Fuego en el cuerpo… y en el cine

`por Raquel Ortega-Martínez

El cine nos ha regalado momentos de pasión incontestable, ya sea de manera más tenue y romántica (como en ‘De aquí a la eternidad’) o de un modo más ardiente e impetuoso (como en ‘Una historia de violencia’). Mentiríamos si dijéramos que no nos gusta ver esos momentos de tensión sexual más o menos resuelta en los que sus protagonistas consiguen hacer que la pasión traspase la pantalla y llegue hasta el espectador. Pero, en ocasiones, ni siquiera hace faltar alardear de coreografiadísimas escenas de sexo o incluso de un simple desnudo; una sola mirada puede bastar para desatar el más profundo de los deseos.

Como la sutileza también tiene su encanto, aquí os dejamos nuestras seis escenas preferidas de erotismo, lujuria y sensualidad… sin sexo.

La gata sobre el tejado de zinc (Richard Brooks, 1958)

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La escena final de ‘La gata sobre el tejado de zinc’ es de una sensualidad insoportable. Probablemente porque Paul Newman y Elizabeth Taylor jamás han estado tan arrebatadoramente atractivos en pantalla, o porque durante todo el metraje la tensión sexual entre ellos ha ido escalando hasta alcanzar unos niveles insostenibles. La pobre Taylor hace lo imposible por intentar seducir a su alcohólico y resentido marido, pero él siempre la rechaza.

Por eso, cuando Brick le dice a Maggie que cierre la puerta con llave, ella no puede ni respirar. El significado detrás de esa mirada azul y pícara de Newman y de su forma de lanzar la almohada de vuelta a la cama es lo que nos deja sin respiración a los demás.

 

Fuego en el cuerpo (Lawrence Kasdan, 1981)

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Fuego en el cuerpo fue una de esas películas que, cuando era pequeña, veía a cachos escondida en el pasillo sin que mis padres se enterasen. La película en sí exuda sexualidad por todos los poros, con una Kathleen Turner tan sensual y perversa en su debut cinematográfico que nos sube las pulsaciones cada vez que aparece en pantalla. En mitad de esa maratón de sexo sudoroso y apasionado que es la película aparecen un par de escenas que, sin necesidad de recurrir a nada explícito, hacen subir la temperatura de la habitación unos 50 grados (¿os acordáis de cuando William Hurt rompe una puerta de cristal para poder correr a besar apasionadamente a Kathleen Turner?).

Mi preferida, sin duda, es aquella en la que los amantes están metidos en la bañera después de un encuentro sexual especialmente intenso y la Turner pide a Hurt que eche más hielo en la bañera. “Me quemo por dentro”, le dice. Y nosotros también, Kathleen…

Risky Business (Paul Brickman, 1983)

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Lo cierto es que no podemos culpar a Tom Cruise del desenfreno al que se entrega en esta mítica película. La adolescencia es una época hormonal muy complicada, y si encima se cruza en tu camino una explosiva Rebecca De Mornay, empezar bailando en gayumbos en el salón de tu casa y acabar con el Porsche de tu padre sumergido en un lago es prácticamente una consecuencia inevitable.

La película está plagada de escenas tórridas entre el cándido Cruise y la sexual De Mornay, pero si hay una que nos ponga a mil, más por el previo y por las miraditas que por lo que va a pasar después, es la del viajecito nocturno en metro. Nunca hubiéramos imaginado que combinar una canción de Phil Collins con un trayecto en metro a ninguna parte podía resultar tan, tan, tan sugerente.

 

Shame (Steve McQueen, 2011)

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Que Michael Fassbender era un actor con un poderoso magnetismo sexual lo teníamos bastante claro, pero entonces llegaron Steven McQueen y ‘Shame’ para demostrarnos hasta qué punto nos habíamos quedado cortos en nuestras suposiciones. Si bien la película nos deja un poso muy amargo después de verla (no por nada está incluida en el listado de ‘El cine como patada en los cojones’), también es cierto que la escena de apertura es de una carga erótica innegable, superando con creces a la gran mayoría del material pornográfico y las relaciones sexuales fugaces al que el protagonista es adicto.

Lo que comienza como un inocente flirteo mudo en el metro, se acaba convirtiendo, bajo la penetrante y lasciva mirada de Fassbender en un polvo visual de dos minutos. Al principio la chica se presta al juego, pero, llegado a un punto se da cuenta de que Brandon no sólo la está desnudando con la mirada, sino que está ahondando mucho más en lo que haría de tenerla entre sus manos. Asfixiante, sí, pero también muy, muy provocador.

