Molly’s game: El gran telar de Circe

vacamarketmaszul

Entraba a ver Molly’s game con expectativas medias. Si una película de casi dos horas y media de duración lograba entretener ya iba a ser un triunfo. Salgo del cine con los niveles de entusiasmo muy arriba. Estamos ante la primera gran película de 2018. Un filme fascinante. Hacía mucho tiempo que no disfrutaba tanto en una sala.

Molly’s game adapta la vida de Molly Bloom, la ‘autoproclamada’ princesa del Poker. Una ex esquiadora que pasará a la historia por ser la anfitriona en las partidas de Poker entre algunas de las personas más poderosas del planeta.

La clave del éxito de la película es bien sencilla. Cuenta con dos de las grandes personalidades de lo que hoy conocemos como cine. Por un lado encontramos a Aaron Sorkin, guionista de Moneyball, La red social o las televisivas El ala oeste de la casa blanca y The Newsroom. En esta ocasión, también se encarga de la dirección. Por el otro Jessica Chastain, una intérprete en permanente estado de gracia, que, una vez más, devora la pantalla con una actuación hipnótica. Y si a un texto de primer nivel, le sumas el talento inagotable de una actriz y un montaje afortunado, las cosas solo pueden salir bien.

MOLLY'S GAME

 

En el cine de Sorkin los personajes hablan y hablan, y Molly’s game no es una excepción. No dista demasiado de una de una de Jackie Chan, hostias verbales en cada escena, un interminable combate dialéctico. Mi enemistad con el silencio injustificado en el cine hace que no me haya costado demasiado adherirme a su causa. Más si cabe cuando cada línea tiene interés. Y eso que por momentos la película se mete hasta el cuello en el complejo mundo de los términos de Poker, pero el mérito de Sorkin en ese pantano de cartas es ser capaz de que nos creamos especialistas en el tema. El guionista podría adaptar a todos los públicos hasta el listín telefónico.

Y no digo que la película sea perfecta, porque no lo es, ni el Sorkin director está al nivel del escritor, pero a veces el cine consigue traspasar el criterio. Cuando una película consigue conectar como lo ha conseguido Molly’s game, poco importa algún desliz artificioso. Joder, si hasta me ha emocionado. O igual tengo uno de esos días, yo que se.

También os digo que 141 minutos viendo a la Chastain nunca serán demasiados. Es algo que parece repetirse película a película. Hace unos meses ya lo comprobamos con El caso Sloane. Chastain tiene un don para hacernos fans de sus personajes a los diez minutos. Hoy por hoy, pocos intérpretes, masculinos o femeninos, poseen ese carisma. Quizá Cate Blanchett de vez en cuando. Y que en un Hollywood tan masculinizado nos encanta ver a una mujer dando un golpe en la mesa, y que cada vez más historias en femenino den el salto a la gran pantalla. La industria necesita un centenar de Chastains.

No quiero olvidarme de Kevin Costner, que interpreta a un personaje que me ha recordado al de Robin Williams en El indomable Will Hunting. El veterano actor exprime sus reducidos minutos en pantalla con dos apariciones antológicas.

MOLLY'S GAME

Además de la historia de Molly Bloom, Sorkin también tira de mitología, recurriendo en este caso a La odisea, en concreto al episodio de Circe y la llegada de los marinos a la isla de Eea, donde posteriormente serán convertidos en cerdos por la hechicera. El paralelismo de la historia de Bloom y este pasaje es evidente, y se menciona con fortuna en la película. Una mirada desacomplejada al clásico relato de Homero.

En definitiva, Molly’s game es una película que está teniendo un injusto discreto paso por salas. Por favor, aprovechad estos últimos días, porque la vida de Molly Bloom merece ser disfrutada en pantalla grande.

 

La historia real de Molly Bloom

Molly-bloom-real

La realidad supera a la ficción, capítulo 10.564. Explorando la historia real de Molly Bloom encontramos algunos de los nombres que la película ha decidido omitir. Entre los asiduos a sus partidas aparecen los nombres de Tobey Maguire y Leonardo DiCaprio. Este último era utilizado de señuelo para que el ex spiderman atrayese a más jugadores. Quizá esto signifique Maguire sea ese señor X que interpreta con acierto Michael Cera. Según afirma Bloom,  el actor la obligó a que “gruñera como una foca ansiosa de recibir un pescado” durante una partida. Se ve que llevaba mal eso de sentarse en una mesa controlada por una mujer con los galones de Bloom.

Anuncios

The disaster artist: Ahora sí, comedia voluntaria

vacometro3

Puede que no la hayas visto, pero si eres medianamente cinéfilo seguramente hayas tenido algún contacto con The Room (2003), la gran comedia involuntaria de lo que llevamos de siglo. La película escrita, dirigida y protagonizada por el excéntrico Tom Wiseau se ha convertido, con la ayuda de la era digital, en la denominada peor película de todos los tiempos. Un filón para memes y parodias de toda clase. Pero si de algo iba sobrado aquel acto de osadía cinematográfica era de carisma. James Franco ha sabido explotar esa vertiente en The disaster artist, la comedia, esta vez voluntaria, sobre el rodaje de The room.

Franco, en otro acto de osadía, dirige y protagoniza la cinta. No es la primera vez que el actor se marca un Juan Palomo, pero nunca lo hizo con tanto acierto. El reciente globo de oro al actor de comedia respalda su gran trabajo como alter ego de Wiseau. Una meritoria actuación por imitación de un freak único en su especie. Si bien tengo dudas sobre que The room sea lo peor que he visto (Reconozco que entretiene, que no es poco), me encuentro menos dubitativo al afirmar que la actuación de Wiseau sea de largo la peor que ha visto el séptimo arte. O si no la peor, de largo la más marciana. Franco ha sabido atrapar la esencia de un ser de otro planeta.

the-disaster-artist-globo-de-oro-james-franco-wiseau

Además, The disaster artist es una obra de profundo amor al cine. No son pocos lo que intentaron sacar una película adelante para darse cuenta después de que nunca debieron dejar la comodidad de la butaca. Pero todo proceso creativo es un reto, una experiencia, y hasta en un fiasco de la talla de The room hay algo encantador. Estamos ante una gran comedia. No coincido con los que han visto en la película de Franco una obra maestra, porque sencillamente no lo es, pero está muy por encima de lo que se hace en el género actualmente.

Recomiendo acercarse a The disaster artist en versión original, para disfrutar de James Franco en toda su esencia. También recomiendo repescar en Youtube The room antes de acercarse al cine. Si algo tiene esta película, es una historia digna de conocerse.

 

 

Las 18 películas más esperadas de 2018

2018 empieza fuerte gracias al estreno de las películas que intentarán protagonizar la próxima noche de los Oscars. También es un año de retornos y de episodios cumbre en algunas sagas. Aquí van las 18 que más expectativas vacunas nos generan.

Molly’s game, de Aaron Sorkin (5 de enero)

Aaron Sorkin, el guionista más respetado de Hollywood (El ala oeste de la casa blanca, La red social, Moneyball, The Newsroom…) dirige a Jessica Chastain en Molly’s game. La película, basada en hechos reales, cuenta la peculiar historia de Molly Bloom, una esquiadora de talla mundial que se hizo de oro gracias al Poker. Guión adaptado y actriz ya son finalistas a los Globos de oro.

Tres anuncios en las afueras, de Martin McDonagh  (12 de enero)

El premio del público en el Zinemaldia y Toronto, y el premio al mejor Guión en el festival de Venecia avalan a esta comedia negra que ha conquistado a todo el que ha tenido la oportunidad de verla. Su carrera podría llegar hasta los Oscars. Ojo, que la mejor Frances McDormand está de vuelta.

Los archivos del pentágono, de Steven Spielberg (19 de enero)

Asistimos al Big Three del año. Meryl Streep y Tom Hanks dirigidos por Steven Spielberg en un thriller basado en hechos reales ¿Qué puede salir mal? La película cuenta los entresijos de la filtración por parte de varios medios estadounidenses de los documentos clasificados del pentágono. Historia del periodismo.

El hilo invisible, de Paul Thomas Anderson (2 de febrero)

Tras los enormes resultados de Pozos de ambición, Paul Thomas Anderson recupera a Daniel Day Lewis para su causa. Razón suficiente para ver en el cine lo que nos depara sobre este drama sobre el mundo de la moda ambientado en la Inglaterra de los años 50.

La forma del agua, de Guillermo del Toro (16 de febrero)

Del Toro tuvo que desmentir que estuviéramos ante una precuela encubierta de Hellboy, a pesar del parecido entre la criatura protagonista de La forma del agua y el palito de pescado de la adaptación del comic. Lejos de eso, estamos ante una historia romántica en todo su sentido que también puede llegar bien situada a los Oscar. Para muchos, uno de los mejores trabajos del director.

Aniquilación, de Alex Garland (23 de febrero)

Vuelve el director de Ex Máquina, y lo hace en clave Sci fi y con Natalie Portman a la cabeza. En su haber, uno de los trailers más descolocantes del año. Ojalá estemos ante la confirmación de Garland como uno de los grandes del género.

Todo el dinero del mundo, de Ridley Scott (23 de febrero)

Otro de los grandes, Ridley Scott, opta también por adaptar un suceso real,  para el que cuenta con Michelle Williams, Mark Wahlberg y Christopher Plummer, que ha sustituido a Kevin Spacey a última hora tras las acusaciones de abusos a este último. En la mesa una gran historia alrededor del secuestro del nieto del magnate  John Paul Getty Sr.

Lady Bird, de Greta Gerwig (23 de febrero)

El fenómeno indie de la temporada llegará en febrero, a dos semanas de su presumible paso por los Oscars. La película de Greta Gerwig esta bien posicionada en la carrera por la estatuilla. El adelanto del estreno de la película, que estaba programado para abril, no es casual.

Tomb raider, de Roar Uthaug (18 de marzo)

La Lara Croft de Jolie no conveció a nadie. Ni tenía la esencia del videojuego ni la del personaje, y se limitaba a ser una Indiana Jones destalentada. Este Reboot intentará poner al personaje en el lugar que se merece. Alicia Vikander toma el mando.

Ready player one, de Steven Spielberg (28 de marzo)

Hay Spielberg para rato. La adaptación de este libro promete batir todos los récords de referencias a la cultura pop por minuto. Para muestra este trailer.

Los nuevos mutantes, de Josh Boone (13 de abril)

Los nuevos mutantes es uno de los últimos coletazos del Marvel de FOX. Veremos si estos mutantes convencen. La división oscura de los X Men promete tanta acción como terror.

7 días en Entebbe, de Jose Padilha (20 de abril)

El director de Tropa de élite y la serie Narcos recrea un espinoso episodio clave del conflicto Israel-Palestina. Al frente del reparto, Daniel Brühl y Rosamund Pike.

La partícula de Dios, de Julius Onah (20 de abril)

Estamos ante el secreto mejor guardado de 2018, y eso siempre genera curiosidad. Sabemos que será la tercera entrega de la saga Cloverfield tras Cloverfield (Monstruoso) y Calle Cloverfield 10. Y ni siquiera a ciencia cierta. Su predecesora ya nos llegó de sorpresa hace un par de años, pero si los rumores se confirman, estamos ante un episodio que puede cerrar una de las grandes trilogías Sci-fi de los 2000.

Vengadores: Infinity War (27 de abril)

El más difícil todavía. Tras Civil War, el número de personajes en filme se amplía aún más. Hasta los guardianes de la galaxia están invitados a la película en la que veremos a Thanos tomar el control.

El mundo es suyo, de Alfonso Sánchez (22 de junio)

Si te gustaron el culebra y el cabesa en El mundo es nuestro, prepárate para seguir las aventuras de los señoritos andaluces más célebres, el Rafi y el Fali. Warner anda detrás de todo.

The Predator, de Shane Black (3 de agosto)

El director de Kiss Kiss Bang Bang, Iroman 3 y Dos buenos tipos se atreve a actualizar un mito necesitado de una gran película. Desde que Schwarzenegger hiciera frente al monstruo, solo hemos visto intentos fallidos. Confiamos en que esta vez sea la buena. Cruzamos los dedos.

the-predator-shane-black

El reino, de Rodrigo Sorogoyen (28 de septiembre)

El director de Qué Dios nos perdone, el último gran título del Thriller español, regresa con un tema capital y muy poco explorado en el cine made in Spain: La corrupción.

el-reino-sorogoyen

Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald, de David Yates (16 de noviembre)

La primera película nos dejó con ganas de ver como continúan las aventuras de Newt Scaramander. En esta ocasión la acción se desplaza a París y Londres, y está confirmada la presencia de Dumbledore, al que se encargará de dar vida Jude Law.

grindelwald

Las mejores películas de 2017

2017 ha dado una buena cosecha, con más de una película convertida en fenómeno por méritos propios, y un buen puñado de películas originales que demuestran que el séptimo arte aún se puede nutrir de buenas ideas. No todo van a ser sagas. El ranking del año también confirma el buen estado del cine de terror, que hoy en día compite de igual a igual con los géneros (erróneamente considerados) mayores.

15. MÚLTIPLE (SPLIT)

multiple-james-mcavoy-senora-patricia

Sin ser la película más brillante de Shyamalan, su final para Shymalanistas ya compensa todo el visionado. Tras casi dos décadas en el lodo, parece que el director levanta cabeza.

Leer crítica

14. BLADE RUNNER 2049

blade-runner-2049-ryan-gosling-publicidad

Cómo hacer una secuela de Blade Runner y no morir en el intento. Villeneuve demostrando que es posible. Ojo, que el paso del tiempo puede jugar a su favor.

Leer crítica

 

13. EL AUTOR

javier-gutierrez-antonio-de-la-torre-el-autor-goya

Estamos ante una cinta que contiene algunas de las mejores escenas del cine español de los últimos años. No es perfecta, pero esta adaptación de Javier Cercas deja poso. Javier Gutierrez sigue en estado de gracia.

Leer crítica

 

12. SILENCIO

silencio-scorsese-cruces

El cine sigue disfrutando de la madurez de Scorsese. Tras El lobo de Wall Street, retoma el tema religioso que ya inició con La última tentación de Cristo y Kundun. La película es una auténtica delicia en lo formal, un proyecto personal en el que Scorsese ha puesto todo su empeño y maestría. Un Japón que no se había visto hasta ahora. Una cuestión de fe.

 

 

11. HANDIA

handia-huesos-gigante

Un milagro del cine vasco, y posiblemente la mejor película realizada en el estado español a nivel técnico. Impresionante trabajo de dirección artística,  fotografía y efectos especiales. Un gigante con pies de hierro.

Leer crítica

10. FELÍZ DÍA DE TU MUERTE

feliz-dia-de-tu-muerte-sitges

Fast Food de primera división para el cruce perfecto entre Scream y Atrapado en el tiempo. La película más entretenida del último año. Engancha que da gusto.

 

 

9. EL SACRIFICIO DE UN CIERVO SAGRADO

el-sacrificio-de-un-ciervo-sagrado

Lanthimos tira de sus raíces griegas para mirarnos la moral y presentarnos su gran tragedia. Un relato duro que no da concesiones al espectador. Formalmente, una película sobresaliente.

8. CRUDO

crudo-raw-carne-nevera

La vendieron como la última película escándalo, pero estamos ante una cinta que no es tan gore como cine autoral. La directora Julia Ducournau puso el canibalismo como excusa para explicar los cambios de una adolescente al pisar la universidad. Una película brillante.

Leer crítica

7. MANCHESTER FRENTE AL MAR

manchester-frente-al-mar-casey

Una gran película sobre la culpa, sobre lo complicado de irse, de volver. La muerte en vida del mejor Casey Affleck. Un drama consistente y arrebatador.

6. IT

it-2017-runtime

Parecía casi imposible acertar con un remake de IT, pero Andy Muschietti la ha metido por la escuadra, demostrando que todo es posible si trabajas los personajes. Esperamos con ansias la segunda parte de esta notable adaptación de Stephen King.

Leer crítica

5. Z: LA CIUDAD PERDIDA

la-ciudad-perdida-de-z

James Gray rescata el extinto cine de aventuras y lo convierte en cine con mayúsculas. Desde el clasicismo, nos muestra el relato de una auténtica obsesión. Una gran película.

4. LA CURA DEL BIENESTAR

la-cura-del-bienestar-fotografía-suiza

Gore Verbinski, responsable de Piratas del Caribe, haciendo una película de terror gótico y dos horas y media de duración, léase, haciendo lo que le ha salido de la chorra. Tiene pasajes sobresalientes y su fotografía es de lo mejor de los últimos años. Merece la pena el viaje.

Leer crítica

3. THE SQUARE

the-square-cartel.palma

Merecidísima Palma de Oro en Cannes para un Ruben Östlund que empieza a no tener techo. Piezas salvajes unidas con destreza y una finísima ironía. Un nuevo golpe de realidad al estado de bienestar.

Leer crítica

2. DÉJAME SALIR

14761438-1

Un nuevo clásico del terror que esconde mucho más de lo que aparenta. Una película que mira de frente a la cuestión racial, de manera tanto o más efectiva que el cine sobre el esclavismo. Visionado obligatorio.

1. LA LA LAND (LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS)

la-ciudad-de-las-estrellas

Tras la notable Whiplash, el director Damien Chazelle se supera a sí mismo con un musical para la historia del cine. De la intro al desenlace, una película redonda que bebe de las mejores fuentes para crear su propia personalidad.

Leer crítica

 

 

 

 

Star Wars Episodio VIII: Los últimos Jedi. El equilibrio es imposible

Tras el buen arranque de la nueva trilogía con El despertar de la fuerza, Rian Johnson tenía un buen marrón. Su predecesora cumplió las expectativas, pero hubo unanimidad al señalar su único problema: Se parecía demasiado al Episodio IV. El director de Brick y Looper tenía la obligación de dotar de personalidad a la nueva entrega sin salirse del universo de la saga, y podemos confirmar que lo ha conseguido. Los últimos Jedi aporta nuevos aires a la saga, e incrementa el espectáculo gracias a un puñado de buenas escenas. Pero en el universo Star Wars todo tiene un lado tenebroso, y esta película no es una excepción. Hay momentos cumbre, pero también hay una buena dosis de vergüenza ajena*.

Partimos de la base argumental de siempre. La alianza rebelde resistiendo al terror del imperio. Mientras, Rey intenta convencer a Luke Skywalker de que se una a los buenos. La película va claramente de menos a más. Tanto es así que la primera mitad no logra siquiera alcanzar el aprobado. Hay paja,  más concretamente miles de fardos de paja. Por suerte, toda la potencia que le falta al arranque, la encontramos en el climax, donde la puesta en escena es clave en los momentos álgidos.

los-ultimos-jedi-sith-de-rojo

Pero si hay algo rematadamente malo en este episodio es el guión, y en este caso no me refiero a las líneas de texto. Estamos ante un libreto que toma decisiones peregrinas para llevar la acción por donde quiere. Parece que Disney ha vuelto a usar el gran calzador galáctico para que todo encaje, artilugio que ya se utilizó en Rogue One la pasada temporada. ¿Qué significa esto? Que hay cosas que suceden porque sí, porque me viene bien, porque me sale del Naboo. Se nota demasiado la ausencia de Lawrence Kasdan en este apartado. Un hombre que ha subido poner a la franquicia los pies en el suelo.

