y brujería El bosque negro de Paul Urkijo, que disfrutamos el pasado año. Y poco más podemos desvelar de este interesante trabajo que plantea una auténtica maniobra de evasión. Una fantasía necesaria en tiempos convulsos.

2. I said I never talk about politics, de Aitor Oñederra

isaid_iwould-rajoy-corto

Reconozco que ya solo usando el tema “Bele beltzak baino ez” de Belako en los créditos iniciales este corto ya me había ganado. El cortometraje de Aitor Oñederra se puede considerar primo-hermano de Dinner for few, el trabajo griego que triunfó el pasado año en el FANT en corto internacional. Una crítica social que utiliza la provocación como vehículo.

1. Cenizo, de Jon Mikel Caballero

cenizo-jon-mikel-caballero

El último corto proyectado no solo fue el mejor de la sesión, también fue uno de los mejores vistos en los últimos tiempos. Cenizo es una muy lucida mezcla entre el cine social y la ciencia ficción de los años 50. Su juego de espejos entre una invasión extraterrestre y un desahucio desde la mirada de una niña es brillante. El cortometraje de Jon Mikel Caballero consigue divertir y conmover. Desde aquí nuestro aplauso.

La bruja (The Witch): Mas de autor que de terror

vacometro3

Advertencia: Esta película no es la película de terror al uso que vende su trailer. Yo iba con la lección sabida, pero los grupos de adolescentes que poblaban la sala se llevaron un desagradable chasco. Estamos ante una película que más que terror es cine de autor.

Ahora si, hablemos de La bruja. No es fácil valorar esta película. Gran fotografía, excelente realización, capacidad para inquietar… ¿Pero miedo? Por ningún sitio. La película ofrece algo nuevo al subgénero, y vende su ficción con el rigor de un episodio histórico, pero la verdad es que mentiría si dijera que ha conseguido entusiasmarme. Por decirlo de alguna manera, le sobra tono solemne y le falta Rock & Roll. Y aún así tiene potencia icónica, como la de ese cabrón (en sentido animal) oscuro que los pequeños de la familia protagonista bautizan como Philip El negro y que se puede adivinar como protagonista de la canción popular “La cabra, la cabra, la puta de la cabra, la madre que la parió”.

The-witch-la-bruja-nueva-inglaterra

La bruja puede funcionar a la perfección como precuela de The lords of Salem, mejor película para este blog en el año 2014. Su final encaja como un guante con el principio de la película de Rob Zombie. El relato del director Robert Eggers tiene bastante más coherencia que el que nos ofreció Zombie, pero le falta la psicodelia de las imágenes del rockero.

Aunque no ha logrado engancharme del todo, soy incapaz de afirmar que La bruja es una mala película. La cinta aporta una nueva visión sobre la realidad bruja en Nueva Inglaterra previa a los juicios de Salem, y por momentos consigue cautivar. Un título indispensable ya en la colección de todo satánico, que está más cerca de Cannes que de las mutisalas.

 

Southbound: Comarcal al infierno

vacometro3

El FANT 22 nos acercó Southbound, una de las mejores antologías de terror de los últimos años. Heredera oscura de Cuentos asombrosos, Historias desde la cripta y Más allá del límite, la película traslada el horror a una carretera secundaria del Sur de los Estados Unidos.

Southbound, dirigida por buena parte de los implicados en la saga antológica V/H/S, destaca sobre todo por su ambientación. La película consigue asfaltar una auténtica carretera al infierno. La cinco historias de la película están hiladas hábilmente, lo que permite que el espectador no se planteé abandonar el vehículo hasta el final de trayecto. La dirección artística y la Carpenteriana banda sonora son piezas fundamentales para adentrarnos en el universo de la cinta.

southbound-chicas-coche-carretera

Durante el visionado me han venido a la cabeza títulos como En la boca del miedo, esa maravillosa e infravalorada joya que nos trajo John Carpenter, y Giro al infierno, la infravalorada película de Oliver Stone. Otra referencia cercana es el episodio de carretera de Leonardo Sbaraglia en la reciente Relatos Salvajes, que no desentonaría en Southbound. Tampoco faltan los guiños para los fans del género, que homenajean a películas como El resplandor, La matanza de Texas o Temblores.

Estamos ante una película altamente recomendable, sobre todo si eres fan del terror. Los directores Roxanne Benjamin, David Bruckner, Patrick Horvath y Radio Silence demuestran un gran conocimiento del género, y del medio. Merece la pena circular sin GPS por esta carretera. Ahora solo falta que Southbound encuentre una explotación comercial adecuada.

Bonus track: Este tema de Los Piratas encajaría perfectamente en la BSO. Comarcal al infierno:

High-Rise: Salto al vacio creativo

vacometro4

High-Rise llegó al FANT el domingo noche como una de las películas con más ‘caché’ de la Sección Oficial. Había expectativas con esta adaptación de la novela ‘Rascacielos’ de J.G. Ballard, y se superaron con creces. Da gusto ser testigo de un ejercicio de cine tan libre.

Estamos ante un título de culto instantáneo, que seguramente enamorará a unos y será odiada por otros. Los haters podrán quejarse de su libre albedrío, pero jamás de su realización. High-rise está maravillosamente rodada y montada. La banda sonora de Clint Mansell, es, como casi siempre, de muchos kilates, y la versión del SOS de ABBA que hace Portishead ya justifica con creces el precio de una entrada. Además la canción no está incluida en la BSO, por lo que el filme es de momento la única manera de disfrutarla.

high-rise-luke-evans

En el reparto dos actores brillan sobre todas las cosas. Tom Hiddleston aporta clase interpretando a un hombre gris que nos quita a Loki de la cabeza. Pero el jefe de la función es sin duda Luke Evans, el líder de los pisos bajos, el Che Guevara desfasado. Un vendaval en cada escena. Mención especial también a la femme fatale que interpreta a la perfección Sienna Miller.

La película  podría dar para cientos de horas de tertulia. Funcionaría muy bien en pack con la fantástica Snowpiercer (Rompenieves), el título que reducía el universo a un tren de alta velocidad, con los más desfavorecidos en los últimos vagones. Algo muy similar a lo que vemos en High-Rise, solo que en la primera el espectador tiene más sencillo hacer pie. Las ideas se suceden, y todas muy interesantes, como la de darle a las clases altas de su “propia medicina”, atacar mediante fiestones épicos. La película no deja títere con cabeza, y nadie sale ileso en la atroz lucha de clases en la que ningún bando queda libre de pecado. La decadencia se apodera de la función, consecuencia del egoísmo de una sociedad que valora más el estar que el ser.

high-rise-edificio-rascacielos-pelicula

El rascacielos de la película es primo del edificio de Mega City uno que vimos en Dredd con cierto toque Blade Runner. Sin duda, High Rise es uno de los acontecimientos cinéfilos de la temporada. Muy recomendable disfrutarla en cine. Ojo a su director Ben Weathley (Turistas, The kill list), que por momentos juega a ser Kubrick y no le sale nada mal. Ya estamos con ganas de ver Free Fire, su próximo proyecto. De momento nos pondremos con sus anteriores trabajos.