 

In the mood for love’ (Wong Kar Wai, 2000)

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Al margen del eterno debate acerca de si los dos protagonistas llegan realmente a ser infieles a sus ya de por sí adúlteras parejas, lo que sí es cierto es que ambos alcanzan un nivel de intimidad que en ocasiones supera al del sexo. ‘In the mood for love’ es una película acerca de oportunidades perdidas y sentimientos expresados en momentos efímeros, de dos personas solitarias que buscan consuelo basando su relación en un sentimiento platónico que anteponen al dolor de saberse traicionados.

Es por todo ello que la concepción habitual que podríamos tener del sexo expande sus fronteras al hablar de la relación entre los personajes de Tony Leung y Maggie Cheung. No se trata tanto de la posible relación sexual en sí, sino de la constante tensión romántica y del deseo anhelante de sus protagonistas. En una sociedad represiva y puritana, ellos convierten un acto tan simple como comer juntos en algo tan erótico e íntimo como hacer el amor.

 

Los búfalos de Durham (Ron Shelton, 1988)

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Susan Sarandon se tira la mitad del metraje de ‘Los búfalos de Durham’ aleteando entre Kevin Costner y Tim Robbins, embarcándolos a los dos en un divertido y excitante triángulo amoroso. Con sus tiras y sus aflojas, todo va sobre ruedas hasta que Kevin Costner, en su papel de tío ingenioso, sexy y seguro de sí mismo, decide poner las cartas sobre la mesa en una escena que hizo suspirar muy profundamente a muchas de nosotras.

“Creo en el alma, en la polla, el coño, la parte baja de la espalda de una mujer, las bolas con efecto, las dietas altas en fibra, el buen whisky, que las novelas de Susan Sontag son una basura desmesurada y sobrevalorada. Creo que Lee Harvey Oswald actuó en solitario. Creo que debería haber una enmienda constitucional prohibiendo los campos de hierba artificial. Creo en el bateador suplente, en la pornografía suave, en abrir los regalos el día de Navidad en lugar de en Nochebuena y creo en besos largos, lentos, suaves y húmedos que duran tres días”. Amén.

 

Finalistas: Diane Lane recordando entre sonrisas acaloradas su tórrida primera vez con Olivier Martínez en ‘Infiel’ (Adrian Lyne, 2002),  Mark Wahlberg enseñándole a Reesse Witherspoon que una montaña rusa puede ser excitante en un modo que jamás hubiésemos imaginado en ‘Pasión obsesiva’ (James Foley, 1996), Pierce Brosnan y Famke Janssen demostrando que una buena pelea física también puede contar como juego preliminar en ‘Goldeneye’ (Martin Campbell, 1995), Harvey Keitel acariciando el escaso trozo de piel que se vislumbra a través de un agujero en la media de Holly Hunter en ‘El piano’ (Jane Campion, 1993).

Los 8 apellidos del cine vasco

Cobeaga, Malo, De la Iglesia, Armendariz, Medem, Serra, Urbizu, Santos. Todos no son apellidos vascos, pero así se apellida el cine vasco actual. Repasamos la lista de directores que componen esta primera división del cine Made in Euskadi.

COBEAGA, Borja

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Donostia, 1977. El guionista de 8 apellidos vascos es el primero de esta lista. Entre sus méritos: Volver a poner a la comedia autóctona en el lugar que merece. Su corto Éramos pocos optó al Oscar, y pocos son los que pueden decir eso. Estelar debut en la dirección ayudado por uno de esos miles de Pagafantas que nos encontramos a diario. Repitió éxito en la desmadrada nochevieja de No controles. Mientras su guión (escrito junto a Diego San José) lidera la taquilla, triunfa con su corto Democracia. Presente y futuro.

MALO, Pablo

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Donostia, 1965. Se hizo con el Goya al Mejor Director Novel gracias a un gran debut con Frio Sol de invierno. La acogida de la inquietante La sombra de nadie, su segundo largo, fue menos entusiasta, pero bien merece un rescate. 2014 es su año. Se enfrenta nada menos que al primer asesinato de los GAL en Lasa y Zabala, con Unax Ugalde, Francesc Orella y Oriol Vila.

DE LA IGLESIA, Álex

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Bilbao, 1965. Ha vuelto a sus orígenes y a sus raíces con Las Brujas de Zugarramurdi. El resultado: Un buena taquilla y 8 merecidos premios Goya. Echando la vista atrás encontramos clásicos imperecederos como Acción mutante, El día de la bestia o La comunidad. En su cine destacan el ritmo, la acción y los secundarios frikis. Un director que ha creado su propia marca de la casa. Uno de los grandes.