Lo que tampoco acaba de convencer es la cuestión política y filosófica que plantea la película, que ofrece un mensaje de trazo grueso y menos transgresor que el de sus antecesoras, especialmente si la comparamos con los episodios I, II, III, en los que la burocracia era protagonista. Se incide en el tercer mundo galáctico, en un universo de ricos y pobres, en el origen humilde de Rey, pero en esta ocasión de una manera exclusivamente superficial.

los-ultimos-jedi-skywalker-kylo

Quizá por todo esto, Los últimos Jedi funciona mejor si dejas el cerebro en casa y renuncias a cualquier capacidad de análisis. Y es que en realidad el sabor que deja la película es bueno, pero todo empeora al intentar encajar algunas piezas. En definitiva, estamos ante la que es posiblemente la película más irregular de toda la saga galáctica. 

 

 

 

 

ANÁLISIS EN SPOILER (DEJA DE LEER SI NO HAS VISTO AÚN LA PELÍCULA)

null

 

*Momentos de vergüenza ajena:

La muerte de Snoke y Phasma (2×1)

Si bien estéticamente, su ejecución es uno de los mejores momentos de la película, la eliminación de este personaje no deja de ser una auténtica estafa. Visto y no visto. Se nos presenta al tipo más poderoso de la saga para ser ejecutado como un masilla en los Power Rangers. ¿Qué tipo de broma es esta? Y lo peor es que con otro personaje a priori interesante como Phasma, sucede exactamente lo mismo.

Leia volando

Sobran los comentarios. Lo normal es que a la princesa Leia le explote la puta cabeza en el espacio exterior. Pues no, justo cuando se va a desintegrar… Superman returns y aquí no ha pasado (casi nada) nada. Medio cine en modo facepalm.

El no suicidio de Finn

En esta entrega el personaje de Finn cae en picado, hasta convertirse en un puto mono de feria. Parece que querían utilizar un personaje negro por eso de la inclusión, y han acabado cometiendo el error de siempre. En convertir a Finn en el negro de la película, un (supuesto) personaje negro que aporta entre poco y nada. Pues bien, cuando parece que Finn iba a tener un final potable suicidándose por el bien común… Va su rollete oriental y se suicida para salvarle a él, muriendo con beso previo. El vergüenzómetro hecha humo.

Además de estos ‘momentazos’ hay varias cosas más que chirrían. El personaje de Poe Dameron, supuesto Han Solo de la nueva trilogía, es el personaje más plano de toda la saga. Sí, me ha hecho añorar a Jar Jar Binks. Un personaje guiado por sus testículos.

Tampoco nos han contada nada del romance entre Leia y Amilyn Holdo, que se marcan un Frodo-Sam en versión Star Wars. Parece claro que hubo tema. Veremos si el episodio VIII es capaz de cicatrizar todas estas heridas.

Mindhunter. Temporada 1. En la mente del monstruo

vacometro4

Mindhunter no es solo una de las mejores series de Netflix. También es una pieza que faltaba en su catálogo. Un thriller adulto que deja la pistola en el opening para hablarnos de comportamiento. La serie se centra en un nuevo departamento del FBI que allá por los setenta se convierte en pionero en estudiar el comportamiento de un psicópata, en adentrarse en la mente del monstruo. Se trata de una adaptación del libro Mind Hunter: Inside FBI’s Elite Serial Crime Unit, escrito por Mark Olshaker y John E. Douglas, por lo que está inspirada en hechos reales.

Hay que decir que no estamos ante la típica serie que engancha desde el primer consumo. Mindhunter en ese caso es una droga blanda, un The Wire. Por eso se recomienda cierto grado de paciencia. Mediado el segundo episodio todo se eleva por encima del notable.

mindhunter-equipo-fbi

Detrás de esta serie se encuentra uno de los más grandes directores de la historia del thriller: David Fincher. Además de actuar como productor, Fincher dirige los dos primeros episodios y los dos últimos. Otro de los nombres destacados tras la cámara es el de Asif Kapadia, autor de los documentales Senna o Amy (La chica detrás del nombre), que dirige los episodios 1×03 y 1×04.

Buscando similitudes en el cine, encontramos cierto parecido con Zodiac, en mi opinión uno de los mejores thrillers jamás realizado. La serie no solo nos muestra el camino recto de la investigación. Al igual que la película de Fincher también nos muestra los callejones sin salida.

mindhunter-kemper

En el apartado interpretativo brilla los secundarios, especialmente Cameron Britton, que encarna magistralmente al asesino Edmund Kemper. La aparición de Hannah Gross (Novia de Holden) y Anna Torv (Wendy) también mejoran el resultado final. Quizá el que menos convence es Holden, el obsesivo personaje principal que interpreta Jonathan Groff, pero por suerte este primo de Albert Rivera va ganando enteros en casa episodio. Holt McCallany (Bill Tench), segundo de abordo, se gana a los espectadores desde la primera aparición.

Estamos sin duda ante de las imprescindibles de 2017. Una apuesta de Netflix que deja de lado su habitual consumo fácil y digestión rápida. Un producto maduro para los que valoran que una serie les tome por gilpolllas.

Si quieres leer más acerca del grado de realismo de Mindhunter, te recomiendo este artículo de Cribeo (La Vanguardia) que analiza las coincidencias de esta primera temporada

El 1X10 de Mindhunter. La ley de la gravedad (Leer solo si has visto la primera temporada completa)

El final de Mindhunter deja al descubierto que la serie acaba de empezar. Por un lado asistimos al derrumbe de Holden tras su encuentro con Kemper. Su caída en los pasillos del hospital no solo es física. Holden llevaba toda la serie jugando con dinamita, y en alguno momento iba a estallar. La experimentación del miedo es la asimilación del terror de las víctimas de sus (casi) amigos psicópatas. Por otro lado, la serie nos muestra al misterioso hombre de Kansas quemando una serie de dibujos. Se trata de un personajes al que hemos visto en todos los comienzos previos al opening, pero al que aún no tenemos calado. Todo nos lleva a pensar que estamos ante el psicópata en el que se centrará la segunda temporada.

Perfectos desconocidos: Las Cartas boca arriba

vacometro3

Diga lo que diga la crítica especializada Perfectos desconocidos es ya un éxito rotundo, y no lo digo porque haya visto los datos de taquilla, que la verdad es que no los conozco. Lo digo porque en el pase de la película al que acudí los espectadores no solo se partieron el pecho de principio a fin, también aplaudieron al final de la proyección. Y no hay mayor éxito en el cine que hacer cómplice al público.

Como ya habréis leído o escuchado por ahí, Perfectos desconocidos es un ‘remake’ de la italiana Perfecto Sconocciti, pero Álex De la Iglesia va a tener la suerte de que es una película que no he visto, por lo que puedo analizar esta obra con total virginidad. La premisa es brutal. Un grupo de amigos, parejas en su mayoría, se prepara para la típica cena de reunión. Durante el banquete, uno de los comensales planteará un juego para mutilar la rutina: Dejan los móviles en el centro de la mesa y leer en voz alta todo mensaje que llegue a partir de entonces. 

El caos no tarda en reinar, y las situaciones cómicas se suceden. Un humor que se apoya en los estereotipos sociales de sus personajes: El cuñado, la pija, el ligón… Todos tremendamente identificables. Eso no solo provoca cercanía, también que los gags resulten más efectivos. A todos nos hace más gracia una anécdota que involucra a un conocido, y es que a pesar del título los comensales nos resultan muy pero que muy conocidos.

Hay quién pensará que la película versa sobre la incidencia tecnológica, vamos, quien le echará la culpa al puto móvil. Pero Perfectos desconocidos no va de objetos, va de personas. Concretamente de lo hipócritas que podemos llegar a ser. El filme demuestra que hablamos de un mal colectivo, seguramente un mal al que hemos sentado en el trono entre todos. 

perfectos-desconocidos-selfie

Actrices y actores (Belen Rueda, Eduardo Noriega, Pepón Nieto, Dafne Fernández, Eduard Fernández, Ernesto Alterio, Juana Acosta y Beatríz Olivales) rinden a un nivel altísimo, ayudados por grandes personajes. Lo que es casi tan bueno como las interpretaciones es que no se coman entre ellos. Nadie brilla por encima, y ese mérito es exclusivo de Álex De la Iglesia. En el terreno de la comicidad, quizá el más destacado sea el ‘cuñado’ al que da vida Ernesto Alterio. Inexplicablemente, los Premios Goya 2018 han dejado fuera a todo el casting, algo que me cuesta entender, puesto que todos encajarían como finalistas por la estatuilla.

Esta comedia consigue al final resultados similares a los de otros títulos como la francesa ¡Dios Mio, pero que te hemos hecho! Añadiendo más debate y más inteligencia al conjunto. Vamos, que De la Iglesia consigue estar al nivel de los franceses, los grandes dominadores de la comedia comercial en los últimos años. Parece poco, pero esto es mucho decir.

Al final de la proyección una duda ¿Qué pasaría si realmente fuéramos todos de cara? Seguramente la tercera guerra mundial. En este mundo tan imperfecto quizá, desgraciadamente, el show deba continuar para que reine la paz. Un mensaje desesperanzador, pero muchas risas por el camino. Antes de navidad os recomiendo sentaros a la mesa de Perfectos desconocidos. Unas risas antes de que venga lo serio: Las cenas navideñas.

 

The Square: Un palazo en la cara a tus prejuicios

vacamarketmaszul

Era cuestión de tiempo. Tras Involuntary, Play y Fuerza mayor, el momento en el que Ruben Östlund se sacara la chorra iba a llegar más temprano que tarde. El director sueco se alzó con la palma de oro del Festival de Cannes gracias a The Square, un trabajo que recopila lo mejor de su cine. Un golpe maestro al sistema de bienestar.

La película sigue los pasos de Christian, un afamado “barón Thyssen” del arte contemporáneo que prepara una misteriosa exposición titulada ‘The Square’. En pleno proceso, Christian sufrirá un robo en la calle que marcará el devenir de la misma. La sátira es el vehículo principal en una película que obliga al espectador a reflexionar en todo momento sobre lo que se muestra en pantalla. Aunque la etiqueta de la comedia sea la más adecuada, The Square está lejos de ser una comedia al uso.

the-square-museo

Inicialmente, la película pone en cuestión el arte contemporáneo con una interesante pregunta. ¿Sería una pieza de arte cualquier cosa que coloquemos en un museo de arte contemporáneo? Como ejemplo se pone el bolso de una periodista. Plantea la duda, pero The Square aparca este tema para dar paso a otro, el más recurrente de la filmografía de Östlund: La desidealización del estado de bienestar. El director ya demostró en Play ser un auténtico especialista en enfrentar a las clases pudientes con las necesidades de la población en riesgo de exclusión social. Pero más que de arte o diferencias sociales The Square es una película que habla de los prejuicios, la gasolina que llena el depósito de la diferencia entre clases. Östlund mete el dedo en la herida con un descaro que hasta el momento no habíamos visto en su cine.

the-sqare-claes-bang-actor

El actor danés Claes Bang realiza una de las interpretaciones del año dando vida a Christian, un personaje público a punto de ser engullido por la realidad real. Los secundarios responden muy bien, especialmente Elizabeth Moss y un brutal Terry Notary, que realiza una breve interpretación de la bestia humana que ya es historia del cine. Su escena, bien podría ser una revisión de la célebre escena de los monos simios de Stanley Kubrick. Un paso en la escala evolutiva, pero no sabemos si hacia adelante.

The Square se desarrolla durante unos exigentes 142 minutos en los que no hay tregua para el espectador. Estamos ante una película a la altura de su Palma de Oro, el galardón más importante que se puede entregar en el mundo del cine. Posiblemente la mejor palma desde La vida de Adele en 2013. No estamos ante una película para todos los públicos, pero los valientes que se acerquen a ella podrán ver cual es la dirección correcta en la que avanza el séptimo arte.

 

 

Handia: El gigante que no fue molino

vacometro4

Casi todo lo que se pueda decir de Handia (grande en Euskara) lo confirma su título. La nueva película de Jon Garaño y Aitor Arregi (Loreak) confirma el buen momento que vive el cine vasco. Ya no es solo que cumpla, a nivel formal está película impresiona. Que nadie piense que el Premio del Jurado que recibió en el Zinemaldia es un localismo. Handia es cine con mayúsculas.

Garaño y Arregi mezclan realidad y ficción para contarnos la historia de Miguel Joaquín Eleicegui Arteaga, más conocido como el gigante de Altzo (Gipuzkoa). Un joven que empezó a crecer desmesuradamente al superar la veintena, llegando a alcanzar los 2,42 metros. El célebre gigante vivió en la época de las guerras carlistas, antes de ser ‘exhibido’ por medio mundo.

handia-baserri

El mayor logro de Handia es estético. Pocas veces hemos visto rentabilizar con tanto acierto un presupuesto (3,5 millones de euros). A veces no es cuestión de tener más dinero, si no de saber seleccionar el material para que no se note el déficit. Alatriste, que costó 24 millones, se convirtió en un “quiero y uno puedo”. No ocurre lo mismo con esta película, menos ambiciosa, pero con un extraordinario acabado. Su dirección artística debería estar muy bien posicionada de cara a los próximos Goya. El trabajo de FX es soberbio, un truco de Meliès que se alarga durante dos horas y al que no se le encuentra la trampa. No era nada fácil hacer un gigante creíble, pero el equipo de la película lo consigue.

Más allá de la mera técnica, Handia tiene esa magia del cine. Un toque fantástico sobre una sorprendente base real. Se podría decir que la película es un punto de encuentro entre Vacas y El hombre elefante. Una historia universal que no pierde la identidad en ningún momento. Se podría decir que estamos ante un Forrest Gump vasco de autor.

handia-guerra-carlista

En el casting destacan los dos hermanos protagonistas: Eneko Sagardoy, que interpreta al gigante Joaquín, y su hermano Martín, al que da vida Joseba Usabiaga. Su selección para los personajes es un acierto total. El único problema de la película es su propio planteamiento, que recrea la vida de Joaquín pero no nos da un foco claro de tensión. Hay relato, y las situaciones se suceden, pero en su parte final se echa de menos un climax. A pesar de esto, y sin ser cine de entretenimiento al uso, Handia está lejos de ser una película aburrida. Merece la pena disfrutarla en una sala de cine (Siempre que sea en su versión original en euskera).

La historia real del Gigante de Altzo

Al ver la película uno se pregunta si el gigante de Altzo está más cerca de la mitología que de la realidad, pero Handia tiene más elementos auténticos de lo que puede parecer. El robo de su esqueleto parece un truco de guión, pero realmente sucedió, y aunque se rumorea que puede estar en algún museo inglés, no se tiene constancia de su paradero. También me ha llamado la atención otro dato que en la sala no me parecía creíble. Miguel Joaquín pegó el estirón a los 20 años debido a la acromegalia. A diferencia del gigantismo, esta enfermedad se desarrolla en la edad adulta. Se estima que su altura alcanzó los 2,27 metros y su envergadura 2,42.

Selfie: Los hijos tontos de la España corrupta

vacometro3

Selfie, de Victor García León, ha sido uno de los éxitos del cine indie español de 2017. Catalogada como la Borat española, este falso documental, sigue las andanzas de Bosco, un pepero mimado que ve como se le acaba el chollo cuando su padre entra en prisión por corrupción. A partir de ahí, el joven se aprovechará de la solidaridad de un grupo de izquierdas para poder seguir chupando del bote. Selfie fue la ganadora del Premio de la Crítica en el Festival de Málaga, el que consiguió también la Mención Especial del Jurado.

La película bebe de la realidad, concretamente de las dos mayores vergüenzas del país: La corrupción y su legitimación mayoritaria en las urnas. A partir de ahí, García León realiza un brillante retrato de personaje. Santiago Alverú, el protagonista que interpreta a Bosco, es uno de los mayores aciertos de casting del cine español en los últimos años. Consigue dar toda la tirria que pretende, y más. Su trabajo es de Goya. 

selfie-santi-goya

Estamos ante una de esas películas low cost que no lo parecen, porque tampoco necesitaban un euro más para hacerse. Selfie es ágil, entretiene durante su hora y media, y además invita a la reflexión. ¿A quién no gustará? Pues seguramente a todos los que se vean reflejados en su protagonista.

Si hablamos de géneros es una comedia de principio a fin, pero en su decidida apuesta por la naturalidad prescinde del humor de golpes. La sensación es que quizá podía haber sido una mejor comedia, pero de esta manera creo que consigue ser una mejor película. Ayudan las escenas que surgen de la improvisación grabadas en lugares como los mítines del PP o Podemos (Ojo al cameo de Esperanza Aguirre). Sin ser una película redonda, Selfie es una de los títulos más interesantes del año. Una propuesta al margen del cine convencional que merece la pena conocer. Y además su banda sonora incluye este temazo de Luis Brea:

Crónica del 14 de octubre en Sitges: What happenned to monday, Jojo’s bizarre adventure y How to talk to girls at parties

Para cerrar Sitges un sábado muy loco con varios titulazos, en el sentido literal. No digáis que no molan “¿Qué le pasó a Lunes? o “Como hablar con chicas en las fiestas”. Vamos a ello.

what-hapenned-to-monday-rapace-accion

He entrado a la proyección de What happened to monday? sin tener ni la más remota idea de lo que iba a ver. Solo sabia que era una distopía protagonizada por siete hermanas, cada día con un día de la semana asignado, y que salía Noomi Rapace. Mi cabeza había autocompletado pensando que iba a ver un drama intimista. La primera sorpresa que me llevo es que dirige Tommy Wirkola, el de Zombis nazis, pero he pensado… “Pues habrá apostado por un cine más maduro…”. Y la primera media hora de película no se salía mucho de esta idea. La primera media hora, porque a partir de ahí todo se ha convertido en Jungla de cristal con la Rapace dando hostias como panes y tirando de ametralladora. Yo flipando, claro. Estamos ante una película con buenas ideas, pero que en mi opinión se equivoca al querer ser una de Jean Claude Van Damme. Que no hace falta ser Blade Runner, pero una solución intermedia hubiera sido más satisfactoria. Aún así no se puede decir que no sea entretenida. Eso sí, si eres fan de la Rapace es tu día de suerte. Las siete hermanas son ella.

Jojo-970x545

Tras el buen sabor de boca de Blade of the immortal el día anterior, había cierta esperanza en disfrutar de la locura de Miike en Jojo’s bizarre Adventure: Diamond is unbreakable. Pero mal empezaba la sesión por cuestiones ajenas a la proyección. Una persona no identificada en la fila delantera transmitía un olor corporal muy potente, y no precisamente bueno. Cuando se dice que el cine es una experiencia sensitiva debe ser por esto. Si ha sido algún tipo de prueba para el cine en 4D… ¡Aborten! A lo que íbamos. ¿Qué queríamos? Pues simple y llanamente 2 horas de diversión. ¿Qué encontramos? Posiblemente la peor de las cien película de Miike. Ok, no he visto ni un cuarto de su filmografía, pero esto es difícil, muy difícil de empeorar. Por ahorraros la tortura, resumiré el argumento con ‘una película de jóvenes con superpoderes rodada en Sitges’. Y Sitges es lo único salvable de la función con su gran interpretación de pueblo nipón. Un rollo adolescente Pokemon mezclado con Pequeños guerreros y trazas de Locomía. Tampoco os puedo contar mucho más. He intentado abstraerme, pensar en otras cosas, y evitar seguir prestando atención a este engendro que hace buena a Dragonball Evolution.

how-to-talk-to-girls-at-parties-nicole-kidman-imagen-sitges-david-bowie

Pero nunca hay que arrojar la toalla, y How to talk to girls at parties ha sido un gran cierre para nuestras sesiones del festival. Una punkarrada, en el sentido más británico de la palabra, que mezcla descaro y rabia con extraterrestres. Todo en tono de comedia. Destacar la presencia de Nicole Kidman, muy pero que muy alejada de los papeles serios que acostumbra. En esta ocasión interpreta a una especie de matriarca con aspecto de David Bowie en Dentro del laberinto. Elle Fanning, protagonista de The Neon Demon, confirma que es algo más que una actriz de moda. La película es como Under the Skin pero en versión musical dirigida por John Cameron Mitchell. También tiene algo del cine del cine de John Carney (Sing Street), momentos musicales incluidos. Si te gusta el punk y las películas atípica de invasión extraterrestre, es tu película. Si solo te gusta el punk disfrutarás igualmente.

