Las nominadas al Oscar a la Mejor película 2018 de la peor a la mejor

Tras ver las nueve nominadas al Oscar 2018 en la categoría de mejor película en una sala de cine, toca valorar sus méritos. Aquí va un análisis con las aspirantes a la estatuilla en la categoría principal, de la más floja a la más potente.

9. Dunkerque

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Dunkerque no es una película mala en absoluto. Estamos ante una filme bélico muy realista cuya mayor virtud es su grandilocuente puesta en escena. ¿Qué falla? No llega. Se queda en lo superficial, y como película de catástrofes, que en buena parte lo es, no acaba de despegar. Sus personajes podrían llamarse X e Y y no pasaría nada.

8. El instante más oscuro

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Un buen episodio histórico que seguramente le valga el Oscar a Gary Oldman. Sirve para mostrar la parte política de Dunkerque, pero no tiene fuerza para perdurar. El instante más oscuro funciona por el peso de lo que se cuenta, pero es un filme demasiado liviano.

7. Tres anuncios en las afueras

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Buen guión, buena puesta en escena, un potentísimo personaje protagonista, alguna que otra sorpresa… Pocos peros se le pueden poner a este filme. Quizá el mayor problema es que uno no acaba de empatizar con ninguno de los personajes, y la historia da algún que otro bandazo. Tres anuncios a las afueras es de esos títulos imprescindibles de los últimos meses, pero estamos ante un relato áspero que sitúa al espectador a cierta distancia de lo que se cuenta.

6. La forma del agua

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Estamos ante un título brillante en su forma. Con una realización cuidadada hasta el más mínimo detalle y un trabajo de dirección artística espectacular, que va en conjunción con una preciosista banda sonora. Un canto de esperanza para los bichos raros, para los monstruos, para los inadaptados… Quizá el mayor problema reside en un guión sin apenas sorpresas. El cómo está muy por encima del qué.

5. Lady Bird

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El título indie que no podía faltar. Personajes carismáticos e historias cercanas. Quién no haya atravesado la edad del pavo que levante la mano. Una película simpática, con un buen guión y correcta en todos sus sentidos. Pero diría que el Oscar le va grande. Quizá corra mejor suerte en los Independent Spirit.

4. Los archivos del Pentágono

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Una producción inmaculada con el sello Spielberg, con el plus de que hay un periodista al volante de este blog y todo lo que refleje los años dorados del periodismo es porno del bueno. Una historia real potente y bien desarrollada que acaba justo donde esperaba. Una gran precuela de Todos los hombres del presidente. No es la mejor de Spielberg, tampoco se acerca a las tres que vienen a continuación, pero da gusto verla.

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3. El hilo invisible

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La primera de las tres grandes del Oscar este año. Un trabajo a la altura de Paul Thomas Anderson. Una historia de amor que se cuece fuego lento y prepara poco a poco la hostia que te acaba dando. Realización minuciosa. Daniel Day Lewis como en los mejores tiempos, y un guión que se agiganta en la parte final.

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2. Call me by your name

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Pase lo que pase Call me by your name ya tiene su hueco en la historia del cine. Estamos ante una de las grandes historias de amor de los últimos veinte años. Filmada con gusto y con música de Sufjan Stevens que la eleva aún más. Ayuda el gran trabajo de todo el casting, especialmente el de Timothée Chalamet. De nuevo un guión gigante en el tramo final. Un clásico moderno.

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1. Déjame salir

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Y había que quedarse con una. Déjame salir ya es un clásico del cine de terror, aunque en si misma es mucho más que eso. Estamos ante la mejor película que ha dado el cine sobre esclavismo, y también la más arriesgada. Sería una sorpresa su victoria, pero el gran fenómeno de 2017 merece todo el reconocimiento.

 

 

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Black Panther: Wakanda de la vaca

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Marvel también la caga. Nos las prometíamos felices con Black Panther, el héroe afroamericano por excelencia pedía a gritos un salto a la gran pantalla. Más en tiempos donde salir en un viñeta te da pasaporte automático a la sala de cine. El universo cinematográfico del imperio Disney sumaba películas de más o menos entidad, pero siempre efectivas. Lástima que esta pantera negra, se haya saltado las normas del estudio para abrazar con fuerza la Serie B. Black Panther es una superproducción de segunda, y lo peor es que parece que nunca pretendió serlo.

El problema de la película reside sobre todo en la ejecución. Los efectos especiales parecen en ocasiones salidos de la app de un teléfono móvil, mientras que los decorados son sencillamente sonrojantes. Todo sucede en un falso exterior, que en escenas como la de la pelea en la cascada canta demasiado. El copy paste de personajes digitales le gana la batalla a los figurantes, y la pantalla verde tumba a los escenarios naturales. Lo mismo ocurre con los rinocerontes digitales. Pasa como con los monos de Jumanji ¿Acaso no hay rinocerontes en la naturaleza?. Alguno tras la película se preguntaba si se habían extinguido.

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La dirección de Ryan Coogler (Creed: La leyenda de Rocky y Fruitvale Station) es profundamente impersonal. Casi se sitúa en la antítesis de lo que James Gunn ha logrado con ‘sus’ Guardianes de la galaxia. El otro problema grave son todos los palos que se quieren tocar. Vamos de El rey león, a Tron: Legacy, y desde allí a El señor de los anillos. Todo sin orden ni concierto. A eso hay que sumarle una trama más previsible que el resultado de España en Eurovision.

Pero hasta de los desastres más monumentales se saca algo bueno. Lo hace con timidez, pero Black Panther indaga en los problemas de África, y el vibranio va en claro paralelismo con la explotación de Coltán. Tampoco se omiten los problemas históricos de la población negra en el pasado, presente y futuro de los Estados Unidos. La crítica no se esconde, aunque en conjunto carezca de la profundidad que una película ajena a romper taquillas le hubiera otorgado.

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En el casting la gran sorpresa es Letitia Wright y su carismático personaje: Shuri, una experta tecnológica que acaba con el estereotipo masculino que impuso Alfred en Batman. Ella sí tiene hueco en el universo Marvel. La noticia negativa es la aberrante interpretación de Daniel Kaluuya (W’Kabi) que acaba con el buen sabor de boca que nos dejó en Déjame salir, papel por el que está nominado al Oscar. Poco que decir de T’Challa, Chadwick Boseman. La mejor noticia es que ni el ni su personaje sufren desgaste de cara a futuros filmes marvelianos.

Este error de la casa de las ideas, casi en el descuento de Infinity War, rebaja levemente las expectativas ante la película más prometedora de la franquicia. Pero Marvel ya demostró en Civil War que es capaz de triunfar en una misión suicida: La de acumular decenas de personajes carismáticos en un mismo metraje y que el aforo no se resienta. Confiamos que los hermanos Russo resuelvan la ecuación como hasta ahora. Thanos is coming.

The Cloverfield Paradox: Para dox, lax dox primerax

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Parece que la saga Cloverfield está dispuesta a tocar todos los palos. Tras el debut en clave Kaiju mockumentary de Monstruoso, llegó Calle Cloverfield 10, una agobiante historia postapocalíptica de espacios cerrados. Ahora llega por sorpresa a Netflix The Cloverfield Paradox, un título que abandona la tierra para instalarse en el terrpr sci-fi espacial.

El punto de partida de Paradox recuerda al de Interstellar, con un planeta al borde de perder todos los recursos y una expedición que tiene como misión alargar la esperanza de nuestra especie. Un comienzo esperanzador y una premisa interesante. Los primeros minutos se desarrollan de manera irregular. La película no encuentro el ritmo, pero destellos de guión como el “Not in Kentucky Anymore” o la terrorífica aparición de la chica entre cables mantienen viva la esperanza. Incluso los momentos de puro Alien, aunque mil veces vistos, mantienen la tensión. Así es como llega el primer WTF mayúsculo de la película, con un brazo que recuerda a la ‘cosa’ de La familia Adams. Por un momento Sam Raimi se apodera de la cinta. Pero con ese brazo en fuera de juego se acabó lo que se daba. El pasaje del terror se va cerrando, y el guión, que pretende ser una ecuación difícil de resolver, se convierte en una resta con llevadas.

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Tampoco ayudan las esperpénticas interpretaciones. Daniel Brühl está peor que nunca, con una cara continua de… ¿Quién me ha engañado para participar en esto? Así es como poco a poco Paradox se va quedando demasiado lejos de sus antecesoras. Quién mucho abarca poco aprieta dicen, y en este caso es literal. Es en este punto es cuando vas entendiendo la decisión de Paramount de ‘regalarle’ a Netflix esta película, que en principio debió verse en las salas de cine. A este Paradox le pasa lo mismo que a aquellas secuelas que tuvo Cube, Hypercube y Cube zero, que intentaban resolver cutremente los enigmas de la original. Intentaremos quedarnos con los buenos momentos, todos mencionados en este reseña. Por lo demás, una gran pena para una de las sagas más misteriosas del cine de los últimos años.

 

El hilo invisible: Lo que amas es necesitar

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Pues nada, que lo ha vuelto a hacer. Paul Thomas Anderson ha vuelto a demostrar por qué es uno de los mejores directores de cine de los últimos años. El autor de Pozos de Ambición, Boogie nights o The master ha recurrido al mundo de la moda para hablarnos de amor, más concretamente de un amor enfermizo.

El hilo invisible nos presenta a Reynolds Woodcock, un brillante diseñador que vive acomodado en una tortuosa disciplina. Una vida dedicada al trabajo en la que apenas hay sitio para nada más. Su rutina se ve alterada cuando conoce a Alma, una joven que no solo se convertirá en su amante, también en su modelo predilecta.

Todo es más fácil con Daniel Day Lewis. El actor británico vuelve a realizar una interpretación monumental, demostrando los motivos por lo que es considerado uno de los mejores en su oficio. Una actuación que deja un halo de tristeza, porque Day Lewis ha anunciado que esta será su última vez. No es la primera vez que lo deja. En 1999 también comunicó su retirada para convertirse en zapatero en Florencia, pero Scorsese le recuperó para el cine en Gangs of New York. Esperamos que alguien le vuelva a sacar de la jubilación, porque el cine no puede permitirse prescindir de uno de los actores más grandes de todos los tiempos. Le da la réplica Vicky Krieps, que aunque no está al nivel, no le negamos el mérito de mantener el tipo. La que si sorprende con un potentísimo personaje secundario es la nominada al Oscar Lesley Manville, que interpreta a Cyril, hermana de Reynolds. Sus minutos en pantalla son de oro.

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No estamos ante una película sencilla. Anderson se toma su tiempo en la construcción del entorno y, sobre todo, en la de los personajes. Que nadie espere un ritmo alto, porque el director cocina a fuego lento sus verdaderas intenciones. Y para que esto funcione nada mejor que cuidar el detalle. La fotografía, como en todos sus títulos, es impecable. Pero hay algo aún mejor: La cuidadísima banda sonora de corte clásico que ha compuesto el guitarrista de Radiohead Jonny Greenwood. Hay que ser muy bueno para llevar a cabo un trabajo de este nivel. Más aún cuando eres conocido por formar parte de una legendaria banda de pop alternativo.

El director no nos muestra sus cartas hasta el último cuarto de la película. Es en su tramo final cuando El hilo invisible se cita con la excelencia. PTA arriesga y gana en un final sin concesiones que desnuda en totalidad a sus protagonistas. Al abandonar la butaca mucho por asumir, y varias preguntas para el espectador ¿Es la historia que cuenta el hilo invisible un caso aislado o es la forma más común de amor? La teoría de Anderson parece inclinarse ante esto último. Una vez más el espectador contra las cuerdas, y la sensación haber visto una gran obra. Pero lo que hace aún más grande a El hilo invisible es que se presta a múltiples visiones, y cada espectador saldrá del cine con su película. Guste o no, estamos ante una experiencia única.

Reflexión en Spoiler (Déjalo aquí si no has visto la película)

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All you need is love es uno de los temas más populares de los beatles y, por ende, de toda la música británica. Anderson le da la vuelta al estribillo relacionando el amor con la dependencia emocional. Alma gana la partida cuando se da cuenta de que el hueco que debe llenar es de la madre de Reynolds. Esa dependencia emocional que se intuye con la pérdida. Todo lo que necesitas no es amor, lo que amas es necesitar a alguien. Lo mejor en las últimas escenas es que los dos protagonistas ya conocen sus roles, y aún así todo fluye. Un final en el que la pareja protagonista es feliz y como perdices, y aún así atroz.

Reynolds Woodcock: Kiss me, my girl, before I’m sick.

Los archivos del Pentágono: Periodismo contra el miedo

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Steven Spielberg confirma en cada nuevo título su trabajo como gran cronista de la historia del Siglo XX. La lista de Schindler, Salvar al Soldado Ryan, Munich, El puente de los Espías… Poco queda del otrora Rey Midas de Hollywood. Hemos perdido al cineasta que asombraba en la fantasía y ciencia ficción, pero hemos encontrado a un gran historiador con ecos del mejor cine clásico americano. Los archivos del Pentágono no hace más que confirmar esta afirmación.

La película aborda uno de los episodios clave en la historia del periodismo durante el mandato de Nixon, el de los Pentagon papers. Dichos papeles, con información clasificada, ponían en tela de juicio el papel de Estados Unidos en Vietnam, una guerra ya de por si muy cuestionada con protestas a lo largo y ancho del país. Y tampoco quiero contar mucho más, puesto que los que no conozcan lo sucedido tendrán ese plus al sentarse en la butaca.

El guión de Liz Hannah y Josh Singer indaga en la parte privada de la historia. Especialmente en la relación entre Katherine Graham, editora del Washington Post, y Ben Bradlee, director del periódico. Spielberg ha contado con dos primeros espadas para defender los personajes: Meryl Streep y Tom Hanks. Ambos intérpretes resuelven el papel con la efectividad marca de la casa. Especialmente interesante resulta el personaje de Streep, que da vida a una poderosa mujer que tendrá que enfrentarse a una dura decisión y a un momento de hombres que no la respetan. No solo ella y el Post estuvieron en juego, también el papel del periodismo en la sociedad.

Los archivos del pentágono gustará especialmente a los que disfrutaron con Todos los hombres del presidente, la obra cumbre del periodismo en el cine. De hecho, ésta última actúa como la precuela perfecta. Este subgénero, también llamado Porno para periodistas, reescribe las letras doradas de la profesión en estos tiempos oscuros. “La prensa debe servir a los gobernados, no a los gobernantes”, dice Katherine Graham en un momento de la película. Las carcajadas en la sala fueron sonoras, y no hace falta explicar el motivo. 

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En definitiva, Los archivos del pentágono es una pieza sólida de la marca Spielberg. Una historia que toca especialmente a los que somos parte del periodismo, pero que duele al ver la triste realidad. Sólo hay que ver el caso de El país en España para presenciar la decadencia del periodismo y su derrota ante los intereses políticos y económicos. Aun así, vale la pena recordar que esto sucedió. La libertad de prensa también ha tenido que ganar batallas, y esta fue una de las más importantes.

Spielberg regresará a la fantasía en marzo con Ready Player One, película sobre un icónico mundo virtual. Si consigue estar a la altura de estos archivos habrá cumplido sobradamente.

Call me by your name: El verano no vivido

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Entro a ver Call me by your name con los prejuicios de siempre ante una película que los premios convierten en hype y temiéndome un Moonlight 2. A eso hay que añadirle mi particular alergia al género romántico y la crema pastelera. Salgo encantado de haberme vuelto equivocar. Estamos sin duda ante uno de los títulos de la temporada y una de las mejores películas de amor de los últimos años.

La premisa la hemos visto muchas veces. Comienzo del verano de 1983 para un adolescente, o lo que es lo mismo, viaje iniciático y despertar sexual. Todo esto en el idílico norte de Italia. Elio acoge junto a su familia a Oliver, el típico guaperas Made in USA que llega a Europa para conocer in situ la historia del arte. Ambos jóvenes irán creando poco a poco una particular amistad.

El director italiano Luca Guadagnino crea desde la sencillez una interesante historia de amor alejada de los tópicos y con más capas de lo que aparenta. Todo ese sentimiento se entremezcla con otro amor con el que encaja a la perfección: El amor al arte. Además, la película evita el desarrollo sencillo de los acontecimientos para transitar por un camino más complejo, lo que hace que el guión se reserve la capacidad de sorprender. El simbolismo también está presente, como se puede ver en la escena en la que se saca a flote la escultura, en la que también salen a la superficie del film otros restos del naufragio a modo de sentimientos.