ARMENDARIZ, Montxo

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Olleta (Navarra) 1949. Aunque con más pasado que presente, no se pueden negar los méritos de este mastodonte del cine vasco, que nos conquistó desde la sierra de Urbasa con Tasio. A partir de ahí una carrera excepcional, rozando el Oscar con Secretos del corazón, o poniendo imágenes a la literatura de Bernardo Atxaga en Obaba. ¿Nuestra debilidad? Ese retrato generacional llamado Historias del Kronen. Queremos más.

MEDEM, Julio

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Donostia, 1958. Otro genio vasco venido a menos, aunque en este blog somos muy fans de Caótica Ana. Personalidad, sensualidad y lenguaje propio explotado en obras como Tierra, La Ardilla roja o Lucía y el sexo. Aportación a la cultura vasca con Vacas y reflexión sobre la violencia en el documental La pelota vasca. ¿Su gran obra maestra? Para nosotros, Los Amantes del Círculo Polar. En 2015 le veremos dirigiendo a Penélope Cruz. Mal empezamos, aunque mantenemos la fe en el talento.

SERRA, Koldo

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Bilbao, 1975. Es la apuesta personal de este blog. Su debut, Bosque de sombras, merece una revisión. Ese homenaje a Peckinpah desprendía cine. Todo un mérito acercar al gran Gary Oldman a tierras vascas. Su corto El tren de la bruja es de visión obligada para amantes del pasaje del terror. Ahora mismo trabaja en la ambiciosa Gernika. Tenemos muchas ganas de que vuelva a estrenar.

URBIZU, Enrique

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Bilbao, 1962. En No habrá paz para los malvados dibujó a Santos Trinidad, un personaje decadente para la historia del cine español. Un éxito que arrasó en los Goya. Antes ya nos había demostrado de lo que es capaz en esas calles oscuras que vimos también en Todo por la pasta o La caja 507, ambas con la colaboración de un potente Antonio Resines. Lo próximo son Las andanzas del Capitán Alatriste para televisión y Sirver or lead, en 2015, su asalto a Hollywood.

SANTOS, Oskar

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Bilbao, 1972. Interesantes incursiones en el cine comercial. El primero, junto a Noriega y Belén Rueda en El Mal ajeno, una historia de hospitales con toque Shyamalan. La segunda, la adaptación de Zipi y Zape en Zipi y Zape y el club de la canica, con un buen funcionamiento en taquilla. Necesitamos directores que lleven gente a las salas. Él es uno de ellos.

Escrito esto, una conclusión evidente: El cine vasco goza de buena salud. Si echais algún nombre en falta no dudeis en incorporarlo en la parte de comentarios.

Nominados a los blogos de oro 2014

La Vaca de Twister ha participado junto a otros 65 blogs en la votación de los Blogos de oro, premios en los que compiten películas con fecha 2013.  Al fin unos galardones jodidamente independientes.

Estos son los nominados:

 Mejores Efectos especiales
Gravity
El Hobbit: La desolación de Smaug
Iron Man 3
Pacific Rim
Star Trek: En la oscuridad
Mejor película de animación
Frozen. El reino del hielo
Gru 2. Mi villano favorito
Se levanta el viento
Los Croods. Una aventura prehistórica
Monstruos University
Mejor Actor de reparto
Barkhad Abdi por “Capitán Phillips”
Daniel Brühl por “Rush”
Michael Fassbender por “12 años de esclavitud”
Jonah Hill por “El lobo de Wall Street”
Jared Leto por “Dallas Buyers Club”
Mejor Actriz de reparto
Sally Hawkins por “Blue Jasmine”
Jennifer Lawrence por “La gran estafa americana”
Lupita Nyong’o por “12 años de esclavitud”
Julia Roberts por “Agosto”
June Squibb por “Nebraska”
Mejor Actor principal
Bruce Dern por “Nebraska”
Leonardo DiCaprio por “El lobo de Wall Street”
Matthew McConaughey por “Dallas Buyers Club”
Joaquin Phoenix por “Her”
Toni Servillo por “La gran belleza”
Mejor Actriz principal
Amy Adams por “La gran estafa americana”
Cate Blanchett por “Blue Jasmine”
Sandra Bullock por “Gravity”
Adèle Exarchopoulos por “La vida de Adèle”
Meryl Streep por “Agosto”
Peor Película
After Earth
La jungla: Un buen día para morir
El llanero solitario
Movie 43
Niños grandes 2
Mejor Guión
John Ridley por “12 años de esclavitud”
Richard Linklater, Julie Delpy, Ethan Hawke por “Antes del anochecer”
Spike Jonze por “Her”
Terence Winter por “El lobo de Wall Street”
Bob Nelson por “Nebraska”
Mejor película española
Las brujas de Zugarramurdi
Caníbal
La gran familia española
La herida
Vivir es fácil con los ojos cerrados
Mejor Director
Alfonso Cuarón por “Gravity”
Spike Jonze por “Her”
Steve McQueen por “12 años de esclavitud”
Alexander Payne por “Nebraska”
Martin Scorsese por “El lobo de Wall Street”
Mejor Película
12 años de esclavitud
Gravity
Her
El lobo de Wall Street
La vida de Adèle

