Django desencadenado: Tarantino (demasiado) desatado

Dicaprio y Jamie Foxx en Django desencadenado

Tras su paso por la Francia ocupada por los nazis Tarantino cruza el charco para ofrecer un spaguetti western bañado en sangre y plagado de momentos cómicos. Django desencadenado es para la filmografía del director lo que Oh brother! fue para la de los hermanos Coen.

Tarantino no entiende de épocas ni de fronteras geográficas. Asia, Europa o la América esclavista no suponen un límite para su cine, y hasta un ataque del Ku Klux Klan puede verse con una sonrisa bajo su prisma. Lo que para DW Griffith fue una épica hazaña bélica en los inicios del cine en El nacimiento de una nación, en Django es una tronchante chapuza. Y es en esos sets del metraje donde Tarantino se hace fuerte. Llevando la historia a su terreno y consiguiendo que nada se resienta.

Lo mejor de Django desencadenado es también lo peor. Su falta de pretensiones choca con una declaración que Tarantino ha dispersado en los últimos tiempos, la de que su mejor película está aún por llegar. El tono distendido de Django le quita empaque al conjunto. Es esa falta de ambición a la hora de rodar la que aleja a esta película de las grandes de su filmografía. Kill Bill tenía sangre a chorros, pero también nos hacía sufrir con la novia protagonista. Malditos bastardos contaba con un comienzo de altura, inteligente y terrorífico. Aquí toda esa seriedad es sustituida por sketches, gags y poses, lo que hace que nunca consigamos entrar dramaticamente en la trama. Se empatiza de manera lúdica, pero nunca dramática. Tarantino se desata, pero se olvida de aplicar una necesaria cordura al conjunto.

django desencadenado sangre

Emparentaría a la película, por estética y excesos, con otra road movie de la américa profunda titulada Los renegados del diablo. Los cazarrecompensas de la película de Tarantino son una versión estilizada de los psicópatas de Rob Zombie. Se observa también similitud en el montaje: Planos, uso dela cámara lenta, inserción de la música o su concepción de ver la película como una suma de viñetas. El filme de Zombie puede parecer un primo lejano, pero comparte sangre con Django.

En el elenco destacan dos personajes por encima de todos, ambos poseen un rol secundario. Las escenas del jeque afrancesado Dicaprio elevan el nivel del filme. Cada vez que aparece la película mejora. El actor se luce en un papel más complejo de lo que puede resultar en apariencia. El otro gran personaje es el negrero negro al que da vida un Samuel L. Jackson vestido para la ocasión. Un personaje malvado pero que nos deja carcajadas en cada intervención.

Samuel L Jackson haciendo de negrero. Lo mejor de Django desencadenado

De Django, al que encarna Jamie Foxx, no podemos decir lo mismo. Es el protagonista más plano de todos los que han pisado el cine de Tarantino, pura estética sin esencia. Parece haber sido dibujado con brocha gorda y en ocasiones resulta una naturaleza muerta. El dentista alemán de Christoph Waltz está mejor construido, pero haciendo una comparación reciente se queda a años luz del cazajudios de Malditos Bastardos.

El último elemento del filme dificilmente justificable es su duración, y sobre todo esa forma de finalizar. Con el partido practicamente apagado el árbitro decreta una prórroga que solo incide en lo anterior, bien se podía haber añadido algún minuto más antes en el tiempo reglamentario antes de tener que jugarla. En números, a Django desencadenado le sobra entre 30 o 40 minutos.

A pesar de estos contras Django desencadenado es sin duda una película disfrutable, un entretenimiento con calidad garantizada, pero a veces no viene mal un poco de pretenciosidad para convertir lo bueno en histórico. De cara al próximo filme hay que exigir al tio Quentin que eleve un par de puntos la intensidad, un nuevo trabajo que ya esperamos ansiosos.

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AMOUR: En la salud y en la enfermedad

amor haneke

por Samdra

Amor. Ese concepto de relegado protagonismo en la filmografía de Michael Haneke. Un cineasta, en cambio, sí más interesado en elaborar discursos reflexivos sobre la representación de la violencia y las más oscuras pulsiones de la condición humana. Desde una proximidad distante y una frialdad que horroriza, el cineasta austríaco nos ha acostumbrado a historias en las que la culpa, la vergüenza o la incomunicación son temas recurrentes que irrumpen con violencia en espacios de cotidianidad. Aún y lejos de ser un monstruo desalmado, algo que deja patente en su última obra, Haneke es esa figura artística estimulante y necesaria que nos enfrenta, a través de la imagen, a ideas enterradas bajo los cimientos de una sociedad aparentemente tolerante.