 

Scare Campaign: El nuevo entretenimiento

vacometro3

La Sección Oficial del FANT 22 ha presentado en Europa a Scare Campaign (me viene Donald Trump a la cabeza), título que aún no había sido proyectado fuera de su Australia natal. Una película breve, de tan solo 76 minutos, que consigue su finalidad de entretener.

La premisa es muy interesante. Un programa de TV centrado en las bromas macabras ve amenazada su hegemonía por otro similar que triunfa en la Deep Web, y que deja sus jodas a nivel Disney. La cadena obliga a los realizadores a dar una vuelta de tuerca.

Estamos ante un título sin pretensiones ni complejos que muestra sus cartas sin pudor. Es quizá ese su gran problema, que el espectador va por delante de la película en todo momento. Por suerte, compensa esa previsibilidad con una buena dosis de creatividad en el arte de la violencia. Mención especial al siniestro look de los Slipknot australianos y su buena mano para rodar tomas con una chainsaw cam.

Scare-Campaign-hacha

Entre cuchillos y motosierras Scare Campaign aprovecha para hablarnos de “el nuevo entretenimiento”, el que convierte nuestra vida en potencial espectáculo. Por un lado critica el mundo de las “realities”, en una época en la que cada vez estamos más cerca del todo vale por un puñado de share. Solo hay que ver su evolución. En el primer Gran hermano la novedad era ver la vida en directo. Era curioso ver a los participantes hacer cosas tan rutinarias como cepillarse los dientes. Tras 15 ediciones la humillación y el conflicto son indispensables, y cada poco tiempo aparece una nueva variación que va más allá. La película advierte de esos peligros. Si hoy Amenabar realizara Tesis estoy seguro de que las Snuff Movies de garaje en VHS serían sustituidos por Snuff Movies 2.0, seguramente colgadas en ese otra internet que no conoce Google.

En definitiva, un título fugaz que avanza veloz que probablemente nunca llegará a nuestras salas, pero que podría hacer sin duda una buena carrera en Video on demand.

Director en sala

Su director, Cameron Cairnes, estuvo presente durante la proyección, tras la que atendió las preguntas de los asistentes. Así nos enteramos de algunas curiosas anécdotas, como el lugar de rodaje. Un fantasmal hospital abandonado en el que se hacen tours para ver fantasmas. El equipo de la película aprovechó la ocasión para dar más de un susto a los turistas del terror.

 

 

 

 

 

The Boy: El primo pijo de Chucky

 

vacometro3

El FANT estrenó ayer The Boy, una película del subgénero “muñecos que dan mal rollito”. Mis pretensiones eran bastante bajas, pero la verdad es que disfruté del visionado de principio a fin.

The boy cuenta la historia de una chica estadounidense que tras una mala experiencia en su país natal decide irse a trabajar a Inglaterra. El curro es en apariencia sencillo, cuidar a Brahms, el joven hijo de una adinerada pareja de ancianos. La sorpresa viene cuando la protagonista descubre que ese hijo tan querido es un jodido muñeco de porcelana.

El director William Brent Bell ha conseguido un producto de calidad. A la película le beneficia la decisión de apostar por el misterio en lugar del susto al uso. En todo momento acompañamos en sus dudas a la protagonista. ¿Está vivo Brahms? ¿Se me está yendo la olla? Ese juego funciona hasta al final. La realización además es bastante superior a la de los títulos de terror que desembarcan en la cartelera. Ayuda la poderosa mansión en la que transcurre toda la trama.

THE BOY
THE BOY

La actriz protagonista es Lauren Cohan, Maggie en The Walking dead. Su interpretación consigue hacernos cómplices de su drama, y responde muy bien al reto de aguantar muchísimos minutos en pantalla dándole la réplica a un muñeco. Una actuación para nota, y más en un subgénero donde las interpretaciones apenas se valoran. No es fácil ser una Scream Queen convincente.

Tras la proyección William Brent Bell atendió amablemente a las preguntas del público. En la conversación vimos a un director apasionado del género, que apuntó influencias de clásicos como Halloween o La profecía en la película. A partir del próximo 20 de mayo The Boy podrá verse en plataformas digitales en España. Una pena que no tenga antes un estreno en cine, porque funciona en pantalla grande y desde luego no tiene nada que envidiar a los horrores que llegan a las salas.

Lo mejor: El tandem Brams-Lauren Cohan

Lo peor: Le falta un poco de “rock” en algunos tramos

 

The Hollow point: ‘Pistoletazo’ de salida para el FANT 22

vacometro3

El 22º FANT comenzó con la proyección de The Hollow Point, que a pesar de ser la segunda vez que se proyectaba en un Festival tuvo sabor a estreno mundial.”La pusimos en México, pero sólo había cuatro personas en el pase” declaró su director Gonzalo López-Gallego.

Antes de la película María Goirizelaya y Lander Otaola volvieron a meterse al público en el bolsillo en la inauguración, magníficamente secundados por un pollo que tocó el piano y el Txistu. Aventuramos un gran futuro a este trío cómico que visto el éxito quizá tendría que pensar ya en un proyecto conjunto. Destacar la habilidad de Otaola para hacernos reír con naturalidad, sin necesidad de hacerse el gracioso, losa para otros cómicos. Como me contaba una actriz hace poco, “El humor es algo muy serio”. Nos encantaría verle presentando unos Goya. Tiene nivel.

The Hollow Point es un thriller fronterizo con aire de western. Dejando a un lado la temática de los espaldas mojadas, estamos ante una película que habla de “pólvora mojada”, el tráfico de balas entre Estados Unidos y México ante la escasez de material en el país de Frida Kahlo, una problemática tan desconocida como vigente.

Un año más el festival ha acertado con la elección para esta sesión inaugural. The Hollow Point comienza con mucha fuerza -La apertura fue aplaudida por el público con intensidad-, y aunque no la mantiene durante todo el metraje contiene momentos lo suficientemente potentes para que nunca termine de decaer. El uso de la violencia es todo un acierto. A los protagonistas no les cuesta apretar el gatillo, lo cual se agradece, en oposición a esos títulos en los que se marea la perdiz hasta que vomita antes de pegar un tiro.

Por momentos recuerda a Una historia de violencia de David Cronenberg. En ambas el mal se presenta en un pequeño pueblo de la América más rural. Pueblos en los que no se presentan las fuerzas especiales para solucionar conflictos con un bocadillo de balas. La lista del antagonista recuerda a la del primer Terminator en busca de Sarah Connor, con similar método de ejecución, a lo juez Dredd. Inevitable la comparación con otros títulos de la misma liga como No es país para viejos. Hay cierto aire Coen, sobre todo en su hábil sentido del humor, tirando a negro.