 

Nuestras conclusiones:

  • Nos metemos con los Oscar, pero estas nominaciones son bastante continuistas. O los Oscar tienen criterio realmente o somos nosotros los que no tenemos.
  • Echo de menos a Prisioneros. También a Marian Álvarez en la categoría de actriz principal. La suya es sin duda la interpretación femenina del año, con permiso de Adele.
  • Nos alegra que La Gran belleza (La gran estafa italiana) se haya quedado fuera de mejor película. La nominación de Servillo, por otra parte, es comprensible. Por contra, Gravity se presenta como rival a batir. Confiemos en El lobo.
  • Merecidas las nominaciones de Phoenix y el guión de Jonze, pero aún así me parece una obra menor del director y guionista de Como ser John Malkovich o Adaptation, su mejor película.
  • Los Goya dejaron a Las brujas de Zugarramurdi fuera de la categoría de mejor película. Esperemos que este Blogo de oro haga justicia.
  • Desde ya nos hacemos del #TeamAdele y del #TeamLobodeWallStreet
  • Nuestro agradecimiento a Cine de patio y colaboradores por hacer posible esta iniciativa.

Podéis leer las bases de estos premios y una explicación más completa y detallada. aquí: https://docs.google.com/blogosdeoro2014

Lista de los 66 blogs que ejercen como jurado. Si clicáis en el nombre accederéis a sus blogs:

@Cinedepatio@Mazmorreros@rdelgadoa81, @Cinefila_91, @CinefiloObseso, @NewCinema_es, @RavenHeartWeb, @PacoGarrD, @Lemon_Ari, @Requiemxelcine, @oskarcsegura, @OdiseaenelCine, @KymvengeBlog, @CiudadanosKine, @Aleucine, @VacadeTwister, @gusanillodecine, @cienxcienCINE, @elpalomitron, @jeanne_duval, @Cineceluloide, @elblogviviente, @cinefilia4, @filmmelier, @cinedania, @ociopalabras, @SenderosdelCine, @ElblogdeIvanRma, @Cinedesdemis16@TakerVazquez, @cinestation@DiscoFriki, @Vox_Ultra, @CineParaIdiotas, @NocheHalloween@Cineysefeliz@PalomitasAccion@cinecesitas@CinemaParadiso3@HaganSitio@Lentes_negros@ClubdeCinefilos@el_bunkerZ@Radiocine@AuroraNocte@blogthinkk@LunesSeriefilos@xavipargonScreeningRBlog@FilmsAndChips,
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300: El origen de un imperio. 100 minutos de escenas eliminadas.

Me apresuro a escribir la crítica de 300: El origen de un imperio antes de que la película desaparezca por completo de mi memoria. No es tarea fácil. Se trata de esas películas de consumo rápido y digestión inmediata. Me agarro a un clavo ardiendo llamado Eva Green para que no se vaya todo mi recuerdo al célebre agujero del primer 300, aquel por el que descendió violentamente un emisario persa tras un “Madness? This is Sparta” de Gerald Butler.

Al salir del cine la sensación es similar a la de haber asistido a una procesión de Semana Santa. La banda sonora, parece compuesta por Safri duo en colaboración con Manolo el del Bombo. Riete tú de la tamborrada donostiarra.

El viaje por esta precusecuela no ha sido satisfactorio. La trama pasa demasiado tiempo en alta mar sin biodramina. Películas bélicas como la muy recomendable Acantalido rojo funcionaban de maravilla gracias a su sentido táctico militar. Aquí todo es empotrar tú barco contra el de al lado como si fuera un auto de choque. Se echa de menos un enfrentamiento con los pies en la tierra.

El nuevo director, Noam Murro,  no muestra ningún tipo de personalidad, y se pliega a un modelo continuista. Esta película no se llama Casi 300 porque el título ya está pillado. En ocasiones parece una recopilación de escenas eliminadas de la película original.