El protagonista Timothée Chalamet, nominado al Oscar por su papel, lleva a cabo una interpretación inolvidable, que redondea con un antológico plano final. Una escena para el recuerdo, y no es la única de la película. La célebre escena del melocotón, de la que no diré ni mu, es ya historia del cine. Al igual que el momentazo Timothée Chalamet Chalamet- Michael Stuhlbarg, con un texto de los que atraviesan la pantalla y abren en canal al espectador. Un gran conjunto que se ve mejorado por la brillante aportación de Sufjan Stevens en la banda sonora.

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Además del Awakening, la película explora otros temas interesantes como las relaciones familiares. Los padres de Elio son parte fundamental de la historia, y un ejemplo de libertad en el convulso 1983. Ambos son perfectos espejos aún para los padres y madres hoy en materia de comunicación, aunque también sean consecuencia de los tiempos. Por desgracia, algunas mentes tardarán décadas aún en abrirse, y habrá quién se sienta incómodo viendo la película. Los que detecten esa sensación en 2018 tienen un problema severo.

En definitiva, Call me by your name es cine que transmite, y también cine que rompe. Estamos ante un nuevo clásico en su género, una de las películas del año que no se quedará en eso, puesto que deja escenas que permanecerán en el tiempo.

La frase

“La naturaleza tiene formas muy ingeniosas de encontrar nuestro punto más débil”

Profesor Perlman

 

 

Reflexión en Spoiler (SI NO HAS VISTO LA PELÍCULA NO LEAS ESTO)

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Mantengo una teoría sobre la película. Elio es en realidad el Profesor Perlman, y  su verano el que no pudo vivir como quería, de ahí el título de esta crítica.

 

El terror: Un manual de autoayuda

La mayoría de la población piensa que las películas de terror están hechas para pasar un mal rato, pero un Estudio de la prestigiosa universidad de Twister’s cow en Oklahoma ha concluido que el horror es en realidad un género de autoayuda y superación personal. Piénsalo un momento, al final hay una chica que (casi) siempre sobrevive. Aquí van unas cuantas pruebas de lo que en realidad querían contar estas películas antes llamadas de terror, y que pasarán a la historia como cine motivacional.

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(No, no he podido resistirme a meter una frase de Vetusta Morla 😂)

Molly’s game: El gran telar de Circe

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Entraba a ver Molly’s game con expectativas medias. Si una película de casi dos horas y media de duración lograba entretener ya iba a ser un triunfo. Salgo del cine con los niveles de entusiasmo muy arriba. Estamos ante la primera gran película de 2018. Un filme fascinante. Hacía mucho tiempo que no disfrutaba tanto en una sala.

Molly’s game adapta la vida de Molly Bloom, la ‘autoproclamada’ princesa del Poker. Una ex esquiadora que pasará a la historia por ser la anfitriona en las partidas de Poker entre algunas de las personas más poderosas del planeta.

La clave del éxito de la película es bien sencilla. Cuenta con dos de las grandes personalidades de lo que hoy conocemos como cine. Por un lado encontramos a Aaron Sorkin, guionista de Moneyball, La red social o las televisivas El ala oeste de la casa blanca y The Newsroom. En esta ocasión, también se encarga de la dirección. Por el otro Jessica Chastain, una intérprete en permanente estado de gracia, que, una vez más, devora la pantalla con una actuación hipnótica. Y si a un texto de primer nivel, le sumas el talento inagotable de una actriz y un montaje afortunado, las cosas solo pueden salir bien.

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En el cine de Sorkin los personajes hablan y hablan, y Molly’s game no es una excepción. No dista demasiado de una de una de Jackie Chan, hostias verbales en cada escena, un interminable combate dialéctico. Mi enemistad con el silencio injustificado en el cine hace que no me haya costado demasiado adherirme a su causa. Más si cabe cuando cada línea tiene interés. Y eso que por momentos la película se mete hasta el cuello en el complejo mundo de los términos de Poker, pero el mérito de Sorkin en ese pantano de cartas es ser capaz de que nos creamos especialistas en el tema. El guionista podría adaptar a todos los públicos hasta el listín telefónico.

Y no digo que la película sea perfecta, porque no lo es, ni el Sorkin director está al nivel del escritor, pero a veces el cine consigue traspasar el criterio. Cuando una película consigue conectar como lo ha conseguido Molly’s game, poco importa algún desliz artificioso. Joder, si hasta me ha emocionado. O igual tengo uno de esos días, yo que se.

También os digo que 141 minutos viendo a la Chastain nunca serán demasiados. Es algo que parece repetirse película a película. Hace unos meses ya lo comprobamos con El caso Sloane. Chastain tiene un don para hacernos fans de sus personajes a los diez minutos. Hoy por hoy, pocos intérpretes, masculinos o femeninos, poseen ese carisma. Quizá Cate Blanchett de vez en cuando. Y que en un Hollywood tan masculinizado nos encanta ver a una mujer dando un golpe en la mesa, y que cada vez más historias en femenino den el salto a la gran pantalla. La industria necesita un centenar de Chastains.

No quiero olvidarme de Kevin Costner, que interpreta a un personaje que me ha recordado al de Robin Williams en El indomable Will Hunting. El veterano actor exprime sus reducidos minutos en pantalla con dos apariciones antológicas.

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Además de la historia de Molly Bloom, Sorkin también tira de mitología, recurriendo en este caso a La odisea, en concreto al episodio de Circe y la llegada de los marinos a la isla de Eea, donde posteriormente serán convertidos en cerdos por la hechicera. El paralelismo de la historia de Bloom y este pasaje es evidente, y se menciona con fortuna en la película. Una mirada desacomplejada al clásico relato de Homero.

En definitiva, Molly’s game es una película que está teniendo un injusto discreto paso por salas. Por favor, aprovechad estos últimos días, porque la vida de Molly Bloom merece ser disfrutada en pantalla grande.

 

La historia real de Molly Bloom

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La realidad supera a la ficción, capítulo 10.564. Explorando la historia real de Molly Bloom encontramos algunos de los nombres que la película ha decidido omitir. Entre los asiduos a sus partidas aparecen los nombres de Tobey Maguire y Leonardo DiCaprio. Este último era utilizado de señuelo para que el ex spiderman atrayese a más jugadores. Quizá esto signifique Maguire sea ese señor X que interpreta con acierto Michael Cera. Según afirma Bloom,  el actor la obligó a que “gruñera como una foca ansiosa de recibir un pescado” durante una partida. Se ve que llevaba mal eso de sentarse en una mesa controlada por una mujer con los galones de Bloom.

The disaster artist: Ahora sí, comedia voluntaria

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Puede que no la hayas visto, pero si eres medianamente cinéfilo seguramente hayas tenido algún contacto con The Room (2003), la gran comedia involuntaria de lo que llevamos de siglo. La película escrita, dirigida y protagonizada por el excéntrico Tom Wiseau se ha convertido, con la ayuda de la era digital, en la denominada peor película de todos los tiempos. Un filón para memes y parodias de toda clase. Pero si de algo iba sobrado aquel acto de osadía cinematográfica era de carisma. James Franco ha sabido explotar esa vertiente en The disaster artist, la comedia, esta vez voluntaria, sobre el rodaje de The room.

Franco, en otro acto de osadía, dirige y protagoniza la cinta. No es la primera vez que el actor se marca un Juan Palomo, pero nunca lo hizo con tanto acierto. El reciente globo de oro al actor de comedia respalda su gran trabajo como alter ego de Wiseau. Una meritoria actuación por imitación de un freak único en su especie. Si bien tengo dudas sobre que The room sea lo peor que he visto (Reconozco que entretiene, que no es poco), me encuentro menos dubitativo al afirmar que la actuación de Wiseau sea de largo la peor que ha visto el séptimo arte. O si no la peor, de largo la más marciana. Franco ha sabido atrapar la esencia de un ser de otro planeta.

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Además, The disaster artist es una obra de profundo amor al cine. No son pocos lo que intentaron sacar una película adelante para darse cuenta después de que nunca debieron dejar la comodidad de la butaca. Pero todo proceso creativo es un reto, una experiencia, y hasta en un fiasco de la talla de The room hay algo encantador. Estamos ante una gran comedia. No coincido con los que han visto en la película de Franco una obra maestra, porque sencillamente no lo es, pero está muy por encima de lo que se hace en el género actualmente.

Recomiendo acercarse a The disaster artist en versión original, para disfrutar de James Franco en toda su esencia. También recomiendo repescar en Youtube The room antes de acercarse al cine. Si algo tiene esta película, es una historia digna de conocerse.

 

 

Las 18 películas más esperadas de 2018

2018 empieza fuerte gracias al estreno de las películas que intentarán protagonizar la próxima noche de los Oscars. También es un año de retornos y de episodios cumbre en algunas sagas. Aquí van las 18 que más expectativas vacunas nos generan.

Molly’s game, de Aaron Sorkin (5 de enero)

Aaron Sorkin, el guionista más respetado de Hollywood (El ala oeste de la casa blanca, La red social, Moneyball, The Newsroom…) dirige a Jessica Chastain en Molly’s game. La película, basada en hechos reales, cuenta la peculiar historia de Molly Bloom, una esquiadora de talla mundial que se hizo de oro gracias al Poker. Guión adaptado y actriz ya son finalistas a los Globos de oro.

Tres anuncios en las afueras, de Martin McDonagh  (12 de enero)

El premio del público en el Zinemaldia y Toronto, y el premio al mejor Guión en el festival de Venecia avalan a esta comedia negra que ha conquistado a todo el que ha tenido la oportunidad de verla. Su carrera podría llegar hasta los Oscars. Ojo, que la mejor Frances McDormand está de vuelta.

Los archivos del pentágono, de Steven Spielberg (19 de enero)

Asistimos al Big Three del año. Meryl Streep y Tom Hanks dirigidos por Steven Spielberg en un thriller basado en hechos reales ¿Qué puede salir mal? La película cuenta los entresijos de la filtración por parte de varios medios estadounidenses de los documentos clasificados del pentágono. Historia del periodismo.

El hilo invisible, de Paul Thomas Anderson (2 de febrero)

Tras los enormes resultados de Pozos de ambición, Paul Thomas Anderson recupera a Daniel Day Lewis para su causa. Razón suficiente para ver en el cine lo que nos depara sobre este drama sobre el mundo de la moda ambientado en la Inglaterra de los años 50.

La forma del agua, de Guillermo del Toro (16 de febrero)

Del Toro tuvo que desmentir que estuviéramos ante una precuela encubierta de Hellboy, a pesar del parecido entre la criatura protagonista de La forma del agua y el palito de pescado de la adaptación del comic. Lejos de eso, estamos ante una historia romántica en todo su sentido que también puede llegar bien situada a los Oscar. Para muchos, uno de los mejores trabajos del director.

Aniquilación, de Alex Garland (23 de febrero)

Vuelve el director de Ex Máquina, y lo hace en clave Sci fi y con Natalie Portman a la cabeza. En su haber, uno de los trailers más descolocantes del año. Ojalá estemos ante la confirmación de Garland como uno de los grandes del género.

Todo el dinero del mundo, de Ridley Scott (23 de febrero)

Otro de los grandes, Ridley Scott, opta también por adaptar un suceso real,  para el que cuenta con Michelle Williams, Mark Wahlberg y Christopher Plummer, que ha sustituido a Kevin Spacey a última hora tras las acusaciones de abusos a este último. En la mesa una gran historia alrededor del secuestro del nieto del magnate  John Paul Getty Sr.

Lady Bird, de Greta Gerwig (23 de febrero)

El fenómeno indie de la temporada llegará en febrero, a dos semanas de su presumible paso por los Oscars. La película de Greta Gerwig esta bien posicionada en la carrera por la estatuilla. El adelanto del estreno de la película, que estaba programado para abril, no es casual.

Tomb raider, de Roar Uthaug (18 de marzo)

La Lara Croft de Jolie no conveció a nadie. Ni tenía la esencia del videojuego ni la del personaje, y se limitaba a ser una Indiana Jones destalentada. Este Reboot intentará poner al personaje en el lugar que se merece. Alicia Vikander toma el mando.

Ready player one, de Steven Spielberg (28 de marzo)

Hay Spielberg para rato. La adaptación de este libro promete batir todos los récords de referencias a la cultura pop por minuto. Para muestra este trailer.

Los nuevos mutantes, de Josh Boone (13 de abril)

Los nuevos mutantes es uno de los últimos coletazos del Marvel de FOX. Veremos si estos mutantes convencen. La división oscura de los X Men promete tanta acción como terror.

7 días en Entebbe, de Jose Padilha (20 de abril)

El director de Tropa de élite y la serie Narcos recrea un espinoso episodio clave del conflicto Israel-Palestina. Al frente del reparto, Daniel Brühl y Rosamund Pike.

La partícula de Dios, de Julius Onah (20 de abril)

Estamos ante el secreto mejor guardado de 2018, y eso siempre genera curiosidad. Sabemos que será la tercera entrega de la saga Cloverfield tras Cloverfield (Monstruoso) y Calle Cloverfield 10. Y ni siquiera a ciencia cierta. Su predecesora ya nos llegó de sorpresa hace un par de años, pero si los rumores se confirman, estamos ante un episodio que puede cerrar una de las grandes trilogías Sci-fi de los 2000.

Vengadores: Infinity War (27 de abril)

El más difícil todavía. Tras Civil War, el número de personajes en filme se amplía aún más. Hasta los guardianes de la galaxia están invitados a la película en la que veremos a Thanos tomar el control.

El mundo es suyo, de Alfonso Sánchez (22 de junio)

Si te gustaron el culebra y el cabesa en El mundo es nuestro, prepárate para seguir las aventuras de los señoritos andaluces más célebres, el Rafi y el Fali. Warner anda detrás de todo.

The Predator, de Shane Black (3 de agosto)

El director de Kiss Kiss Bang Bang, Iroman 3 y Dos buenos tipos se atreve a actualizar un mito necesitado de una gran película. Desde que Schwarzenegger hiciera frente al monstruo, solo hemos visto intentos fallidos. Confiamos en que esta vez sea la buena. Cruzamos los dedos.

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El reino, de Rodrigo Sorogoyen (28 de septiembre)

El director de Qué Dios nos perdone, el último gran título del Thriller español, regresa con un tema capital y muy poco explorado en el cine made in Spain: La corrupción.

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Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald, de David Yates (16 de noviembre)

La primera película nos dejó con ganas de ver como continúan las aventuras de Newt Scaramander. En esta ocasión la acción se desplaza a París y Londres, y está confirmada la presencia de Dumbledore, al que se encargará de dar vida Jude Law.

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Las mejores películas de 2017

2017 ha dado una buena cosecha, con más de una película convertida en fenómeno por méritos propios, y un buen puñado de películas originales que demuestran que el séptimo arte aún se puede nutrir de buenas ideas. No todo van a ser sagas. El ranking del año también confirma el buen estado del cine de terror, que hoy en día compite de igual a igual con los géneros (erróneamente considerados) mayores.

15. MÚLTIPLE (SPLIT)

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Sin ser la película más brillante de Shyamalan, su final para Shymalanistas ya compensa todo el visionado. Tras casi dos décadas en el lodo, parece que el director levanta cabeza.

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14. BLADE RUNNER 2049

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Cómo hacer una secuela de Blade Runner y no morir en el intento. Villeneuve demostrando que es posible. Ojo, que el paso del tiempo puede jugar a su favor.

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13. EL AUTOR

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Estamos ante una cinta que contiene algunas de las mejores escenas del cine español de los últimos años. No es perfecta, pero esta adaptación de Javier Cercas deja poso. Javier Gutierrez sigue en estado de gracia.

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12. SILENCIO

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El cine sigue disfrutando de la madurez de Scorsese. Tras El lobo de Wall Street, retoma el tema religioso que ya inició con La última tentación de Cristo y Kundun. La película es una auténtica delicia en lo formal, un proyecto personal en el que Scorsese ha puesto todo su empeño y maestría. Un Japón que no se había visto hasta ahora. Una cuestión de fe.

 

 

11. HANDIA

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Un milagro del cine vasco, y posiblemente la mejor película realizada en el estado español a nivel técnico. Impresionante trabajo de dirección artística,  fotografía y efectos especiales. Un gigante con pies de hierro.

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10. FELÍZ DÍA DE TU MUERTE

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Fast Food de primera división para el cruce perfecto entre Scream y Atrapado en el tiempo. La película más entretenida del último año. Engancha que da gusto.

 

 

9. EL SACRIFICIO DE UN CIERVO SAGRADO

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Lanthimos tira de sus raíces griegas para mirarnos la moral y presentarnos su gran tragedia. Un relato duro que no da concesiones al espectador. Formalmente, una película sobresaliente.