Y hasta aquí nuestras crónicas de esta 50ª edición del mejor festival sobre la faz de la tierra. A partir de ahora quedará un día menos para el siguiente. La Semana de Terror de Donostia y el FANT harán la espera más llevadera.

Crónica del 13 de octubre en Sitges: Happy death day, Errementari y Blade of the immortal

Viernes 13 en la 50ª edición del Festival de Sitges. Contra todo pronóstico, una película mainstream made in USA de terror adolescente y bucles temporales, se ha convertido en mi preferida de lo que va de Sitges. Happy death day (Feliz día de tu muerte), de Christopher Landon, es un Atrapado en el tiempo protagonizada por la chica popular de la universidad. La joven despierta una y otra vez en el día de su cumpleaños, una jornada en la que siempre acaba asesinada.

feliz-dia-de-tu-muerte

Ojito, porque puede que estemos ante el Scream de los milennials. La ridícula máscara de Ghostface es traje de etiqueta al lado del Babyface de esta función. Hora y media de referencias sin complejos y música juvenil. Entretenimiento puro. Le deseamos la mejor de las suertes en la taquilla USA. El terror necesita esta clase de fenómenos.

errementari-paul-urkijo

La segunda del día ha sido un golpe de mano ejecutado por Paul Urkijo Alijo, director al que veníamos siguiendo del corto y que ya demostró en El bosque negro su buen hacer en el género de Espada y Brujería. En Errementari, se sirve de la mitología vasca para contarnos un cuento en euskera de herreros y demonios. Una película que lo apuesta todo a la dirección artística para acabar ganado la partida. La película soluciona los problemas de presupuesto con imaginación, aunque a veces se nota que hay más ambición que euros. El herrero Kandido Urania y Uma Brancaglia, la niña protagonista, son dos aciertos totales de casting. En conjunto, una buena opera prima que esperamos que sea el Batman Begins de Urkijo. La primera de muchas.

blade-of-immortal

Para acabar, una carrerita hasta el Retiro para disfrutar de Blade of the immortal, live action del manga homónimo del género de espadazos nipón. La película 100 del prolífico Takashi Miike, que incluso se permite hacer algún guiño autorreferencial en la película a esta cuestión. 140 minutos de amputaciones con tiempos muertos para filosofar al estilo oriental. La película está a años luz de Ichi the killer, Gozu y Audition, pero es una de sus obras más destacadas en los últimos tiempos. Quizá lo más negativo, es que la gran secuencia de la película es la primera de todas. Un largo ‘yo contra el mundo’ con violencia extrema en elegante blanco y negro. A partir de ahí, demasiada repetición por momentos.

 

Que la sala haya recibido a Takashi al grito unánime de “Miike, Miike, Miike” demuestra la importancia de su figura en el microcosmos de Sitges. Estamos ante una leyenda viva.

Crónica del 12 de octubre en Sitges: Survival family, Krotkaya, Stephanie y La piel fría

El sueño se acumula en Sitges. Por eso suele ser importante que la primera película del día no sea un ladrillaco que haga perder la esperanza. No ha sido el caso de la japonesa Survival Family, de Shinobu Yaguchi, una simpática película que sigue los pasos de una familia tras un apagón tecnológico completo.

survival-family-sitges

A pesar de ser comedia, el humor no es su punto fuerte. Lo mejor es su manera de hacer pensar por la vía ligera, y destapar la mentira de que la tecnología une a las personas. Con la ‘obligación’ de comunicarse, veremos que los lazos familiares se vuelven a estrechar. Unos lazos que se van destensando de generación en generación. Disfrazada en ocasiones de película de aventuras, la película consigue además entretener de principio a fin.

A Gentle Creature

Tras ella, tocaba Krotkaya (A Gentle creature), de Sergei Loznitsa, una película que llega a la sección Noves Visions procedente de la Sección Oficial del Festival de Cannes, donde recogió palos y alabanzas a partes iguales. Y contra pronóstico, esta es la mejor película de lo que llevamos de festival. Eso sí, de Festival de Sitges tiene más bien poco. El filme nos hace cómplices del infierno que vive una mujer cuyo deseo es entregar un paquete a su marido encarcelado. Su viaje se convertirá en un frustrante laberinto sin salida poblado por personajes en forma de obstáculo. Cine en estado puro. Cine para interesados en adentrarse en las profundas heridas de la vieja Europa. Y un puñado de buenas canciones a capella que hacen mucho más llevaderos sus 143 minutazos. Su cierre es antológico.

stephanie-sitges

Ya por la tarde, ligera decepción con Stephanie, dirigida por el guionista Akiva Goldsman, responsable de los libretos de Cinderella man, Una mente maravillosa, Tiempo de matar o El cliente. Una vuelta de tuerca al terror con presencia infantil que tras unos potables primeros minutos se va desvaneciendo. Hablamos de Low Cost, pero los FX dejan mucho, muchísimo que desear. Algunas Apps de FX para video en el móvil cantan menos que los del tramo final de esta película. A eso hay que añadir que Goldsman está muy, pero que muy lejos de ser Shyamalan.

la-piel-fria-aura

Por último, turno para La piel fría de Xavier Gens. Una historia de supervivencia en la que lobos de mar se enfrentan a los primos de los masillas. Adaptación literaria de estética Lovecraftiana que destaca especialmente en lo visual y sonoro. A nivel técnico, esta coproducción entre España y Francia está a la altura de cualquier película de Hollywood. Hay que resaltar especialmente el nivel de detalle de la horda de criaturas. Tecnología digital bien utilizada. ¿Lo malo? Problemas de ritmo, reiteraciones y un metraje que acaba resultando pesado. Empieza todo demasiado pronto, y en la última media hora hay signos evidentes de fatiga.

Termina una jornada sin peliculón, pero seguimos disfrutando del ambiente festivalero. Mañana más, y seguramente mejor.

Crónica del 11 de octubre en Sitges: Thelma, Hostile y A day

Primer día en Sitges 2017 para La Vaca de Twister. Jornada de repescas de la Sección Oficial (Thelma y A day) y una francesa de Panorama Fantástico: Hostile.

joaquim-trier-thelma-sitges

Empezamos al mediodia en el Retiro, con el pase de una de las películas más destacadas hasta el momento en la Sección Oficial; la noruega Thelma, de Joaquim Trier. La película empieza en un punto de partida muy similar al que nos mostró Raw (Crudo), con una joven raruna que deja el hogar para empezar la carrera de Biología. La socialización será inevitable, y también el choque frontal entre sus valores cristianos y la vida propia de una adolescente. Estamos ante una versión psíquica de Carrie que recuerda a títulos como Camino, La Vida de Adele, La señal, Requiem (El exorcismo de Micaela) y Chronicle. Todo ello con frío y ritmo propios del cine nórdico. Al dejar la sala cuesta aterrizar, y dar un veredicto claro, pero una vez superada la hora de reflexión hay que decir que Thelma no enamora, pero es una buena película. Lo es por sus ideas y la potencia de sus imágenes. En la parte negativa está esa frialdad. El exceso de contención no le sienta bien a un filme al que nos gustaría haber visto sin corsé.

hostile-sitges-ashworth

IMG_2735

Tras Thelma, una película a priori más ligera en la sección Panorama Fantástico; la francesa Hostile, de Mathieu Turi. En sus primeros minutos parece que vamos a ver un filme similar a Infectados, de los hermanos Pastor, pero pronto muta hacia otra película que pasó por Sitges la pasada temporada: La simpática It stains the sands red, en la que una choni americana era perseguida en el desierto por un zombie. En esta ocasión se nos presenta a una heroína más al uso. Pero lo que parecía iba a ser un survival horror futurista se convierte de pronto y mediante flashbacks en una especie de Pretty Woman, en la que un tipo guapo y forrado recicla a un yonki que tocaba fondo. El drama aumenta en las escenas del pasado, mientras las imágenes del apocalíptico presente se convierten en una mera excusa para presentar la película en el festival de Sitges. Inevitablemente llegan las risas a las butacas, provocadas por un final que aún no se si es ridículo o la mejor forma en la que podría terminar. Poca cosa. Eso sí, destacable la gran interpretación a nivel físico de Brittany Ashworth.

a-day-sitges-cho-sun-ho

Y para terminar, A day, de Cho Sun-ho, la alternativa surcoreana a Atrapado en el tiempo. Una entretenida muestra del subgénero ‘bucle temporal’ que empieza frenética y divertida pero se desinfla en su parte final. Cuenta la historia de un padre disaster atrapado en una bucle que acaba siempre con el atropello (Salvaje y explícito) de su hijo. En su último acto la acción decae y la sus momentos cómicos desaparecen para dar paso al típico tramo moralizante que hace que lleguemos a la meta cansados. Sermones en Sitges no, por favor.

Así con todo, y tras unos mojitos en la playa de Balmins, una gran toma de contacto de un festival que los aficionados al género hacen único. Seguiremos desinformando.

 

Blade Runner 2049: El milagro de la creación

vacometro3

En ocasiones el público espera ansioso noticias de secuela. No es el caso que nos ocupa. Hay películas que son material sagrado, y Blade Runner es una de ellas. Por ello, los primeros rumores de secuela de la obra maestra de Ridley Scott no cayeron demasiado bien entre los fans. Más aún cuando el director británico confirmó que no se sentaría de nuevo en la silla, y que esta vez sería solo el productor ejecutivo. Pero un aspecto hizo recobrar las expectativas de cara al filme: La confirmación de Dennis Villeneuve (Incendies, Prisioneros, Sicario, La llegada…) como director.

Y la jugada ha salido razonablemente bien. Sin ser la obra maestra definitiva, Blade Runner 2049 es una digna sucesora de la original. No era fácil mantener la atmósfera de un título único, y Villeneuve lo consigue. Esto es posible gracias a la gran labor que se ha realizado en todos los apartados técnicos y artísticos. Todos los planos están cuidadísimos, y la banda sonora de Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch es un Vangelis sin las pasajes de peli porno. Pero la técnica no sirve de nada sin una buena historia, y hay que reconocer que esta continuación la tiene. De hecho, la historia está por encima de sus lineas de guión.

blade-runner-2049-ciudad

Si buscamos parientes cercanos, este Blade Runner está cerca muy cerca de Hijos de los hombres, la historia que Alfonso Cuarón estrenó en 2006 y que planteaba la idea de una sociedad estéril. En el plano artístico, el nuevo Los Angeles recuerda mucho al Japón futurista que vimos en la reciente adaptación de Ghost in the shell, aunque el ritmo de acción de la película de Rupert Sanders poco tiene que ver con la pausa de Villeneuve. Quién espere encontrarse un filme de entretenimiento SCI-FI puede quedarse en casa. También queda confirmado el interés de poner en contacto a creadores y creaciones dentro de la filmografía de Ridley Scott. Si la nueva senda de Alien (Con Prometheus y Covenant) habla de crear una nueva forma de vida biológica, Blade Runner habla de la vida artificial, tema que tampoco esquiva la saga espacial. Esta nueva entrega continúa sembrando la duda ¿Son Alien y Blade Runner partes de un mismo todo? Eldon Tyrell, Weyland, Wallace, David… Son ya demasiados personajes jugando a ser Dios.

Entre los actores, gran trabajo de Ryan Gosling, al que le va como un guante el Blade Runner inexpresivo que interpreta. Posiblemente estemos ante el actor con menos recursos gestuales de todo Hollywood, y lo que normalmente le lastra, en esta ocasión es lo que le hace bueno. También destaca la inquietante presencia de Jared Leto, con un interesante y misterioso personaje secundario.

blade-runner-2049-desierto

Pero no todo son virtudes en este regreso. El principal problema de esta nueva Blade Runner reside en su nudo, lugar donde la trama pasea sin avanzar. Con el telón bajado uno se da cuenta de que los 117 minutos de la primera entrega hubieran sido más que suficientes. Aunque la última hora es excepcional, 163 minutos son demasiados. El otro gran error no está en la película, si no en una decisión de marketing completamente desacertada. Rick Deckard, el mítico personaje interpretó Harrison Ford, aparece en el trailer, poster y en la gran mayoría de actos promocionales del filme, pero su personaje no aparece hasta el último cuarto del filme. ¿No se podía haber guardado ese elemento sorpresa? La experiencia hubiera elevado la película un peldaño mas. Lástima que al ver el cartel todos estemos en el cine pensado “¿Y éste cuando sale?”

En definitiva, estamos ante un regreso que ha merecido la pena. Y tengo la sensación de que Blade Runner 2049 puede ganar en posteriores visionados. Ahora solo queda la duda de si volveremos a visitar la tierra de los replicantes en años posteriores. Nada descartable visto lo visto. Si es así, volveremos a las salas.

 

Animales nocturnos: La importancia del interlineado

vacometro4

Si algo podemos decir de Animales nocturnos, segundo largometraje de Tom Ford (Un hombre soltero), es que estamos ante uno de los títulos más inquietantes de los últimos años. Una dirección elegante para un título singular sobre el entorno literario. Se nota que Ford ha hecho la película que quería.

Animales nocturnos cuenta la historia de Susan (Amy Adams), una galerista de arte que en plena crisis matrimonial recibe un libro escrito por su ex novio. La lectura removerá hechos que parecían enterrados.

La película recorre dos vías, por un lado está la realidad de Susan, y por otro el libro, que es dramatizado paralelamente a la lectura. Ford no evita los terrenos áridos, y en ocasiones la película duele. La historia de Tony Hastings, protagonista del relato, es un golpe seco, una mezcla entre Jeepers Creepers y No habrá paz para los malvados. Fuera del relato encontramos sentimientos más terrenales, pero no por ello menos dolorosos.

animales-nocturnos-libros

animales-nocturnos-one-perfect-shot

Al margen del buen hacer de Michael Shannon, Jake Gyllenhaal y, sobre todo, Amy Adams, brilla sobre cualquier otro elemento la partitura de Abel Korzeniowski, compositor que después unos años en Estados Unidos tras dejar su Polonia natal, parece estar en su mejor momento. Casi al mismo nivel, luce la gran fotografía de Seamus McGarvey.

Estamos ante un título que no busca la unanimidad, y que seguramente deje a muchos en fuera de juego. No por su complejidad, porque Ford no es David Lynch, ni lo pretende; pero su juego de espejos puede no contentar a los que no estén dispuestos a ponerse el delantal para terminar la receta.

 

El final de Animales Nocturnos (EXPLICACIÓN EN SPOILER)

La película no oculta en ningún momento que se está cocinando una venganza. El fin del libro y el posterior mensaje de Edward confirman lo que ya se presentaba en detalles. El libro no va sobre la venganza. El libro es la venganza en si misma. Edward hace complice a Susan del dolor de Tony, sin que ella sepa de que ese es en realidad el dolor de Edward. La sensación final de Susan en la consumación de la misma. Supongo que esta será la lectura mayoritaria, aunque lo bueno de este título es que se presta a la multilectura. Sea como fuere, una escena en apariencia banal como la del cuadro revenge y el móvil que cae al suelo se convierte en un resumen imprescindible de lo que el director quiere trasladar.

venganza-revenge-animales-nocturnos-cartel

Por poner un pero, diré que no me ha entusiasmado que la película equipare a un feto con la vida de una niña ya adulta. Diría que la posición del filme con el aborto parece bastante conservadora, aunque el mecanismo de pérdida sea igualmente doloroso. Os invito a compartir vuestras visiones del fin.

El autor: Nightcrawler literario

vacometro3

La Sección Oficial del Zinemaldia ha acogido a El autor, de Manuel Martín Cuenca, tras su paso por el Festival de Toronto. La película adapta El móvil, la primera novela del escritor Javier Cercas. En ella, un aprendiz de escritor que vive eclipsado por el éxito de su mujer decide tomar medidas drásticas para abrirse paso en el mundo de la literatura.

Varios alicientes de partida. El primero, un director que parece que en cualquier momento puede que va a dar el campanazo. Cuenca estuvo cerca con La flaqueza del Bolchevique y Canibal, películas que a pesar de su calidad, no terminaban de rematar. La segunda un intérprete que desde que se destapó en La isla mínima vive en estado de Gracia: Javier Gutiérrez. Motivos más que suficientes para sentarse en la butaca.

javier-gutierrez-el-autor-antonio-de-la-torre

Y empieza bien El autor. Su primera hora es de gran nivel, con algunas de las mejores secuencias del cine español reciente y un animal como Gutierrez comiéndose la pantalla, bien secundado por el siempre extraordinario Antonio De la Torre. Lástima que haya un pero. La película se mete en un laberinto en la segunda mitad del que no consigue salir, lo que desemboca en una ausencia de climax y un final que no resulta satisfactorio. Es una pena, porque tras los primeros minutos se puede llegar a pensar incluso que estamos en lo que podría ser un clásico del cine español. El filme funciona mejor cuando se desata del todo. De la Torre regala escenas que recuerdan a una versión literaria del J.K. Simmons de Whiplash, mientras Gutierrez se va convirtiendo con los minutos en el Jake Gyllenhaal de Nightcrawler.

Por el camino, la película lleva al extremo la búsqueda del “yo escritor” y su convivencia con el “yo persona”. Cada cierto tiempo leemos sobre las locuras que cometen algunos intérpretes para preparar algunos papeles, extravagancias que siempre son aplaudidas por prensa y público. ¿Pero que pasaría si los creadores hicieran lo mismo y decidieran implicarse de lleno con su historia? Seguramente algo parecido a lo que cuenta la película de Martín Cuenca. Al final, lo que se esconde detrás de su personaje protagónico es la historia de una obsesión.

javier-gutierrez-el-autor-zinemaldia

En definitiva, estamos ante filme irregular que funciona mejor por piezas que en conjunto. A pesar de que el sabor de boca que deja no es el muy bueno, al salir del cine sus momentazos hacen que la experiencia merezca la pena. Sin ser la mejor, estamos ante una de esas pelis españolas que hay que ver en 2017. Si el filme os ha dejado con ganas de más, nada mejor que revisionar En la Casa, una gran película sobre procesos creativos que ganó la Concha de Oro en 2012.