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A la cinta le falta algo fundamental en este tipo de historias. Se llama épica. Toda la que podía tener se la llevó su predecesora. Estos hechos ocurridos durante 300 carecen de la grandeza del glorioso pasaje de las Termópilas. Lo peor es que la cinta intenta hacernos creer que no es así, y aunque dota de motivos para atacar al ejército persa, nunca acaba de posicionarnos, ni a favor de unos ni de otros.

El primer 300 era un hombres contra monstruos con todo más claro. 300 tipos duros contra monstruos persas del inframundo. Los persas eran malos malísimos y todo encajaba mejor. La frankensteinación de Xerxes de la secuela no termina de funcionar. A pesar de algún pez mutante, echo de menos más criaturas extrañas.

Cineastas del futuro. Hay algo que no debeis olvidar. Si en el guión hay personajes que no funcionan, no dudeis en eliminarlos. Hay uno concretamente en este 300 que es jodidamente ridículo. Este tipo:

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A veces le enfocan y ni siquiera habla, y a diez minutos para el final sigo sin saber quien es y porque le han dado esa presencia mística junto al protagonista. ¿Me podría desvelar alguien quien carajo es y que pinta en esta película?

¿El acierto? Artemisa, encarnada por Eva Green. Una zorra retorcida de esas que caen bien, la hermana malvada de la Katniss Everdeen de Los juegos del hambre. Es lo mejor de la película. Se folla al protagonista Sullivan Stapleton, en sentido literal y figurado. Escena, por cierto, que alcanza una ridiculez sublime.

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A pesar de todo lo anterior, este producto de la factoria Snyder tiene cierto encanto. He de confesar que si hay tercera cometeré encantado el mismo error. Todo por ver un poco más de La locura del rey Xerxes. El sello Snyder ha aplicado algo de arte al cine de acción serie B que ejercen orgullosos cineastas como Paul W. Anderson. En esencia, la factoría Snyder no está muy lejos de películas como Mortal Kombat o Resident evil. Nos encantaría ver una producción de la escuela Snyderiana de la primera de ellas. Nadie mejor que Zack para recrear la muerte más salvaje y hermosa de la historia del videojuego: El fatality.

Fuera de plano

Por Raquel Ortega-Martínez

¿Qué ocurre entre bambalinas durante el rodaje de una película? ¿Cómo se consigue un determinado efecto ante la cámara? ¿O que un actor refleje una emoción en concreto durante una escena? ¿Qué estrella de Hollywood se quedó a las puertas de interpretar a un personaje que hoy forma parte de la cultura popular? ¿Cómo era la industria del cine en sus primeros años?

Del mundo del cine no sólo nos gustan las buenas historias, por eso hoy os traemos una pequeña recopilación de curiosidades y anécdotas del séptimo arte. Preparad las palomitas y… ¡acción!

  • Los láseres azules que se utilizaron para alumbrar la cámara de huevos de la nave alienígena de ‘Alien’ (1979) pertenecían a The Who, que los estaban probando para uno de sus conciertos en el plató contiguo.

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  • Richard Linklater decidió escribir el guión de ‘Antes del amanecer’ (1995) basándose en una noche que había pasado recorriendo Philadelphia en compañía de una mujer a la que había conocido, Amy. A diferencia de la película, ellos sí mantuvieron el contacto durante un tiempo. Linklater no supo nada de ella durante años, ni siquiera tras el estreno de la película. Algún tiempo después se enteró de que Amy había muerto en un accidente de tráfico unos pocos años después de que se conocieran.
  • Arnold Schwarzenegger decidió aceptar el papel protagonista de ‘Desafío total’ (1990) porque le interesaba la idea de los viajes virtuales. La escena en la que el vendedor lo convence para realizar el viaje que nunca hizo es su preferida de toda la película.
  • Con la llegada del cine sonoro, las estrellas que se había hecho famosas durante la época del cine mudo sentían pánico cada vez que tenían que grabar delante de un micrófono. En una ocasión se declaró fuego en los estudios de la Paramount, y la actriz Clara Bow huyó gritando “¡Por Cristo, espero que sea en el departamento de sonido!”.
  • Durante el rodaje de ‘Star Trek’ (2009), J.J. Abrams estaba decidido a que el saludo vulcaniano saliese a la perfección en pantalla, por lo que acabó pegándole los dedos con pegamento a Zachary Quinto.
  • Después de rodar ‘Sonrisas y lágrimas’ (1965) junto a Julie Andrews, Christopher Plummer dijo que trabajar con la actriz era “como ser golpeado en la cabeza con una carta de amor”.
  • Steven Spielberg decidió rodar la mayor parte de ‘E.T., el extraterrestre’ (1982) teniendo en cuenta la altura visual media de un niño para que así el espectador pudiese conectar mejor con Elliot y E.T.
  • La idea original de James Cameron en ‘Terminator’ (1984) era que el personaje de Sarah Connor tuviese una vieja herida en la pierna de cuando practicaba patinaje artístico que había sido curada con dos pasadores quirúrjicos, y que el Terminator hubiese cortado las piernas de las dos primeras Sarah Connors en busca de la marca identificativa.
  • Durante el rodaje de ‘Evita’ (1996), Madonna lució 85 conjuntos, 139 sombreros, 45 pares de zapatos, 56 pares de pendientes y 42 peinados distintos.
  • Katharine Hepburn ansiaba conseguir el papel de Escarlata O’Hara en ‘Lo que el viento se llevó’ (1939), pero el productor David O. Selznick la rechazó diciéndole: “Sinceramente, no me imagino a Clark Gable persiguiéndote durante diez años”.