El casting está sensacional. Sobre todo acertada la elección de Ian McShane, que se eleva sobre todo el elenco con una fuerza descomunal. La película también recupera a James Belushi, un actor que se prodiga poco y al que pronto veremos en la anunciada nueva temporada de Twin Peaks. Patrick Wilson realiza también un trabajo eficaz.

Más mérito aún para la película sabiendo que su presupuesto ha rondado los 3 millones de dólares. Una cinta Low-Cost que no tiene nada que envidiar a producciones mucho más costosas.

IMG_20160506_221733

Tras la proyección, Gonzalo López-Gallego se puso a disposición del público, y nos contó algunas curiosidades del rodaje, que tuvo lugar en Utah, y de la forma de trabajar con las agencias en Estados Unidos. También nos habló de proyectos anteriores, como Apolo 18, en la que trabajó con los Weinstein, o Open Grave, en la que torció el morro tras ser preguntado, pero como al espectador que hizo la pregunta, a nosotros también nos gustó muchísimo. El director destacó el gran talento y futuro del guionista Nils Lyew, del que nos contó que hasta hace poco trabajaba en un Starbucks.

Sin duda una buena apertura el FANT. Así da gusto.

 

10 sesiones del FANT 22 que no te puedes perder

El viernes 6 de mayo volverá la cita preferida de los amantes del cine de género de Bilbao y alrededores: El FANT, Festival de Cine Fantástico y de Terror de Bilbao. El programa, un año más, se presenta sensacional, y con propuestas para todos los paladares cinéfilos. Hemos recopilado las sesiones que, a priori, parecen más interesantes.

1. The Hollow Point

Viernes 6, 20:00. Teatro Campos

HOLLOW-POINT-estreno-fant

The hollow point tiene al director Gonzalo López Gallego como principal reclamo. Su anterior película, Open Grave, ya obtuvo el premio al mejor guión en FANT 2014. En esta ocasión presentará un thriller fronterizo que, a priori, no parece muy FANT, pero que puede conquistar a varios públicos.

2. Midnight Horror (Nina Forever + The howl + Night fare + Deathgasm)

Viernes 6, 2:00. Teatro Campos

deathgasm-fant

A las 2:00 comenzará la primera ‘guapasa’ en sala de la historia del festival. Para la ocasión cuatro propuestas gore y ligeras para amenizar la noche, y que han sido bien recibidas en otros festivales: Nina forever, The Howl, Night fare y Deathgasm.

3. The Boy

Sábado 7, 22:15. Sala 1 Golem Alhóndiga

Una familia conserva como hijo a un muñeco. Este boy puede hacer temblar a la muñeca Annabelle. Atentos al malrollista trailer. ¿No dan ganas de acariciarlo?

4. Scare Campaign

Domingo 8, 20:00, Sala 1 Golem Alhóndiga

scare-campaign-estreno-fant-bromas

De esta cinta australiana nos ha conquistado la sinopsis, que mezcla terror con un programa de bromas pesadas de televisión.Así nos la cuenta la página del FANT: “El programa de televisión sobre bromas Scare Campaign ha entretenido al público durante los últimos 5 años con su mezcla de cámara oculta y sustos de la vieja escuela. Pero a medida que entramos en una nueva era de la televisión online, los productores se enfrentan a una nueva y cruda web-serie que hace que su programa parezca anticuado. Es hora de subir la apuesta, pero ¿irá el equipo demasiado lejos esta vez, y estará a punto de gastar una broma a la persona equivocada?”. Esperemos que esté a la altura de la premisa.

5. High rise

Domingo 8, 22:15. Sala 1 Golem Alhóndiga

Una propuesta de ciencia ficción con personalidad y buenas referencias poblada de caras conocidas como Tom Hiddleston (Quizá Loki os diga más), Sienna Miller, Jeremy Irons y Luke Evans.

6. The green inferno

Martes 10, 19:45. Sala 2 Golem Alhóndiga (Sesión gratuita)

La película de Eli Roth, director de Hostel, resucita el subgénero de caníbales con Holocausto canibal como referencia principal. Un festín gore en plena selva tropical avalada por la marca Roth.

7. Green Room

Miércoles 11, 22:15. Sala 1 Golem Alhóndiga

Sin salirnos del verde esperamos con ganas The Green Room. El director de Blue Ruin, ganadora en Sitges 2014, vuelve mezclando metal, serie B y gore con el actor Patrick Stewart como invitado especial. Toda una garantía. Estais invitados a la fiesta del machete.

8. Rendezvous

Miércoles 11, 20:00. Sala 1 Golem Alhóndiga

Rendezvous-estreno-fant

Propuesta de un género en el que se prodiga poco el cine español: La ciencia ficción. Dos reclamos importantes: Directores bilbaínos y la última ganadora del Goya a la Mejor Actriz: Natalia de Molina.

9. Summer camp

Jueves 12, 20:00. Sala 1 Golem Alhóndiga

Tampoco llegan muchas películas españolas de terror a los cines, así que sentimos curiosidad ante Summer Camp, cuyo título apesta a Slasher. La trama un poco lo de siempre… Jóvenes norteamericanos que van a pasar el verano a España y acaban en el típico caserón. Difícil resistirnos.

10. Baskin (Sesión de Clausura)

Viernes 13, 20:00. Sala BBK

baskin-can-evrenol-fant

Nada mejor que terminar el festival con un festín gore en la clausura. Su director Can Evrenol, recibirá en la sesión el premio FANTrobia. Esperamos una película ‘Heavy metal’ con litros de sangre derramada.

Seguro que nos hemos dejado muchas cosas interesantes. Puede que la sorpresa del festival no esté en este artículo, así que os dejamos bucear en la programación del FANT por vosotros mismos. ¡A disfrutar!

Bloodsucking Bastards: Vampiros contra la baja productividad laboral

El PreFANT 2016 se cerró con la proyección de la norteamericana Bloodsucking Bastards, título que prometía entretenimiento y sangre a partes iguales. Las expectativas no eran muy altas, y aún así decepcionó. Y eso que los primeros minutos nos pusieron los dientes largos (nunca mejor dicho) pensando en la que se podía liar en la decadente oficina que muestra el filme, pero el gore tarda demasiado en llegar. Exactamente una hora, y eso es demasiado para un título que no alcanza hora y media.  El resto son chistes y gags que no funcionan. Bloodsucking Bastards se empeña demasiado en ser graciosa en cada momento, y la verdad es que apenas lo consigue.

Por momentos el filme parece estar realizado sin pasión, sobre todo en su nudo. En ocasiones más que una película parece el episodio piloto de una sitcom vampírica que nunca encontró financiación. No ayuda la pobre realización, con tintes amateurs, ni el poco inspirado montaje, que suele ser clave en este tipo de cine.