 

 

IT: El trauma infantil se disfraza de payaso

vacometro4

Lo tenía verdaderamente jodido Andrés Muschietti. El nuevo proyecto de IT cobró relevancia gracias a las noticias que sentaban en la silla del director a Cary Joji Fukunaga, director de la primera temporada de True Detective. Una noticia ilusionante que dejó de serlo cuando se confirmó que el también autor de Beast of no nation y Jane Eyre abandonaba el proyecto tras desavenencias con el estudio. El marrón le quedada a Muschietti, autor argentino que debutó en el terror sin pena ni gloria con Mamá. Las expectativas bajaron, pero volvieron a subir tras los primeros screenings y las aterradoras imágenes promocionales. El hype comenzó a crecer, y parecía que la burbuja, una vez más, iba a explotar. Pero esta nueva IT ha flotado por encima de las expectativas. Contra todo pronóstico, estamos ante uno de los mejores trabajos de horror de los últimos años.

El gran acierto de la película es tomar la valiente decisión de apostar por los personajes, una opción que no es la mayoritaria dentro del género. Los niños protagonistas crean un vínculo casi inmediato con el espectador, lo que nos hace cómplices de su terror. Un mecanismo más elaborado que la habitual colección de sustos, que seguramente defraude a los que solo acudan al cine a paliar los problemas de estreñimiento, pero que a la vez conquistará a los que busquen algo más que entretenimiento.

It_09162016_Day 57_16230.dng

IT es una gemela oscura de títulos como Los Goonies, Cuenta conmigo o Super 8, aunque su pariente actual más cercano se llama Stranger Things. La nostalgia vuelve a dar buenos resultados. Estamos ante una nueva confirmación de que lo retro es tendencia en el presente audiovisual.

IT es uno de esos proyectos en los que si algo falla el resultado final puede ser completamente ridículo, pero el acabado técnico de la cinta logra colocarse fuera de la sombra de la serie B. Esto se consigue gracias a una elegante fotografía, una banda sonora de calidad y unos impolutos efectos especiales. El resto lo hace un acertado casting en el que destaca la magnética Sophia Lillis, la actriz que da vida a Beverly. Ojo, que quizá estemos ante el nacimiento de una estrella.

De Pennywise, el payaso protagonista al que da vida Bill Skarsgård, decir que en los primeros minutos me ha dado la impresión de que quedaba eclipsado por el recuerdo del excelso trabajo de Tim Curry en la TV movie noventera. Ese payaso, de apariencia más humana que en esta nueva versión, es sin duda uno de los rostros más célebres de la historia del género. Pero este Pennywise se hace ‘querer’ según avanza el metraje. Aunque hay que tener en cuenta que el clown no deja de ser un falso nueve dentro de lo que de verdad cuenta la película. Los niños protagonistas desarrollan diferentes fobias, pero cada una de ellas esconde un problema más grave que el natural temor infantil. El verdadero miedo del grupo de ‘Los perdedores’ está en la vida real.

it-2-1

A pesar de todas las virtudes, el título también cuenta con algunos problemas, como la redundancia de algunas escenas o el alargamiento excesivo del desenlace. No obstante, queda patente que en la sala de montaje se ha tenido que tirar de tijera. Por suerte, hablamos de exceso, pero no de aburrimiento. De hecho este IT deja con ganas de más. De esa segunda parte ya en proyecto que muestra a los protagonistas 27 años después del fatídico encuentro. Por si fuera pequeño el Hype, suena Jessica Chastain como Beverly adulta. Por favor, que así sea.

 

Proyecto Lázaro: Un dramón sobre la resurrección

Tenía ciertas esperanzas depositadas en el regreso de Mateo Gil a la dirección tras las satisfactorias Nadie conoce a nadie (1999) y Blackthorn: Sin destino (2011). Aunque si por algo ha trascendido Gil es por haber escrito algunos de los guiones más importantes del cine español de los últimos años, para Amenabar en su mayor parte. Suyos son los de Tesis, Abre los ojos, Mar Adentro, El método o Ágora. Proyecto Lázaro en su regreso a la ciencia ficción, un terreno que no pisa desde que Eduardo Noriega despertará como el hombre elefante tras un accidente de coche. Aunque no hay un nexo argumental, la película se presenta como una secuela tardía de Abre los ojos, y pretende explicar la vida después de la criogenización.

A pesar de lo interesante de la cuestión, Proyecto Lázaro nunca termina de arrancar. La película centra demasiado el foco en el amor y el drama. El protagonista vive atormentado por la vida que dejó atrás con su pareja, y ese eje tractor del filme no contiene el interés suficiente para crear intriga. Se apuesta todo al conflicto interior dejando de lado lo más significativo: Las consecuencias para la humanidad de esa primera resurrección.

proyecto-lazaro-abre-los-ojos

No ayudan tampoco las interpretaciones. Los personajes de Gil parecen robots con apariencia humana. Les cuesta demasiado expresar, y al espectador mucho más empatizar. El uso y abuso de la voz en off termina consiguiente que veamos al protagonista (Marc Jarvis) como un tipo cansino. Naomi (Oona Chaplin), su novia del pasado, no consigue más de lo que hubiese conseguido un maniquí. Nada resulta real.

La estética acaba por rematarla. Más cercana a un publirreportaje de una clínica dental que al cine en si mismo. Si se llega a llamar el Método Dentix nos quedamos igual. Mateo Gil ha intentado hacer su Gattaca bebiendo de Abre los ojos, pero se le ha Gattascado seriamente. Una pena. Esperamos su pronta recuperación y un regreso a la senda de anteriores trabajos.

Alien Covenant: Apocalipsis antes del Génesis

Pocas películas han despertado en los últimos años tantas filias y fobias como Prometheus. A mi personalmente me encantó el regreso de Ridley Scott al universo del xenomorfo. Prometheus no solo mostraba ese miedo a lo desconocido tan de la saga Alien. Se atrevía con una vuelta de tuerca que ponía en contacto al ser humano con sus creadores.

Revisionando Prometheus esta semana me di cuenta de la verdadera cuestión que abarcaba la película: El inevitable choque entre el creador y su creación. Pusimos el foco en los seres humanos y los misteriosos arquitectos, pero descuidamos que David, el sintético que interpreta Michael Fassbender, era también una creación, en este caso humana. Precisamente en ese punto empieza Alien: Covenant, con una conversación en flashback entre Peter Weyland (Creador) y David (Creación).

Los que esperaban un falso remake del Alien original, al estilo de Jurassic World o El despertar de la fuerza, pueden estar tranquilos. Hay más elementos de Alien: El octavo pasajero que en su predecesora, pero podemos decir que Covenant tiene un 50% de Alien y otro 50% de la metafísica de Prometheus. Los primeros acordes de la banda sonora de Jed Kurzel evocan a la partitura que Jerry Goldsmith compuso en 1979. El espíritu inicial está de vuelta, pero a diferencia del clásico, hay algo más que ‘La mujer y el monstruo’.

Alien-Covenant-espalda

Estamos ante una película ciertamente irregular. Empieza bien, pero Scott se toma su tiempo en el nudo para subrayar algunas lineas. Sin desvelar nada, diré que sobra alguna clase de flauta que otra en la parte central. Quizá el mayor problema de Covenant es que Scott ha cedido ante los que pedían más criaturas que en Prometheus. Si por algo se ha caracterizado la saga es por esa sensación de no saber por donde te va a aparecer el xenomorfo. Si viene de arriba, de abajo, de dentro, de fuera… En ese sentido Scott peca de querer contentar a los fans, o al estudio, y mostrar demasiado al bicho. Aunque hay que reconocer que los highlights de la saga no fallan.

Por suerte, Scott lo compensa con un gran prólogo, un intenso climax y un gran cierre. Al final la película pasa volando. Tenía muchas dudas con la elección de Katherine Waterston en el papel protagonista, la nueva ‘Ripley’, que toma el relevo de personajes femeninos fuertes que ya encarnaron en la saga Sigourney Weaver y Noomi Rapace. Pero la protagonista de Animales Fantásticos y Donde encontrarlos demuestra estar a la altura de las circunstancias. Aunque una vez más, el gran protagonista acaba siendo un Michael Fassbender que se come la pantalla.

_DSC7134.ARW

Intuímos que a Covenant no le vendrá mal un futuro revisonado, porque la película está plagada de referencias. La biblia, El paraíso perdido de Milton, Lord Byron, el mito de Prometeo, Frankenstein (Cuyo nombre original era Frankenstein o el moderno Prometeo), el soneto soneto Ozymandias de Percy Bysshe Shelley, Richard Wagner… Claves que esconden otras claves. Claves que conectan con algunos misterios sin resolver. Un ejemplo, ¿Sabías que Lord Byron murió desangrado a causa de las sanguijuelas que le pusieron alrededor del cuerpo para curar una fiebre? Nada es casual. Y esto ya es mucho más de lo que ofrece cualquier blockbuster. En ese sentido, Scott demuestra que sigue siendo un autor.

alien-covenant-katherine-waterston-danny-mcbride

Al acabar la película uno se queda con ganas de más, y eso siempre es una gran señal. Cruzamos los dedos para que la película funcione en la taquilla americana y podamos tener universo Alien para rato.

Noctem: Araquiel’s Box Project

Noctem es la última aportación española al Found Footage tras La saga REC y La cueva. El FANT 23 recibió a su director Marcos Cabotá y a sus protagonistas, Adrian Lastra y Esteban Piñero ‘Basty’ para hacer el primer pase con público de la película dentro de la Sección Oficial del Festival. Lastra, conocido por Primos o la serie Velvet, explicó que la idea de la película surge de una experiencia paranormal vivida en su casa. A partir de ahí decidieron hacer una película/experimento sobre lo ocurrido.

¿De qué va? Adrian Lastra y Esteban Piñero ‘Basty’ han desaparecido en México. El actor Álex Gonzalez, amigo de Adrian, le pide a un amigo que rescate los videos de sus móviles para clarificar los hechos.

La película comienza bien gracias a la acertada decisión de que los actores no interpreten a personajes, si no que sean ellos mismos con sus nombres reales, recurso que ya hemos visto en otras obras como Juerga hasta el fin. Y no todos son actores. Esteban Piñero ‘Basty’, miembro del grupo musical D’Nash se estrena en el cine con este papel. Según cuenta Cabotá, el reparto tuvo la generosidad de abrir las puertas de su casa y mostrar su intimidad. En el filme aparecen también parejas y amigos de los protagonistas haciendo de si mismos. De este modo, el texto y las situaciones de la película son en parte pura improvisación. En ese entorno ‘natural’ destaca la interpretación de Álex González.

noctem-alexgonzalez

En lo argumental, Noctem encajaría como un guante como uno de los sucesos que recrea cuarto milenio. La amenaza se llama Araquiel, un muy digno representante de las fuerzas del mal. El problema principal reside en que la película se fija demasiado en otros found footage ya conocidos, especialmente El proyecto de la bruja de Blair y Paranormal Activity. Algunas ideas de puesta en escena están sacadas de la obra maestra de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez. Por esta razón diría que la película puede ser encajada mucho mejor por espectadores no iniciados en el género.

En la parte técnica hay algunos detalles que se podían haber pulido para hacer un resultado más realista, como las interferencias de los videos y la excesiva iluminación del flash del móvil en las escenas de oscuridad. Demasiado artificiales. Detalles como estos son los que me han impedido tener una experiencia terrorífica. Aunque he de decir que si que ha oído algún grito en la sala durante la proyección.

noctem-fant-cozumel-mexico

En definitiva, estamos ante una cinta sin pretensiones que consigue entretener, pero cuyo resultado es irregular. Algunas ideas funcionan y otras no. Aún así, siempre es bienvenido cualquier nuevo intento en géneros poco transitados por la cinematografía española. Ojalá Noctem funcione.

 

FANT 23: Análisis del Palmarés

Ya sabéis que en este blog no somos nada de Copy+Paste, por lo que además de compartir  el palmarés nos hemos tomado la licencia de opinar sobre el mismo. De este modo aportamos algunas reseñas de películas que aún no tienen artículo propio en el blog. Agradecemos al FANT la impecable organización de esta edición. De largo, el mejor festival de cine de Bizkaia.

PELÍCULA GANADORA FANT 23

“Seoul Station”, (Corea del Sur, 2016) de Yeon Sang-ho

seoul-station-fant

Seoul Station confirmó que no encajo con la animación de Sang-ho. Mi sensación al final de la película fue muy similar a la que tuve con The Fake, obra que pudo verse hace dos años en la Sección Oficial del FANT. Los personajes de ambas solo se expresan en modo colérico. Recuerda demasiado a Sálvame. Así es imposible empatizar. Al género zombie tampoco aporta nada argumentalmente. Por destacar algo, me quedo con el sorprendente giro final.

PREMIO FANT EN CORTO

Premio del Jurado Mejor Cortometraje:

“La Voce” (Canadá, 2016, 20’) de David Uloth

la-voce-corto

Ya me gustó esta breve ópera de matadero (Puedes leerlo en nuestro artículo del FANT en corto internacional) pero aún se le coge más cariño tras ver el original video de agradecimiento que David Uloth mandó al festival. Siguiendo la línea de su corto, el director se cambió la voz con su hijo pequeño para dar las gracias.

Premio del Jurado Mejor Cortometraje Vasco:

“Bestealdetik” (2016, 15 min) de Mar González Ruiz de Larramendi

bestealdetik-fant

Merecido premio a un trabajo, que como ya os contamos en este artículo, es un auténtico poema en imágenes.

Premio del Público al Mejor Cortometraje:

“The App” (España, 2016), de Julián Merino.

the-app-corto

Y uno de los votos fue el mío. Puedes leer más aquí.

PREMIO MEJOR GUIÓN DE SECCIÓN OFICIAL

(CONCEDIDO POR LA ASOCIACIÓN DE GUIONISTAS VASCOS)

“I Am Not a Serial Killer” (IRE/UK 2016) de Billy O´Brien

I-Am-Not-A-Serial-Killer-fant

Interesante cinta independiente con la habilidad de camuflarse entre géneros. En mi opinión un tanto irregular en su desarrollo, que suma buenos momentos con otros en los que el interés se resiente, sobre todo en el nudo.

PREMIO A LA DIRECCIÓN MÁS INNOVADORA  DE SECCIÓN OFICIAL

(CONCEDIDO POR EL CINE CLUB FAS)

“The Eyes of my Mother”, (USA, 2016) de Nicolas Pesce

the-eyes-of-my-mother-fant

Merecido premio para una elegante obra en lo visual. Una película cruda sobre la maldad desde una perspectiva realista. Un suceso atroz desde dentro. La emparentaría con The with, por esa muestra de horror al margen de la civilización, aunque esta no tiene el elemento sobrenatural.

PREMIO FANTROBIA 2017

Sean Brosnan

Puedes leer aquí nuestra crítica de My father die

ESTRELLA DEL FANTástico  2017

Barbara Crampton

crampton-FANT

Una estrella del género que se ha mostrado cercana y simpática durante su estancia en Bilbao, en la que la hemos visto en varios pases. Es de agradecer esa implicación. En otros certámenes solemos ver el ‘Toma el premio y corre’. Un acierto del festival este galardón. El gran misterio del FANT es resolver como se conserva tan bien Barbara a sus 58 años.

FANT DE HONOR 2017

Pedro Rivero

Terele Páez

También acertados los reconocimientos a Pedro Rivero y Terele Pávez, aunque esta última no pudo recoger el premio en la ceremonia inaugural por encontrarse en Punta Cana.

PREMIO AL MEJOR LARGOMETRAJE DE LA SECCIÓN PANORAMA

“A Floresta Das Almas Perdidas”, (Portugal, 2016) de Jose Pedro Lopes.

•MENCIÓN ESPECIAL: “Therapy” (Francia, 2016) de Nathan Ambrosioni.

PREMIO AL MEJOR CORTOMETRAJE DE LA SECCIÓN PANORAMA

“Einstein Rosen”, (España, 2016) de Olga Osorio.

No hemos podido asistir a la Sección Panorama, pero el agradecimiento slasher que envió Nathan Ambrosioni al FANT ha sido de nota.

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR  FALSO TRAILER 

“Fishface”, José Mellinas

fishface-mellinas

1ER PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR FALSO TRÁILER

“Hugo”, Iker Maguregi

2º PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR FALSO TRÁILER AUX

“Coleccionista”, Angel Holgado

Merecidísimo Premio del jurado para Fishface de José Mellinas, que como ya hizo en Mermelada (Donde cogía como base la leyenda urbana de Ricky Martin, Sorpresa Sorpresa, el perro y la mermelada) vuelve a tomar la ‘realidad’ como punto de partida. ¿Qué pasaría si el famoso youtuber del ‘caranchoa’ va convirtiéndose poco a poco en una especie marina? Mellinas responde.

palmares-fant

My father die: El salvaje Mississippi

Sean Brosnan, hijo de Pierce Brosnan, ha sido reconocido con el Premio FANTrobia de la 23ª edición del FANT. Se trata de un galardón dirigido a jóvenes promesas del Cine Fantástico y de Terror. Tras ver My father die, su primer largo como director, entendemos los motivos de esta decisión.

¿De qué va? La película cuenta la historia de Asher, un joven sordomudo traumatizado por la muerte de su hermano a manos de su padre. Cuando el parricida abandona prisión, Asher decide que ha llegado el momento de la venganza.

Brosnan deja claro desde la introducción que vamos a ver una cinta potente y sin compasión. Los primeros minutos nos muestran la brutal muerte del hermano, con voz en off y un gran uso del blanco y negro. Una gran intro que nos sirve para adentrarnos en la América profunda y salvaje que Brosnan quiere mostrarnos. Una América a orillas del Mississippi en el que no hay lugar para la piedad.

my-father-die-ivan

La violencia es una constante durante todo el metraje. A Brosnan le ha salido una ópera prima muy tarantiniana, aunque con bastante menos verborrea. En el reparto destaca Gary Stretch, que encarna al despiado padre de familia. El personaje es una nueva visión del Schwarzenegger de la primera entrega de Terminator.

La cruedad del filme está aderezada en todo momento por un acertado uso del humor negro. La excelente fotografía y una acertadísima selección musical consiguen que la película brille formalmente.

my-father-die-nana

No sabemos a ciencia cierta si este My father die tiene doble lectura, pero la película resulta una manera brillante de quitarse esa etiqueta de “hijo de…” que en ocasiones lastra algunas carreras. Aunque el bueno de Pierce figura en los créditos como uno de los productores del filme.

La película ha sido una de las sorpresas de este FANT. Un gran debut en el mundo del largo para Brosnan. Estamos seguros de que tras este debut indie, los grandes estudios llamarán a su puerta.

 

 

FANT 23: FANT en corto internacional

El FANT en corto internacional ha elevado esta edición un peldaño su nivel gracias a una elaborada selección de trabajos que demuestran el buen estado del género más allá del largo. Si tendríamos que resumir los trabajos proyectados en un palabra la tendríamos clara: ORIGINALIDAD.

The bald future, de Paul Cabon (Francia, 2017)

the-bald-future-corto

Una parodia en defensa de los que perdemos pelo que llama a su integración en la sociedad. Habla de la calvicie, pero podría ser aplicable a cualquier característica física que se sale del canon de belleza impuesto. Con lo bonita que es la imperfección… Gran trabajo.

Driven, de Johannes Bachman (Suiza, 2015)

driven-corto

Una mujer huye de su vehículo tras un accidente en una carretera secundaria. Un trabajo que, aunque no se entiende nítidamente, consigue inquietar con su puesta en escena. Nos quedamos con ganas de saber más de su trama. Buena señal.