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  • La película satánica ‘Incubus’ (1965), de Leslie Stevens, tiene el honor de ser la única de la historia del cine rodada en esperanto.
  • Durante una proyección de ‘Robocop’ (1987) en Sacramento, California, el sospechoso de un robo decidió esconderse en la sala de cine para huir de la policía. Se quedó tan absorto con la película en pantalla que no se dio cuenta de que se estaba evacuando a todo el mundo de la sala poco a poco. Cuando las luces se encendieron, el sorprendido ladrón fue detenido.

robocop

  • Cuando Kim Novak le preguntó a Alfred Hitchock sobre su motivación en una escena concreta durante el rodaje de ‘Vértigo’ (1958), el director le contestó: “No ahondemos demasiado profundamente en estos asuntos, Kim. Es sólo una película”. En otra ocasión, la actriz preguntó al legendario director cuál era su mejor perfil, a lo que Hitchcock respondió: “¡Querida, estás sentada sobre él!”.
  • El maniquí del cuerpo de Sean Bean que se ve al final de ‘El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo’ (2001) era tan convincente que un miembro del equipo técnico le preguntó a algunos de los actores mientras tomaba nota del almuerzo si su compañero iba a querer algo de comer.
  • Durante el rodaje de la escena de la hoguera en ‘Cuenta conmigo’ (1986) en la que Chris se derrumba emocionalmente, Rob Reiner estaba seguro de que River Phoenix podía hacerlo mejor. Así que le pidió que pensase en algún momento de su vida en el que un adulto en el que confiaba le hubiese defraudado profundamente y que utilizase esos sentimientos en la escena. Phoenix se entregó tanto en la siguiente toma, que es la que aparece en el corte final de la película, que tuvo que ser consolado después por el director.
  • Balaban & Katz fue una de las primeras empresas en enriquecerse con la proyección de películas allá por 1917. Idearon también un curioso servicio de guardería durante las proyecciones por el cual los bebés se quedaban en la calle con sus carritos numerados aparcados en la acera. Si alguno de los pequeños lloraba demasiado, la dirección proyectaba una diapositiva en pantalla: “Madre número 47, su bebé está llorando”.
  • Durante la preproducción de ‘Showgirls’ (1995), los productores querían a Madonna en el papel de Cristal Conners y a Drew Barrymore en el de Nomi Malone.
  • Hedy Lamarr se divorció de John Loder porque se durmió durante la proyección de una película suya. “Esto no estaba en los votos matrimoniales”, se quejó el actor a su relaciones públicas.
  • Ryan Gosling se hizo con el papel protagonista de ‘El diario de Noah’ (2004) porque su director, Nick Cassavetes, no quería a “un actor guapo”.
  • Después del estreno de ‘Top Gun’ (1986) la tasa de reclutamiento en la Marina estadounidense creció un 500%.
  • Charlton Heston consiguió su paper del Moisés en ‘Los diez mandamientos’ (1956) gracias a que se había roto la nariz cuando era estudiante. En su exhaustiva investigación previa al rodaje, Cecil B. DeMille descubrió que la estatua de Moisés hecha por Miguel Ángel tenía la nariz rota exactamente en el mismo sitio que Heston.
  • Ridley Scott había vetado la idea de que Louise besase a Thelma al final de la película ‘Thelma & Louise’ (1991), pero Susan Sarandon decidió hacerlo de todas formas sin decirle nada al director. Como era la última toma del último día de rodaje, Scott se vio obligado a incluir el beso en el metraje.
  • En una ocasión Billy Wilder dijo de Audrey Hepburn: “Esta chica acabará consiguiendo que los pechos se pasen de moda”.
  • Antes de comenzar el rodaje de ‘Réquiem por un sueño’ (2000), el director Darren Aronofsky les pidió a Jared Leto y Marlon Wayans que evitaran el sexo y el azúcar durante un periodo de 30 días para así poder comprender mejor el ansia abrumadora de sus personajes.
  • Luchino Visconti tenía fama de ser perfeccionista hasta la exasperación. Durante el rodaje de ‘El gatopardo’ (1963) en un pueblo siciliano, el director se negó a rodar una escena al ver que algunas de las casas tenían antenas de televisión. A pesar de que podía haber filmado sin que se viesen, ordenó a su director artístico que las quitasen todas: “Cuando no estén, filmaremos. Hasta entonces, me encontrará en mi hotel”.
  • Puesto que la película ‘Halloween’ (1978) no fue rodada en orden cronológico, John Carpenter creó un ‘medidor del miedo’ para que Jamie Lee Curtis pudiese saber qué nivel de terror debía mostrar en cada escena.
  • La escena de la crucifixión en ‘Barrabás’ (1962) tiene una iluminación tan especial porque fue rodada al aire libre durante un eclipse solar total.
  • Antes del estreno americano de ‘Trainspotting’ (1996) los primeros 20 minutos de la película tuvieron que volver a ser doblados para conseguir que el cerrado acento escocés de los personajes fuera más inteligible.
  • Kirk Douglas supo desde el principio que lo iba a tener muy difícil si quería triunfar en Hollywood con su nombre original: Issur Danielovitch. Así que decidió cambiárselo por el de Izzy Demsky.