Emma_Fitzpatrick-actress-actriz-bloodsucking-bastards

Los actores se ganan la absolución, porque poco o nada se puede hacer con los personajes que les toca defender. En el casting destacamos el encanto de Emma Fitzpatrick. Se puede decir que hacen lo que pueden. Ni siquiera funciona el mensaje, que mostrando el día a día de una triste oficina y jugando con el tema vampírico podía haber dado mucho juego. En definitiva, estamos ante una película que más parece un video hecho en una tarde por cuatro amigos. Gore simplón, una lástima.

 

The Salvation: Falsas promesas del oeste

vacometro3

El Pre-Fant abrió su sección Sitges Tour A contracorriente con la proyección de The Salvation, un western made in Dinamarca rodado en Sudáfrica. A pesar de esta singularidad, el director Kristian Levring ha hecho un western revival correctísimo con elementos comunes de directores grandes del género, como Eastwood y Leone.

La película cuenta la historia de un inmigrante europeo que tras abrirse paso en Estados Unidos decide traerse al país a la mujer y al hijo que dejó en la otra orilla. Lo que parecía la consecución del sueño americano pronto se tornará en tragedia.

The Salvation arranca con crudeza, de manera despiadada. El impactante pasaje de la diligencia que abre la trama es a mi juicio el mejor de la película. La primera mitad de la cinta supera ampliamente al desenlace. El último tramo, aunque correcto, se agarra demasiado al homenaje. Un poco más de riesgo en esos minutos podría haber hecho crecer a un filme que pisa demasiado sobre seguro.

En el casting destaca el siempre acertado Mads Mikkelsen, que carga sin problema con el peso de la película. El actor danés demuestra una vez más que está hecho de otra pasta. El antagonista, interpretado por Jeffrey Dean Morgan también realiza un trabajo de nivel. El problema de algunos intérpretes, como el del Eric Cantona o Eva Green, es el de defender a personajes sin fundamento, de esos que han llegado a la película con pegamento de barra. Presencia y poco más. El ex futbolista apenas aporta dos frases al relato. Imposible no recordar el spot de western que hizo para Pepsi cuando aún estaba en activo.  En el caso de Eva Green encontramos un personaje icónico a base de cicatrices que a pesar de su protagonismo progresivo queda totalmente desaprovechado. Al menos la actriz aporta su ración de morbo habitual.

the-salvation-eva-green-sex-scene

La película habla de corrupción, de caciquismo y del uso del miedo como manera de gobierno, problemas globales que parecen estar aún lejos de la extinción. Levring no deja pasar la oportunidad de darle el enésimo tartazo en la cara al sueño americano. Es todo ese mensaje lo más europeo de un filme que mantiene la esencia de uno de los grandes géneros del cine estadounidense.

Círculo: Cube solo hay una

vacometro2

Explorando en el catálogo de Netflix he encontrado Círculo, película con una sinopsis que hace que pique la curiosidad. “Varias personas que no se conocen son detenidas para ser ejecutadas. Les espera una complicada tarea: elegir quién del grupo merece librarse de la muerte”. Si además del planteamiento macabro añadimos una figura geométrica, la comparación con Cube, la obra maestra de Vincenzo Natali, es inevitable.

Círculo elige también un escenario limitado. En esta ocasión es una especie de plató de televisión en formato circular sustituyendo al Sobera de turno por un extraño núcleo circular. A su alrededor 50 personas que no saben que hacen ahí, pero que deberán intentar descubrir de que va el rollo antes de que vayan cayendo uno por uno. Y esto es todo lo que tienes que saber sobre el argumento.

Ahora vamos con lo bueno. Círculo es una película jodidamente entretenida que se puede ver dejando el cerebro en modo ahorro. Aunque inquieta no estamos ante una comedura de tarro extrema ni ante una compleja trama. La película arranca ágilmente sin necesidad de la habitual chapa introductoria, y avanza veloz hacia el desenlace. El escenario, en rojo y negro, tiene mucho encanto. Un macabro tablero de Twister.

¿Lo malo? Que Cube ya está inventada, y que por su calidad podría jugar en la liga de sus secuelas. Aunque se atreve con temas puntillosos de debate (religión, racismo, familia…) se queda siempre en la superficie. Aún así cualquier fallo del filme es perdonable a excepción de su final, y no me refiero a la parte argumental, si no a su ejecución. Entiendo que estamos ante una película Low Cost, ¿pero no había alguna manera de que no cantara tanto? En Google Play hay apps que añaden mejores FX a tus videos de los que se ven en la película. Definiría ese tiempo de descuento como “dejadez”, y esa falta de ambición final es la que lleva a la película al suspenso. Aún así estamos ante un digno título del género lúdico-mortal que hará el domingo más entretenido.

 

 

 

 

Beasts of no nation: El Kurtz africano

vacometro4

Netflix nos ha dado la oportunidad de rescatar Beasts of no nation, una película que la plataforma ha incluido directamente en su catálogo online español obviando su paso por cines. Ya en Estados Unidos la película vivió un estreno simultáneo en cines y online, lo que a mi juicio es una práctica que perjudica sobre todo a los cines, y me hace pensar que el filme merecía un estreno de mayor entidad. Antes de eso la película había cosechado buenas críticas en la sección oficial del Festival de Venecia.

Beast of no nation es uno de los grandes títulos de 2015, una película que une a dos nombres emergentes del cine actual: Cary Joji Fukunaga, director de la primera temporada de True detective, e Idris Elba, el actor que saltó a la fama interpretando a Stringer Bell en la imprescindible The Wire.

La mejor forma de definir la película sería decir que estamos ante una mezcla entre Ciudad de Dios y Apocalipse Now que cambia Sudamérica y Asia por un lugar indeterminado del África subsahariana. Hay niños obligados a ser salvajes y un general que ha creado en la selva su propio imperio. Aunque queda un escalón por debajo de los dos clásicos, Beasts of no nation obtiene un resultado muy meritorio.

El visionado del filme no es fácil para el espectador, puesto que por momentos el título te hace sentir un machetazo en la cara. Al igual que Ciudad de Dios contiene escenas duras, que con niños de por medio pueden ser dolorosas. Quizá es porque sabemos que el problema de los niños soldado es una atroz realidad en zonas de conflicto. Pasado ese primer contacto con el horror la película es más fácil de digerir.