No soy la persona más indicada para realizar un estudio exhaustivo de la importancia de un autor como éste en el marco cinematográfico contemporáneo, pero me resulta casi obligada dicha breve introducción a un tipo de cine con un lenguaje propio. Porque es precisamente en ese contexto definido en el que una historia tan dura como ésta sorprende por alcanzar unas cotas de sensibilidad y optimismo deslumbrantes e inéditas en el universo Haneke.

amor de haneke

Amor y muerte. Las dos piedras filosofales sobre las que se construye Amour, un drama que rechaza el sentimentalismo desde la más absoluta simpleza y austeridad. Con la honestidad de narrar hechos que conmueven por su realismo, por una identificación casi obligatoria y por un final inevitable. Amour se ajusta tanto a una realidad transparente que es prácticamente imposible desconectar de ella. La historia universal de un amor que llega a su última etapa, y lo hace tropezando con una enfermedad que amenaza con destruir una dignidad forjada con los años y el respeto mutuo. Pero es ahí donde el amor resurge como salvación, haciendo frente a la muerte, mitigando el sufrimiento, respetando una decisión tomada aún en lucidez. Si en Moonrise Kingdom nos emocionaba el inicio de un amor, aquí nos estremece el final de su largo recorrido.

Cuenta el propio Haneke que escribió esta historia para Jean-Louis Trintignant, junto a Emmanuelle Riva, la pareja que sustenta el peso dramático principal en la película. De hecho, fue el mismo Trintignant quien propuso el título de ‘Amour’. Los dos actores conmueven por su vulnerabilidad. Están interpretando una historia que es su presente, y lo hacen con una sensibilidad y dedicación que hiela la sangre. El deterioro balbuceante de ella y la ternura en el trato de él en un único espacio que se convierte en un nicho de emociones. Entran y salen personajes con vidas más allá de la trinchera que Haneke construye a esta pareja de ancianos autosuficientes. Personajes ajenos a una responsabilidad constante, un tratamiento de compañía y atenciones básicas. Destacable el cinismo de sello que el austríaco vierte sobre la figura de la hija –interpretada por la que fue su Pianista, Isabelle Huppert – en encuentros de violencia verbal que hacen colisionar el egoísmo de ella y las responsabilidades de él.

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“No me siento culpable”. Amour incomoda, aunque no sea su objetivo. No es el baño de La Pianista, ni el comedor de Funny Games, no es el suelo de la habitación de Benny, ni el apartamento de los Schober, ni la pared manchada de Caché (Escondido). Es una incomodidad cálida. Haneke no es culpable de mostrar una realidad a la que todos estamos expuestos. Hay tantas películas como historias posibles, y esta es la historia de un cineasta que se acerca a un momento culminante de su vida desde una perspectiva admirable. Amour es esa caricia de Trintignant a Riva para calmar su dolor.

Goya sufre de amnesia

goya roto

Además de que tiene rima fácil, sabemos muchas cosas del pintor nacido en Fuendetodos, lo que nadie nos había contado es que sufría amnesia, o alzheimer, o que se yo. Eso es lo que sacamos en claro al ver la lista de nominados a los Premios Goya 2012.

No se explica de otra manera la ausencia de tres títulos que se quedan de vacío: El mundo es nuestro, Extraterrestre y REC 3: Génesis. Dificil de entender en una ceremonia en la que Tadeo Jones y Tengo ganas de tí optan al Goya de Mejor guión adaptado.

La primera vale su peso en oro por formar parte del cine contracorriente. No nos costó mucho sacar 11 razones por las que debía arrasar en la ceremonia.

El Extraterrestre de Vigalondo es todo un alarde de originalidad, cuyo guión y reparto al menos mereció un mayor reconocimiento. Vamos a meternos en la máquina del tiempo que el director de Cabezón de la Sal diseñó para Karra Elejalde en Los cronocrímenes para viajar al pasado y desenterrar algunos cadáveres goyescos para la ocasión.

Vigalondo cronocrímenes

7:35 de la mañana, de Vigalondo, es para mi el mejor corto de toda la historia del cine español, así de claro. El trabajo del director fue recompensado con una nominación al oscar, pero la Academia ni siquiera la colocó entre las finalistas. ¿Es Al-Ghandour uno de los académicos? me pregunté. Y es que esto fue un robo tan flagrante como el que sufrió la España de aquel sudoroso Camacho en el Mundial de Corea y Japón.

Lejos de rectificar, su primer largo, la ya mencionada Cronocrímenes, ganadora en el festival de Austin y referencia de la que reconocieron beber los guionistas de Lost, tan solo pudo sacar una tímida nominación a la mejor dirección Novel, Goya que por supuesto perdió.

Si bien personalmente la tercera entrega del punto rojo me decepcionó, su ausencia en apartados técnicos es dificil de asimilar, al igual que lo es la nominación de Ivan Ferreiro por su Canción de Amor y Muerte para la película. Sublime.