  • David Lynch quería a Molly Ringwald como protagonista de ‘Terciopelo azul’ (1986), pero la madre de la actriz se sintió tan asqueada al leer el guión, que ni siquiera permitió que las páginas llegasen a manos de Ringwald. El papel fue a parar a Laura Dern, que anteriormente había asistido al cásting para interpretar a Claire en ‘El club de los cinco’ (1985), personaje que lanzó a la fama a Molly Ringwald.
  • Al ver fragmentos de ‘El forajido’ (1943) durante el rodaje de la película, el productor de la cinta, Howard Hughes, se quejó de que no se estaban aprovechando suficientemente en escena los pechos de la protagonista, Jane Russell, así que decidió diseñar personalmente el primer sujetador de copa de la historia.
  • Durante el rodaje en Londres de ‘El príncipe y la corista’ (1957), Marilyn Monroe estuvo acompañada en todo momento de su instructora personal del Método en el Actor’s Studio, Paula Strasberg. Antes de una gran escena, un técnico de sonido pudo oír a la tutora susurrando frases a la actriz para que se relajase: “Piensa en cosas reconfortantes. Piensa en la Coca Cola y en Frank Sinatra”.
  • Christian Bale basó en Tom Cruise algunos de los elementos de su interpretación de Patrick Bateman en ‘American psycho’ (2000), ya que le fascinaba la intensa amabilidad del actor en contraste con la profunda frialdad de sus ojos.
  • Después de que Clark Gable se quitase la camisa en una escena de ‘Sucedió una noche’ (1934), la venta de camisetas en Estados Unidos bajó un 75%.
  • Entre 1995 y 2002 Pierce Brosnan tuvo prohibido por contrato aparecer en esmóquin en cualquier otra película en la que no interpretase a James Bond.
  • La espectacular canasta de Sigourney Weaver en ‘Alien: Resurrección’ (1997) no fue trucada de ningún modo; la actriz realmente lanzó la pelota de espaldas colándola en el aro limpiamente.
  • Durante el rodaje de ‘Con faldas y a lo loco’ (1959), Tony Curtis no era capaz de mantener la voz aguda que requería el personaje de Josephine, por lo que todas sus líneas como mujer tuvieron que ser dobladas por otro actor.
  • Steven Spielberg se negó a recibir un salario por el rodaje de ‘La lista de Schindler’ (1993), ya que consideró que sería un dinero manchado de sangre. Asimismo, cuando Spielberg finalizó sus estudios universitarios en 2002 tras un hiato de 33 años, entregó dicha película como proyecto de fin de carrera.
  • Hasta 2010 el beso que ostentaba el récord del más largo en la historia del cine era el que se dieron Regis Toomey y Jane Wyman en ‘You’re in the Army now’ (1941), que duró tres minutos y cinco segundos. El estreno de la película ‘Elena Undone’ (2010) subió el listón hasta los tres minutos y 24 segundos.
  • ‘Clerks’ (1994) está basado libremente en ‘La Divina Comedia’, de ahí que el protagonista se llame Dante y que haya nueve segmentos diferenciados en la narración, que se corresponden a los nueve anillos del infierno descritos por Dante Alighieri.
  • El baile de Buffalo Bill no estaba incluido en el primer borrador de ‘El silencio de los corderos’ (1991), a pesar de que sí aparece en la novela. Finalmente se decidió añadirlo al metraje ante la insistencia de Ted Levien, quien pensó que la escena era fundamental para definir el carácter del personaje.
  • Fidel Castro apareció como extra junto a Esther Williams en ‘Escuela de sirenas’ (1944).
  • En ‘American Beauty’ (1999), Kevin Spacey decidió por su cuenta lanzar el plato de espárragos contra la pared durante la escena de la cena, y no al suelo, como estaba previsto. Las reacciones de Annette Bening y Thora Birch son totalmente reales.
  • Casi 300.000 extras participaron en la escena del funeral de ‘Gandhi’ (1982), todo un récord en la historia del cine.
  • El término ‘paparazzi’ se acuñó gracias a ‘La dolce vita’ (1960): Paparazzo era el nombre del fotógrafo que perseguía a las celebridades en la película.
  • Para grabar el sonido de la ovación al personaje protagonista en ‘Espartaco’ (1960), Stanley Kubrik hizo que grabaran un partido de fútbol americano de los Spartans, pertenecientes a la universidad estatal de Michigan, en el Spartan Stadium.
  • El rodaje de ‘In the mood for love’ (2000) se alargó durante 15 meses; a una semana de su estreno en el festival de Cannes Wong Kar Wai todavía estaba rodando la escena final y editando la película al completo.
  • Nicolas Cage fue la primera opción de Universal Pictures para interpretar a John Bender en ‘El club de los cinco’, pero los productores no tenían suficiente presupuesto para pagar su salario. El papel fue a parar entonces a John Cusack, que fue remplazado por Judd Nelson unas semanas antes de comenzar la producción. John Hughes casi despidió a Nelson a mitad del rodaje por la actitud negativa del actor hacia Molly Ringwald. Fue Paul Gleason quien convenció al director de que Nelson era un gran actor y simplemente estaba tratando de mantenerse dentro del personaje en todo momento.
  • Durante el rodaje de ‘Mi dulce geisha’ (1962) el maquillador Shu Uemura utilizó gelatina anticonceptiva para rediseñar las mejillas de Shirley MacLaine y conseguir que así parecise más japonesa.