La interpretación de Idris Elba interpretando a la versión africana del Coronel Kurtz es de esas que no hay que perderse. Se hace incomprensible la no nominación al Oscar de Elba como mejor actor de reparto. Su personaje merece un hueco en la historia del cine. Uno de los monstruos mejor conseguidos de los últimos años.  Abraham Attah, el niño protagonista, también consigue una interpretación de mucho nivel. Sin Oscars de consolación no habría sido raro ver a dos niños nominados en la última ceremonia, Jacob Tremblay (La habitación) y el propio Attah.

abraham-attah-beasts-of-no-nation

Fukunaga, director de largos como Jane Eyre o Sin nombre consigue su mejor película, demostrando que es un consumado creador de ambientes hostiles, como ya dejó claro en la ya mencionada True detective. Intuyo que a pesar de que la película es a día de hoy casi una completa desconocida, el tiempo jugará a su favor. American History X o Ciudad de Dios también pasaron desapercibidas en su estreno, pero hoy son clásicos básicos. ¿Ocurrirá algo similar con Beasts of no nation? Desde luego hay potencial para que así sea.

El renacido: Cine de autor para tontos

vacometro2

El renacido hubiera sido una buena película de acción y supervivencia de no ser por la obsesión de su director, Alejandro González Iñarritu, por intentar hacernos creer con cada decisión que es el mejor director de todos los tiempos. La fotografía de Emmanuel Lubezki, excelsa, no es suficiente para una película con un torpe montaje y un paupérrimo guión. La belleza paisajística nunca es suficiente. El renacido acaba siendo como uno de esos/as  tios/as  buenos/as que cuando habla la caga, y que encima se las dan de listos/as.

El filme cuenta una (nada realista) historia de supervivencia en tiempos de indios y vaqueros. Estamos ante una fantasmada de primera división que hace que la saga Bond a su lado parezca un documental. La escena del oso, aún siendo de lo mejor de la película, no ha podido evitar que buena parte de los espectadores rompiera a reír. Vamos, que está tardando en aparecer la teoría de que este es un realidad un episodio encubierto de la saga Los inmortales.

El renacido jamás hubiera existido sin Terence Malick, director al que Iñárritu pretende imitar con escaso éxito. Hay mucho de El nuevo Mundo o La Delgada Linea Roja en ella, pero el mexicano solo se queda en las imágenes. Eso en el mejor de los casos, en otros acaba recordando accidentalmente a películas más mundanas como Ace Ventura: Operación África o Zombis nazis.

Los personajes son lo más plano que he visto en pantalla en tiempo, todos de brocha (muy) gorda, buenos muy buenos y malos muy malos. Cansino por parte de Iñárritu intentar convencernos en cada escena de lo malo que es el hombre blanco. Lo repite por activa y por pasiva. Además de sacarme de la película esa decisión casi me acaba sacando de quicio. Sangrante el pasaje del hermanamiento entre Glass y el indio. Por momentos la simpleza en el mensaje me ha recordado a Avatar.

El paupérrimo guión incluye algunos recursos directamente sacados del cine de sobremesa, como las ridículas apariciones de la mujer muerta. Da la impresión de que en cualquier momento el Patrick Swayze de Ghost va a sumarse a la función. Lástima que no sea así.

De las interpretaciones poco que decir. Leonardo DiCaprio desarrollando una actuación muy física para la que únicamente ha tenido que ensayar la cara de dolor. El papel de Tom Hardy es el de malo de manual, el que antaño interpretaban los rusos en Hollywood. Por encima de ellos Domhnall Gleeson, interpretando con madurez al Capitán Andrew Henry.

La banda sonora de Carsten Nicolai y Ryuichi Sakamoto es directamente una tomadura de pelo. No por la pobre partitura en si, si no por la chirriante decisión en sala de montaje de repetir los mismos sonido hasta la extenuación. ¡Qué alguien explique como ha sido esta BSO finalista en los Globos de Oro y en los BAFTA!

el-renacido-escena-ataque-indios

Lo único bueno de este renacido son algunos momentos, como el potente inicio y la llegada de las primeras flechas  o el crudo desenlace en la nieve. Chispazos de una colección de escenas pegadas con cola de carpintero. El renacido podía haber sido una gran película de acción, como fue Apocalypto. Flaco favor le hace la megalomanía al cine de Iñárritu. Y aún así… Arrasará en la noche de los Oscar… Faltan huevos para votar a Mad Max: Fury Road, y Spotlight se mete con la iglesia. Veamos si los académicos nos sorprenden.

Lo mejor: La fotografía y la espectacular primera hora.

Lo peor: El guión y su intento continuo de demostrarnos que es algo más que una simple historia de supervivencia. 

Spotlight: Cómo ganar el Pulitzer

Spotlight contaba ya de antemano con una carta ganadora: Un material muy jugoso para ser llevado al cine. Igualmente apetecible la idea de que esa película se convirtiera en un thriller al uso que enfrentara a valientes periodistas con un grupo de malvados curas pederastas. Lo normal es que así hubiera sucedido y que Spotlight se hubiese convertido en carne de sobremesa. Por suerte alguien decidió inteligentemente no centrarse en los sucesos, si no en la investigación del equipo del Boston Globe que recibió el premio Pulitzer. ¿El resultado? Una obra maestra.

Estamos ante una película de despachos, oficinas, sótanos, bibliotecas, taxis, puertas que se abren, puestas que se cierran. Spotlight dignifica una profesión que se ha visto denigrada por culpa de dos grandes lacras: La ideología y la inmediatez. La primera tira abajo temas en las redacciones a ritmo de fichas del quién es quién. La segunda ha sido la tumba del periodismo de investigación, aquel que no entiende de tiempos y que premia el llegar primero en sacrificio del rigor. Spotlight viaja a la esencia del periodismo como servicio a la sociedad. De alguna manera  estamos una revisión de Star Wars que hace que dos grandes poderes crucen sus sables laser: La prensa y la iglesia. Todo esto arbitrado por los poderes políticos y económicos.

spotlight-2

El director Thomas McCarthy dirige de forma magistral demostrando que hay un autor tras el relato, pero quedándose en segundo plano en beneficio del mismo. Su trabajo, rico en detalles, es  impecable. La banda sonora de Howard Shore, una de las más acertadas del año, también aporta nivel al conjunto. Una partitura con personalidad, algo en peligro de extinción a día de hoy.

El trabajo interpretativo también es extraordinario. En el reparto coral encontramos a grandes actores rindiendo al nivel que se puede esperar de ellos. Fantásticos Rachel McAdams o Liev Schrieber, aunque por encima de ellos brilla un enorme Michael Keaton y a un muy oscarizable Mark Ruffalo, el mejor de la función.

108533839_o

La única duda que me invade es si Spotlight está al nivel de Todos los hombres del presidente o Zodiac, para mi los dos películas más grandes sobre investigación periodística. Al salir del cine he respondido con un rotundo sí. Una película necesaria e imprescindible para recuperar la fe en el periodismo, y quien sabe si para devolver al lado luminoso a periodistas que se han sumido en el reverso tenebroso.

Los odiosos ocho: La tomatina de Red Rock

Reconozco que no me gustó la idea de que Tarantino se quedara en el oeste durante un film más, quizá me puede el deseo de volver a ver a Tarantino en las calles de Reservoir dogs, Pulp Fiction o Jackie Brown, pero es imposible negarse a visitar el nuevo museo de los horrores de uno de los mejores directores vivos.