8. CRUDO

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La vendieron como la última película escándalo, pero estamos ante una cinta que no es tan gore como cine autoral. La directora Julia Ducournau puso el canibalismo como excusa para explicar los cambios de una adolescente al pisar la universidad. Una película brillante.

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7. MANCHESTER FRENTE AL MAR

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Una gran película sobre la culpa, sobre lo complicado de irse, de volver. La muerte en vida del mejor Casey Affleck. Un drama consistente y arrebatador.

6. IT

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Parecía casi imposible acertar con un remake de IT, pero Andy Muschietti la ha metido por la escuadra, demostrando que todo es posible si trabajas los personajes. Esperamos con ansias la segunda parte de esta notable adaptación de Stephen King.

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5. Z: LA CIUDAD PERDIDA

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James Gray rescata el extinto cine de aventuras y lo convierte en cine con mayúsculas. Desde el clasicismo, nos muestra el relato de una auténtica obsesión. Una gran película.

4. LA CURA DEL BIENESTAR

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Gore Verbinski, responsable de Piratas del Caribe, haciendo una película de terror gótico y dos horas y media de duración, léase, haciendo lo que le ha salido de la chorra. Tiene pasajes sobresalientes y su fotografía es de lo mejor de los últimos años. Merece la pena el viaje.

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3. THE SQUARE

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Merecidísima Palma de Oro en Cannes para un Ruben Östlund que empieza a no tener techo. Piezas salvajes unidas con destreza y una finísima ironía. Un nuevo golpe de realidad al estado de bienestar.

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2. DÉJAME SALIR

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Un nuevo clásico del terror que esconde mucho más de lo que aparenta. Una película que mira de frente a la cuestión racial, de manera tanto o más efectiva que el cine sobre el esclavismo. Visionado obligatorio.

1. LA LA LAND (LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS)

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Tras la notable Whiplash, el director Damien Chazelle se supera a sí mismo con un musical para la historia del cine. De la intro al desenlace, una película redonda que bebe de las mejores fuentes para crear su propia personalidad.

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Star Wars Episodio VIII: Los últimos Jedi. El equilibrio es imposible

Tras el buen arranque de la nueva trilogía con El despertar de la fuerza, Rian Johnson tenía un buen marrón. Su predecesora cumplió las expectativas, pero hubo unanimidad al señalar su único problema: Se parecía demasiado al Episodio IV. El director de Brick y Looper tenía la obligación de dotar de personalidad a la nueva entrega sin salirse del universo de la saga, y podemos confirmar que lo ha conseguido. Los últimos Jedi aporta nuevos aires a la saga, e incrementa el espectáculo gracias a un puñado de buenas escenas. Pero en el universo Star Wars todo tiene un lado tenebroso, y esta película no es una excepción. Hay momentos cumbre, pero también hay una buena dosis de vergüenza ajena*.

Partimos de la base argumental de siempre. La alianza rebelde resistiendo al terror del imperio. Mientras, Rey intenta convencer a Luke Skywalker de que se una a los buenos. La película va claramente de menos a más. Tanto es así que la primera mitad no logra siquiera alcanzar el aprobado. Hay paja,  más concretamente miles de fardos de paja. Por suerte, toda la potencia que le falta al arranque, la encontramos en el climax, donde la puesta en escena es clave en los momentos álgidos.

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Pero si hay algo rematadamente malo en este episodio es el guión, y en este caso no me refiero a las líneas de texto. Estamos ante un libreto que toma decisiones peregrinas para llevar la acción por donde quiere. Parece que Disney ha vuelto a usar el gran calzador galáctico para que todo encaje, artilugio que ya se utilizó en Rogue One la pasada temporada. ¿Qué significa esto? Que hay cosas que suceden porque sí, porque me viene bien, porque me sale del Naboo. Se nota demasiado la ausencia de Lawrence Kasdan en este apartado. Un hombre que ha subido poner a la franquicia los pies en el suelo.

Lo que tampoco acaba de convencer es la cuestión política y filosófica que plantea la película, que ofrece un mensaje de trazo grueso y menos transgresor que el de sus antecesoras, especialmente si la comparamos con los episodios I, II, III, en los que la burocracia era protagonista. Se incide en el tercer mundo galáctico, en un universo de ricos y pobres, en el origen humilde de Rey, pero en esta ocasión de una manera exclusivamente superficial.

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Quizá por todo esto, Los últimos Jedi funciona mejor si dejas el cerebro en casa y renuncias a cualquier capacidad de análisis. Y es que en realidad el sabor que deja la película es bueno, pero todo empeora al intentar encajar algunas piezas. En definitiva, estamos ante la que es posiblemente la película más irregular de toda la saga galáctica. 

 

 

 

 

ANÁLISIS EN SPOILER (DEJA DE LEER SI NO HAS VISTO AÚN LA PELÍCULA)

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*Momentos de vergüenza ajena:

La muerte de Snoke y Phasma (2×1)

Si bien estéticamente, su ejecución es uno de los mejores momentos de la película, la eliminación de este personaje no deja de ser una auténtica estafa. Visto y no visto. Se nos presenta al tipo más poderoso de la saga para ser ejecutado como un masilla en los Power Rangers. ¿Qué tipo de broma es esta? Y lo peor es que con otro personaje a priori interesante como Phasma, sucede exactamente lo mismo.

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Sobran los comentarios. Lo normal es que a la princesa Leia le explote la puta cabeza en el espacio exterior. Pues no, justo cuando se va a desintegrar… Superman returns y aquí no ha pasado (casi nada) nada. Medio cine en modo facepalm.

El no suicidio de Finn

En esta entrega el personaje de Finn cae en picado, hasta convertirse en un puto mono de feria. Parece que querían utilizar un personaje negro por eso de la inclusión, y han acabado cometiendo el error de siempre. En convertir a Finn en el negro de la película, un (supuesto) personaje negro que aporta entre poco y nada. Pues bien, cuando parece que Finn iba a tener un final potable suicidándose por el bien común… Va su rollete oriental y se suicida para salvarle a él, muriendo con beso previo. El vergüenzómetro hecha humo.

Además de estos ‘momentazos’ hay varias cosas más que chirrían. El personaje de Poe Dameron, supuesto Han Solo de la nueva trilogía, es el personaje más plano de toda la saga. Sí, me ha hecho añorar a Jar Jar Binks. Un personaje guiado por sus testículos.

Tampoco nos han contada nada del romance entre Leia y Amilyn Holdo, que se marcan un Frodo-Sam en versión Star Wars. Parece claro que hubo tema. Veremos si el episodio VIII es capaz de cicatrizar todas estas heridas.

Mindhunter. Temporada 1. En la mente del monstruo

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Mindhunter no es solo una de las mejores series de Netflix. También es una pieza que faltaba en su catálogo. Un thriller adulto que deja la pistola en el opening para hablarnos de comportamiento. La serie se centra en un nuevo departamento del FBI que allá por los setenta se convierte en pionero en estudiar el comportamiento de un psicópata, en adentrarse en la mente del monstruo. Se trata de una adaptación del libro Mind Hunter: Inside FBI’s Elite Serial Crime Unit, escrito por Mark Olshaker y John E. Douglas, por lo que está inspirada en hechos reales.

Hay que decir que no estamos ante la típica serie que engancha desde el primer consumo. Mindhunter en ese caso es una droga blanda, un The Wire. Por eso se recomienda cierto grado de paciencia. Mediado el segundo episodio todo se eleva por encima del notable.

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Detrás de esta serie se encuentra uno de los más grandes directores de la historia del thriller: David Fincher. Además de actuar como productor, Fincher dirige los dos primeros episodios y los dos últimos. Otro de los nombres destacados tras la cámara es el de Asif Kapadia, autor de los documentales Senna o Amy (La chica detrás del nombre), que dirige los episodios 1×03 y 1×04.

Buscando similitudes en el cine, encontramos cierto parecido con Zodiac, en mi opinión uno de los mejores thrillers jamás realizado. La serie no solo nos muestra el camino recto de la investigación. Al igual que la película de Fincher también nos muestra los callejones sin salida.

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En el apartado interpretativo brilla los secundarios, especialmente Cameron Britton, que encarna magistralmente al asesino Edmund Kemper. La aparición de Hannah Gross (Novia de Holden) y Anna Torv (Wendy) también mejoran el resultado final. Quizá el que menos convence es Holden, el obsesivo personaje principal que interpreta Jonathan Groff, pero por suerte este primo de Albert Rivera va ganando enteros en casa episodio. Holt McCallany (Bill Tench), segundo de abordo, se gana a los espectadores desde la primera aparición.

Estamos sin duda ante de las imprescindibles de 2017. Una apuesta de Netflix que deja de lado su habitual consumo fácil y digestión rápida. Un producto maduro para los que valoran que una serie les tome por gilpolllas.

Si quieres leer más acerca del grado de realismo de Mindhunter, te recomiendo este artículo de Cribeo (La Vanguardia) que analiza las coincidencias de esta primera temporada

El 1X10 de Mindhunter. La ley de la gravedad (Leer solo si has visto la primera temporada completa)

El final de Mindhunter deja al descubierto que la serie acaba de empezar. Por un lado asistimos al derrumbe de Holden tras su encuentro con Kemper. Su caída en los pasillos del hospital no solo es física. Holden llevaba toda la serie jugando con dinamita, y en alguno momento iba a estallar. La experimentación del miedo es la asimilación del terror de las víctimas de sus (casi) amigos psicópatas. Por otro lado, la serie nos muestra al misterioso hombre de Kansas quemando una serie de dibujos. Se trata de un personajes al que hemos visto en todos los comienzos previos al opening, pero al que aún no tenemos calado. Todo nos lleva a pensar que estamos ante el psicópata en el que se centrará la segunda temporada.

Perfectos desconocidos: Las Cartas boca arriba

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Diga lo que diga la crítica especializada Perfectos desconocidos es ya un éxito rotundo, y no lo digo porque haya visto los datos de taquilla, que la verdad es que no los conozco. Lo digo porque en el pase de la película al que acudí los espectadores no solo se partieron el pecho de principio a fin, también aplaudieron al final de la proyección. Y no hay mayor éxito en el cine que hacer cómplice al público.

Como ya habréis leído o escuchado por ahí, Perfectos desconocidos es un ‘remake’ de la italiana Perfecto Sconocciti, pero Álex De la Iglesia va a tener la suerte de que es una película que no he visto, por lo que puedo analizar esta obra con total virginidad. La premisa es brutal. Un grupo de amigos, parejas en su mayoría, se prepara para la típica cena de reunión. Durante el banquete, uno de los comensales planteará un juego para mutilar la rutina: Dejan los móviles en el centro de la mesa y leer en voz alta todo mensaje que llegue a partir de entonces. 

El caos no tarda en reinar, y las situaciones cómicas se suceden. Un humor que se apoya en los estereotipos sociales de sus personajes: El cuñado, la pija, el ligón… Todos tremendamente identificables. Eso no solo provoca cercanía, también que los gags resulten más efectivos. A todos nos hace más gracia una anécdota que involucra a un conocido, y es que a pesar del título los comensales nos resultan muy pero que muy conocidos.

Hay quién pensará que la película versa sobre la incidencia tecnológica, vamos, quien le echará la culpa al puto móvil. Pero Perfectos desconocidos no va de objetos, va de personas. Concretamente de lo hipócritas que podemos llegar a ser. El filme demuestra que hablamos de un mal colectivo, seguramente un mal al que hemos sentado en el trono entre todos. 

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Actrices y actores (Belen Rueda, Eduardo Noriega, Pepón Nieto, Dafne Fernández, Eduard Fernández, Ernesto Alterio, Juana Acosta y Beatríz Olivales) rinden a un nivel altísimo, ayudados por grandes personajes. Lo que es casi tan bueno como las interpretaciones es que no se coman entre ellos. Nadie brilla por encima, y ese mérito es exclusivo de Álex De la Iglesia. En el terreno de la comicidad, quizá el más destacado sea el ‘cuñado’ al que da vida Ernesto Alterio. Inexplicablemente, los Premios Goya 2018 han dejado fuera a todo el casting, algo que me cuesta entender, puesto que todos encajarían como finalistas por la estatuilla.

Esta comedia consigue al final resultados similares a los de otros títulos como la francesa ¡Dios Mio, pero que te hemos hecho! Añadiendo más debate y más inteligencia al conjunto. Vamos, que De la Iglesia consigue estar al nivel de los franceses, los grandes dominadores de la comedia comercial en los últimos años. Parece poco, pero esto es mucho decir.

Al final de la proyección una duda ¿Qué pasaría si realmente fuéramos todos de cara? Seguramente la tercera guerra mundial. En este mundo tan imperfecto quizá, desgraciadamente, el show deba continuar para que reine la paz. Un mensaje desesperanzador, pero muchas risas por el camino. Antes de navidad os recomiendo sentaros a la mesa de Perfectos desconocidos. Unas risas antes de que venga lo serio: Las cenas navideñas.

 

The Square: Un palazo en la cara a tus prejuicios

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Era cuestión de tiempo. Tras Involuntary, Play y Fuerza mayor, el momento en el que Ruben Östlund se sacara la chorra iba a llegar más temprano que tarde. El director sueco se alzó con la palma de oro del Festival de Cannes gracias a The Square, un trabajo que recopila lo mejor de su cine. Un golpe maestro al sistema de bienestar.

La película sigue los pasos de Christian, un afamado “barón Thyssen” del arte contemporáneo que prepara una misteriosa exposición titulada ‘The Square’. En pleno proceso, Christian sufrirá un robo en la calle que marcará el devenir de la misma. La sátira es el vehículo principal en una película que obliga al espectador a reflexionar en todo momento sobre lo que se muestra en pantalla. Aunque la etiqueta de la comedia sea la más adecuada, The Square está lejos de ser una comedia al uso.

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Inicialmente, la película pone en cuestión el arte contemporáneo con una interesante pregunta. ¿Sería una pieza de arte cualquier cosa que coloquemos en un museo de arte contemporáneo? Como ejemplo se pone el bolso de una periodista. Plantea la duda, pero The Square aparca este tema para dar paso a otro, el más recurrente de la filmografía de Östlund: La desidealización del estado de bienestar. El director ya demostró en Play ser un auténtico especialista en enfrentar a las clases pudientes con las necesidades de la población en riesgo de exclusión social. Pero más que de arte o diferencias sociales The Square es una película que habla de los prejuicios, la gasolina que llena el depósito de la diferencia entre clases. Östlund mete el dedo en la herida con un descaro que hasta el momento no habíamos visto en su cine.

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El actor danés Claes Bang realiza una de las interpretaciones del año dando vida a Christian, un personaje público a punto de ser engullido por la realidad real. Los secundarios responden muy bien, especialmente Elizabeth Moss y un brutal Terry Notary, que realiza una breve interpretación de la bestia humana que ya es historia del cine. Su escena, bien podría ser una revisión de la célebre escena de los monos simios de Stanley Kubrick. Un paso en la escala evolutiva, pero no sabemos si hacia adelante.

The Square se desarrolla durante unos exigentes 142 minutos en los que no hay tregua para el espectador. Estamos ante una película a la altura de su Palma de Oro, el galardón más importante que se puede entregar en el mundo del cine. Posiblemente la mejor palma desde La vida de Adele en 2013. No estamos ante una película para todos los públicos, pero los valientes que se acerquen a ella podrán ver cual es la dirección correcta en la que avanza el séptimo arte.

 

 

Handia: El gigante que no fue molino

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Casi todo lo que se pueda decir de Handia (grande en Euskara) lo confirma su título. La nueva película de Jon Garaño y Aitor Arregi (Loreak) confirma el buen momento que vive el cine vasco. Ya no es solo que cumpla, a nivel formal está película impresiona. Que nadie piense que el Premio del Jurado que recibió en el Zinemaldia es un localismo. Handia es cine con mayúsculas.

Garaño y Arregi mezclan realidad y ficción para contarnos la historia de Miguel Joaquín Eleicegui Arteaga, más conocido como el gigante de Altzo (Gipuzkoa). Un joven que empezó a crecer desmesuradamente al superar la veintena, llegando a alcanzar los 2,42 metros. El célebre gigante vivió en la época de las guerras carlistas, antes de ser ‘exhibido’ por medio mundo.