Fucking Bunnies (Saatanan Kanit), de Teemu Niukkanen (Finlandia, 2017)

fuckin-bunnies-corto

No conseguí conectar con el rollo de este corto finlandés que mezcla death metal y el subgénero ‘nuevos y extraños vecinos’. Aunque por las carcajadas de los espectadores puede ser que quizá fuera el único. Aún así entretenido trabajo, que no es poco. Y muy del gusto del FANT.

Humaine, de Jean-Philippe Alix y Quentin Alix (Francia, 2016)

HUMAINE

El término pretencioso va como anillo al dedo a este corto entre crítico y espiritual que intenta resumir el histórico maltrato que el hombre ha dado a la mujer, para a continuación hacer un llamamiento a la esperanza. Eso y fotos moñas en las nubes.

A Father’s day, de Mat Johns (Reino Unido, 2016)

a-father-day-corto

Lo mejor de este trabajo de temática zombie son precisamente sus extraordinariamente maquillados muertos vivientes. El guión nada que no hayamos visto antes. El amor paterno-filial llevado al campo de los no muertos.

La voce, de David Uloth (Canada, 2016)

la-voce-corto

Una gran ópera en corto con una inquietante idea. La de adquirir la última voz escuchada. Cuando este fenómeno se da en un matadero las consecuencias pueden ser terribles. Un trabajo imperfecto, pero curioso. Absténganse animalistas.

Neron, de Rubin Stein (España, 2017)

neron-corto

Ambientación de diez, y desarrollo digno de un episodio de HBO. Lo cierto es que su desenlace no está a la altura de su magnífica puesta en escena, así que lo dejamos en ‘gran ejercicio de estilo’. El director parece preparado para un largo.

Pussy, de Renata Gasiorowska  (Polonia, 2016)

Pussy-corto

En Pussy, un coño cobra vida y decide buscar el placer por su cuenta. El orgasmo femenino llevado al terreno de la animación, con humor y absurdidad. Trazos ingeniosos en un trabajo original y divertido.

Save, de Iván Sáinz-Pardo (Alemania, 2016)

save-corto

Ya disfrutamos de Save en la Semana de Terror de Donostia. Cortometraje con bebé que juega con una idea sencilla, pero completamente terrorífica. Gran trabajo.

The App, de Julián Merino (España, 2016)

the-app-corto

Para mí, el mejor corto de la noche. Explora los peligros de la iphonización mundial con sentido del humor. Un miniepisodio de Black mirror a la española, con Carlos Areces y un señor de Pontevedra. Her para no hipsters.

Actualización:

LA VOCE se ha alzado con el Premio del jurado, mientras que The App ha conseguido el Premio del Público. 

The evil within: Resplandor de serie Z

vacometro1

Estábamos en un corrillo hablando sobre el buen nivel del FANT tras la proyección de My father die. Ahora entiendo que ese inocente acto era en realidad una invocación a algo que peor que Satán: The evil within. La película, que comparte nombre con un exitoso videojuego survival horror, es lo peor de lo que llevamos de festival.

¿De qué va? Todo cambia en la vida de Dennis, joven discapacitado mental, cuando su hermano decide llevar a su habitación un espejo. Ese elemento será la entrada a un mundo de pesadillas con consecuencias fatales en la vida real.

The evil within falla en casi todo. Actores de telefilme, un guión descuidado y unos efectos especiales que chirriarían en los 70. Este pretendido homenaje al terror ochentero y a los episodios de Twighlight zone no funciona ni como producto de videoclub. Si hablamos de calidades su lugar de venta sería más bien una gasolinera. Da pena ver a un icono del horror como Michael Berryman (Las colinas tienen ojos, Los renegados del diablo) prestándose a hacer de fantoche para la función. Tampoco funcionan sus guiños, que los hay. El homenaje a la araña de La cosa es como la versión de Nirvana que hizo Ramoncín.

Andrew Getty, director y guionista, no acierta con el tono. La película no asusta, pero tampoco se decanta por la comedia. La mayoría de asesinatos no se nos muestran, por lo que tampoco saciará a amantes del gore. Y como revival acaba siendo víctima de lo que parodia. Uno se pregunta… ¿A qué público va dirigida esta película?

Si la película es mala, peor aún es su mensaje. El joven discapactitado que protagoniza el relato es apedreado en la plaza pública, metafóricamente. 90 minutos de sorna a una enfermedad mental, de insultos innecesarios. Mongolo, retrasado y otros que os sonarán. Estaba convencido que el personaje iba a tener la oportunidad de desquitarse de todos los insultos, que estábamos en realidad ante una crítica a todo esto, pero de eso nada. La visión que se da de este problema mental es sencillamente mezquina.

Si podemos salvar algo de la película salvamos a Dina Meyer, que se conserva tal y como la vimos en Starship Troopers. Y la salvamos porque da pie a decir “Mira, la pelirroja de Starship Troopers está viva”, no porque lo haga bien. Este debut del director y guionista Andrew Getty en el cine no tiene pinta de ser recordado, al menos para bien. En la habitación 237 de El resplandor se proyectaba esta película.

FANT 23: FANT en corto vasco

Tras la inauguración con Pieles, llegó el momento de mostrar el estado del cine vasco de género. El FANT en corto vasco es una gran oportunidad de detectar el talento que viene.

Bestealdetik, de Mar González Ruiz de Larramendi ·

bestealdetik-fant

Empieza como una película de terror en cabaña, pero Bestealdetik es un auténtico poema en imágenes. Más cerca de la lírica que de la prosa. Una gran reflexión sobre el peso del tiempo y el inevitable final. Mikel Laboa remata la jugada.

Decorado, de Alberto Vázquez

decoradocorto

Estuvimos hace unos meses en la Semana de Terror de Donosti. El desatado público del Festival gritaba en alto Decorado en cada una de las películas. Ahora lo entendemos todo. Decorado es ya una obra magna de la animación absurda. Una auténtica joya.

Nunca pasa nada, de Javier Prieto

20170126115222_foto1

Nunca pasa nada recorre la cola del INEM con una técnica de animación cercana a la de Waking life y A Scanner Darkly de Linkater. Corto de tiempos de crisis, de como vemos la vida pasar sin que nada cambie. Mención especial a su potente banda sonora.

Ihesa, de Alejandro Díaz Castaño

ihesa_foto3-600x336

Empieza como terror con invasión casera, pero no nos muestra hasta el final su verdadera naturaleza. Un trabajo que invita a cierta reflexión y con el que no cuesta demasiado empatizar. Que dura es la rutina.

Bright lights, de María Zabala

Bright-Lights

Más que un cortometraje, un buen videoclip para el tema Molly & Pete de Belako. Funciona a nivel estético, pero su guión no está a la altura de las imágenes.

Precious Moments, de Asier Iza

precious-moments-01

El cortometraje de la noche. Comienza con tono cómico en uno de esos picaderos de carretera secundaria, después se pasa al lado inquietante. El resultado final parece cómico, pero pasados unos minutos te das cuenta de que has visto algo terrorífico. Una original vuelta de tuerca al Christine de Stephen king.

Si la oscuridad nos lleva, de Mikel R. Alonso

SI-LA-OSCURIDAD-NOS-LLEVA

Estamos ante un microretrato de asesino comprimido en un ZIP. Su ambientación resulta inquietante. (Muy) Breve, pero intenso.

Villa Mnemósine, de Rubén Salazar

VillaMnemosine

El corto de más presupuesto de la lista (O eso creemos por su diseño de producción). Una interesante idea que llama a la reflexión. Tiene calidad, pero el FANT no era su lugar.

Ulises, de Aitor Gutiérrez

Ulises-kandido-uranga

Una de las sorpresas de la noche. Un hombre llega a un hotel para ser varios hombres. Un interesante juego de rol cómico para un solo jugador. Si habría un premio al Mejor Actor de este FANT en Corto sería sin duda para Kandido Uranga. Sencillamente lo borda. Además, el cortometraje sirve de homenaje a la profesión de actor

Extático, de Azahara Gómez

Exta--tico

Cortometraje en plano tarantiniano sobre dos guardias forestales y un cadáver. Una vez más, homo homini lupus est. La sorpresa no es tal, y la sangre final resulta demasiado artificial.

Jules D., de Norma Vila

Jules-D.

Empieza tan bien que acaba decepcionando al elegir la vía más ‘gótica’ del relato Un canto de amor a Drácula con un gran look y una dirección prometedora. Lástima que el ‘Qué’ no esté a la altura del ‘Cómo’.

 

It Stains the Sands Red: Choni v. Zombie

En apenas quince minutos It Stains the Sands Red consigue follarse de forma salvaje a las cinco películas de la saga Resident Evil. Molly, la gran protagonista de la función, carece del estilo y las artes marciales de Alice, pero va sobrada de algo más importante cuando hablamos de cine zombie, el instinto de supervivencia. ¿Qué un zombie quiere sangre y necesito despistarle? Pues nada, me saco un tampón del coño y ya tengo perrito. Y para satisfacción de los espectadores, no es su único truco.

¿De qué va? Una pareja huye por carretera de un apocalíptico Las Vegas. Tras una breve parada, el vehículo en el que viajan no consigue arrancar. Un zombie se acerca para aprovechar la ocasión.

It stains the sands red (Mancha las arenas rojas, o algo así) es una comedia, un western, una de terror y un drama familiar. Todo al módico precio de una entrada a 2,90€ para el turno de noche del FANT 23. Un buen aporte a un género zombie que, por suerte, siempre consigue encontrar la vuelta de tuerca adecuada.

Molly, interpretada magistralmente por Brittany Allen, está más cerca de Belén Esteban que de Milla Jovovich. Curioso que la última gran heroína del cine zombie lleve plataformas, pantalones de leopardo, un tampax y cocaína. Todo un kit de supervivencia. La actriz supera con nota el desafío de supervivencia zombie en el desierto. Habría que ver cuanto dura Jesús Calleja. Y no nos olvidamos de Juan Riedinger. El actor canadiense interpreta a ‘Polla pequeña’ (cariñosamente Smalls), y no es un indio compañero de ‘Pipa grande’, si no el zombie que persigue incansablemente a la protagonista. ¿La mejor interpretación de un no muerto en la historia del subgénero? Yo diría que sí (Si se os ocurre uno mejor dejar un comentario, please).

It-Stains-The-Sands-Red-zombie

A la película le da además tiempo para darle una buena patada en la boca al machismo, y por ende a los humanos menos evolucionados del género masculino. El filme acierta al comparar a los muertos vivientes con los típicos babosos de discoteca. Y recuerdo que solo hay una amenaza peor que los muertos: Los vivos.

El director Colin Minihan es parte junto a Stuart Ortiz de los autodenominados Vicious Brothers, responsables de Grave Encounters y su secuela. Habrá que seguir la pista a este joven canadiense nacido en 1986. Aún tiene mucho que aportar al cine de terror.

It stains the sands red tiene los elementos suficientes como para ganarse un hueco en la historia del género. Su estética (Heredera de Los renegados del diablo) y ese desierto de Las Vegas lo merecen, y hacen que perdonemos alguna escena de más en su parte final e incluso algún gazapo. Ya sabéis, lo que pasa en Las Vegas se queda en Las Vegas.

El ataúd de cristal: La limusina de Caronte

vacometro4

Es un orgullo afirmar que la mejor película de lo que llevamos de FANT es bilbaina. No acudía con demasiadas expectativas al pase, quizá porque los cortos de Haritz Zubillaga, aunque correctos, no me habían maravillado. Pero El ataúd de cristal conquista por la vía rápida.

¿De qué va? Una ‘Meryl Streep‘ del cine se dirige en limusina a recoger un premio a toda su carrera. Lo que parecía una convención más en la vida de una estrella se convertirá en una auténtica pesadilla.

La actriz tinerfeña Paola Bontempi, que ya trabajó con Zubillaga en She’s lost control, sale airosa de un desafío complicado. Bontempi aparece en la práctica totalidad del metraje, y lo que soporta durante sus 75 minutos no es precisamente un camino de rosas. Estamos ante una exigente interpretación a todos los niveles. Esto no es Paseando a Miss Daisy.

Pero si Bontempi es importante en la película más lo es la limusina que la transporta, el bien llamado Ataúd de Cristal. Un espacio hipnótico que emparenta Cube con 2001: Una odisea en el espacio. De Cube tiene ese uso del color. Si en la película de Natali cambiaba el color en cada cubo aquí tenemos lo mismo, pero con control remoto De 2001 la película se lleva el ojo de Hal 9000, esta vez manejado por algo más peligroso que la inteligencia artifiial: El ser humano.

Tanto el trabajo de dirección artística como la fotografía son impresionantes. Nada hace indicar que estemos ante una cinta de bajo de presupuesto. Hasta la violencia es elegante en el interior del vehículo. Mención especial merece la excelente banda sonora de la película, compuesta por Aránzazu Calleja. Música siempre presente para indicarnos en todo momento que la amenaza es real. Encaja como anillo al dedo con las imágenes de la película.

Por si esto fuera poco, Zubillaga ha creado además un personaje icónico que nos ha conquistado desde la presentación: El misterioso chofer de la limusina. Nos hemos quedado con ganas de saber más de él. Da para un spin off, o al menos para un cameo en la próxima película.

ataud-de-cristal-chofer

En definitiva, estamos ante un potente filme que aprovecha al máximo sus recursos y al que no se le ven las costuras. Esperamos que pueda tener el estreno digno en salas que realmente merece. Una gran opera prima.

“No he visto Saw” Haritz Zubillaga

fant-el-ataud-de-cristal

chofer-ataud-de-cristal

Tras la proyección, Haritz Zubillaga, el guionista Aitor Eneriz y Paola Bontempi respondieron a las preguntas de la audiencia. Uno de los espectadores hizo referencia al parecido entre El ataúd de cristal y el juego macabro de Saw, pero Zubillaga afirmó no haber visto la célebre película de James Wan. Eneriz habló de otros parecidos que le han sacado a la película, como el de un productor estadounidense que la relacionó acertadamente con el clásico ¿Qué fue de Baby Jane?. Asimismo desgranó como fue el rodaje de algunas escenas, como la espectacular secuencia final. El equipo estuvo ‘defendido’ en todo momento por el imponente chofer de la limusina.

Pieles: La malformación está en la mirada

El FANT 23 ha empezado fuerte. El Teatro Campos Eliseos ha sido un año más el escenario elegido para la ceremonia inaugural, y como en ediciones anteriores Lander Otaola y Maria Goiricelaya se han metido al público en el bolsillo con un humor espontáneo, valiente y muy oportuno. En esta ocasión han estado bien secundados por las ‘maníacas’ que se mezclaban entre el público para recordarnos que esto va de terror, aunque si hay que pasar de horror a La La Land se pasa. Cuánta razón Otaola al nombrar todos los festivales de cine bilbaínos para rematar diciendo “El FANT, al que va gente”, y es que en el Campos no cabía ni un alfiler.

IMG_5989

Este año la organización ha acertado de pleno con Pieles, la mayúscula bizarrada española que ha abierto el certamen. La opera prima de Eduardo Casanova es un auténtico salto al vacío artístico en el que el director consigue caer milagrosamente de pie. Pocos director pueden presumir de tanta libertad en su primer trabajo, aunque esto quizá hay que agradecérselo a Álex De la Iglesia, productor de la película.

Pieles pertenece al subgénero de historias cruzadas. La película presenta a varios personajes al límite unidos por un físico diferente, algo similar a lo que Tod Browning nos enseñó en La parada de los monstruos.

pieles-de-la-iglesia

Uno de los mayores logros de Casanova es la rapidez con la que el espectador se familiariza con ‘lo diferente’ tras la sensación de estupor inicial. Y es que cuesta en un primer momento cuesta hacerse a personajes como el que interpreta Ana Polvorosa, una joven con ano por boca. Si por algo merece todos los elogios esta cinta es por su extraordinaria labor de maquillaje, bien acompañada por una dirección artística cuidada al detalle en el que predominan los tonos rosas (Veáse en look del elenco en la foto de portada).

Las referencias de la película son claras. Las más evidentes un Almodovar desatado o un David Lynch menos oscuro de lo habitual. A Casanova bien podríamos emparentarle con Carlos Vermut, quizá porque ambos comparten sendos debuts suicidas y se decantan por las historias cruzadas. La sensación tras terminar Diamond Flash no era muy distinta de la que se queda al final de pieles.

Casanova también ha acertado con el reparto, del que hay que destacar su generosidad. Sorprende para bien el ‘Freddy Krueger’ que interpreta Jon Kortajarena, totalmente irreconocible hasta el final. Muy meritorio también el ya mencionado personaje de Ana Polvorosa. Lo más sencillo era caer en el más absoluto ridículo, pero lo excesivo del maquillaje contrasta con la serenidad de la actriz para afrontarlo. Itziar Castro es para mi uno de los descubrimientos de la cinta. Quizá el personaje de la casi siempre extraordinaria Candela Peña es el que mejor sintetiza el sentir del filme. Siente que no va con ella lo de ‘ser diferente’ y ve claramente que el problema lo tiene el espectador.

La peor noticia para Casanova es que estamos ante una de esas películas que despertará fobias directas por su contenido, incluso entre los que no lleguen a verla. La mejor, es que estamos ante una pieza de culto instantáneo.

*La película se estrena en cines el 9 de junio de 2017

Assassin’s Creed: Videojuego en Sevilla, ninguna maravilla

vacometro1

Es un poco triste tener que abrir un artículo con un tópico, pero Assassin’s Creed confirma de nuevo que el salto a la pantalla de los videojuegos suele ser un salto al vacío que casi siempre acaba en hostiazo. Y eso que daba la impresión de que esta vez la cosa podía funcionar. El director Justin Kurzel repetía con Michael Fassbender y Marion Cotillard, con los que acababa de trabajar en su reciente adaptación de Macbeth. Parecía que el estudio no quería renunciar a intentar hacer algo más que un producto, y tras ver la película, ese intento de dignificar la película es quizá lo que ha terminado de hundirla.

En Assasin’s Creed un condenado a muerte se libra de la ejecución a cambio de participar en un programa que pretende recuperar la manzana mordida de Eva, una reliquia que puede hacer que la violencia desaparezca de la sociedad. La acción se desarrolla a caballo entre el presente y la España de 1492.

assassins-creed-torquemada

Tras unas intrigantes y prometedoras escenas iniciales todo se viene abajo rápidamente. Ese continuo juego presente-pasado provoca que nunca nos acabemos de trasladarnos a ninguna de las dos épocas. El vehículo que utiliza la película para hacer el viaje se denomina el ‘Animus’, una evolución tecnológica capaz de viajar a los recuerdos. Las escenas de Fassbender en el presente y de Aguilar, su antepasado español, son lo peor de la película. Justo cuando parecemos estar ante la inquisición volvemos adelante para ver como Fassbender sufre jugando a una especie de Wii extrema.

Kurzel se empeña en darle trascendencia a lo que en realidad es poco más que una película de hostias, y el interés cae en picado con el paso del metraje. Llega un momento en el que ya no sabes si estas viendo El código Da Vinci, La Isla, El Ministerio del tiempo o Aguila roja. Las interpretaciones no ayudan. Fassbender y Cotillard están peor que nunca. Uno se pregunta quién les convenció para meterse en este jardín, y todo indica que la respuesta tiene unos cuantos ceros.