En esta ocasión Tarantino ha optado por comprimir en una casa toda la breve historia de los Estados Unidos de América, con vencedores y vencidos, con esclavos y esclavistas, una historia en la que ni siquiera la mayor víctima tiene las manos limpias. Quizá de absolver a alguien Tarantino absuelve al proletariado, al servicio, el único extracto social del que no se nos muestran pecados. No es casualidad que Samuel L. Jackson aparezca cargando tres cadáveres en la apertura de la trama, una metáfora de un país que sigue cargando con sus muertos.

jennifer-jason-leight-ojo-morado-odiosos

El casting alterna habituales del director con nuevas incorporaciones, aunque son 4 los actores que destacan por encima del resto: Samuel L. Jackson, Jennifer Jason Leigh, Kurt Russell y Walton Goggins, que brillan con facilidad gracias a grandes personajes. El resto de Odiosos no consiguen estar a la altura. El verdugo que encarna Tim Roth, por poner un ejemplo, es sucesor del cazajudíos o el dentista con los que brilló Christoph Waltz en anteriores títulos, pero el resultado se queda en una insulsa imitación.

A pesar de su innegable calidad, lo que impide que Los odiosos Ocho acceda al olimpo del cine es su irregularidad. Hay grandes aciertos, pero también decisiones erróneas y alguna explicación innecesaria que debió convertirse en elipsis. En una película de casi 3 horas tienen que estar muy bien calculadas las raciones, puesto que es una duración que excede el límite de atención del espectador medio. Su guión, y no me refiero a los diálogos si no a la sucesión de acontecimientos, peca de tramposo, y se saca de la manga algunas soluciones que no se ven venir.

De lo que no se puede acusar a Tarantino es de quedarse corto a la hora de mostrar violencia. La parte final se convierte en una auténtica tomatina con la que el director se desmarca del western para llevarnos a su habitual universo hemoglobínico. Posiblemente el desenlace de Los odiosos ocho sea lo más gore de Tarantino hasta la fecha.

Si hay algo que me parece que no está a la altura de su cine es la banda sonora, a mi juicio injustamente nominada al Oscar e inexplicablemente ganadora del Globo de Oro. ¿Tanto pesa el nombre de Morricone? Y ojo, con esto no quiero decir que la partitura sea mala, si no que es escasa, prácticamente nula. El 80% de la película es sonido de viento. Lo mejor del repertorio lo marcan Jennifer Jason Leigh a la guitarra y Demian Bichir ejecutando Noche de paz al piano.

Siempre da gusto volver a Tarantino y disfrutar de habilidad dialéctica, pero me gustaría verle de nuevo en las calles, en un tiempo presente, ahorrándose homenajes para dar rienda suelta a sus creaciones más personales. Quién sabe si lo mejor de su cine está aún por llegar. Aún así Los odiosos ochos es una muy buena película, a mi juicio superior a Django desencadenado. Quizá sea más difícil de digerir, pero su sabor es más auténtico.

Lo mejor: Todos sus excesos.

Lo peor: Un argumento con alguna que otra trampa. 

 

 

 

 

 

Las 10 mejores películas de 2015

Haciendo un análisis a grosso modo podríamos decir que 2015 ha sido sobre todo un buen año para los títulos Sci-fi (Hasta 4 encontramos en este Top ten). A pesar de ello es un complejo drama basado en hechos reales la película que recoge el relevo de Magical Girl, mejor película de 2014, en este ranking. La nota triste es sin duda la ausencia de títulos españoles. Tan solo B de Bárcenas y Un día perfecto han conseguido destacar este año. Al menos este hecho se ve compensado con la inclusión de un título latino en la lista.

10. Paulina

paulina-la-patota-fonzi

El debate hecho película. La revisión de Santiago Mitre de La patota sustituye la religión por su equivalente a 2015: La ideología. ¿Están los principios por encima de la ley? Un thriller rural creíble en cada escena con una mastodóntica Dolores Fonzi al frente del reparto. La interpretación femenina del año.

9. El despertar de la fuerza

star-wars-rey-chatarrera-bb8-finn

Continuismo en mejor de los sentidos. Eso es lo que ha aportado la mano segura de JJ Abrams a una franquicia que necesitaba volver. Además de hacer bien lo que ya conocíamos El despertar de la fuerza genera nuevos enigmas. Un gran regreso.

8. Nightcrawler

gyllenhaal-nightcrawler-modelo-coche-challenger

Jake Gyllenhaal nos regaló el año pasado a uno de los más grandes hijos de puta cinematográficos de los últimos años. La película habla de un mal universal: La avaricia, que en esta ocasión aparece en las cloacas del periodismo. La cámara es un arma.

7. Marte

marte-oscar-matt-damon-marte-ridley-scott

Ridley Scott convierte lo que pudo ser un dramón en uno de los mayores entretenimientos del año. Matt Damon aparece en su versión más carismática para meterse al público en el bolsillo con sus trucos de supervivencia en el planeta rojo.

6. La familia Belier

la-familia-belier-padre-hija

Lo del cine francés es impresionante. Basta una fórmula sencilla para llenar salas en toda Europa. Gran híbrido entre comedia y drama que sin inventar nada consigue llegar al corazón del espectador. Una película que emociona.

5. Sicario

sicario-emily-blunt-ducha-sangre

Dennis Villenueve se confirma como uno de los realizadores más importantes del cine actual en este thriller fronterizo con ecos a Apocalypse Now. Mucho más que una película de acción. Villeneuve se atreve a responder el porqué sin miedo a nadie, ni a mexicanos ni a gringos. La nueva noche más oscura.

4. Ex machina

ex-machina-alicia-vikander-modelo

El debutante Alex Garland se atreve a crear todo un universo con tan solo cuatro personajes en un espacio reducido. Ex Machina ya es historia de la ciencia ficción. Así me imagino “La huella” a día de hoy. Magistral.

3. Chappie

chappie-pelicula-creditos-iniciales

Contra todo pronóstico Neil Blomkamp se rehizo del varapalo que supuso la infumable Elysium con este cruce entre Cortocircuito, Robocop y E.T. que termina no pareciéndose a nada. Personalidad y FX de primer nivel en esta fábula con alto contenido político. Todo un acierto.

2. Mad Max: Furia en la Carretera

mad-max-furia-carretera-imperator-furiosa

El apocalipsis como una de las bellas artes. Así podríamos definir el impresionante trabajo visual de George Miller en la cuarta entrega de Mad Max. Frenética huída hacia adelante que marcará un antes y un después en el cine de acción y ciencia ficción. Delirio al servicio del espectáculo.