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El mayor logro de Handia es estético. Pocas veces hemos visto rentabilizar con tanto acierto un presupuesto (3,5 millones de euros). A veces no es cuestión de tener más dinero, si no de saber seleccionar el material para que no se note el déficit. Alatriste, que costó 24 millones, se convirtió en un “quiero y uno puedo”. No ocurre lo mismo con esta película, menos ambiciosa, pero con un extraordinario acabado. Su dirección artística debería estar muy bien posicionada de cara a los próximos Goya. El trabajo de FX es soberbio, un truco de Meliès que se alarga durante dos horas y al que no se le encuentra la trampa. No era nada fácil hacer un gigante creíble, pero el equipo de la película lo consigue.

Más allá de la mera técnica, Handia tiene esa magia del cine. Un toque fantástico sobre una sorprendente base real. Se podría decir que la película es un punto de encuentro entre Vacas y El hombre elefante. Una historia universal que no pierde la identidad en ningún momento. Se podría decir que estamos ante un Forrest Gump vasco de autor.

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En el casting destacan los dos hermanos protagonistas: Eneko Sagardoy, que interpreta al gigante Joaquín, y su hermano Martín, al que da vida Joseba Usabiaga. Su selección para los personajes es un acierto total. El único problema de la película es su propio planteamiento, que recrea la vida de Joaquín pero no nos da un foco claro de tensión. Hay relato, y las situaciones se suceden, pero en su parte final se echa de menos un climax. A pesar de esto, y sin ser cine de entretenimiento al uso, Handia está lejos de ser una película aburrida. Merece la pena disfrutarla en una sala de cine (Siempre que sea en su versión original en euskera).

La historia real del Gigante de Altzo

Al ver la película uno se pregunta si el gigante de Altzo está más cerca de la mitología que de la realidad, pero Handia tiene más elementos auténticos de lo que puede parecer. El robo de su esqueleto parece un truco de guión, pero realmente sucedió, y aunque se rumorea que puede estar en algún museo inglés, no se tiene constancia de su paradero. También me ha llamado la atención otro dato que en la sala no me parecía creíble. Miguel Joaquín pegó el estirón a los 20 años debido a la acromegalia. A diferencia del gigantismo, esta enfermedad se desarrolla en la edad adulta. Se estima que su altura alcanzó los 2,27 metros y su envergadura 2,42.

Selfie: Los hijos tontos de la España corrupta

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Selfie, de Victor García León, ha sido uno de los éxitos del cine indie español de 2017. Catalogada como la Borat española, este falso documental, sigue las andanzas de Bosco, un pepero mimado que ve como se le acaba el chollo cuando su padre entra en prisión por corrupción. A partir de ahí, el joven se aprovechará de la solidaridad de un grupo de izquierdas para poder seguir chupando del bote. Selfie fue la ganadora del Premio de la Crítica en el Festival de Málaga, el que consiguió también la Mención Especial del Jurado.

La película bebe de la realidad, concretamente de las dos mayores vergüenzas del país: La corrupción y su legitimación mayoritaria en las urnas. A partir de ahí, García León realiza un brillante retrato de personaje. Santiago Alverú, el protagonista que interpreta a Bosco, es uno de los mayores aciertos de casting del cine español en los últimos años. Consigue dar toda la tirria que pretende, y más. Su trabajo es de Goya. 

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Estamos ante una de esas películas low cost que no lo parecen, porque tampoco necesitaban un euro más para hacerse. Selfie es ágil, entretiene durante su hora y media, y además invita a la reflexión. ¿A quién no gustará? Pues seguramente a todos los que se vean reflejados en su protagonista.

Si hablamos de géneros es una comedia de principio a fin, pero en su decidida apuesta por la naturalidad prescinde del humor de golpes. La sensación es que quizá podía haber sido una mejor comedia, pero de esta manera creo que consigue ser una mejor película. Ayudan las escenas que surgen de la improvisación grabadas en lugares como los mítines del PP o Podemos (Ojo al cameo de Esperanza Aguirre). Sin ser una película redonda, Selfie es una de los títulos más interesantes del año. Una propuesta al margen del cine convencional que merece la pena conocer. Y además su banda sonora incluye este temazo de Luis Brea:

Crónica del 14 de octubre en Sitges: What happenned to monday, Jojo’s bizarre adventure y How to talk to girls at parties

Para cerrar Sitges un sábado muy loco con varios titulazos, en el sentido literal. No digáis que no molan “¿Qué le pasó a Lunes? o “Como hablar con chicas en las fiestas”. Vamos a ello.

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He entrado a la proyección de What happened to monday? sin tener ni la más remota idea de lo que iba a ver. Solo sabia que era una distopía protagonizada por siete hermanas, cada día con un día de la semana asignado, y que salía Noomi Rapace. Mi cabeza había autocompletado pensando que iba a ver un drama intimista. La primera sorpresa que me llevo es que dirige Tommy Wirkola, el de Zombis nazis, pero he pensado… “Pues habrá apostado por un cine más maduro…”. Y la primera media hora de película no se salía mucho de esta idea. La primera media hora, porque a partir de ahí todo se ha convertido en Jungla de cristal con la Rapace dando hostias como panes y tirando de ametralladora. Yo flipando, claro. Estamos ante una película con buenas ideas, pero que en mi opinión se equivoca al querer ser una de Jean Claude Van Damme. Que no hace falta ser Blade Runner, pero una solución intermedia hubiera sido más satisfactoria. Aún así no se puede decir que no sea entretenida. Eso sí, si eres fan de la Rapace es tu día de suerte. Las siete hermanas son ella.

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Tras el buen sabor de boca de Blade of the immortal el día anterior, había cierta esperanza en disfrutar de la locura de Miike en Jojo’s bizarre Adventure: Diamond is unbreakable. Pero mal empezaba la sesión por cuestiones ajenas a la proyección. Una persona no identificada en la fila delantera transmitía un olor corporal muy potente, y no precisamente bueno. Cuando se dice que el cine es una experiencia sensitiva debe ser por esto. Si ha sido algún tipo de prueba para el cine en 4D… ¡Aborten! A lo que íbamos. ¿Qué queríamos? Pues simple y llanamente 2 horas de diversión. ¿Qué encontramos? Posiblemente la peor de las cien película de Miike. Ok, no he visto ni un cuarto de su filmografía, pero esto es difícil, muy difícil de empeorar. Por ahorraros la tortura, resumiré el argumento con ‘una película de jóvenes con superpoderes rodada en Sitges’. Y Sitges es lo único salvable de la función con su gran interpretación de pueblo nipón. Un rollo adolescente Pokemon mezclado con Pequeños guerreros y trazas de Locomía. Tampoco os puedo contar mucho más. He intentado abstraerme, pensar en otras cosas, y evitar seguir prestando atención a este engendro que hace buena a Dragonball Evolution.

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Pero nunca hay que arrojar la toalla, y How to talk to girls at parties ha sido un gran cierre para nuestras sesiones del festival. Una punkarrada, en el sentido más británico de la palabra, que mezcla descaro y rabia con extraterrestres. Todo en tono de comedia. Destacar la presencia de Nicole Kidman, muy pero que muy alejada de los papeles serios que acostumbra. En esta ocasión interpreta a una especie de matriarca con aspecto de David Bowie en Dentro del laberinto. Elle Fanning, protagonista de The Neon Demon, confirma que es algo más que una actriz de moda. La película es como Under the Skin pero en versión musical dirigida por John Cameron Mitchell. También tiene algo del cine del cine de John Carney (Sing Street), momentos musicales incluidos. Si te gusta el punk y las películas atípica de invasión extraterrestre, es tu película. Si solo te gusta el punk disfrutarás igualmente.

Y hasta aquí nuestras crónicas de esta 50ª edición del mejor festival sobre la faz de la tierra. A partir de ahora quedará un día menos para el siguiente. La Semana de Terror de Donostia y el FANT harán la espera más llevadera.

Crónica del 13 de octubre en Sitges: Happy death day, Errementari y Blade of the immortal

Viernes 13 en la 50ª edición del Festival de Sitges. Contra todo pronóstico, una película mainstream made in USA de terror adolescente y bucles temporales, se ha convertido en mi preferida de lo que va de Sitges. Happy death day (Feliz día de tu muerte), de Christopher Landon, es un Atrapado en el tiempo protagonizada por la chica popular de la universidad. La joven despierta una y otra vez en el día de su cumpleaños, una jornada en la que siempre acaba asesinada.

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Ojito, porque puede que estemos ante el Scream de los milennials. La ridícula máscara de Ghostface es traje de etiqueta al lado del Babyface de esta función. Hora y media de referencias sin complejos y música juvenil. Entretenimiento puro. Le deseamos la mejor de las suertes en la taquilla USA. El terror necesita esta clase de fenómenos.

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La segunda del día ha sido un golpe de mano ejecutado por Paul Urkijo Alijo, director al que veníamos siguiendo del corto y que ya demostró en El bosque negro su buen hacer en el género de Espada y Brujería. En Errementari, se sirve de la mitología vasca para contarnos un cuento en euskera de herreros y demonios. Una película que lo apuesta todo a la dirección artística para acabar ganado la partida. La película soluciona los problemas de presupuesto con imaginación, aunque a veces se nota que hay más ambición que euros. El herrero Kandido Urania y Uma Brancaglia, la niña protagonista, son dos aciertos totales de casting. En conjunto, una buena opera prima que esperamos que sea el Batman Begins de Urkijo. La primera de muchas.

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Para acabar, una carrerita hasta el Retiro para disfrutar de Blade of the immortal, live action del manga homónimo del género de espadazos nipón. La película 100 del prolífico Takashi Miike, que incluso se permite hacer algún guiño autorreferencial en la película a esta cuestión. 140 minutos de amputaciones con tiempos muertos para filosofar al estilo oriental. La película está a años luz de Ichi the killer, Gozu y Audition, pero es una de sus obras más destacadas en los últimos tiempos. Quizá lo más negativo, es que la gran secuencia de la película es la primera de todas. Un largo ‘yo contra el mundo’ con violencia extrema en elegante blanco y negro. A partir de ahí, demasiada repetición por momentos.

 

Que la sala haya recibido a Takashi al grito unánime de “Miike, Miike, Miike” demuestra la importancia de su figura en el microcosmos de Sitges. Estamos ante una leyenda viva.

Crónica del 12 de octubre en Sitges: Survival family, Krotkaya, Stephanie y La piel fría

El sueño se acumula en Sitges. Por eso suele ser importante que la primera película del día no sea un ladrillaco que haga perder la esperanza. No ha sido el caso de la japonesa Survival Family, de Shinobu Yaguchi, una simpática película que sigue los pasos de una familia tras un apagón tecnológico completo.

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A pesar de ser comedia, el humor no es su punto fuerte. Lo mejor es su manera de hacer pensar por la vía ligera, y destapar la mentira de que la tecnología une a las personas. Con la ‘obligación’ de comunicarse, veremos que los lazos familiares se vuelven a estrechar. Unos lazos que se van destensando de generación en generación. Disfrazada en ocasiones de película de aventuras, la película consigue además entretener de principio a fin.

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Tras ella, tocaba Krotkaya (A Gentle creature), de Sergei Loznitsa, una película que llega a la sección Noves Visions procedente de la Sección Oficial del Festival de Cannes, donde recogió palos y alabanzas a partes iguales. Y contra pronóstico, esta es la mejor película de lo que llevamos de festival. Eso sí, de Festival de Sitges tiene más bien poco. El filme nos hace cómplices del infierno que vive una mujer cuyo deseo es entregar un paquete a su marido encarcelado. Su viaje se convertirá en un frustrante laberinto sin salida poblado por personajes en forma de obstáculo. Cine en estado puro. Cine para interesados en adentrarse en las profundas heridas de la vieja Europa. Y un puñado de buenas canciones a capella que hacen mucho más llevaderos sus 143 minutazos. Su cierre es antológico.

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Ya por la tarde, ligera decepción con Stephanie, dirigida por el guionista Akiva Goldsman, responsable de los libretos de Cinderella man, Una mente maravillosa, Tiempo de matar o El cliente. Una vuelta de tuerca al terror con presencia infantil que tras unos potables primeros minutos se va desvaneciendo. Hablamos de Low Cost, pero los FX dejan mucho, muchísimo que desear. Algunas Apps de FX para video en el móvil cantan menos que los del tramo final de esta película. A eso hay que añadir que Goldsman está muy, pero que muy lejos de ser Shyamalan.

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Por último, turno para La piel fría de Xavier Gens. Una historia de supervivencia en la que lobos de mar se enfrentan a los primos de los masillas. Adaptación literaria de estética Lovecraftiana que destaca especialmente en lo visual y sonoro. A nivel técnico, esta coproducción entre España y Francia está a la altura de cualquier película de Hollywood. Hay que resaltar especialmente el nivel de detalle de la horda de criaturas. Tecnología digital bien utilizada. ¿Lo malo? Problemas de ritmo, reiteraciones y un metraje que acaba resultando pesado. Empieza todo demasiado pronto, y en la última media hora hay signos evidentes de fatiga.

Termina una jornada sin peliculón, pero seguimos disfrutando del ambiente festivalero. Mañana más, y seguramente mejor.

Crónica del 11 de octubre en Sitges: Thelma, Hostile y A day

Primer día en Sitges 2017 para La Vaca de Twister. Jornada de repescas de la Sección Oficial (Thelma y A day) y una francesa de Panorama Fantástico: Hostile.

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Empezamos al mediodia en el Retiro, con el pase de una de las películas más destacadas hasta el momento en la Sección Oficial; la noruega Thelma, de Joaquim Trier. La película empieza en un punto de partida muy similar al que nos mostró Raw (Crudo), con una joven raruna que deja el hogar para empezar la carrera de Biología. La socialización será inevitable, y también el choque frontal entre sus valores cristianos y la vida propia de una adolescente. Estamos ante una versión psíquica de Carrie que recuerda a títulos como Camino, La Vida de Adele, La señal, Requiem (El exorcismo de Micaela) y Chronicle. Todo ello con frío y ritmo propios del cine nórdico. Al dejar la sala cuesta aterrizar, y dar un veredicto claro, pero una vez superada la hora de reflexión hay que decir que Thelma no enamora, pero es una buena película. Lo es por sus ideas y la potencia de sus imágenes. En la parte negativa está esa frialdad. El exceso de contención no le sienta bien a un filme al que nos gustaría haber visto sin corsé.

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Tras Thelma, una película a priori más ligera en la sección Panorama Fantástico; la francesa Hostile, de Mathieu Turi. En sus primeros minutos parece que vamos a ver un filme similar a Infectados, de los hermanos Pastor, pero pronto muta hacia otra película que pasó por Sitges la pasada temporada: La simpática It stains the sands red, en la que una choni americana era perseguida en el desierto por un zombie. En esta ocasión se nos presenta a una heroína más al uso. Pero lo que parecía iba a ser un survival horror futurista se convierte de pronto y mediante flashbacks en una especie de Pretty Woman, en la que un tipo guapo y forrado recicla a un yonki que tocaba fondo. El drama aumenta en las escenas del pasado, mientras las imágenes del apocalíptico presente se convierten en una mera excusa para presentar la película en el festival de Sitges. Inevitablemente llegan las risas a las butacas, provocadas por un final que aún no se si es ridículo o la mejor forma en la que podría terminar. Poca cosa. Eso sí, destacable la gran interpretación a nivel físico de Brittany Ashworth.

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Y para terminar, A day, de Cho Sun-ho, la alternativa surcoreana a Atrapado en el tiempo. Una entretenida muestra del subgénero ‘bucle temporal’ que empieza frenética y divertida pero se desinfla en su parte final. Cuenta la historia de un padre disaster atrapado en una bucle que acaba siempre con el atropello (Salvaje y explícito) de su hijo. En su último acto la acción decae y la sus momentos cómicos desaparecen para dar paso al típico tramo moralizante que hace que lleguemos a la meta cansados. Sermones en Sitges no, por favor.

Así con todo, y tras unos mojitos en la playa de Balmins, una gran toma de contacto de un festival que los aficionados al género hacen único. Seguiremos desinformando.

 

Blade Runner 2049: El milagro de la creación

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En ocasiones el público espera ansioso noticias de secuela. No es el caso que nos ocupa. Hay películas que son material sagrado, y Blade Runner es una de ellas. Por ello, los primeros rumores de secuela de la obra maestra de Ridley Scott no cayeron demasiado bien entre los fans. Más aún cuando el director británico confirmó que no se sentaría de nuevo en la silla, y que esta vez sería solo el productor ejecutivo. Pero un aspecto hizo recobrar las expectativas de cara al filme: La confirmación de Dennis Villeneuve (Incendies, Prisioneros, Sicario, La llegada…) como director.