Estamos ante una película que ni siquiera agradará a los ultras de la saga de la videoconsolas. Asassin’s Creed no es solo decepcionante, también es muy mala. De momento la única adaptación potable de un videojuego sigue siendo la de Silent Hill. ‘El caballero oscuro’ de este subgénero aún está por venir.

 

La cura del bienestar: El encanto de la imperfección

vacometro4

Gore Verbinski se acaba de ganar todo mi respeto. Hasta ahora se podía hablar de un director cuya carrera se ha caracterizado por un eficiente trabajo al servicio de las majors. De la primera trilogía de Piratas del Caribe al remake de The Ring, pasando por Un ratoncito duro de roer, El hombre del tiempo, Rango o The Mexican. Un cineasta que ha pasado de ser un mero peón de la industria a dirigir un filme de terror gótico de dos horas cuarenta, sin estrellas y con suculentas idas de olla. Quizá La Cura del bienestar de la que habla el filme es la que ha tomado Verbinski, dejando encargos de lado y haciendo de una vez por todas lo que le ha salido del nabo.  Y bien saben los lectores que en esta página somos enemigos de los que piden moderación desde el sofá contándonos que ‘El cementerio está lleno de valientes’. Tal vez desconocen que la hora nos llega a todos, y de palmar, palmar con estilo.

El comienzo de La cura del bienestar es de esos a lo Apocalypse now: Un hombre con la misión de encontrar a otro hombre. Un tiburón de Wall Street es enviado por los mandamases de la empresa a buscar a un compañero que se niega a volver a Manhattan tras su estancia en un balneario suizo. Todo se complicará al comprobar que el enclave alpino no es tan idílico como aparenta.

la-cura-del-bienestar-tren-suiza

la-cura-del-bienestar-dehaan-dicaprio

Las referencias son evidentes. Imposible no mencionar al Scorsese de Shutter island. Por parecer se parece hasta Dane DeHaan, protagonista de la película, a Leonardo Dicaprio. Aunque en todo momento se ve más un homenaje que un plagio. También hay guiños a El resplandor, como ese plano aéreo de la carretera camino al balneario que recuerda tanto al del inicio de la película de Kubrick, o a La Escalera de Jacob. El resto es una Hammer de serie A.

La película que va sobrada visualmente. La fotografía y la dirección artística son de Oscar. Por el precio de la entrada nos llevamos una treintena de planos perfectos. Por momentos La cura del bienestar nos traslada a ese balneario. La hipnosis de Verbinski funciona y el viaje merece la pena. A pesar de que estamos ante un título que también cuenta con algunos problemas evidentes. El más notable su reiteración de ideas. También padece de uno muy habitual en los títulos de suspense: La sobrexplicación en el último acto. Pero en ningún momento esto provoca el derrumbe, mérito añadido tras sus casi 160 minutos. Quizá esa irregularidad, esos pasos bruscos de la solemnidad al What the fuck son los que consiguen que la película acabe conquistando.

Y además La cura del bienestar nos muestra el lado oscuro de los avances de la ciencia. Esa búsqueda del progreso se ha cobrado muchas vidas en el pasado y se las sigue cobrando hoy en día. Es el fantasma que se esconde tras nuestra rutina, eso que algunos llaman bienestar. Desde ya reivindicamos este título, que está dejando las salas tras su primera semana de proyección con bastante más pena que gloria. Con el tiempo quizá se hable de esta película como un título de culto. Merece la pena apuntarse a la cura.

Trailer:

 

 

El bar: La cara B de España

vacometro3

De la iglesia se ha convertido con el tiempo en un género en si mismo. Todas sus películas se presentan como comedias, pero casi ninguna lo es como tal. Todas parecen thrillers, pero casi ninguna lo es. Todas parecen de género fantástico, pero casi ninguna lo es. No es excepción El bar, que aún estando lejos de sus mejores obras, cumple los mínimos de un director que rara vez baja del seis.

La película cuenta la historia de un grupo de personas que coincide por azar en una taberna. Situación cotidiana de no ser por el disparo en la cabeza que recibe uno de los clientes al salir del local. A partir de ahí, los desconocidos comenzarán un encierro que les llevara al límite.

El bar tiene las virtudes y defectos de las últimas películas del director: Un comienzo espectacular y una ligera caída hacia el final. En esta ocasión se debe a que el guión que firma Jorge Guerricaechevarría junto al propio director no está a la altura de la brillante puesta en escena. Por suerte esto no afecta al entretenimiento. El bar dura en un suspiro, y la experiencia merece la pena. En parte gracias a ese bar que es visita ineludible en Madrid, el mítico Palentino de la Calle Pez, en Malasaña. Escenario ideal para que el apocalipsis resulte cotidiano.

el-bar-casas-blanca-suarez

Los actores habituales de la última etapa del director responden una vez más. En especial los polos más extremos de la función: ‘El mendigo’ encarnado por Jaime Ordoñez y ‘la pija’ que interpreta Blanca Suarez, quizá los dos personajes más jugosos y mejor defendidos.

De la Iglesia no desaprovecha la ocasión de mostrarnos a la España en B, una España que se ha desarrollado ‘bajo manta’ mientras celebraba el gol de Iniesta. Una España regida por trileros y una población jugadora que acepta la estafa en cada partido, todo esto patrocinado por el cuarto poder, incapaz de denunciar la trampa. Y lo peor es que los que pillan el juego se acaban matando entre ellos. Si no sabéis de lo que hablo preguntarle a Iglesias o Errejón, o preguntar por los idus de marzo del PSOE. El bar es una gran metáfora de nuestro tiempo.

 

 

En Spoiler (Deja de leer aquí si no lo has visto)

El cine español ha perdido una oportunidad de oro de entrar en el terreno de la ‘falsecuela’: Película que se presenta como un estreno independiente, pero que acaba encajando en otra saga sin marketing ni aviso previo), el trampantojo hecho cine. Digo esto porque la película de Álex encajaría como un guante como una historia enlazada al universo cinematográfico de REC.

PreFANT recopila lo mejor de la última cosecha de cine fantástico y de terror

Vuelve el PreFANT con un doble objetivo. Hacer que el ‘mono’ de FANT se relaja y calentar motores para los que nos espera. El PreFestival se desarrollará en los espacios habituales, Sala BBK y Bidebarrieta, a los que este año se suma el Museo Guggenheim.

Los días 24, 25 y 27 tendremos ración doble en la sala BBK con parte de lo mejor del cine de género de los últimos meses gracias al ciclo Sitges Tour AContracorriente y un pre-estreno:

La autopsia de Jane Doe (Lunes 24 abril, 18:00)

autopsia-jane-doe-cadaver

Película de terror con aroma clásico dirigida por André Øvredal, responsable de Troll Hunter. Obtuvo la mención especial del jurado en el festival de Sitges.

Shin Godzilla (Lunes 24 de abril, 20:00)

Shin-godzilla-prefant

Tras la última adaptación USA del célebre nipón, la criatura vuelve al cine japonés, lugar del que nunca debió haber salido. Shin Godzilla mezcla Kaiju y cine político post-Fukushima.

Somnia. Dentro de tus sueños (Before I Wake) (Martes 25 de abril, 18:00)

somnia-before-wake-prefant

Cinta de terror psicológico sobre los sueños y los miedos infantiles. Dirige Mike Flanagan, responsable de   Hush (Silencio, Oculus: El espejo del mal y Ouija: El origen del mal).

Train to Busan (Martes 25 de abril, 20:00)

train-to-busan-prefant

La cinta coreana es la gran película de zombies de los últimos tiempos. La película logró dos premios en Sitges: Mejor director y mejores efectos especiales. Dirige Yeon Sang-ho, que ya compitío en FANT con las animadas The king of pigs y The fake.

Pre-estreno: Always Shine (Jueves 27 de abril. 18:00)

always-shine-prefant

Triller psicológico indie ambientado en el mundo de la interpretación que se hizo con el premio a la mejor actriz en el Festival Tribeca de Nueva York.

Melanie. The Girl with All The Gifts (Jueves 17 de abril, 20:00)

melanie-girl-zombies

Interesante película inglesa de zombies que mezcla a niños y muertos vivientes. Su desolador paisaje recuerda a 28 días después.

*Todas las proyecciones son de entrada libre hasta completar aforo.

Conferencia sobre Robocop (26 de abril, 19:30h)

robocop_1987-charla

La charla de este año en Bidebarrieta estará dedicada a Robocop con motivo del estreno del 30 aniversario de la primera película de la saga, y estará impartida por el cineasta bilbaino Toni García Abad. Si queréis ir estudiados de casa podéis leer el artículo que dedicamos en La Vaca de Twister a la relación entre Robocop y La Biblia, entre otras anécdotas.

Clausura del PreFant en el Guggenheim: Girl Asleep + Carlos Bayona DJ (Viernes 28 de abril)

girl_asleep_prefant

La distribuidora La Aventura proyectará en el Museo Guggenheim Girl Asleep (20:00) coincidiendo con su estreno en salas de Madrid y Barcelona. Se trata de una cinta australiana Low cost que mezcla el género fantástico con cine al estilo Wes Anderson.

sonarcar13

Tras la proyección, Carlos Bayona, hermano del director de Un monstruo viene a verme, ofrecerá una sesión especial para FANT desde la cabina de DJ, dentro del Ciclo Art After Dark del Museo Guggenheim

Muestra “The Vault of Rob Zombie. A Cómic Tribute”

rob-zombie-fant

Y nos llegan noticia del FANT, que se celebrará del 5 al 12 de mayo. Azkuna Zentroa acogerá la exposición “The Vault of Rob Zombie. A Cómic Tribute”, una recopilación de carteles de 16 ilustradores que se han apoyado en la imaginación del director de Los Renegados del diablo para llevar a cabo sus obras. La muestra está coordinada por Borja Crespo.

CRUDO: PRIMERO DE CANIBALISMO

vacometro4

A Crudo le ha pasado lo mismo que a The Witch el año pasado. Películas de autor que acaban en mutilsalas debido a campañas de marketing engañosas. Ni The witch era la película más terrorífica de la historia, ni Crudo es la gran salvajada que han querido vender. El filme se ha hecho hueco gracias al eslogan “Puede provocar mareos” que se ha vendido en los medios. Ahora bien, el debut en la dirección de Julia Ducournau merece todos los elogios que ha recibido por parte de la crítica.

La película nos lleva a la universidad de la mano de Justine, una joven que llega al Campus para iniciar sus estudios de veterinaria. Formada en una educación vegetariana, su vida cambiará por completo al descubrir los encantos de la carne.

crudo-raw-carne-nevera

Crudo naturaliza una cuestión que la sociedad ha convertido en tabú: El canibalismo, al que Ducournau decide darle un tratamiento similar al de la adicción a las drogas. A partir de ahí se abre la veda para que cada espectador decida jugar con esa metáfora de ‘comernos unos a otros’, más si cabe en un entorno universitario en el que los novatos viven sometidos por los alumnos de segundo curso.

Estamos también ante el enésimo viaje iniciático puente entre la adolescencia y la edad adulta tras dejar atrás el hogar familiar. Quien haya pasado por esa franja horaria vital sabrá que es una zona gobernada por el cambio constante. De hacer y dejar de hacer cosas por el ‘que dirán’. Una época de influencia del entorno que acaba cuando encontramos nuestra propia identidad. Encontrareis todo esto en Crudo. dejando a la vista que a pesar del factor canibal estamos ante un retrato de personaje fascinante y jodidamente veraz.

crudo-raw-hermanas

La fuerza de los personajes femeninos y ese aire francés, evoca a La Vida de Adele. Las jóvenes Garance Marillier y Ella Rumpf  son el equivalente perfecto a Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux, aunque en el caso de Crudo el nexo sea únicamente fraternal. Todo el trabajo interpretativo se ve apoyado en una fotografía excelsa y en una hipnótica banda sonora que recuerda al trabajo de Rob para la versión francesa de Maniac, dirigida por Frank Khalfoun. También encontramos un guiño a Carrie, la obra maestra de Brian De Palma. Mezclando sangre y novatadas era imposible no recurrir a ella.

Crudo sin duda será recordada como una de las grandes de este 2017. A pesar de la hemoglobina, una cinta que puede gustar a cualquier cinéfilo. Más difícil lo van a tener los que esperen encontrar una película de terror al uso. Ya esperamos ansiosos el próximo paso de Ducournau tras esta brillante opera prima.

Incidencias durante la proyección: Niños/as en la sala

En la sala a que acudimos había niños, y no me refiero a niños de 14 años, si no a niños de menos de diez. Al girarnos para ver su reacción ante alguna de las escenas hardcore,  vimos a uno de ellos con el envase de palomitas en la cabeza.  ¿Qué lleva a alguien a llevar a niños pequeños a ver este tipo de películas? ¿Hasta que punto debería haber cierta regulación en la entrada de menores a según que proyecciones? Dejo abierto el debate por si alguien quiere comentar algo al respecto.

 

 

Logan: Slow food para la última cena mutante

vacometro2

Reconozco la valentía de la pareja Hugh Jackman-James Mangold al intentar darle un final digno a uno de los grandes personajes del cine de superhéroes. Tras dos spin-offs insatisfactorios, Logan no solo pone fin al más célebre personaje de la Patrulla X, también despide a la primera generación cinematográfica de mutantes. La apuesta de Mangold era dejar de lado el fast-food cinema para hacer una pellicula más pausada, más íntima, con sabor a western crepuscular. Algo más que la habitual empanadilla de hostias. El director sacrifica acción poniendo corazón, y en parte funciona. La pena es que al resultado final le falta cabeza.

La acción nos sitúa en un futuro incierto en el que los mutantes se encuentran en peligro de extinción. En ese contexto, un Lobezno alcohólico y desmejorado parece haber olvidado su pasado mutante. Alguien se cruzará en su camino para encomendarlo una último misión.

logan-laura.jpg

La película se alimenta de algunos de los grandes títulos de los últimos años. La relación Logan-Laura recuerda a la que mantuvieron en los 90 Arnold Schwarzenagger y Edward Furlong en Terminator 2, y los enemigos del filme parecen lanzados por Skynet.  La búsqueda de la tierra prometida y algunas escenas en vehículo nos llevan a Mad Max: Furia en la carretera. También está presente el terror fronterizo de No es país para viejos. Y no nos olvidamos de las series. La película parece en ocasiones pariente de Stranger Things. Los paralelismos entre Once y Laura son evidentes, al igual que los de sus lugares de origen.

logan-viejo-hugh-jackman

Logan es además un gran espectáculo interpretativo. Jackman rinde a gran altura. Hugh Jackman es Lobezno, y Lobezno es Hugh Jackman. Por muchos Lobeznos que veamos en el futuro nunca habrá debate. No habrá uno mejor. Si los premios consideraran este género, Hugh Jackman sería una de los cinco candidatos finales al próximo Oscar. No se queda atrás Patrick Stewart, que encarna a un profesor Xavier entrado en la noventena y con importantes problemas de salud.

malo-logan-lobezno

 

A pesar de las virtudes, los problemas de Logan son evidentes. El principal sus 135 minutos de duración, que se hacen largos ante el vacío de acontecimientos en algunas partes. A eso hay que sumar un guión nunca está a la altura de la estética. Vemos el ocaso del héroe, pero en ocasiones falta un porqué. La película avanza con claros acelerones y frenazos. Nunca encuentra su ritmo. Por suerte, su antológico plano final y el Hurt de Johnny Cash en los créditos elevan un escalón la calidad de la película.

Estamos ante una película para devotos del personaje que gustará a muchos cinéfilos ajenos al género, pero que decepcionará a los que busquen la película definitiva de los X Men. Al menos en esta ocasión hay amputaciones sin censura Made in Lobezno. Decepcionante, pero Logan no es ni mucho menos una mala película.

 

 

Que Dios nos perdone: Madrid bajo el terror del Follaviejas

vacometro4

La segunda película de Rodrigo Sorogoyen (Stockholm) alcanza de forma instantánea el Olimpo del Thriller español. Estamos ante uno de los mejores filmes de la caza del spanish serial killer. El tiempo la pondrá en su lugar, si no lo ha hecho ya.

La película nos traslada al Madrid 2011, un Madrid difunto de las Olimpiadas en el que el 15M y la visita de Benedicto Equis Uve Palito manchan de tinta los periódicos. En ese contexto, dos peculiares policías investigan la muerte violenta de varias ancianas.

Hay dos influencias claras en Que Dios nos perdone. Por un lado encontramos ecos del thriller Fincheriano, por otro encontramos un tono cercano al del thriller coreano. El éxito de Sorogoyen radica en beneficiarse de elementos conocidos para reinventar el thriller castizo. El resultado esta lejos del thriller de pura influencia americana de Daniel Monzón. La película es española, muy española, y madrileña más concretamente. La ciudad se presenta como un personaje más de la trama. Una gran recreación del sofocante julio madrileño, con tanto acierto como el desgarrador madrid estival del Barrio de León de Aranoa.

Y todo esto dando total protagonismo a los personajes, defendidos extraordinariamente por todo el reparto. Antonio De la Torre consigue en la película algo muy complicado: Que a pesar de ser Antonio De la Torre veamos a su personaje, el tartamudo Velarde. Un investigador de nivel, parco en palabras, y con un auténtico infierno interior. Brilla a la misma altura un desatado Roberto Álamo, convertido en un colérico policía que se sitúa en la frontera entre John Mclane y Jose Luis Torrente.

Que Dios nos perdone PELICULA

Quizá lo peor del filme sean sus últimos minutos. Si bien responden a una lógica, no están a la altura del potentísimo resto del metraje. Por suerte, predomina lo notable, como esa realización trepidante cámara en mano que incorpora realidad al resultado final.

Que Dios nos perdone confirma el gran momento del thriller español, gracias a las recientes El hombre de las mil caras o Tarde para la ira, que se suman a títulos aventajados como Tesis o La Isla mínima. Empezaba a ser hora de que el cine español dejara atrás el drama o la comedia.

 

Múltiple: El niño de ‘El sexto sentido’ deja de ver a Shyamalan

vacometro3

M. Night Shymalan ha vuelto para confirmar que lo que vimos en La Visita no fue un espejismo. El ‘Isabel Gemio’ hindú, ha regresado de entre los muertos con Múltiple.

En esta ocasión, el director lleva a las últimas consecuencias dos subgéneros del thriller: El psicológico y el sobrenatural. En Múltiple, un hombre con severo trastorno de personalidad secuestra a tres jóvenes. Las chicas pronto se darán cuenta de que su captor está muy lejos de ser un delincuente al uso.

La película es un gran estudio de traumas severos. La mezcla de thriller, terror, drama y acción funciona como en los días gloriosos del director de El sexto sentido, El Bosque, El protegido o Señales. Prueba de ello son las tres semanas consecutivas que el filme lleva liderando el ranking USA. Con la calidad también vuelve el público.

anya-taylor-joy-multiple-chica

En el aspecto interpretativo asistimos a un duelo de primer nivel, el que enfrenta a Anya Taylor Joy (La bruja) y James McAvoy. La joven intérprete encarna a la perfección el resultado de una infancia difícil, mientras que el actor británico acierta en uno de esos papeles que permiten lucirse. McAvoy más desatado que nunca dando vida a los habitantes inciertos del antagonista. Un enemigo de primer nivel. También destaca la veterana Betty Buckley, que da vida a la doctora Karen Fletcher, un personaje que recuerda al doctor Loomis de La noche de Halloween.