1. Foxcatcher

foxcatchher-granja-gimnasio

Magistral dirección del talentoso Bennett Miller (Capote y Moneyball) para ofrecernos su primera obra maestra y uno de los mejores títulos de los últimos años. Retrato de mentes complejas con tres interpretaciones masculinas de primerísimo nivel. Cine de gestos, miradas, elipsis… Miller lo cuenta sin necesidad de contarlo. Un inquietante episodio de la historia negra de los Estados Unidos. Imprescindible.

Los Juegos del Hambre: Sinsajo parte 2. Al carajo con el sinsajo

¡Madre mía! Y yo pensando que ya habíamos visto lo peor de la saga de los Juegos del Hambre en el primer episodio de Sinsajo… Que inocente. Tras dos episodios notables, Hollywood decidió que para ver el último episodio de la saga esperaráramos 12 meses y pagáramos 9 euros más. Asumido el despropósito pensé que al menos nos iban a premiar con un final digno. Error.

El desenlace solo ha servido para confirmar a Josh Hutcherson y su Peeta Mellark como una de las peores interpretaciones de todos los tiempos. Personaje e intérprete consiguen que cada una de de sus apariciones durante cuatro películas se conviertan insoportables, especialmente en esta última.

katniss-peeta-mellark-juegos-de-hambre

¿Harto de personajes femeninos florero? Tranquilos, Liam Hemsworth ha demostrado que la versión masculina de ese rol residual también existe. Su aparición solo transmite un pensamiento en el espectador… “¿Se parece más a Piqué o a Llorente?”.

Lo único salvable aquí es una vez más Jennifer Lawrence, que parece asumir con resignación que esta vez no ha podido salvar la película. Ni él, ni Donald Sutherland, ni Julianne Moore, ni siquiera el difunto Philip Seymour Hoffman.

SS_D125-37207.dng
SS_D125-37207.dng

El guión no es del todo malo. Es remarcable su intento de hacer una película política que se eleve por encima de la superficialidad que se le presupone. Siguen presentes temas como la propaganda o la manipulación mediática, y se explota un mensaje que ya se presentó en su predecesora: “El totalitarismo no es propiedad exclusiva de la derecha”. Lástima que solo sean estrellas fugaces en un final de ritmo pausado y duración excesiva.

La realidad es que todo era mejor dentro del cuadrilátero en que se disputaban los juegos del hambre.  Amigos, Hollywood nos la ha vuelto a meter.

Lo mejor: La escena del ataque de los mutos en las cloacas.

Lo peor: ¿Donde sinsajo está la épica?

Spectre: El Jes Extender de James Bond

vacometro2

Para los no iniciados, el Jes Extender es un mítico alargador de pene que anunciaba la teletienda. Es lo primero que me viene a la cabeza tras ver el último Bond, una película de 80 minutos extendida hasta los 148 por un Sam Mendes con licencia para alargar. Hasta me ha parecido ver hobbits. Hacía tiempo que no iba a mear en mitad de una película.

El último Bond empieza bien, con buenas secuencias durante el día de los muertos en el DF mexicano y con uno títulos de crédito de Top Ten sellados por la música de un inspirado Sam Smith, y no me atrevería a decir que estamos ante una mala película, pero ya he hablado en el primer párrafo de su principal pecado, pero no es el único. Se podría hablar de Spectre como una colección de actores desaprovechados, desde Christoph Waltz a Lea Seydoux pasando por una muy fugaz Monica Bellucci. La brillante idea del malo de malos que encarna el actor alemán es víctima de una película cuyo guión no termina de funcionar.

espectre-tarradellas

Quizá lo más interesante de este willyfoggiano episodio es el uso del metalenguaje bondiano, con un choque de placas tectónicas en el que impactan el bourneizado Bond de los últimos capítulos y el Bond en sentido más clásico. El de Martini con Vodka intenta hacerse camino en lugares en los que no está bien visto beber alcohol. La esencia del cine de espionaje a la antigua usanza se abre paso en un mundo de drones y amenaza ciberterrorista.

Quizá lo que acaba de reventar la cinta es que su predecesora sea Skyfall, indiscutiblemente la mejor película de toda la saga. Y no solo eso, la franquicia Misión imposible también le come terreno. Lo mejor sería un MI6 que cruce a Hunt con el agente británico. Con un “No hay huevos” igual se anima algún productor.

Los Vengadores. La Era de Ultrón: Otro sparring con masillas para el Dream Team

vacometro2

Es dificil explicar lo que me pasa por la cabeza tras el visionado de la Ultrairregular secuela de Los Vengadores, una película capaz de mutar del espectáculo a la vergüenza ajena en cuestión de segundos.

En la Era de Ultrón, la pandilla superheroica se enfrenta a un robot licencidado en filosofía consecuencia de las chapuzas de Tony Stark. No está solo, los Gemeliers también se unirán a la causa antivengadora. Toca salvar el mundo, otra vez.

bruja-escarlata-era-de-ultron

la-era-de-ultron-plano-vengadores

iron-man-megazord-los-vengadores

Josh Whedon empieza fuerte en su última aparición al frente de la franquicia. Los vengadores comienza como una crítica en todo regla al invasionismo americano. Ese que se cuela en un país X con la excusa Y para imponer su particular ley del talión. Y lo hace además con acción dinámica y varios vengadores en plano. Vamos, que empezaba bien. Lástima que tras un afortunado prólogo la película se convierta por momentos en algo demasiado parecido a Trascendence, la película que se alzó el pasado año con la caca de la vaca 2015. En otras palabras, se mete en una ciénaga de inteligencia artificial de la que es dificil salir.

Ultrón, el malo de turno, es fiel reflejo de lo que le sucede a la cinta. Estamos ante un robot de inteligencia avanzada que alterna interesantes monólogos con pataletas de niño chico. Son esas incongruencias las que impiden que esta entrega sea lo buena que pudo haber sido. Al igual que en la primera entrega, el oponente es un mierdas secundado por millones de masillas de los power rangers. Aquí falta un Joker, un Bane, un hijoputa del universo DC.

masillas-chitauri-la-era-de-ultron

A algunos vengadores se les nota ya el desgaste de tanta entrega, lo que se traduce en una gran pérdida de carisma. El que más lo sufre es Iron Man, convertido en una parodia de si mismo. Lo mismo le ocurre a Thor o El Capitán América, aunque en menor medida. La única que parece aguantar el tipo entrega tras entrega es la viuda negra, más ligera de equipaje al carecer de película propia. Johansson protagoniza además un guiño en camilla de Whedon a la escalera de Jacob.

la-era-de-ultron-la-escalera-de-jacob

Por suerte encontramos también algún pasaje de acción digno de mención, como ese Iron Man en versión Megazord que tendrá que enfrentarse a un Hulk completamente desatado. El gigante verde sigue funcionando mejor como criatura que como “persona humana”. De hecho Mark Ruffalo nunca estuvo peor que en esta entrega. ¿De verdad alguien pretende que nos creamos que Romanov se quiera chuscar a este pan sin sal?

romance-la-era-de-ultron

A pesar de algún tramo de acción inspirado, también hay acción de relleno. Incluso los FX flaquean cuando los vengadores comienzan a volar. El final también peca de excesos. En el desenlace Whedon se postula a ser el próximo director en trasladar el universo de Bola de dragón a la gran pantalla. En otras palabras, nos cuela un miniepisodio de la serie de Akira Toriyama cambiando a Goku por Ironman.

bola-de-dragon-los-vengadores

A pesar de los pesares hay que reconocer que estamos ante una película adictiva. Como dice Visión en la recta final de la película: “Hay belleza en sus defectos”. Así que los que ya esteis en el barro Marvel podeis degustarla sin problema. Eso sí… Si no os gustaron las anteriores ¡CORRED INSENSATOS!