Y la jugada ha salido razonablemente bien. Sin ser la obra maestra definitiva, Blade Runner 2049 es una digna sucesora de la original. No era fácil mantener la atmósfera de un título único, y Villeneuve lo consigue. Esto es posible gracias a la gran labor que se ha realizado en todos los apartados técnicos y artísticos. Todos los planos están cuidadísimos, y la banda sonora de Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch es un Vangelis sin las pasajes de peli porno. Pero la técnica no sirve de nada sin una buena historia, y hay que reconocer que esta continuación la tiene. De hecho, la historia está por encima de sus lineas de guión.

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Si buscamos parientes cercanos, este Blade Runner está cerca muy cerca de Hijos de los hombres, la historia que Alfonso Cuarón estrenó en 2006 y que planteaba la idea de una sociedad estéril. En el plano artístico, el nuevo Los Angeles recuerda mucho al Japón futurista que vimos en la reciente adaptación de Ghost in the shell, aunque el ritmo de acción de la película de Rupert Sanders poco tiene que ver con la pausa de Villeneuve. Quién espere encontrarse un filme de entretenimiento SCI-FI puede quedarse en casa. También queda confirmado el interés de poner en contacto a creadores y creaciones dentro de la filmografía de Ridley Scott. Si la nueva senda de Alien (Con Prometheus y Covenant) habla de crear una nueva forma de vida biológica, Blade Runner habla de la vida artificial, tema que tampoco esquiva la saga espacial. Esta nueva entrega continúa sembrando la duda ¿Son Alien y Blade Runner partes de un mismo todo? Eldon Tyrell, Weyland, Wallace, David… Son ya demasiados personajes jugando a ser Dios.

Entre los actores, gran trabajo de Ryan Gosling, al que le va como un guante el Blade Runner inexpresivo que interpreta. Posiblemente estemos ante el actor con menos recursos gestuales de todo Hollywood, y lo que normalmente le lastra, en esta ocasión es lo que le hace bueno. También destaca la inquietante presencia de Jared Leto, con un interesante y misterioso personaje secundario.

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Pero no todo son virtudes en este regreso. El principal problema de esta nueva Blade Runner reside en su nudo, lugar donde la trama pasea sin avanzar. Con el telón bajado uno se da cuenta de que los 117 minutos de la primera entrega hubieran sido más que suficientes. Aunque la última hora es excepcional, 163 minutos son demasiados. El otro gran error no está en la película, si no en una decisión de marketing completamente desacertada. Rick Deckard, el mítico personaje interpretó Harrison Ford, aparece en el trailer, poster y en la gran mayoría de actos promocionales del filme, pero su personaje no aparece hasta el último cuarto del filme. ¿No se podía haber guardado ese elemento sorpresa? La experiencia hubiera elevado la película un peldaño mas. Lástima que al ver el cartel todos estemos en el cine pensado “¿Y éste cuando sale?”

En definitiva, estamos ante un regreso que ha merecido la pena. Y tengo la sensación de que Blade Runner 2049 puede ganar en posteriores visionados. Ahora solo queda la duda de si volveremos a visitar la tierra de los replicantes en años posteriores. Nada descartable visto lo visto. Si es así, volveremos a las salas.

 

Animales nocturnos: La importancia del interlineado

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Si algo podemos decir de Animales nocturnos, segundo largometraje de Tom Ford (Un hombre soltero), es que estamos ante uno de los títulos más inquietantes de los últimos años. Una dirección elegante para un título singular sobre el entorno literario. Se nota que Ford ha hecho la película que quería.

Animales nocturnos cuenta la historia de Susan (Amy Adams), una galerista de arte que en plena crisis matrimonial recibe un libro escrito por su ex novio. La lectura removerá hechos que parecían enterrados.

La película recorre dos vías, por un lado está la realidad de Susan, y por otro el libro, que es dramatizado paralelamente a la lectura. Ford no evita los terrenos áridos, y en ocasiones la película duele. La historia de Tony Hastings, protagonista del relato, es un golpe seco, una mezcla entre Jeepers Creepers y No habrá paz para los malvados. Fuera del relato encontramos sentimientos más terrenales, pero no por ello menos dolorosos.

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Al margen del buen hacer de Michael Shannon, Jake Gyllenhaal y, sobre todo, Amy Adams, brilla sobre cualquier otro elemento la partitura de Abel Korzeniowski, compositor que después unos años en Estados Unidos tras dejar su Polonia natal, parece estar en su mejor momento. Casi al mismo nivel, luce la gran fotografía de Seamus McGarvey.

Estamos ante un título que no busca la unanimidad, y que seguramente deje a muchos en fuera de juego. No por su complejidad, porque Ford no es David Lynch, ni lo pretende; pero su juego de espejos puede no contentar a los que no estén dispuestos a ponerse el delantal para terminar la receta.

 

El final de Animales Nocturnos (EXPLICACIÓN EN SPOILER)

La película no oculta en ningún momento que se está cocinando una venganza. El fin del libro y el posterior mensaje de Edward confirman lo que ya se presentaba en detalles. El libro no va sobre la venganza. El libro es la venganza en si misma. Edward hace complice a Susan del dolor de Tony, sin que ella sepa de que ese es en realidad el dolor de Edward. La sensación final de Susan en la consumación de la misma. Supongo que esta será la lectura mayoritaria, aunque lo bueno de este título es que se presta a la multilectura. Sea como fuere, una escena en apariencia banal como la del cuadro revenge y el móvil que cae al suelo se convierte en un resumen imprescindible de lo que el director quiere trasladar.

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Por poner un pero, diré que no me ha entusiasmado que la película equipare a un feto con la vida de una niña ya adulta. Diría que la posición del filme con el aborto parece bastante conservadora, aunque el mecanismo de pérdida sea igualmente doloroso. Os invito a compartir vuestras visiones del fin.

El autor: Nightcrawler literario

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La Sección Oficial del Zinemaldia ha acogido a El autor, de Manuel Martín Cuenca, tras su paso por el Festival de Toronto. La película adapta El móvil, la primera novela del escritor Javier Cercas. En ella, un aprendiz de escritor que vive eclipsado por el éxito de su mujer decide tomar medidas drásticas para abrirse paso en el mundo de la literatura.

Varios alicientes de partida. El primero, un director que parece que en cualquier momento puede que va a dar el campanazo. Cuenca estuvo cerca con La flaqueza del Bolchevique y Canibal, películas que a pesar de su calidad, no terminaban de rematar. La segunda un intérprete que desde que se destapó en La isla mínima vive en estado de Gracia: Javier Gutiérrez. Motivos más que suficientes para sentarse en la butaca.

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Y empieza bien El autor. Su primera hora es de gran nivel, con algunas de las mejores secuencias del cine español reciente y un animal como Gutierrez comiéndose la pantalla, bien secundado por el siempre extraordinario Antonio De la Torre. Lástima que haya un pero. La película se mete en un laberinto en la segunda mitad del que no consigue salir, lo que desemboca en una ausencia de climax y un final que no resulta satisfactorio. Es una pena, porque tras los primeros minutos se puede llegar a pensar incluso que estamos en lo que podría ser un clásico del cine español. El filme funciona mejor cuando se desata del todo. De la Torre regala escenas que recuerdan a una versión literaria del J.K. Simmons de Whiplash, mientras Gutierrez se va convirtiendo con los minutos en el Jake Gyllenhaal de Nightcrawler.

Por el camino, la película lleva al extremo la búsqueda del “yo escritor” y su convivencia con el “yo persona”. Cada cierto tiempo leemos sobre las locuras que cometen algunos intérpretes para preparar algunos papeles, extravagancias que siempre son aplaudidas por prensa y público. ¿Pero que pasaría si los creadores hicieran lo mismo y decidieran implicarse de lleno con su historia? Seguramente algo parecido a lo que cuenta la película de Martín Cuenca. Al final, lo que se esconde detrás de su personaje protagónico es la historia de una obsesión.

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En definitiva, estamos ante filme irregular que funciona mejor por piezas que en conjunto. A pesar de que el sabor de boca que deja no es el muy bueno, al salir del cine sus momentazos hacen que la experiencia merezca la pena. Sin ser la mejor, estamos ante una de esas pelis españolas que hay que ver en 2017. Si el filme os ha dejado con ganas de más, nada mejor que revisionar En la Casa, una gran película sobre procesos creativos que ganó la Concha de Oro en 2012.

 

 

IT: El trauma infantil se disfraza de payaso

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Lo tenía verdaderamente jodido Andrés Muschietti. El nuevo proyecto de IT cobró relevancia gracias a las noticias que sentaban en la silla del director a Cary Joji Fukunaga, director de la primera temporada de True Detective. Una noticia ilusionante que dejó de serlo cuando se confirmó que el también autor de Beast of no nation y Jane Eyre abandonaba el proyecto tras desavenencias con el estudio. El marrón le quedada a Muschietti, autor argentino que debutó en el terror sin pena ni gloria con Mamá. Las expectativas bajaron, pero volvieron a subir tras los primeros screenings y las aterradoras imágenes promocionales. El hype comenzó a crecer, y parecía que la burbuja, una vez más, iba a explotar. Pero esta nueva IT ha flotado por encima de las expectativas. Contra todo pronóstico, estamos ante uno de los mejores trabajos de horror de los últimos años.

El gran acierto de la película es tomar la valiente decisión de apostar por los personajes, una opción que no es la mayoritaria dentro del género. Los niños protagonistas crean un vínculo casi inmediato con el espectador, lo que nos hace cómplices de su terror. Un mecanismo más elaborado que la habitual colección de sustos, que seguramente defraude a los que solo acudan al cine a paliar los problemas de estreñimiento, pero que a la vez conquistará a los que busquen algo más que entretenimiento.

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IT es una gemela oscura de títulos como Los Goonies, Cuenta conmigo o Super 8, aunque su pariente actual más cercano se llama Stranger Things. La nostalgia vuelve a dar buenos resultados. Estamos ante una nueva confirmación de que lo retro es tendencia en el presente audiovisual.

IT es uno de esos proyectos en los que si algo falla el resultado final puede ser completamente ridículo, pero el acabado técnico de la cinta logra colocarse fuera de la sombra de la serie B. Esto se consigue gracias a una elegante fotografía, una banda sonora de calidad y unos impolutos efectos especiales. El resto lo hace un acertado casting en el que destaca la magnética Sophia Lillis, la actriz que da vida a Beverly. Ojo, que quizá estemos ante el nacimiento de una estrella.

De Pennywise, el payaso protagonista al que da vida Bill Skarsgård, decir que en los primeros minutos me ha dado la impresión de que quedaba eclipsado por el recuerdo del excelso trabajo de Tim Curry en la TV movie noventera. Ese payaso, de apariencia más humana que en esta nueva versión, es sin duda uno de los rostros más célebres de la historia del género. Pero este Pennywise se hace ‘querer’ según avanza el metraje. Aunque hay que tener en cuenta que el clown no deja de ser un falso nueve dentro de lo que de verdad cuenta la película. Los niños protagonistas desarrollan diferentes fobias, pero cada una de ellas esconde un problema más grave que el natural temor infantil. El verdadero miedo del grupo de ‘Los perdedores’ está en la vida real.

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A pesar de todas las virtudes, el título también cuenta con algunos problemas, como la redundancia de algunas escenas o el alargamiento excesivo del desenlace. No obstante, queda patente que en la sala de montaje se ha tenido que tirar de tijera. Por suerte, hablamos de exceso, pero no de aburrimiento. De hecho este IT deja con ganas de más. De esa segunda parte ya en proyecto que muestra a los protagonistas 27 años después del fatídico encuentro. Por si fuera pequeño el Hype, suena Jessica Chastain como Beverly adulta. Por favor, que así sea.

 

Proyecto Lázaro: Un dramón sobre la resurrección

Tenía ciertas esperanzas depositadas en el regreso de Mateo Gil a la dirección tras las satisfactorias Nadie conoce a nadie (1999) y Blackthorn: Sin destino (2011). Aunque si por algo ha trascendido Gil es por haber escrito algunos de los guiones más importantes del cine español de los últimos años, para Amenabar en su mayor parte. Suyos son los de Tesis, Abre los ojos, Mar Adentro, El método o Ágora. Proyecto Lázaro en su regreso a la ciencia ficción, un terreno que no pisa desde que Eduardo Noriega despertará como el hombre elefante tras un accidente de coche. Aunque no hay un nexo argumental, la película se presenta como una secuela tardía de Abre los ojos, y pretende explicar la vida después de la criogenización.

A pesar de lo interesante de la cuestión, Proyecto Lázaro nunca termina de arrancar. La película centra demasiado el foco en el amor y el drama. El protagonista vive atormentado por la vida que dejó atrás con su pareja, y ese eje tractor del filme no contiene el interés suficiente para crear intriga. Se apuesta todo al conflicto interior dejando de lado lo más significativo: Las consecuencias para la humanidad de esa primera resurrección.

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No ayudan tampoco las interpretaciones. Los personajes de Gil parecen robots con apariencia humana. Les cuesta demasiado expresar, y al espectador mucho más empatizar. El uso y abuso de la voz en off termina consiguiente que veamos al protagonista (Marc Jarvis) como un tipo cansino. Naomi (Oona Chaplin), su novia del pasado, no consigue más de lo que hubiese conseguido un maniquí. Nada resulta real.

La estética acaba por rematarla. Más cercana a un publirreportaje de una clínica dental que al cine en si mismo. Si se llega a llamar el Método Dentix nos quedamos igual. Mateo Gil ha intentado hacer su Gattaca bebiendo de Abre los ojos, pero se le ha Gattascado seriamente. Una pena. Esperamos su pronta recuperación y un regreso a la senda de anteriores trabajos.

Alien Covenant: Apocalipsis antes del Génesis

Pocas películas han despertado en los últimos años tantas filias y fobias como Prometheus. A mi personalmente me encantó el regreso de Ridley Scott al universo del xenomorfo. Prometheus no solo mostraba ese miedo a lo desconocido tan de la saga Alien. Se atrevía con una vuelta de tuerca que ponía en contacto al ser humano con sus creadores.

Revisionando Prometheus esta semana me di cuenta de la verdadera cuestión que abarcaba la película: El inevitable choque entre el creador y su creación. Pusimos el foco en los seres humanos y los misteriosos arquitectos, pero descuidamos que David, el sintético que interpreta Michael Fassbender, era también una creación, en este caso humana. Precisamente en ese punto empieza Alien: Covenant, con una conversación en flashback entre Peter Weyland (Creador) y David (Creación).

Los que esperaban un falso remake del Alien original, al estilo de Jurassic World o El despertar de la fuerza, pueden estar tranquilos. Hay más elementos de Alien: El octavo pasajero que en su predecesora, pero podemos decir que Covenant tiene un 50% de Alien y otro 50% de la metafísica de Prometheus. Los primeros acordes de la banda sonora de Jed Kurzel evocan a la partitura que Jerry Goldsmith compuso en 1979. El espíritu inicial está de vuelta, pero a diferencia del clásico, hay algo más que ‘La mujer y el monstruo’.

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Estamos ante una película ciertamente irregular. Empieza bien, pero Scott se toma su tiempo en el nudo para subrayar algunas lineas. Sin desvelar nada, diré que sobra alguna clase de flauta que otra en la parte central. Quizá el mayor problema de Covenant es que Scott ha cedido ante los que pedían más criaturas que en Prometheus. Si por algo se ha caracterizado la saga es por esa sensación de no saber por donde te va a aparecer el xenomorfo. Si viene de arriba, de abajo, de dentro, de fuera… En ese sentido Scott peca de querer contentar a los fans, o al estudio, y mostrar demasiado al bicho. Aunque hay que reconocer que los highlights de la saga no fallan.

Por suerte, Scott lo compensa con un gran prólogo, un intenso climax y un gran cierre. Al final la película pasa volando. Tenía muchas dudas con la elección de Katherine Waterston en el papel protagonista, la nueva ‘Ripley’, que toma el relevo de personajes femeninos fuertes que ya encarnaron en la saga Sigourney Weaver y Noomi Rapace. Pero la protagonista de Animales Fantásticos y Donde encontrarlos demuestra estar a la altura de las circunstancias. Aunque una vez más, el gran protagonista acaba siendo un Michael Fassbender que se come la pantalla.