En definitiva, una película que entusiasmará a los adeptos del director, y que entretendrá a la gran mayoría de la audiencia. Un título que deja con ganas de más.

ANÁLISIS EN SPOILER (Si no la has visto ni se te ocurra leer esto. Te arrepentirás toda tu puta vida)

multiple-james-mcavoy-senora-patricia

El nacimiento de la falsecuela

Shyamalan es un género en si mismo, y la conclusión de la película no hace más que confirmar esta afirmación. Tras el rótulo final, suenan unos acordes que nos resultan familiares. ¿Esto no es la banda sonora de El protegido? Habréis recordado muchos. Y allí está él, al final de la barra, David Dunn (Bruce Willis), revelando que todo lo visto hasta ese momento no era otra cosa que la presentación del archienemigo de la película que Shyamalan había dirigido 15 años antes. Pelos como escarpias. El director ha vuelto a dar en el clavo con un giro histórico. Ahora solo falta poner fecha al duelo de titanes que enfrentará a David Dunn y La horda. Un héroe que no puede sufrir dolor y un enemigo que castiga a las personas que no han sufrido. Épico. Los actores están por la labor.

Y el cabrón de M. Night Shyamalan se la saca diciendo que ya dio la pista en el poster. Los posters de El protegido y múltiple… ¡Encajan!

posters-el-protegido-multiple

 

El caso Fischer: La tercera guerra mundial sobre un tablero

vacometro4

Hay películas que sin ser gran cosa se convierten en fenómeno. Y también existe el efecto contrario, películas que a pesar de su calidad pasan completamente desapercibidas. Eso es lo que ha ocurrido con El Caso Fischer, en inglés Pawn Sacrifice, una visión apasionante de la compleja mente del ajedrecista norteamericano Bobby Fischer, que ascendió al Olimpo del ajedrez mientras sufría una auténtica pesadilla en su cabeza.

La cinta recrea el episodio más célebre de su carrera, el duelo ante el soviético Boris Spassky. Había oído hablar del enfrentamiento, pero desconocía la historia detrás de la partida. Este desconocimiento no ha hecho más que mejorar la experiencia, aunque la película también gustará a los iniciados en la figura del ajedrecista, o simplemente a los fans del cine de la guerra fría. Una guerra que tenía lugar en todos los ámbitos, de la carrera espacial al hockey sobre hielo. Estados Unidos y la Unión soviética aprovechaban el éxito en cualquier materia para mostrar al mundo su condición de potencia dominante. La partida Fischer-Spassky sintetiza a la perfección lo que supuso la guerra fría para ambas naciones.

Tobey Maguaire ofrece en esta película la que es posiblemente la mejor interpretación de su carrera. También cumple Liev Schreiber, en buena línea tras su buen trabajo en Spotlight el pasado año. Buena parte del resultado final se debe al buen hacer de ambos intérpretes.

liev-schrieber-spassky-el-caso-fischer

Dirige el eficiente Edward Zwick, responsable de un puñado de títulos competentes (Diamante de sangre, Leyendas de pasión, El último samurai, Resistencia), pero que nunca alcanzan la excelencia.  Y se puede decir que hace un ‘Another brick in the wall’ para confirmar esta fama de cumplidor.

No es una película redonda, pero El caso Fischer es una película que merece la pena recuperar. Sin tanto nombre da mil vueltas a películas de su liga, como Una mente maravillosa. Una historia bien contada y bien interpretada que se ve de un tirón, a lo que ayudan ciertos toques cómicos en algunas partes del metraje. Más allá del cine, estamos ante una historia que merece ser conocida.

Bonus track:

Las referencias de Los chicos del maíz siempre son interesantes. En este tema sacan chispas al duelo Bobby Fischer vs Spassky.

 

Ciencia ficción: el género maldito de los Oscar

Desde la primera edición de la gala de los Oscar, 88 películas han sido galardonadas con la estatuilla a la mejor película. ¿Sabéis que tienen en común? Ninguna de ellas fue de ciencia ficción. Los académicos han convertido al género en parte del decorado cuando la noche se pone seria y comienzan los premios gordos. Detallamos caso a caso este ninguneo histórico.

1968: CASO 2001, UNA ODISEA EN EL ESPACIO

2001-una-odisea-espacio-hal-rojo

Oscar a los mejores efectos visuales. 4 nominaciones, incluyendo Director y Guión

Los efectos especiales de 2001 siguen siendo enormes aún hoy. Tan buenos eran que muchos siguen creyendo hoy que Kubrick dirigió en un plató la llegada del hombre a la luna. Y hasta ahí. Los Oscars ningunearon al filme en un año que ganó Oliver, de Carol Reed. Al menos tuvieron la decencia de nominar a Stan como mejor director, pero tampoco ganó. Demasiada película para la Academia.

1979: CASO ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO

alien-escena-tripa

Mejores efectos visuales. Nominada a Mejor dirección artística

La primera obra maestra de Ridley Scott se llevó a casa la merecida estatuilla de efectos especiales, y hasta aquí podemos leer. Ni la película ni la magistral dirección de Scott tuvieron opción a premio. Tampoco el soberbio trabajo de Sigourney Weaver fue nominado. Al menos tuvieron la decencia de nominar a su dirección artística, categoría en la que compitió junto a Star Trek, pero ambas cedieron ante All That Jazz.

La vencedora de la noche fue Kramer contra Kramer, cuyo hueco en la historia del cine es mínimo comparado con los sucesos de la Nostromo. Esos Oscars debieron estar entre Alien y Apocalypse Now. La obra maestra de Coppola si estuvo nominada en las categoríaas principales, pero solo triunfó en fotografía y banda sonora.

La recompensa para Weaver llegaría con Aliens: El regreso, pero en forma de nominación. Ripley mereció mucho más.

1982. CASO BLADE RUNNER Y E.T. EL EXTRATERRESTRE

blade-runner-et

BLADE RUNNER

2 nominaciones al Oscar: Mejor dirección artística, efectos visuales

E.T: EL EXTRATERRESTRE

4 Oscar: Música, Sonido, FX, Efectos sonoros. 9 nom. incluyendo Película

En 1982 se estrenaron dos mitos del cine: E.T. de  Steven Spielberg y Blade Runner, de Ridley Scott, historia del cine. Pero los Oscar decidieron que ese año fuera el de Gandhi, de Richard Attenborough, una buena película, pero a años luz de las anteriormente nombradas.

E.T. se llevó 4 Oscars de los considerados técnicos (Música, Sonido, FX y efectos sonoros) de los 9 a los que aspiraba. Y estuvo presente en las categorías de mejor película y mejor director. Echamos de menos la presencia del propio E.T. como mejor actor de reparto.

Lo verdaderamente sangrante fue que Blade Runner tuviera que conformarse con una presencia testimonial: Nominaciones en dirección artística y efectos visuales. El ninguneo en las categorías principales fue total.

Todo el mundo estará de acuerdo en que el diseño de producción de la película de Scott es sin duda uno de las mejores de la historia. Pues de poco sirvió, otro oscar para Gandhi.

La impresionante banda sonora de Vangelis no estuvo nominada, en una categoría en la que como curiosidad contaremos que si estuvo la de Poltergeist, de Jerry Goldsmith.

1985: CASO REGRESO AL FUTURO

torre-reloj-regreso

 Mejores efectos de sonido. 4 nominaciones

Regreso al Futuro es un icono del cine, pero no por la noche de los Oscar. Consiguió uno testimonial, el de mejores efectos sonoros, pero la película de Zemeckis ni siquiera apareció en las categorías principales. La más prestigiosa la nominación al mejor guión original, en la que cedió ante Único testigo. La triunfadora de la noche fue Memorias de África. Incluso la también Sci-Fi Cocoon ganó más oscars (Mejor actor de reparto y mejores efectos visuales).

1992: CASO TERMINATOR 2

terminator-2-arnie-ciencia-ficcion

4 Oscars: Mejor sonido, efectos de sonido, ef. visuales, maquillaje. 6 nom.

La mejor película de James Cameron obtuvo cuatro oscars, pero todos menores. Lo triste es que La bella y la bestia compitiera por ser la mejor película y Terminator 2 no. En mejor montaje y mejor fotografía cedió ante JFK: Caso abierto, de Oliver Stone. Al menos la triunfadora de esa noche si es historia del cine: El silencio de los corderos.

1993: CASO PARQUE JURÁSICO

tiranosaurio-parque-jurasico

3 Oscars: Mejor sonido, efectos de sonido, efectos visuales.

Parque jurásico se enfrentó a un gran problema en el 1993, competir junto a la película más prestigiosa de Steven Spielberg: La lista de Schindler. Así que mientras la recreación del holocausto se llevó los Oscars serios, Parque Jurásico recibió los técnicos. La echamos en falta especialmente en las categorías de Banda sonora, guión adaptado, dirección y montaje, en las que ni siquiera fue nominada.

1995: CASO 12 MONOS

12-monos-pelicula-pitt-willis

2 nominaciones al Oscar: Mejor actor de reparto (Brad Pitt), vestuario

La mejor película de Terry Gilliam también mereció algo mejor que dos nominaciones en una edición en la que fueron multinominadas Apolo XIII (9 nominaciones) y Babe, el cerdito valiente (7 nominaciones). Director y guión debieron tener opciones importantes en la que fue la noche de Mel Gibson y su Braveheart.

1999: CASO MATRIX

matrix-efectos-especiales-agente-smith

4 Oscars: Mejor montaje, sonido, efectos visuales, efectos sonoros

Matrix está considerada la gran renovadora del género, y también del blockbuster. La película levantó con facilidad cada una de las cuatro estatuillas a las que fue nominada, y la gran pregunta rondó la ceremonia ¿Por qué quedo fuera de las nominaciones principales? Aunque el nivel era alto (American Beauty, El sexto sentido, El dilema, Magnolia o La milla verde) debió tener su hueco, como se lo ha ganado en la historia del cine. Quizá no hubiera podido con American Beauty, la triunfadora, pero debió tener la oportunidad de medirse con ella.

2006: V DE VENDETTA

natalie-portman-lluvia-vendetta

0 NOMINACIONES

V de Vendetta es una de las preferidas del público de la década de los 2000, pero no tuvo la más mínima oportunidad. La interpretación de Hugo Weaving o su guión adaptado debieron ser candidatos. La triunfadora de la noche fue Infiltrados, en una ceremonia en la que El laberinto del Fauno obtuvo tres estatuillas.

2009: CASO AVATAR, DISTRITO 9 Y WATCHMEN

avatar-distrito9-watchmen

Avatar

3 Oscars: fotografía, dirección artística, efectos visuales. 9 nominaciones

Distrito 9

4 nominaciones, incluyendo mejor película

Watchmen

0 nominaciones

Avatar partía como una de las favoritas de la noche, sumando 9 nominaciones, las mismas que En tierra hostil, pero ni la popularidad de la película de Cameron, un auténtico taquillazo, sirvió para competir con la película de su ex mujer, Kathryn Bigelow, que se hizo con los Oscars principales. 6-3 en una ceremonia descafeinada en la que hasta Sandra Bullock se llevó su estatuilla.

En la misma ceremonia tuvo su hueco una de las grandes sorpresas del género en los últimos años, Distrito 9, que si bien no consiguió ningún premio fueron suficientes para alargar la vida comercial de la película. Ya es bastante teniendo en cuenta el estigma de la SCI-FI.

Una que no figuró y echamos en falta fue Watchmen. Cero nominaciones a pesar de gran dirección artística y un gran Jackie Earle Haley, que bien podía haber competido en la categoría de mejor secundario. La dirección de Zack Snyder también mereció un hueco.

2010: CASO ORIGEN

inception-1920-1080-wallpaper

4 Oscars: mejor fotografía, sonido, ef. sonoros y visuales. 8 nominaciones

Además de las categorías técnicas, Origen si estuvo en la lucha de mejor película o mejor guión adaptado, pero la película de Nolan se vio frenada por un telefilme de la tarde de Antena 3: El discurso del rey. Le queda el consuelo de que esta no le superó en Oscars. Empataron a cuatro.

2013: CASO GRAVITY

sandra bullock en gravity

7 Premios Oscar: incluyendo mejor director. 10 nominaciones

No es ningún secreto que Gravity no es una película que despertara nuestra devoción, pero si es la película Sci-fi que más cerca ha estado de arrasar en los Oscar. De hecho arrasó en número, consiguiendo nada menos que 7 estatuillas. Entre ellas las de dirección, fotografía y banda sonora, pero en la madre de todas las categorías, mejor película, cedió ante 12 años de esclavitud. Casi.

2014: INTERESTELLAR

INTERSTELLAR

Oscar: Mejores efectos visuales. 5 nominaciones incl. mejor banda sonora

La de 2014 tampoco fue la noche de Nolan. A pesar de su gran recepción por parte del público, la película se vio relegada a nominaciones menores, y solo logró la estatuilla a los mejores efectos visuales. Ni siquiera su contundente banda sonora tuvo opción. Los académicos debieron perderse en algún agujero de gusano. Era la noche de la sobredimensionada Birdman, que también dejó fuera a títulos de la talla de Whiplash o Boyhood.

2016:  CASO MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA

mad-max-escenas-accion-furia-carretera

6 Premios Oscar: incluyendo mejor montaje. 10 nominaciones

La cuarta entrega de Mad Max volvió a demostrar que la Sci-fi solo tiene opciones en las categorías menores. Hasta 6 Oscars técnicos obtuvo la película de George Miller. La academia la incluyó también en los grandes apartados (Película y director), pero fue mera figurante a pesar de su triunfo en la letra pequeña. El Oscar al mejor director de nuevo para Iñarritu. Robo a Miller.

2017: CASO LA LLEGADA

arrival-la-llegada-nave-espacial

8 nominaciones, incluyendo mejor película y director

Tras leer todo esto… ¿Necesitaís de verdad que os expliquemos lo que va a pasar con La llegada? Otra vez será. De momento ya se han cepillado a Amy Adams en la categoría de mejor actriz, una de las candidatas más potentes.

Las 17 películas más esperadas de 2017

2017 puede se presenta como un año suicida. Ridley Scott y Danny Boyle vuelven a sus obras maestras, Christopher Nolan se va a la guerra, resucitan los Power Rangers, regresa el payaso más celebré del cine… ¿De verdad saldrá bien todo esto? Éste es el cine que viene:

LA LA LAND, LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS (13 DE ENERO)

la-ciudad-de-las-estrellas

Si no hay sorpresas, La la land arrasará en la próxima edición de los Oscar. Tampoco es que sea una gran garantía esta afirmación. Lo que nos da cierta esperanza es que tras la cámara está Damien Chazelle, director de Whiplash, una de las grandes sorpresas de la pasada temporada.

MÚLTIPLE (27 DE ENERO)

Tras encadenar varios bodrios consecutivos, M. Night Shyamalan recuperó sensaciones con La Visita. Múltiple promete continuar esa senda con la historia de un psicópata con un trastorno de personalidad. James McAvoy nos ofrecerá una de las interpretaciones más desatadas de los últimos años.

 T2: TRAINSPOTTING (3 DE MARZO)

trainspotting-nuevo-poster

En marzo llega el primer revival gordo de la temporada. Danny Boyle vuelve a dirigir en la secuela al elenco de la película original, que promete actualizar su discurso y otra banda sonora de escándalo. Un título que llevamos veinte años esperando.

CRUDO (17 DE MARZO)

crudo-pelicula-poster

Cinta de horror canibal que se alzó con tres premios en Sitges y el de la FIPRESCI en Cannes. Ya tenemos mesa en el restaurante para degustar este gore de autor.

EL BAR (24 DE MARZO)

De la Iglesia traslada su locura habitual al interior de un bar. Fuera alguien acaba de recibir un disparo en la cabeza. La trama promete. En el reparto habituales del director como Terele Pávez y Mario Casas, a los que se unen nombres como Carmen Machi o José Sacristán.

LA CURA DEL BIENESTAR (24 DE MARZO)

No es que seamos muy de Gore Verbinski (Piratas del Caribe: La maldición de la Perla negra), pero el trailer de su última película ha despertado nuestro interés. Su trama enfermiza de turbio hospital puede ser uno de los grandes entretenimientos del año.

GHOST IN THE SHELL (31 DE MARZO)

Junto con Akira, posiblemente Ghost in the Shell  sea el más celebre manga Sci-fi. Scarlett Johansson y su impresionante primer trailer nos han dado esperanzas en su paso a la acción real. Ojo a la dirección artística.

LIFE (VIDA) (7 DE ABRIL)

Que le vamos a hacer, nos encantan las aventuras espaciales. En esta ocasión Jake Gyllenhaal, Rebecca Ferguson y Ryan Reynolds lideran una expedición que, como no, se verá en problemas. El trailer recuerda a Alien.

POWER RANGERS (12 DE ABRIL)

La mítica saga televisiva da el salto al cine para competir con Transformers. Siempre he sido muy de los Power Rangers, para que disimularlo. En esta ocasión se ha optado por una trama muy similar a la que vimos en el mockumentary Chronicle. Todo lo que pase del aprobado será una victoria.

GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL. 2 (28 DE ABRIL)

guardianes-de-la-galaxia-volumen-2

La gran Space Opera Marveliana regresa este año. No será fácil estar a la altura tras el notable primer episodio. Si mantiene el tipo quizá estemos ante la Star Wars de esta generación.

ALIEN: COVENANT (19 DE MAYO)

En esta página somos muy de Prometheus. Los trailers dejan ver que esta vez estaremos más cerca de Alien que de la película protagonizada por Noomi Rapace. ¿Tendrán respuesta las preguntas que despertó la primera entrega? ¿Estamos ante una precuela directa de Alien a lo Rogue one? Sea lo que sea tenemos ganas de ver xenomorfos.

DUNKERQUE (21 DE JULIO)

Vuelve Christopher Nolan, y eso ya debería ser suficiente para llenar salas de medio mundo. En esta ocasión aparca la ciencia ficción para darnos su visión de uno de los episodios más importantes de la Segunda Guerra Mundial. ¿Volverá a triunfar?

LA TORRE OSCURA (4 DE AGOSTO)

la-torre-oscura

Dos pesos pesado, Idris Elba y Matthew McConaughey se han puesto a las órdenes del director danés Nikolaj Arcel para adaptar la célebre saga literaria de Stephen King. De momento no hemos visto demasiadas imágenes del proyecto, pero a priori puede salir bien.

 IT (ESO) (8 DE SEPTIEMBRE)

it-eso-2017

El payaso más célebre del cine de terror volverá a la vida en dos partes. La primera entrega de la nueva adaptación llegará después de verano. Una pena que Cary Joji Fukunaga (True detective) se cayese del proyecto. El argentino Andrés Muschietti intentará estrenar una película al nivel del libro de Stephen King.

BLADE RUNNER 2049 (6 DE OCTUBRE)

Estaríamos maldiciendo esta película de no ser por contar con Dennis Villeneuve en la dirección. El director de Incendies, La llegada, Sicario y Prisioneros nos hace soñar con una secuela la mitad de buena que su predecesora. Con eso nos bastaría.

THOR: RAGNAROK (27 DE OCTUBRE)

thor-ragnarok

Marvel sigue acertando en cada nuevo estreno. Tras un flojo inicio de saga y un buen segundo capítulo, Thor debe explotar a la tercera. Para ello ya se nos ha asegurado la presencia de Hulk.