Misión imposible: Nación secreta. Ethan Hunt en terreno Bond

vacometro4

La saga Misión Imposible carga tras cinco películas con una mala fama a mi juicio exagerada. Esto quizá se deba a que la franquicia  comenzó con un primer episodio dirigido con acierto por el maestro Brian de Palma al que sucedió una fantasmada extrema dirigida por el hiperbólico John Woo. El cine de espionaje dio pase a un copipasteo de escenas de acción a cual más ridícula. Los episodios 3 y 4 siguieron el camino de la acción de gran estudio, con más éxito que en Mi2 pero sin llegar a enamorar. Ha tenido que llegar el director Christopher McQuarrie (Jack Reacher) para poner a la saga en el lugar cinematográfico que le corresponde.

Misión Imposible: Nación secreta compite con el título de De Palma por ser la mejor película de la saga, y lo hace combinando lo mejor de las secuelas con la esencia de espias old school del primer episodio. Además el filme ofrece momentos que aseguran que la película perdurará, como la antológica secuencia de Turandot en Viena.

mision-imposible-nacion-secreta-ferguson-turandot

Buena parte de la acción transcurre en las calles de Londres. Por un momento he pensado que ibamos a ver un crossover entre Ethan Hunt y James Bond. La verdad es que su presencia, aunque fuera en forma de sombra o de nota en la banda sonora, hubiera sido apoteósica, pero claro, supongo que una maniobra de ese calibre será economicamente inalcanzable.

Nación secreta no alcanza a mi juicio el nivel de la maravillosa Skyfall, pero podría ser el “Casino Royale” de la saga Misión imposible. La película consigue dar mucho más de lo que a priori ofrecía. Sus giros de guión logran mantener el interés y darle un gran contexto lógico a sus espectaculares escenas de acción.

mision-imposible-nacion-secreta-cruise-doble

La película sirve además para reivindicar la figura de Tom Cruise, que a sus 53 años realiza un trabajo físico impresionante. Buen momento el que vive el actor, que tras Oblivion o Al filo de la mañana demuestra que aún puede darnos un trabajo de calidad cada año. Es imposible obviar el trabajo de la guapa y magnética Rebecca Ferguson, que consigue brillar por encima de Cruise en un puñado de escenas de acción, y eso es mucho decir.

Lo peor de la película es sin duda Simon Pegg, otrora actor inspirado en comedia, que ahora solo resulta cargante. No estaría de más que el “sindicato” buscara la manera de darle de baja.

mision-imposible-nacion-secreta-persecucion-motos

En definitiva, estamos ante una película que encantará a los fans de la saga y se meterá en el saco a otros tantos que no lo son o que habían perdido la fe. Una lección magistral de como a hacer un blockbuster y, desde ya, una de las mejores quintas partes de la historia del cine.

13 horas: Los soldados secretos de Bengasi. La historia según Michael Bay

vacometro3

No quiero convertir este artículo en una carta abierta a Michael Bay, pero solo diré… “Ay Michael Bay, que grande eres”. Le tacharán de megalómano, de superficial, de sacacuartos, pero estamos ante un director único, un autor en lo suyo. Su cine casi siempre es igual. Acción desmesurada, frases grandilocuentes e imágenes ultrasaturadas. Un estilo reconocible, pero muy efectivo.

En 13 horas: Los soldados secretos de Bengasi se pasa al territorio Kathryn Bigelow, con una recreación de un episodio de supervivencia USA en zona de conflicto. La ex de Cameron es hoy en día el máximo exponente del neobélico en oriente medio. La incursión de Bay sacrifica introspección para centrarse en la acción y en la puesta de escena, y en ese territorio Bay casi siempre destaca. Estamos de alguna manera ante una nueva Black hawk derribado, que sustituye la efectividad de Ridley Scott por el sentido del espectáculo de la marca Bay.

Las acusaciones a la película serán las de siempre: Americanada, patriotismo… Pero lo cierto es que no he visto en 13 horas ese madeinusismo que cierto sector de la crítica quiere vender. Cierto es que Bay no se centra en el horror de la guerra, pero en ningún caso pinta de héroes a los protagonistas, unos soldados que, seguramente como les ocurre a muchos de ellos en la vida real, se han olvidado de sentir y padecer. Ni siquiera aparece el arrepentimiento. Más que del horror bélico vemos la deshumanización interior. Los protagonistas disparan como si estuvieran jugando al Call of Duty.

Interesante también que la acción se desarrolla en 2012, bajo las reglas del nuevo marco internacional y en la época post-invasionista de Estados Unidos, con un Obama menos beligerante que sus predecesores en el cargo. Parece que los soldados USA han dejado en Texas el sombrero de Cowboy y ya no disparan primero, cosa que nunca ocurría en el cine de los 90 y 00, donde una débil amenaza era una llamada a la acción.

13-horas-soldados-bengasi

Otro acierto del filme es la apuesta por un reparto sin grandes nombres, liderado por unos efectivos James Badge Dale y John Krasinski. En definitiva, otro buen trabajo para un Bay que mejora cada vez que se aleja de Transformers, aunque no alcanza el nivel que mostró en la divertida Dolor y dinero. Aún nos queda mucho que ver del director angelino.

Bengasi, la verdadera historia

A la película solo le podemos achacar la falta de rigor, puesto que olvida contar que el ataque al consulado estadounidense comenzó como una protesta ante la película antimusulmana La inocencia de los musulmanes. Se trataba de un filme americano que podía verse a través de internet y que causo gran polémica en el norte de África y el suroeste asiático por la imagen caricaturizada que ofrecía de Mahoma. Días más tarde Al Qaeda reivindicó el ataque, un asalto que pudo usar la manifestación como tapadera para ocultar un atentado que coincidía con el aniversario del 11S. Tras los sucesos que muestra la película, decenas de libios se manifestaron para desmarcarse de los grupos radicales del país.

 

 

Un blog de cine con muy mala leche

Seguir

Recibe cada nueva publicación en tu buzón de correo electrónico.

Únete a otros 75 seguidores