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Intuímos que a Covenant no le vendrá mal un futuro revisonado, porque la película está plagada de referencias. La biblia, El paraíso perdido de Milton, Lord Byron, el mito de Prometeo, Frankenstein (Cuyo nombre original era Frankenstein o el moderno Prometeo), el soneto soneto Ozymandias de Percy Bysshe Shelley, Richard Wagner… Claves que esconden otras claves. Claves que conectan con algunos misterios sin resolver. Un ejemplo, ¿Sabías que Lord Byron murió desangrado a causa de las sanguijuelas que le pusieron alrededor del cuerpo para curar una fiebre? Nada es casual. Y esto ya es mucho más de lo que ofrece cualquier blockbuster. En ese sentido, Scott demuestra que sigue siendo un autor.

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Al acabar la película uno se queda con ganas de más, y eso siempre es una gran señal. Cruzamos los dedos para que la película funcione en la taquilla americana y podamos tener universo Alien para rato.

Noctem: Araquiel’s Box Project

Noctem es la última aportación española al Found Footage tras La saga REC y La cueva. El FANT 23 recibió a su director Marcos Cabotá y a sus protagonistas, Adrian Lastra y Esteban Piñero ‘Basty’ para hacer el primer pase con público de la película dentro de la Sección Oficial del Festival. Lastra, conocido por Primos o la serie Velvet, explicó que la idea de la película surge de una experiencia paranormal vivida en su casa. A partir de ahí decidieron hacer una película/experimento sobre lo ocurrido.

¿De qué va? Adrian Lastra y Esteban Piñero ‘Basty’ han desaparecido en México. El actor Álex Gonzalez, amigo de Adrian, le pide a un amigo que rescate los videos de sus móviles para clarificar los hechos.

La película comienza bien gracias a la acertada decisión de que los actores no interpreten a personajes, si no que sean ellos mismos con sus nombres reales, recurso que ya hemos visto en otras obras como Juerga hasta el fin. Y no todos son actores. Esteban Piñero ‘Basty’, miembro del grupo musical D’Nash se estrena en el cine con este papel. Según cuenta Cabotá, el reparto tuvo la generosidad de abrir las puertas de su casa y mostrar su intimidad. En el filme aparecen también parejas y amigos de los protagonistas haciendo de si mismos. De este modo, el texto y las situaciones de la película son en parte pura improvisación. En ese entorno ‘natural’ destaca la interpretación de Álex González.

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En lo argumental, Noctem encajaría como un guante como uno de los sucesos que recrea cuarto milenio. La amenaza se llama Araquiel, un muy digno representante de las fuerzas del mal. El problema principal reside en que la película se fija demasiado en otros found footage ya conocidos, especialmente El proyecto de la bruja de Blair y Paranormal Activity. Algunas ideas de puesta en escena están sacadas de la obra maestra de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez. Por esta razón diría que la película puede ser encajada mucho mejor por espectadores no iniciados en el género.

En la parte técnica hay algunos detalles que se podían haber pulido para hacer un resultado más realista, como las interferencias de los videos y la excesiva iluminación del flash del móvil en las escenas de oscuridad. Demasiado artificiales. Detalles como estos son los que me han impedido tener una experiencia terrorífica. Aunque he de decir que si que ha oído algún grito en la sala durante la proyección.

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En definitiva, estamos ante una cinta sin pretensiones que consigue entretener, pero cuyo resultado es irregular. Algunas ideas funcionan y otras no. Aún así, siempre es bienvenido cualquier nuevo intento en géneros poco transitados por la cinematografía española. Ojalá Noctem funcione.

 

FANT 23: Análisis del Palmarés

Ya sabéis que en este blog no somos nada de Copy+Paste, por lo que además de compartir  el palmarés nos hemos tomado la licencia de opinar sobre el mismo. De este modo aportamos algunas reseñas de películas que aún no tienen artículo propio en el blog. Agradecemos al FANT la impecable organización de esta edición. De largo, el mejor festival de cine de Bizkaia.

PELÍCULA GANADORA FANT 23

“Seoul Station”, (Corea del Sur, 2016) de Yeon Sang-ho

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Seoul Station confirmó que no encajo con la animación de Sang-ho. Mi sensación al final de la película fue muy similar a la que tuve con The Fake, obra que pudo verse hace dos años en la Sección Oficial del FANT. Los personajes de ambas solo se expresan en modo colérico. Recuerda demasiado a Sálvame. Así es imposible empatizar. Al género zombie tampoco aporta nada argumentalmente. Por destacar algo, me quedo con el sorprendente giro final.

PREMIO FANT EN CORTO

Premio del Jurado Mejor Cortometraje:

“La Voce” (Canadá, 2016, 20’) de David Uloth

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Ya me gustó esta breve ópera de matadero (Puedes leerlo en nuestro artículo del FANT en corto internacional) pero aún se le coge más cariño tras ver el original video de agradecimiento que David Uloth mandó al festival. Siguiendo la línea de su corto, el director se cambió la voz con su hijo pequeño para dar las gracias.

Premio del Jurado Mejor Cortometraje Vasco:

“Bestealdetik” (2016, 15 min) de Mar González Ruiz de Larramendi

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Merecido premio a un trabajo, que como ya os contamos en este artículo, es un auténtico poema en imágenes.

Premio del Público al Mejor Cortometraje:

“The App” (España, 2016), de Julián Merino.

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Y uno de los votos fue el mío. Puedes leer más aquí.

PREMIO MEJOR GUIÓN DE SECCIÓN OFICIAL

(CONCEDIDO POR LA ASOCIACIÓN DE GUIONISTAS VASCOS)

“I Am Not a Serial Killer” (IRE/UK 2016) de Billy O´Brien

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Interesante cinta independiente con la habilidad de camuflarse entre géneros. En mi opinión un tanto irregular en su desarrollo, que suma buenos momentos con otros en los que el interés se resiente, sobre todo en el nudo.

PREMIO A LA DIRECCIÓN MÁS INNOVADORA  DE SECCIÓN OFICIAL

(CONCEDIDO POR EL CINE CLUB FAS)

“The Eyes of my Mother”, (USA, 2016) de Nicolas Pesce

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Merecido premio para una elegante obra en lo visual. Una película cruda sobre la maldad desde una perspectiva realista. Un suceso atroz desde dentro. La emparentaría con The with, por esa muestra de horror al margen de la civilización, aunque esta no tiene el elemento sobrenatural.

PREMIO FANTROBIA 2017

Sean Brosnan

Puedes leer aquí nuestra crítica de My father die

ESTRELLA DEL FANTástico  2017

Barbara Crampton

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Una estrella del género que se ha mostrado cercana y simpática durante su estancia en Bilbao, en la que la hemos visto en varios pases. Es de agradecer esa implicación. En otros certámenes solemos ver el ‘Toma el premio y corre’. Un acierto del festival este galardón. El gran misterio del FANT es resolver como se conserva tan bien Barbara a sus 58 años.

FANT DE HONOR 2017

Pedro Rivero

Terele Páez

También acertados los reconocimientos a Pedro Rivero y Terele Pávez, aunque esta última no pudo recoger el premio en la ceremonia inaugural por encontrarse en Punta Cana.

PREMIO AL MEJOR LARGOMETRAJE DE LA SECCIÓN PANORAMA

“A Floresta Das Almas Perdidas”, (Portugal, 2016) de Jose Pedro Lopes.

•MENCIÓN ESPECIAL: “Therapy” (Francia, 2016) de Nathan Ambrosioni.

PREMIO AL MEJOR CORTOMETRAJE DE LA SECCIÓN PANORAMA

“Einstein Rosen”, (España, 2016) de Olga Osorio.

No hemos podido asistir a la Sección Panorama, pero el agradecimiento slasher que envió Nathan Ambrosioni al FANT ha sido de nota.

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR  FALSO TRAILER 

“Fishface”, José Mellinas

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1ER PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR FALSO TRÁILER

“Hugo”, Iker Maguregi

2º PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR FALSO TRÁILER AUX

“Coleccionista”, Angel Holgado

Merecidísimo Premio del jurado para Fishface de José Mellinas, que como ya hizo en Mermelada (Donde cogía como base la leyenda urbana de Ricky Martin, Sorpresa Sorpresa, el perro y la mermelada) vuelve a tomar la ‘realidad’ como punto de partida. ¿Qué pasaría si el famoso youtuber del ‘caranchoa’ va convirtiéndose poco a poco en una especie marina? Mellinas responde.

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My father die: El salvaje Mississippi

Sean Brosnan, hijo de Pierce Brosnan, ha sido reconocido con el Premio FANTrobia de la 23ª edición del FANT. Se trata de un galardón dirigido a jóvenes promesas del Cine Fantástico y de Terror. Tras ver My father die, su primer largo como director, entendemos los motivos de esta decisión.

¿De qué va? La película cuenta la historia de Asher, un joven sordomudo traumatizado por la muerte de su hermano a manos de su padre. Cuando el parricida abandona prisión, Asher decide que ha llegado el momento de la venganza.

Brosnan deja claro desde la introducción que vamos a ver una cinta potente y sin compasión. Los primeros minutos nos muestran la brutal muerte del hermano, con voz en off y un gran uso del blanco y negro. Una gran intro que nos sirve para adentrarnos en la América profunda y salvaje que Brosnan quiere mostrarnos. Una América a orillas del Mississippi en el que no hay lugar para la piedad.

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La violencia es una constante durante todo el metraje. A Brosnan le ha salido una ópera prima muy tarantiniana, aunque con bastante menos verborrea. En el reparto destaca Gary Stretch, que encarna al despiado padre de familia. El personaje es una nueva visión del Schwarzenegger de la primera entrega de Terminator.

La cruedad del filme está aderezada en todo momento por un acertado uso del humor negro. La excelente fotografía y una acertadísima selección musical consiguen que la película brille formalmente.

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No sabemos a ciencia cierta si este My father die tiene doble lectura, pero la película resulta una manera brillante de quitarse esa etiqueta de “hijo de…” que en ocasiones lastra algunas carreras. Aunque el bueno de Pierce figura en los créditos como uno de los productores del filme.

La película ha sido una de las sorpresas de este FANT. Un gran debut en el mundo del largo para Brosnan. Estamos seguros de que tras este debut indie, los grandes estudios llamarán a su puerta.

 

 

FANT 23: FANT en corto internacional

El FANT en corto internacional ha elevado esta edición un peldaño su nivel gracias a una elaborada selección de trabajos que demuestran el buen estado del género más allá del largo. Si tendríamos que resumir los trabajos proyectados en un palabra la tendríamos clara: ORIGINALIDAD.

The bald future, de Paul Cabon (Francia, 2017)

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Una parodia en defensa de los que perdemos pelo que llama a su integración en la sociedad. Habla de la calvicie, pero podría ser aplicable a cualquier característica física que se sale del canon de belleza impuesto. Con lo bonita que es la imperfección… Gran trabajo.

Driven, de Johannes Bachman (Suiza, 2015)

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Una mujer huye de su vehículo tras un accidente en una carretera secundaria. Un trabajo que, aunque no se entiende nítidamente, consigue inquietar con su puesta en escena. Nos quedamos con ganas de saber más de su trama. Buena señal.

Fucking Bunnies (Saatanan Kanit), de Teemu Niukkanen (Finlandia, 2017)

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No conseguí conectar con el rollo de este corto finlandés que mezcla death metal y el subgénero ‘nuevos y extraños vecinos’. Aunque por las carcajadas de los espectadores puede ser que quizá fuera el único. Aún así entretenido trabajo, que no es poco. Y muy del gusto del FANT.

Humaine, de Jean-Philippe Alix y Quentin Alix (Francia, 2016)

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El término pretencioso va como anillo al dedo a este corto entre crítico y espiritual que intenta resumir el histórico maltrato que el hombre ha dado a la mujer, para a continuación hacer un llamamiento a la esperanza. Eso y fotos moñas en las nubes.

A Father’s day, de Mat Johns (Reino Unido, 2016)

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Lo mejor de este trabajo de temática zombie son precisamente sus extraordinariamente maquillados muertos vivientes. El guión nada que no hayamos visto antes. El amor paterno-filial llevado al campo de los no muertos.

La voce, de David Uloth (Canada, 2016)

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Una gran ópera en corto con una inquietante idea. La de adquirir la última voz escuchada. Cuando este fenómeno se da en un matadero las consecuencias pueden ser terribles. Un trabajo imperfecto, pero curioso. Absténganse animalistas.

Neron, de Rubin Stein (España, 2017)

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Ambientación de diez, y desarrollo digno de un episodio de HBO. Lo cierto es que su desenlace no está a la altura de su magnífica puesta en escena, así que lo dejamos en ‘gran ejercicio de estilo’. El director parece preparado para un largo.

Pussy, de Renata Gasiorowska  (Polonia, 2016)

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En Pussy, un coño cobra vida y decide buscar el placer por su cuenta. El orgasmo femenino llevado al terreno de la animación, con humor y absurdidad. Trazos ingeniosos en un trabajo original y divertido.

Save, de Iván Sáinz-Pardo (Alemania, 2016)

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Ya disfrutamos de Save en la Semana de Terror de Donostia. Cortometraje con bebé que juega con una idea sencilla, pero completamente terrorífica. Gran trabajo.

The App, de Julián Merino (España, 2016)

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Para mí, el mejor corto de la noche. Explora los peligros de la iphonización mundial con sentido del humor. Un miniepisodio de Black mirror a la española, con Carlos Areces y un señor de Pontevedra. Her para no hipsters.

Actualización:

LA VOCE se ha alzado con el Premio del jurado, mientras que The App ha conseguido el Premio del Público. 

The evil within: Resplandor de serie Z

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Estábamos en un corrillo hablando sobre el buen nivel del FANT tras la proyección de My father die. Ahora entiendo que ese inocente acto era en realidad una invocación a algo que peor que Satán: The evil within. La película, que comparte nombre con un exitoso videojuego survival horror, es lo peor de lo que llevamos de festival.

¿De qué va? Todo cambia en la vida de Dennis, joven discapacitado mental, cuando su hermano decide llevar a su habitación un espejo. Ese elemento será la entrada a un mundo de pesadillas con consecuencias fatales en la vida real.

The evil within falla en casi todo. Actores de telefilme, un guión descuidado y unos efectos especiales que chirriarían en los 70. Este pretendido homenaje al terror ochentero y a los episodios de Twighlight zone no funciona ni como producto de videoclub. Si hablamos de calidades su lugar de venta sería más bien una gasolinera. Da pena ver a un icono del horror como Michael Berryman (Las colinas tienen ojos, Los renegados del diablo) prestándose a hacer de fantoche para la función. Tampoco funcionan sus guiños, que los hay. El homenaje a la araña de La cosa es como la versión de Nirvana que hizo Ramoncín.

Andrew Getty, director y guionista, no acierta con el tono. La película no asusta, pero tampoco se decanta por la comedia. La mayoría de asesinatos no se nos muestran, por lo que tampoco saciará a amantes del gore. Y como revival acaba siendo víctima de lo que parodia. Uno se pregunta… ¿A qué público va dirigida esta película?

Si la película es mala, peor aún es su mensaje. El joven discapactitado que protagoniza el relato es apedreado en la plaza pública, metafóricamente. 90 minutos de sorna a una enfermedad mental, de insultos innecesarios. Mongolo, retrasado y otros que os sonarán. Estaba convencido que el personaje iba a tener la oportunidad de desquitarse de todos los insultos, que estábamos en realidad ante una crítica a todo esto, pero de eso nada. La visión que se da de este problema mental es sencillamente mezquina.

Si podemos salvar algo de la película salvamos a Dina Meyer, que se conserva tal y como la vimos en Starship Troopers. Y la salvamos porque da pie a decir “Mira, la pelirroja de Starship Troopers está viva”, no porque lo haga bien. Este debut del director y guionista Andrew Getty en el cine no tiene pinta de ser recordado, al menos para bien. En la habitación 237 de El resplandor se proyectaba esta película.

FANT 23: FANT en corto vasco

Tras la inauguración con Pieles, llegó el momento de mostrar el estado del cine vasco de género. El FANT en corto vasco es una gran oportunidad de detectar el talento que viene.

Bestealdetik, de Mar González Ruiz de Larramendi ·

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Empieza como una película de terror en cabaña, pero Bestealdetik es un auténtico poema en imágenes. Más cerca de la lírica que de la prosa. Una gran reflexión sobre el peso del tiempo y el inevitable final. Mikel Laboa remata la jugada.

Decorado, de Alberto Vázquez

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Estuvimos hace unos meses en la Semana de Terror de Donosti. El desatado público del Festival gritaba en alto Decorado en cada una de las películas. Ahora lo entendemos todo. Decorado es ya una obra magna de la animación absurda. Una auténtica joya.