STAR WARS: EPISODIO VIII (15 DE DICIEMBRE)

star-wars-episodio-8

Rian Johnson, director de Brick y Looper, intentará que la franquicia galáctica siga haciendo historia. El episodio VII dejó buenas sensaciones, pero ahora toca llevar a la saga a otro nivel. Crucemos los dedos.

Comanchería: En la América de Trump

vacometro4

Los resultados de Texas en las últimas elecciones presidenciales de Estados Unidos son un fiel reflejo de lo sucedido en el resto de la nación. Trump se impuso con el 52,2% de los votos, una victoria holgada frente al 43,2% que optó por Clinton. 9 puntos de diferencia, que se traduce en unos 800.000 votos. Pero no todos los territorios votaron por igual al magnate.

resultados-elecciones-dallas
Resultados de las elecciones 2016 en el estado de Texas

Las principales ciudades (Dallas, Austin, Houston, El Paso y San Antonio)  eligieron a Hillary, en tres de ellas con un porcentaje superior al 60%. Mientras en condados como el de Archer, donde comienza Comanchería, Trump fue respaldado por el 88,7% de los votantes. La prueba evidente de que existe otra América, una América rural olvidada, asfixiada, y en la que no calan los bailes de Barack y Michelle. La película recorre algunas carreteras secundarias de la America de Trump. Las vías por las que no transita el sueño americano.

resultados-elecciones-texas-mapa
Resultados en Texas. Rojo: TRUMP. Azul: CLINTON
resultados-elecciones-condado-archer
Resultados en el condado de Archer, escenario del primer robo de Comanchería

Vamos a ser claros, se dice tan a la ligera lo de peliculón incontestable que se debería tener cierta prudencia al usar semejantes términos, pero a la mierda. Comanchería es un peliculón incontestable. En esta película todo es notable, el guión, la dirección, la fotografía, la banda sonora, el sonido, el montaje, el reparto… Y cuando esto sucede solo queda aplaudir. Además la taquilla americana la ha convertido en el éxito independiente del verano. Un milagro en un panorama en el que es muy complicado hacerle sombra al blockbuster.

Estamos ante un neowestern de tiempos en los que los vaqueros no llegan a fin de mes. No esperéis al John Wayne de turno en este panorama. Los protagonistas son dos ladrones de bancos que buscan encadenar con acierto varios golpes para recuperar la dignidad perdida. Todo esto en un entorno en el que los bancos representan el papel que antaño era propiedad de la banda de hijoputas que atemorizada al poblado en el western.

HR6A2779.CR2

El cuarteto protagonista está de escándalo, especialmente la extraña pareja policial que forman Jeff Bridges y Gil Birmingham. El primero es un inteligente agente a punto de jubilarse que no ha perdido el buen olfato, aunque Torrente aparezca en su modelo de conducta. El segundo, un policía con antepasados indios y mexicanos que será el blanco de los chistes Bridges, a pesar de ello en el transcurso de la película irán desarrollando una extraña hermandad. La otra, nunca mejor dicho, es la de los hermanos protagonistas (Chris Pine y Ben Foster), que llevan el peso dramático de la película.

Los melómanos están de enhorabuena. A la excelente banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis hay que sumarle temas de Colter Wall, Chris Stapleton o Johnny Cash. Se agradece además que se hayan dignado a subtitularlas en español durante el metraje.

En definitiva, una película redonda que está llamada a convertirse en un título de culto. Lo único que chirría en su traducción al español, de Hell or High Water a Comanchería. Nos imaginábamos a los traductores diciendo…

-Hay que traducir Hell or High water al español

-¿Cómo chería?

-Me gusta, adjudicado

Aunque la realidad nos ha jodido el chiste. Comanchería era el título inicial de la película. Así es llamada la zona ocupada por los comanches antes de 1860, y que abarca el este de Nuevo Mexico, el oeste de Texas, parte de Oklahoma, las montañas de Wichita y grandes porciones de Colorado y Kansas.

comacheria-fotografia-oscar

A pesar del vacío en premios (no en nominaciones) de la película en los Globos de Oro, nos encantaría que pudiera rascar algo en los Oscar, aunque esta edición está llamada a ser la de la victoria amplia de La la land. Ya sabéis que esto también va de modas. Una última recomendación, acercaros a disfrutarla en una sala de cine antes de que sea tarde.

 

 

Passengers: El despertar por la fuerza

Ni Jennifer Lawrence ha evitado esta vez la tragedia. Y eso que la primera mitad de Passengers se sigue con interés. 45 minutos en los que somos cómplices del naufragio VIP de Chris Pratt. No lo pasamos tan bien como con Matt Damon en Marte, pero merece la pena ser cómplices de los descubrimientos tecnológicos de Pratt. Y es precisamente en el momento en el que la película tiene que poner el turbo cuando comienza a encallarse definitivamente. De ahí al final, de mal en peor, víctima del virus de la comedia romántica, y uno aún más letal: Arrodillarse ante el gran público.

Lo mejor de Passengers en su interesante premisa: ¿Qué pasaría si despertaras de una hibernación espacial 90 años antes de lo previsto? ¿Qué pasaría si además fueras el único pasajero al que le sucede? Hay cierto ánimo de poner en jaque al espectador ante esta situación extrema. También de crear un debate sobre la hoja de ruta a seguir. Pero por desgracia la película se despierta del sueño autoral para recordarse a si misma que su naturaleza es la de un blockbuster navideño.

Nos apena lo de Mortem Tyldum, director que mostró una gran personalidad en Headhunters, su divertidísima ópera prima. Personalidad que ya perdió en The imitación game, su segunda película. Passengers confirma que el sistema Hollywood ha dilapidado otra prometedora carrera. Tampoco es que el libreto de John Spaihts, co-guionista de Prometheus, sea nada del otro jueves.

Ni el buenismo de Pratt y Lawrence consiguen mantener en pie la propuesta. ¿En que momento aceptaron una película tan simplona? Nada nuevo para el actor, que parece haberse abonado a todo proyecto con vista a conquistar la taquilla más que a leer a fondo los guiones. A día de hoy es el nuevo chico florero de Hollywood. Para eso JLo suele tener mejor visión, alternando esta clase de productos con otros que dan lustre a su filmografía.

En definitiva, una película que podría haber sido mejor, pero que está destinada a ser uno de esos títulos de ‘domingo por la tarde’.

Análisis en Spoiler

La película fracasa al optar por la superficialidad desperdiciando el jugo de su debate. Chris Pratt decide despertar a JLo 90 años de lo previsto, condenándola  de por vida a una prisión no elegida. A pesar de lo poco ético de semejante decisión, la película nos manda durante todo su metraje el mensaje de que Chris Pratt es el bueno, pintando en ocasiones a Lawrence como una puta desquiciada. Extraño, puesto que en el fondo el protagonista masculino representa a un auténtico psicópata. No utiliza la fuerza física para despertar a Lawrence, pero aún así se puede afirmar que la despierta por la fuerza. Además utiliza la mentira para que la bella durmiente caiga en la trampa. Lo dibujan como un príncipe, pero esta más cerca del monstruo de Amstetten

 

 

 

 

Caca de la Vaca: Las peores películas de 2016

Empezamos con la lista de lo mejor del año. Ahora toca dar las malas noticias…

10. ELECTION: LA NOCHE DE LAS BESTIAS

la-purga-quiero-mi-chocolatina

Tras la remontada con Anarchy, las expectativas ante la tercera entrega de La purga eran altas. Lástima que tras un inquietante comienzo la película empiece a hundirse para convertirse en un producto de acción, y de los malos.

LEER LA CRÍTICA DE ELECTION: LA NOCHE DE LAS BESTIAS

9. BATMAN V. SUPERMAN

batman-v-superman-ciudad-juarez

Cuando terminó me pareció simplemente decepcionante, pero el paso del tiempo no ha hecho más que empeorarla. A pesar de algunas ideas interesantes en su discurso, se hunde al no justificar en ningún momento las razones de la enemistad entre los dos pesos pesados del cómic. Y hay algo peor aún… La resolución del conflicto.

LEER CRÍTICA DE BATMAN V. SUPERMAN

8. ESCUADRÓN SUICIDA

escuadron-sucida-al-completo

Parecía que la película de David Ayer iba a ser la salvadora del sello DC, pero nos equivocamos de lleno. Una película de acción al uso que solo funciona gracias a algunos destellos de Harley Quinn, lo demás es material defectuoso. Eso, sí, la BSO es temazo tras temazo.

LEER CRÍTICA DE ESCUADRÓN SUICIDA

7. MONEY MONSTER

money-monster-clooney

Tenemos buen concepto de Jodie Foster como actriz y directora, pero en esta ocasión el patinazo es serio. Una película completamente superficial sobre las consecuencias de la crisis con un poco convincente George Clooney.

6. EL RENACIDO

meme-dicaprio-oscar-renacido

La prensa y todo Hollywood intentó hacernos creer que esta película de supervivencia con aires de grandeza iba a ser la película del año. Iñárritu deja de ser Iñárritu para intentar ser Malick, y no lo sale. Dos horas y medias para que DiCaprio gane un Oscar de consolación. Ahora ya tiene los mismos que Angelina Jolie.

LEER LA CRÍTICA DE EL RENACIDO

5. ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS

rogue-one-darth-vader-malo

Tras el dramón que supuso su remake de Godzilla, Gareth Edwards vuelve a hacer de las suyas, esta vez con la franquicia Star Wars. Una sucesión de decisiones sin ningún tipo de sentido encaminadas a pegarse con el episodio IV. Y el pegamento es de barra.

LEER LA CRÍTICA DE ROGUE ONE

4. BLOODSUCKING BASTARDS

bloodsucking-bastards-prefant-vampiros-gore

Es mala de cojones, pero la perdonamos por sus escasas pretensiones y bajo presupuesto. Una película de vampiros de oficina que prescinde del ingenio para instalarse en el tópico. Los actores a cual peor. Infumable.

LEER CRÍTICA DE BLOODSUCKING BASTARDS

3. LA FIESTA DE LAS SALCHICHAS

la-fiesta-de-las-salchichas

El “caca, culo, pedo, pis” llevado a la animación. Dos horas de chistes de pollas sin ningún tipo de gracia. Una película que no es para niños, pero mucho menos para adultos.

LEER CRÍTICA DE LA FIESTA DE LAS SALCHICHAS

2. EL HIJO DE SAÚL

el-hijo-de-saul-bodrio

Palma de Oro en Cannes, Oscar a la Mejor película de habla no inglesa… Y no se lleva la caca de la vaca porque ha habido una peor. El hijo de Saúl nos pone en la chepa de uno de los limpiadores de la masacre. Deja la violencia fuera de campo para mostrarnos como el protagonista intenta darle un funeral a uno de los fallecidos, lo que convierte la experiencia en un auténtico coñazo difícil de soportar. Hora y media en la que apenas ocurre nada. Como bien ha apuntado @vivakiarostami en Twitter… “Colega, dónde está mi rabino”.

1. RESURRECCIÓN

resurreccion-pelicula-argentina

El FANT 2016 nos regaló la película del año, pero también la Caca de la Vaca del presente curso. Merecidísimo galardón gracias a una larguísima hora y media con realización digna del peor culebrón. Si os pica la curiosidad, podéis disfrutarla en el catálogo de Netflix.

 

Las mejores películas de 2016 según La Vaca de Twister

Como viene siendo tradición llega nuestra lista de las mejores películas de 2016. El año nos deja un balance irregular. Si, hemos visto auténtica basura. Por suerte lo compensan un puñado de películas notables y tres obras maestras. Vamos a ello:

10. SOUTHBOUND

southbound_terror-carretera

El género de película episódica goza de buena salud en los últimos tiempos. Muestra de ello es la terrorífica Southbound. Road movie de horror con sabor sureño que se atreve con todos los palos del género. Terror independiente del bueno.

LEER CRÍTICA DE SOUTHBOUND

9. UN MONSTRUO VIENE A VERME

un-monstruo-viene-a-verme-arbol-tejo-criatura

Ni me gustaba Bayona ni me apasionaban los dramas lacrimógenos, pero con Un monstruo viene a verme me equivoqué de pleno. Es muy Bayona, y es muy lacrimógena, pero tiene una dirección artística completamente arrebatadora. El director madrileño juega a ser Spielberg y gana por goleada a la versión actual del director americano. Piropos más que merecidos.

LEER CRÍTICA

8. EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS

ROLDÁN Y PAESA REAPARECEN EN PARÍS DE LA MANO DEL DIRECTOR ALBERTO RODRÍGUEZ

No era fácil para Alberto Rodriguez rodar cuando su anterior película, La Isla Mínima, arrasó con todo. Pero si el artesano es bueno, también suele serlo la película. El berenjenal era serio: Llevar al cine la vida de Francisco Paesa al cine, centrándose en el Caso Roldán. Por suerte Rodriguez lo resuelve con estilo y mucha clase.

LEER CRÍTICA DE EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS

7. CAPITÁN AMÉRICA: CIVIL WAR

capitan-america-escena-lucha

DC se pegó una buena hostia con la crítica por Batman v. Superman. Parecía que la idea de enfrentar a superhéroes en pantalla podía acabar también con el buen hacer de Marvel. Nada de eso, en Capitán América hay algo que no existía en las de DC: Un buen motivo para pelear. Más de dos horas de acción justificada. Entretenimiento de calidad.

6. EXPEDIENTE WARREN: EL CASO EINFIELD

experiente-warren-monja-caso-einfield

Que bueno es James Wan. The conjuring puso alto el nivel. Aire retro, buenas interpretaciones y una dirección magistral. En esta ocasión la trama se trasladaba a Inglaterra, y es ese toque inglés es el que eleva un peldaño más el resultado final. Wan se supera a si mismo con otra masterclass de manejo de la cámara.

LEER CRÍTICA DE EL CASO EINFIELD

 

5. EL INFIERNO VERDE (THE GREEN INFERNO)

el-infierno-verde-green-inferno

Aunque pudo verse en Sitges 2013, no ha sido hasta 2016 cuando ha llegado a España El infierno verde, el Holocausto Caníbal de Eli Roth. Un atracón gore en plena jungla que esconde un tortazo a lo caranchoa a la sociedad de nuestro tiempo. Sangrienta, divertida y con más miga de lo que aparenta.

4. ELLE

elle-verhoeven-pelicula-huppert

No, no tenemos la más mínima duda de que Paul Verhoeven es un auténtico genio, y si a eso le añades a una inspiradísima Isabelle Huppert, el resultado final solo puede ser excepcional. La (negrísima) comedia del año, y eso que empieza con una violación.

3. SPOTLIGHT

S_06902.CR2

Nada menos que tres obras maestras ha tenido 2016, y Spotlight fue la primera en llegar. La prensa y los Oscar se empeñaron en hypear El Renacido mientras subestimaban este películón sobre investigación periodística. Por suerte rectificaron a tiempo. Porno (del bueno) para periodistas.

LEER CRÍTICA DE SPOTLIGHT

2. LA LLEGADA

amy-adams-la-llegada-arrival

Ha tardado demasiado, pero el director Dennis Villeneuve ya está en boca de todos. La Llegada descarta jugar a los marcianitos para aportar una visión adulta e inteligente del hipotético primer contacto. Todo funciona en este clásico instantáneo de la ciencia ficción.

LEER CRÍTICA DE LA LLEGADA

1. HIGH RISE

highrise-loki-hiddleston

El FANT nos trajo este año High Rise unos días antes de su estreno en salas comerciales. Una película en la que el director Ben Weathley adaptaba a JG Ballard con un casting de nivel liderado por Tom Hiddleston. Y eso era todo lo que sabía antes de la proyección. Lo siguiente fueron dos horas de placentera hipnosis. La lucha de clases comprimida en un bloque de viviendas y musicada por el imprescindible Clint Manssell. High Rise no solo es un peliculón, también es diferente a todo lo que has visto.

LEER CRÍTICA DE HIGH RISE

 

 

Cassette: A Documentary Mixtape: Un formato imperfecto, como nosotros

Ir con el Walkman a clase escuchando música. Seguramente sea una de las cosas que más puedo echar de menos, y seguramente sea la localidad natal de mi pasión por la música. Para el instituto ya llevaba Discman, uno de los peores inventos jamás popularizados. Recuerdo esa sensación de no saber donde meterlo, y al final acabar llevando el puto frisbee en la mano. Su tamaño era un problema, pero no el único. No era la Game gear, pero si un buen yonki de pilas. Según con que movimiento podía pararse, y supuso el fin del orden lógico de escucha, de la concepción original del artista. Aunque quizá el Autoreverse fuera el primero en disparar. Tampoco olvido a toda la gente a la que iba llevando a mi secta musical armado cassette en mano tras grabar de la radio. Ok, ¿Y por qué os estoy contando mi vida por enésima vez? Ni idea, la verdad. Ah sí, que he visto un documental titulado Cassette: A documentary Mixtape (2016), dirigido por Zack Taylor.

El documental contiene dos lineas argumentarles principales: Por un lado el viaje a Holanda para entrevistar a Lou Ottens, creador del Cassette, y por otro, el presente del formato, con apasionados fans que no solo han conseguido que sobreviva, también que sus ventas crezcan en los últimos tiempos.

Aunque con los años parece la japonesa Sony la responsable del Cassette (Por eso del Walkman), fue la holandesa Philips la que dio a luz este sistema. En la empresa tenían claro que había que sustituir el falible reproductor de bobinas por un medio portátil. El equipo de Ottens lo logró. “Esperábamos que fuera un éxito, pero no una revolución” afirma el nonagenario creador.

Entre las interesantes reflexiones del documental, me quedo sin duda la que equipara a la persona y la cinta, la que habla de la dimensión humana del Cassete. “En un lápiz USB no puedes decir que eso eres tú”.  Los testimonios del documental explican que al igual que el ser humano, el cassette también se iba desgastando con el tiempo. Además, se pone en valor que fuera un formato muy personalizable. En una cinta estaba todo. No solo la música seleccionada, también tu letra y parte de tu creatividad. El componente emocional está ahí.

Mención especial también para los intentos de conquista a los que ha dado lugar este sistema de reproducción. Las voces del documental se sinceran, y alguno comparte con cierta sorna ese pensamiento pasado: “Esperaba conquistarla con mi gusto musical impecable”. El cassette requería un gran esfuerzo. Calcular tiempos, meter una intro… Cuando se la regalabas a alguien le estabas regalando algo muy tuyo. En algunos casos, se trataba de una (poco) disimulada declaración de amor.

cassette-documental-amor

cassette-documental-cinta

El Cassete pasó al culto en 1994 a causa de la digitalización, del boom del CD, también obra de Lou Ottens y su equipo. El creador no se arrepiente del salto tecnológico que dejó atrás a su primer retoño. “Uno nunca debería dudar a la hora de explorar todas las posibilidades” reconoce. 

En el documental aparecen artistas como Damien Jurado, Henry Rollins, Mike Watt, Daniel Johnston o Thurston Moore. A decir verdad, Cassette: A Documentary Mixtape no es el docu definitivo, pero si una pieza de gran valor para los que, como yo, aman las cintas. En definitiva, mas que un documental se trata de una declaración de amor. 

“Vivimos en una época en la que las cosas quedan obsoletas más rápido que nunca. Siempre hay una versión más nueva y mejor. Mientras que no hace muchos años el valor de algo consistía en cuánto iba a aguantar en el tiempo” Cassette: A Documentary Mistape

Un blog de cine con muy mala leche