Tampoco se puede esperar mucho más de una academia que selecciona a una insoportable Eva Hache, que poco o nada tiene que ver con el cine español, como maestra de ceremonias. Lo que podía haber sido la gala con el Culebra y el Cabesa…

¿Y para vosotros? ¿Cuales son los mayores despistes en la historia reciente de Los Goya?

La noche más oscura: El imperio contraataca

Jessica Chastain la noche más oscura

Nunca pensé que la directora de la entretenida Le llamaban Bodhi (1991) podría acabar jugando en la primera división del cine norteamericano. Tras la película surfera de Keanu Reeves llegaría el infravalorado apocalipsis de Días extraños, a la que le siguió el prescindible suspense de El peso del agua, película que si pasa a la historia será por las escenas de Elizabeth Hurley ligerita de ropa. A ella le siguió la destacable obra del subgénero del cine submarino K-19: The widowmaker, UEFA en una liga donde Marea Roja o La caja del Octubre Rojo juegan la Champions.

Hasta la oscarizada En tierra hostil nadie tomó en serio a la Bigelow. La película sobre los artificieros en territorio iraquí dió la campanada en 2008. Un drama de alta tensión que mezclaba espectaculares escenas de campo, en ocasiones terroríficas, con el intenso drama personal de un brillante Jeremy Renner, un drama que es el que vive todo una nación. Entre desactivación y desactivación nos mostraba aquello de lo que nos habló Coppola en Apocalypse now, el horror de la guerra.

atentado la noche más oscura

No ha sido hasta 2013 cuando Kathryn Bigelow nos ha entregado su mejor filme hasta la fecha. Siguiendo la estela de oriente medio que tan buenos resultados le dió en su anterior película, nos hace ser testigos de la caza del terrorista por antonomasia, del enemigo público del primer mundo reciente, del hombre del saco moderno, del nombre en código OBL. Eso es Zero Dark Thirty, los hechos acontecidos en La noche más oscura de la historia reciente de los Estados Unidos.

La directora plantea una interesante estructura triangular, donde la base se mantiene y los lados laterales se estrechan hasta llegar a un vértice. Tras muchos nombres árabes, muchos lugares árabes, muchas tensiones políticas y muchos atentados, se nos dirige al pico, al dia y hora de la operación para matar a Bin Laden. Un ascenso a un ocho mil que la directora dirige con rigurosidad, efectividad y estilo, acercándose en ocasiones al documental pero aplicando la ficción americana.

jessica chastain la noche mas oscura

Durante la travesía encontramos las sombras de los métodos de actuación del ejército USA, inyectado por la necesidad de venganza y el terror general que afectó al pueblo norteamericano en los primeros años Post-11S. Bigelow decide con criterio no meterse en pantanos, ni hacer una crítica de los métodos, ni mucho menos una oda, que sea el espectador quien juzgue después de los créditos. Eso hace que el resutado del relato mejore, si bien nos llega un ligero mensaje tras acabar la película: La venganza, por muy frio que esté el plato en el que se sirve, deja mal sabor de boca.

Y ahora viene lo que para mi es lo mejor de la película: Jessica Chastain. Es la protagonista absoluta de la función. La película recae sobre ella, y ella eleva un peldaño más el resultado final. Inteligente, dura, valiente, lista, terca, irascible y finalmente humana. Un personaje obsesionando con completar su misión, una obsesión que también es la de todo un pueblo. Para mi, uno de los mejores papeles femeninos de los últimos años y la última gran puta jefa. Es todo lo que busco en una chica.

la noche mas oscura vision nocturna

Cazadores de mitos

El antagonista en este caso es un antagonista fantasma, el gran unicornio blanco, el bigfoot, el abominable hombre de las nieves, un personaje omnipresente a pesar de su ausencia, Osama Bin Laden. Un tipo que como el Zodiac de Fincher también mandaba mensajes a sus víctimas e investigadores, pero en este caso en forma de atentados.

Tecnicamente la película es indiscutible. No hay nada en ella que no desprenda realismo. Las escenas a pleno sol de Apocalypse now contrastan con las escenas nocturnas de los sigilosos Black Hawks. Cayendo en el tópico se debe afirmar que es una película oscura, es al cine bélico lo que El imperio contraataca a la saga Star wars.

No voy a entrar a valorar la rigurosidad de la trama y desconfiad si alguien lo hace, puesto que dudo que tengais amigos que puedan desvelar secretos de estado norteamerricanos. Si es así preguntarles también por JFK, y sobre todo por el Area 51 que me pica la curiosidad. Os recomiendo entregaros a esta trepidante investigación sin prejuicios, la ocasión lo merece.

la noche mas oscura chastain bandera americana barras y estrellas

Todo hace presagiar que la Bigelow se enfrentará a su segunda nominación al Oscar de Mejor directora. Visto lo visto, La noche más oscura estará entre las favoritas. Veremos hasta donde llegan estos cazadores de mitos.

Calidad de la leche: Leche de unicornio recien ordeñada.