Nunca pasa nada, de Javier Prieto

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Nunca pasa nada recorre la cola del INEM con una técnica de animación cercana a la de Waking life y A Scanner Darkly de Linkater. Corto de tiempos de crisis, de como vemos la vida pasar sin que nada cambie. Mención especial a su potente banda sonora.

Ihesa, de Alejandro Díaz Castaño

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Empieza como terror con invasión casera, pero no nos muestra hasta el final su verdadera naturaleza. Un trabajo que invita a cierta reflexión y con el que no cuesta demasiado empatizar. Que dura es la rutina.

Bright lights, de María Zabala

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Más que un cortometraje, un buen videoclip para el tema Molly & Pete de Belako. Funciona a nivel estético, pero su guión no está a la altura de las imágenes.

Precious Moments, de Asier Iza

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El cortometraje de la noche. Comienza con tono cómico en uno de esos picaderos de carretera secundaria, después se pasa al lado inquietante. El resultado final parece cómico, pero pasados unos minutos te das cuenta de que has visto algo terrorífico. Una original vuelta de tuerca al Christine de Stephen king.

Si la oscuridad nos lleva, de Mikel R. Alonso

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Estamos ante un microretrato de asesino comprimido en un ZIP. Su ambientación resulta inquietante. (Muy) Breve, pero intenso.

Villa Mnemósine, de Rubén Salazar

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El corto de más presupuesto de la lista (O eso creemos por su diseño de producción). Una interesante idea que llama a la reflexión. Tiene calidad, pero el FANT no era su lugar.

Ulises, de Aitor Gutiérrez

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Una de las sorpresas de la noche. Un hombre llega a un hotel para ser varios hombres. Un interesante juego de rol cómico para un solo jugador. Si habría un premio al Mejor Actor de este FANT en Corto sería sin duda para Kandido Uranga. Sencillamente lo borda. Además, el cortometraje sirve de homenaje a la profesión de actor

Extático, de Azahara Gómez

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Cortometraje en plano tarantiniano sobre dos guardias forestales y un cadáver. Una vez más, homo homini lupus est. La sorpresa no es tal, y la sangre final resulta demasiado artificial.

Jules D., de Norma Vila

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Empieza tan bien que acaba decepcionando al elegir la vía más ‘gótica’ del relato Un canto de amor a Drácula con un gran look y una dirección prometedora. Lástima que el ‘Qué’ no esté a la altura del ‘Cómo’.

 

It Stains the Sands Red: Choni v. Zombie

En apenas quince minutos It Stains the Sands Red consigue follarse de forma salvaje a las cinco películas de la saga Resident Evil. Molly, la gran protagonista de la función, carece del estilo y las artes marciales de Alice, pero va sobrada de algo más importante cuando hablamos de cine zombie, el instinto de supervivencia. ¿Qué un zombie quiere sangre y necesito despistarle? Pues nada, me saco un tampón del coño y ya tengo perrito. Y para satisfacción de los espectadores, no es su único truco.

¿De qué va? Una pareja huye por carretera de un apocalíptico Las Vegas. Tras una breve parada, el vehículo en el que viajan no consigue arrancar. Un zombie se acerca para aprovechar la ocasión.

It stains the sands red (Mancha las arenas rojas, o algo así) es una comedia, un western, una de terror y un drama familiar. Todo al módico precio de una entrada a 2,90€ para el turno de noche del FANT 23. Un buen aporte a un género zombie que, por suerte, siempre consigue encontrar la vuelta de tuerca adecuada.

Molly, interpretada magistralmente por Brittany Allen, está más cerca de Belén Esteban que de Milla Jovovich. Curioso que la última gran heroína del cine zombie lleve plataformas, pantalones de leopardo, un tampax y cocaína. Todo un kit de supervivencia. La actriz supera con nota el desafío de supervivencia zombie en el desierto. Habría que ver cuanto dura Jesús Calleja. Y no nos olvidamos de Juan Riedinger. El actor canadiense interpreta a ‘Polla pequeña’ (cariñosamente Smalls), y no es un indio compañero de ‘Pipa grande’, si no el zombie que persigue incansablemente a la protagonista. ¿La mejor interpretación de un no muerto en la historia del subgénero? Yo diría que sí (Si se os ocurre uno mejor dejar un comentario, please).

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A la película le da además tiempo para darle una buena patada en la boca al machismo, y por ende a los humanos menos evolucionados del género masculino. El filme acierta al comparar a los muertos vivientes con los típicos babosos de discoteca. Y recuerdo que solo hay una amenaza peor que los muertos: Los vivos.

El director Colin Minihan es parte junto a Stuart Ortiz de los autodenominados Vicious Brothers, responsables de Grave Encounters y su secuela. Habrá que seguir la pista a este joven canadiense nacido en 1986. Aún tiene mucho que aportar al cine de terror.

It stains the sands red tiene los elementos suficientes como para ganarse un hueco en la historia del género. Su estética (Heredera de Los renegados del diablo) y ese desierto de Las Vegas lo merecen, y hacen que perdonemos alguna escena de más en su parte final e incluso algún gazapo. Ya sabéis, lo que pasa en Las Vegas se queda en Las Vegas.

El ataúd de cristal: La limusina de Caronte

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Es un orgullo afirmar que la mejor película de lo que llevamos de FANT es bilbaina. No acudía con demasiadas expectativas al pase, quizá porque los cortos de Haritz Zubillaga, aunque correctos, no me habían maravillado. Pero El ataúd de cristal conquista por la vía rápida.

¿De qué va? Una ‘Meryl Streep‘ del cine se dirige en limusina a recoger un premio a toda su carrera. Lo que parecía una convención más en la vida de una estrella se convertirá en una auténtica pesadilla.

La actriz tinerfeña Paola Bontempi, que ya trabajó con Zubillaga en She’s lost control, sale airosa de un desafío complicado. Bontempi aparece en la práctica totalidad del metraje, y lo que soporta durante sus 75 minutos no es precisamente un camino de rosas. Estamos ante una exigente interpretación a todos los niveles. Esto no es Paseando a Miss Daisy.

Pero si Bontempi es importante en la película más lo es la limusina que la transporta, el bien llamado Ataúd de Cristal. Un espacio hipnótico que emparenta Cube con 2001: Una odisea en el espacio. De Cube tiene ese uso del color. Si en la película de Natali cambiaba el color en cada cubo aquí tenemos lo mismo, pero con control remoto De 2001 la película se lleva el ojo de Hal 9000, esta vez manejado por algo más peligroso que la inteligencia artifiial: El ser humano.

Tanto el trabajo de dirección artística como la fotografía son impresionantes. Nada hace indicar que estemos ante una cinta de bajo de presupuesto. Hasta la violencia es elegante en el interior del vehículo. Mención especial merece la excelente banda sonora de la película, compuesta por Aránzazu Calleja. Música siempre presente para indicarnos en todo momento que la amenaza es real. Encaja como anillo al dedo con las imágenes de la película.

Por si esto fuera poco, Zubillaga ha creado además un personaje icónico que nos ha conquistado desde la presentación: El misterioso chofer de la limusina. Nos hemos quedado con ganas de saber más de él. Da para un spin off, o al menos para un cameo en la próxima película.

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En definitiva, estamos ante un potente filme que aprovecha al máximo sus recursos y al que no se le ven las costuras. Esperamos que pueda tener el estreno digno en salas que realmente merece. Una gran opera prima.

“No he visto Saw” Haritz Zubillaga

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Tras la proyección, Haritz Zubillaga, el guionista Aitor Eneriz y Paola Bontempi respondieron a las preguntas de la audiencia. Uno de los espectadores hizo referencia al parecido entre El ataúd de cristal y el juego macabro de Saw, pero Zubillaga afirmó no haber visto la célebre película de James Wan. Eneriz habló de otros parecidos que le han sacado a la película, como el de un productor estadounidense que la relacionó acertadamente con el clásico ¿Qué fue de Baby Jane?. Asimismo desgranó como fue el rodaje de algunas escenas, como la espectacular secuencia final. El equipo estuvo ‘defendido’ en todo momento por el imponente chofer de la limusina.

Pieles: La malformación está en la mirada

El FANT 23 ha empezado fuerte. El Teatro Campos Eliseos ha sido un año más el escenario elegido para la ceremonia inaugural, y como en ediciones anteriores Lander Otaola y Maria Goiricelaya se han metido al público en el bolsillo con un humor espontáneo, valiente y muy oportuno. En esta ocasión han estado bien secundados por las ‘maníacas’ que se mezclaban entre el público para recordarnos que esto va de terror, aunque si hay que pasar de horror a La La Land se pasa. Cuánta razón Otaola al nombrar todos los festivales de cine bilbaínos para rematar diciendo “El FANT, al que va gente”, y es que en el Campos no cabía ni un alfiler.

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Este año la organización ha acertado de pleno con Pieles, la mayúscula bizarrada española que ha abierto el certamen. La opera prima de Eduardo Casanova es un auténtico salto al vacío artístico en el que el director consigue caer milagrosamente de pie. Pocos director pueden presumir de tanta libertad en su primer trabajo, aunque esto quizá hay que agradecérselo a Álex De la Iglesia, productor de la película.

Pieles pertenece al subgénero de historias cruzadas. La película presenta a varios personajes al límite unidos por un físico diferente, algo similar a lo que Tod Browning nos enseñó en La parada de los monstruos.

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Uno de los mayores logros de Casanova es la rapidez con la que el espectador se familiariza con ‘lo diferente’ tras la sensación de estupor inicial. Y es que cuesta en un primer momento cuesta hacerse a personajes como el que interpreta Ana Polvorosa, una joven con ano por boca. Si por algo merece todos los elogios esta cinta es por su extraordinaria labor de maquillaje, bien acompañada por una dirección artística cuidada al detalle en el que predominan los tonos rosas (Veáse en look del elenco en la foto de portada).

Las referencias de la película son claras. Las más evidentes un Almodovar desatado o un David Lynch menos oscuro de lo habitual. A Casanova bien podríamos emparentarle con Carlos Vermut, quizá porque ambos comparten sendos debuts suicidas y se decantan por las historias cruzadas. La sensación tras terminar Diamond Flash no era muy distinta de la que se queda al final de pieles.

Casanova también ha acertado con el reparto, del que hay que destacar su generosidad. Sorprende para bien el ‘Freddy Krueger’ que interpreta Jon Kortajarena, totalmente irreconocible hasta el final. Muy meritorio también el ya mencionado personaje de Ana Polvorosa. Lo más sencillo era caer en el más absoluto ridículo, pero lo excesivo del maquillaje contrasta con la serenidad de la actriz para afrontarlo. Itziar Castro es para mi uno de los descubrimientos de la cinta. Quizá el personaje de la casi siempre extraordinaria Candela Peña es el que mejor sintetiza el sentir del filme. Siente que no va con ella lo de ‘ser diferente’ y ve claramente que el problema lo tiene el espectador.

La peor noticia para Casanova es que estamos ante una de esas películas que despertará fobias directas por su contenido, incluso entre los que no lleguen a verla. La mejor, es que estamos ante una pieza de culto instantáneo.

*La película se estrena en cines el 9 de junio de 2017

Assassin’s Creed: Videojuego en Sevilla, ninguna maravilla

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Es un poco triste tener que abrir un artículo con un tópico, pero Assassin’s Creed confirma de nuevo que el salto a la pantalla de los videojuegos suele ser un salto al vacío que casi siempre acaba en hostiazo. Y eso que daba la impresión de que esta vez la cosa podía funcionar. El director Justin Kurzel repetía con Michael Fassbender y Marion Cotillard, con los que acababa de trabajar en su reciente adaptación de Macbeth. Parecía que el estudio no quería renunciar a intentar hacer algo más que un producto, y tras ver la película, ese intento de dignificar la película es quizá lo que ha terminado de hundirla.

En Assasin’s Creed un condenado a muerte se libra de la ejecución a cambio de participar en un programa que pretende recuperar la manzana mordida de Eva, una reliquia que puede hacer que la violencia desaparezca de la sociedad. La acción se desarrolla a caballo entre el presente y la España de 1492.

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Tras unas intrigantes y prometedoras escenas iniciales todo se viene abajo rápidamente. Ese continuo juego presente-pasado provoca que nunca nos acabemos de trasladarnos a ninguna de las dos épocas. El vehículo que utiliza la película para hacer el viaje se denomina el ‘Animus’, una evolución tecnológica capaz de viajar a los recuerdos. Las escenas de Fassbender en el presente y de Aguilar, su antepasado español, son lo peor de la película. Justo cuando parecemos estar ante la inquisición volvemos adelante para ver como Fassbender sufre jugando a una especie de Wii extrema.

Kurzel se empeña en darle trascendencia a lo que en realidad es poco más que una película de hostias, y el interés cae en picado con el paso del metraje. Llega un momento en el que ya no sabes si estas viendo El código Da Vinci, La Isla, El Ministerio del tiempo o Aguila roja. Las interpretaciones no ayudan. Fassbender y Cotillard están peor que nunca. Uno se pregunta quién les convenció para meterse en este jardín, y todo indica que la respuesta tiene unos cuantos ceros.

Estamos ante una película que ni siquiera agradará a los ultras de la saga de la videoconsolas. Asassin’s Creed no es solo decepcionante, también es muy mala. De momento la única adaptación potable de un videojuego sigue siendo la de Silent Hill. ‘El caballero oscuro’ de este subgénero aún está por venir.

 

La cura del bienestar: El encanto de la imperfección

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Gore Verbinski se acaba de ganar todo mi respeto. Hasta ahora se podía hablar de un director cuya carrera se ha caracterizado por un eficiente trabajo al servicio de las majors. De la primera trilogía de Piratas del Caribe al remake de The Ring, pasando por Un ratoncito duro de roer, El hombre del tiempo, Rango o The Mexican. Un cineasta que ha pasado de ser un mero peón de la industria a dirigir un filme de terror gótico de dos horas cuarenta, sin estrellas y con suculentas idas de olla. Quizá La Cura del bienestar de la que habla el filme es la que ha tomado Verbinski, dejando encargos de lado y haciendo de una vez por todas lo que le ha salido del nabo.  Y bien saben los lectores que en esta página somos enemigos de los que piden moderación desde el sofá contándonos que ‘El cementerio está lleno de valientes’. Tal vez desconocen que la hora nos llega a todos, y de palmar, palmar con estilo.

El comienzo de La cura del bienestar es de esos a lo Apocalypse now: Un hombre con la misión de encontrar a otro hombre. Un tiburón de Wall Street es enviado por los mandamases de la empresa a buscar a un compañero que se niega a volver a Manhattan tras su estancia en un balneario suizo. Todo se complicará al comprobar que el enclave alpino no es tan idílico como aparenta.

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Las referencias son evidentes. Imposible no mencionar al Scorsese de Shutter island. Por parecer se parece hasta Dane DeHaan, protagonista de la película, a Leonardo Dicaprio. Aunque en todo momento se ve más un homenaje que un plagio. También hay guiños a El resplandor, como ese plano aéreo de la carretera camino al balneario que recuerda tanto al del inicio de la película de Kubrick, o a La Escalera de Jacob. El resto es una Hammer de serie A.

La película que va sobrada visualmente. La fotografía y la dirección artística son de Oscar. Por el precio de la entrada nos llevamos una treintena de planos perfectos. Por momentos La cura del bienestar nos traslada a ese balneario. La hipnosis de Verbinski funciona y el viaje merece la pena. A pesar de que estamos ante un título que también cuenta con algunos problemas evidentes. El más notable su reiteración de ideas. También padece de uno muy habitual en los títulos de suspense: La sobrexplicación en el último acto. Pero en ningún momento esto provoca el derrumbe, mérito añadido tras sus casi 160 minutos. Quizá esa irregularidad, esos pasos bruscos de la solemnidad al What the fuck son los que consiguen que la película acabe conquistando.

Y además La cura del bienestar nos muestra el lado oscuro de los avances de la ciencia. Esa búsqueda del progreso se ha cobrado muchas vidas en el pasado y se las sigue cobrando hoy en día. Es el fantasma que se esconde tras nuestra rutina, eso que algunos llaman bienestar. Desde ya reivindicamos este título, que está dejando las salas tras su primera semana de proyección con bastante más pena que gloria. Con el tiempo quizá se hable de esta película como un título de culto. Merece la pena apuntarse a la cura.

Trailer:

 

 

El bar: La cara B de España

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De la iglesia se ha convertido con el tiempo en un género en si mismo. Todas sus películas se presentan como comedias, pero casi ninguna lo es como tal. Todas parecen thrillers, pero casi ninguna lo es. Todas parecen de género fantástico, pero casi ninguna lo es. No es excepción El bar, que aún estando lejos de sus mejores obras, cumple los mínimos de un director que rara vez baja del seis.

La película cuenta la historia de un grupo de personas que coincide por azar en una taberna. Situación cotidiana de no ser por el disparo en la cabeza que recibe uno de los clientes al salir del local. A partir de ahí, los desconocidos comenzarán un encierro que les llevara al límite.

El bar tiene las virtudes y defectos de las últimas películas del director: Un comienzo espectacular y una ligera caída hacia el final. En esta ocasión se debe a que el guión que firma Jorge Guerricaechevarría junto al propio director no está a la altura de la brillante puesta en escena. Por suerte esto no afecta al entretenimiento. El bar dura en un suspiro, y la experiencia merece la pena. En parte gracias a ese bar que es visita ineludible en Madrid, el mítico Palentino de la Calle Pez, en Malasaña. Escenario ideal para que el apocalipsis resulte cotidiano.

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Los actores habituales de la última etapa del director responden una vez más. En especial los polos más extremos de la función: ‘El mendigo’ encarnado por Jaime Ordoñez y ‘la pija’ que interpreta Blanca Suarez, quizá los dos personajes más jugosos y mejor defendidos.

De la Iglesia no desaprovecha la ocasión de mostrarnos a la España en B, una España que se ha desarrollado ‘bajo manta’ mientras celebraba el gol de Iniesta. Una España regida por trileros y una población jugadora que acepta la estafa en cada partido, todo esto patrocinado por el cuarto poder, incapaz de denunciar la trampa. Y lo peor es que los que pillan el juego se acaban matando entre ellos. Si no sabéis de lo que hablo preguntarle a Iglesias o Errejón, o preguntar por los idus de marzo del PSOE. El bar es una gran metáfora de nuestro tiempo.

 

 

En Spoiler (Deja de leer aquí si no lo has visto)

El cine español ha perdido una oportunidad de oro de entrar en el terreno de la ‘falsecuela’: Película que se presenta como un estreno independiente, pero que acaba encajando en otra saga sin marketing ni aviso previo), el trampantojo hecho cine. Digo esto porque la película de Álex encajaría como un guante como una historia enlazada al universo cinematográfico de REC.

PreFANT recopila lo mejor de la última cosecha de cine fantástico y de terror

Vuelve el PreFANT con un doble objetivo. Hacer que el ‘mono’ de FANT se relaja y calentar motores para los que nos espera. El PreFestival se desarrollará en los espacios habituales, Sala BBK y Bidebarrieta, a los que este año se suma el Museo Guggenheim.

Los días 24, 25 y 27 tendremos ración doble en la sala BBK con parte de lo mejor del cine de género de los últimos meses gracias al ciclo Sitges Tour AContracorriente y un pre-estreno:

La autopsia de Jane Doe (Lunes 24 abril, 18:00)

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Película de terror con aroma clásico dirigida por André Øvredal, responsable de Troll Hunter. Obtuvo la mención especial del jurado en el festival de Sitges.

Shin Godzilla (Lunes 24 de abril, 20:00)

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Tras la última adaptación USA del célebre nipón, la criatura vuelve al cine japonés, lugar del que nunca debió haber salido. Shin Godzilla mezcla Kaiju y cine político post-Fukushima.

Somnia. Dentro de tus sueños (Before I Wake) (Martes 25 de abril, 18:00)

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Cinta de terror psicológico sobre los sueños y los miedos infantiles. Dirige Mike Flanagan, responsable de   Hush (Silencio, Oculus: El espejo del mal y Ouija: El origen del mal).

Train to Busan (Martes 25 de abril, 20:00)

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La cinta coreana es la gran película de zombies de los últimos tiempos. La película logró dos premios en Sitges: Mejor director y mejores efectos especiales. Dirige Yeon Sang-ho, que ya compitío en FANT con las animadas The king of pigs y The fake.

Pre-estreno: Always Shine (Jueves 27 de abril. 18:00)

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Triller psicológico indie ambientado en el mundo de la interpretación que se hizo con el premio a la mejor actriz en el Festival Tribeca de Nueva York.

Melanie. The Girl with All The Gifts (Jueves 17 de abril, 20:00)

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Interesante película inglesa de zombies que mezcla a niños y muertos vivientes. Su desolador paisaje recuerda a 28 días después.

*Todas las proyecciones son de entrada libre hasta completar aforo.

Conferencia sobre Robocop (26 de abril, 19:30h)

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La charla de este año en Bidebarrieta estará dedicada a Robocop con motivo del estreno del 30 aniversario de la primera película de la saga, y estará impartida por el cineasta bilbaino Toni García Abad. Si queréis ir estudiados de casa podéis leer el artículo que dedicamos en La Vaca de Twister a la relación entre Robocop y La Biblia, entre otras anécdotas.

Clausura del PreFant en el Guggenheim: Girl Asleep + Carlos Bayona DJ (Viernes 28 de abril)

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La distribuidora La Aventura proyectará en el Museo Guggenheim Girl Asleep (20:00) coincidiendo con su estreno en salas de Madrid y Barcelona. Se trata de una cinta australiana Low cost que mezcla el género fantástico con cine al estilo Wes Anderson.

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Tras la proyección, Carlos Bayona, hermano del director de Un monstruo viene a verme, ofrecerá una sesión especial para FANT desde la cabina de DJ, dentro del Ciclo Art After Dark del Museo Guggenheim

Muestra “The Vault of Rob Zombie. A Cómic Tribute”

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Y nos llegan noticia del FANT, que se celebrará del 5 al 12 de mayo. Azkuna Zentroa acogerá la exposición “The Vault of Rob Zombie. A Cómic Tribute”, una recopilación de carteles de 16 ilustradores que se han apoyado en la imaginación del director de Los Renegados del diablo para llevar a cabo sus obras. La muestra está coordinada por Borja Crespo.

CRUDO: PRIMERO DE CANIBALISMO

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A Crudo le ha pasado lo mismo que a The Witch el año pasado. Películas de autor que acaban en mutilsalas debido a campañas de marketing engañosas. Ni The witch era la película más terrorífica de la historia, ni Crudo es la gran salvajada que han querido vender. El filme se ha hecho hueco gracias al eslogan “Puede provocar mareos” que se ha vendido en los medios. Ahora bien, el debut en la dirección de Julia Ducournau merece todos los elogios que ha recibido por parte de la crítica.

La película nos lleva a la universidad de la mano de Justine, una joven que llega al Campus para iniciar sus estudios de veterinaria. Formada en una educación vegetariana, su vida cambiará por completo al descubrir los encantos de la carne.

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Crudo naturaliza una cuestión que la sociedad ha convertido en tabú: El canibalismo, al que Ducournau decide darle un tratamiento similar al de la adicción a las drogas. A partir de ahí se abre la veda para que cada espectador decida jugar con esa metáfora de ‘comernos unos a otros’, más si cabe en un entorno universitario en el que los novatos viven sometidos por los alumnos de segundo curso.

Estamos también ante el enésimo viaje iniciático puente entre la adolescencia y la edad adulta tras dejar atrás el hogar familiar. Quien haya pasado por esa franja horaria vital sabrá que es una zona gobernada por el cambio constante. De hacer y dejar de hacer cosas por el ‘que dirán’. Una época de influencia del entorno que acaba cuando encontramos nuestra propia identidad. Encontrareis todo esto en Crudo. dejando a la vista que a pesar del factor canibal estamos ante un retrato de personaje fascinante y jodidamente veraz.

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La fuerza de los personajes femeninos y ese aire francés, evoca a La Vida de Adele. Las jóvenes Garance Marillier y Ella Rumpf  son el equivalente perfecto a Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux, aunque en el caso de Crudo el nexo sea únicamente fraternal. Todo el trabajo interpretativo se ve apoyado en una fotografía excelsa y en una hipnótica banda sonora que recuerda al trabajo de Rob para la versión francesa de Maniac, dirigida por Frank Khalfoun. También encontramos un guiño a Carrie, la obra maestra de Brian De Palma. Mezclando sangre y novatadas era imposible no recurrir a ella.

Crudo sin duda será recordada como una de las grandes de este 2017. A pesar de la hemoglobina, una cinta que puede gustar a cualquier cinéfilo. Más difícil lo van a tener los que esperen encontrar una película de terror al uso. Ya esperamos ansiosos el próximo paso de Ducournau tras esta brillante opera prima.

Incidencias durante la proyección: Niños/as en la sala

En la sala a que acudimos había niños, y no me refiero a niños de 14 años, si no a niños de menos de diez. Al girarnos para ver su reacción ante alguna de las escenas hardcore,  vimos a uno de ellos con el envase de palomitas en la cabeza.  ¿Qué lleva a alguien a llevar a niños pequeños a ver este tipo de películas? ¿Hasta que punto debería haber cierta regulación en la entrada de menores a según que proyecciones? Dejo abierto el debate por si alguien quiere comentar algo al respecto.

 

 

Logan: Slow food para la última cena mutante

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Reconozco la valentía de la pareja Hugh Jackman-James Mangold al intentar darle un final digno a uno de los grandes personajes del cine de superhéroes. Tras dos spin-offs insatisfactorios, Logan no solo pone fin al más célebre personaje de la Patrulla X, también despide a la primera generación cinematográfica de mutantes. La apuesta de Mangold era dejar de lado el fast-food cinema para hacer una pellicula más pausada, más íntima, con sabor a western crepuscular. Algo más que la habitual empanadilla de hostias. El director sacrifica acción poniendo corazón, y en parte funciona. La pena es que al resultado final le falta cabeza.

La acción nos sitúa en un futuro incierto en el que los mutantes se encuentran en peligro de extinción. En ese contexto, un Lobezno alcohólico y desmejorado parece haber olvidado su pasado mutante. Alguien se cruzará en su camino para encomendarlo una último misión.

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La película se alimenta de algunos de los grandes títulos de los últimos años. La relación Logan-Laura recuerda a la que mantuvieron en los 90 Arnold Schwarzenagger y Edward Furlong en Terminator 2, y los enemigos del filme parecen lanzados por Skynet.  La búsqueda de la tierra prometida y algunas escenas en vehículo nos llevan a Mad Max: Furia en la carretera. También está presente el terror fronterizo de No es país para viejos. Y no nos olvidamos de las series. La película parece en ocasiones pariente de Stranger Things. Los paralelismos entre Once y Laura son evidentes, al igual que los de sus lugares de origen.

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Logan es además un gran espectáculo interpretativo. Jackman rinde a gran altura. Hugh Jackman es Lobezno, y Lobezno es Hugh Jackman. Por muchos Lobeznos que veamos en el futuro nunca habrá debate. No habrá uno mejor. Si los premios consideraran este género, Hugh Jackman sería una de los cinco candidatos finales al próximo Oscar. No se queda atrás Patrick Stewart, que encarna a un profesor Xavier entrado en la noventena y con importantes problemas de salud.

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A pesar de las virtudes, los problemas de Logan son evidentes. El principal sus 135 minutos de duración, que se hacen largos ante el vacío de acontecimientos en algunas partes. A eso hay que sumar un guión nunca está a la altura de la estética. Vemos el ocaso del héroe, pero en ocasiones falta un porqué. La película avanza con claros acelerones y frenazos. Nunca encuentra su ritmo. Por suerte, su antológico plano final y el Hurt de Johnny Cash en los créditos elevan un escalón la calidad de la película.

Estamos ante una película para devotos del personaje que gustará a muchos cinéfilos ajenos al género, pero que decepcionará a los que busquen la película definitiva de los X Men. Al menos en esta ocasión hay amputaciones sin censura Made in Lobezno. Decepcionante, pero Logan no es ni mucho menos una mala película.

 

 

Que Dios nos perdone: Madrid bajo el terror del Follaviejas

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La segunda película de Rodrigo Sorogoyen (Stockholm) alcanza de forma instantánea el Olimpo del Thriller español. Estamos ante uno de los mejores filmes de la caza del spanish serial killer. El tiempo la pondrá en su lugar, si no lo ha hecho ya.

La película nos traslada al Madrid 2011, un Madrid difunto de las Olimpiadas en el que el 15M y la visita de Benedicto Equis Uve Palito manchan de tinta los periódicos. En ese contexto, dos peculiares policías investigan la muerte violenta de varias ancianas.

Hay dos influencias claras en Que Dios nos perdone. Por un lado encontramos ecos del thriller Fincheriano, por otro encontramos un tono cercano al del thriller coreano. El éxito de Sorogoyen radica en beneficiarse de elementos conocidos para reinventar el thriller castizo. El resultado esta lejos del thriller de pura influencia americana de Daniel Monzón. La película es española, muy española, y madrileña más concretamente. La ciudad se presenta como un personaje más de la trama. Una gran recreación del sofocante julio madrileño, con tanto acierto como el desgarrador madrid estival del Barrio de León de Aranoa.

Y todo esto dando total protagonismo a los personajes, defendidos extraordinariamente por todo el reparto. Antonio De la Torre consigue en la película algo muy complicado: Que a pesar de ser Antonio De la Torre veamos a su personaje, el tartamudo Velarde. Un investigador de nivel, parco en palabras, y con un auténtico infierno interior. Brilla a la misma altura un desatado Roberto Álamo, convertido en un colérico policía que se sitúa en la frontera entre John Mclane y Jose Luis Torrente.

Que Dios nos perdone PELICULA

Quizá lo peor del filme sean sus últimos minutos. Si bien responden a una lógica, no están a la altura del potentísimo resto del metraje. Por suerte, predomina lo notable, como esa realización trepidante cámara en mano que incorpora realidad al resultado final.

Que Dios nos perdone confirma el gran momento del thriller español, gracias a las recientes El hombre de las mil caras o Tarde para la ira, que se suman a títulos aventajados como Tesis o La Isla mínima. Empezaba a ser hora de que el cine español dejara atrás el drama o la comedia.

 

Múltiple: El niño de ‘El sexto sentido’ deja de ver a Shyamalan

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M. Night Shymalan ha vuelto para confirmar que lo que vimos en La Visita no fue un espejismo. El ‘Isabel Gemio’ hindú, ha regresado de entre los muertos con Múltiple.

En esta ocasión, el director lleva a las últimas consecuencias dos subgéneros del thriller: El psicológico y el sobrenatural. En Múltiple, un hombre con severo trastorno de personalidad secuestra a tres jóvenes. Las chicas pronto se darán cuenta de que su captor está muy lejos de ser un delincuente al uso.

La película es un gran estudio de traumas severos. La mezcla de thriller, terror, drama y acción funciona como en los días gloriosos del director de El sexto sentido, El Bosque, El protegido o Señales. Prueba de ello son las tres semanas consecutivas que el filme lleva liderando el ranking USA. Con la calidad también vuelve el público.

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En el aspecto interpretativo asistimos a un duelo de primer nivel, el que enfrenta a Anya Taylor Joy (La bruja) y James McAvoy. La joven intérprete encarna a la perfección el resultado de una infancia difícil, mientras que el actor británico acierta en uno de esos papeles que permiten lucirse. McAvoy más desatado que nunca dando vida a los habitantes inciertos del antagonista. Un enemigo de primer nivel. También destaca la veterana Betty Buckley, que da vida a la doctora Karen Fletcher, un personaje que recuerda al doctor Loomis de La noche de Halloween.

En definitiva, una película que entusiasmará a los adeptos del director, y que entretendrá a la gran mayoría de la audiencia. Un título que deja con ganas de más.

ANÁLISIS EN SPOILER (Si no la has visto ni se te ocurra leer esto. Te arrepentirás toda tu puta vida)

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El nacimiento de la falsecuela

Shyamalan es un género en si mismo, y la conclusión de la película no hace más que confirmar esta afirmación. Tras el rótulo final, suenan unos acordes que nos resultan familiares. ¿Esto no es la banda sonora de El protegido? Habréis recordado muchos. Y allí está él, al final de la barra, David Dunn (Bruce Willis), revelando que todo lo visto hasta ese momento no era otra cosa que la presentación del archienemigo de la película que Shyamalan había dirigido 15 años antes. Pelos como escarpias. El director ha vuelto a dar en el clavo con un giro histórico. Ahora solo falta poner fecha al duelo de titanes que enfrentará a David Dunn y La horda. Un héroe que no puede sufrir dolor y un enemigo que castiga a las personas que no han sufrido. Épico. Los actores están por la labor.

Y el cabrón de M. Night Shyamalan se la saca diciendo que ya dio la pista en el poster. Los posters de El protegido y múltiple… ¡Encajan!

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Un blog de cine con muy mala leche