Estados Unidos planea un remake del Monte Rushmore basado en el Selfie de los Oscars

Como era de esperar, la moda de hacer remakes ha llegado a los monumentos americanos. El Monte Rushmore, en el que se encuentran esculpidas las caras de los presidentes Washington, Roosevelt, Jefferson y Lincoln serán sustituidas por algunos integrantes del selfie de los Oscars, el más retuiteado en la historia de la red social twitter. Se trata de una manera de que el país se regenere historicamente reconociendo a los iconos más importantes de nuestro tiempo. Preguntado por esta cuestión, el presidente Obama respondió lo siguiente: “Lincoln está muy bien, pero no tiene Twitter”. De los casi 314 millones de habitantes que tiene el país norteamericano, solo 10 millones conocen la historia del presidente Jefferson, mientras la vida de Jennifer Lawrence es seguida por 300 millones de personas. Leonardo Dicaprio, que se acaba de apuntar a clases de clarinete, ha sido descartado para el proyecto.

leo vacuno

La verdad sobre Leonardo Dicaprio

Se han escrito ríos de tinta, bueno, eso era en otro tiempo… Reiniciamos. Se han escrito charcos de tinta sobre la nueva derrota de Leonardo Dicaprio en los Oscar. Pero… ¿Se han analizado todas las oportunidades? ¿Merece Leo el Oscar? Pues esto es lo que vamos a intentar resolver. De momento empezamos diciendo que no hay drama. Kevin O’Connell, técnico de sonido, ha sido nominado nada menos que 20 veces en la categoría sonora, y aún no tiene estatuilla.

Oscars 1994

Nominado a mejor actor secundario

dicaprio llorando en gilbert grape

En 1994 consiguió su primera nominación por hacer de discapactitado psíquico en ¿A quien ama llama Gilbert Grape?, un tipo de papel muy del gusto académico. En ese año competían John Malkovich (En la linea de fuego), Ralph Phiennes (La lista de Schindler), Pete Postlethwaite (En el nombre del padre) y Tommy Lee Jones (El fugitivo).

Ganador: Tommy Lee Jones

Veredicto: Derrota justa.

Dicaprio no tenía un papel lo suficientemente bueno como para llegar y besar la estatuilla, y además participaba en una película menor, ante obras maestras universales como La lista de Schindler o En el nombre del padre.

Hablamos de derrota justa pero no sabemos si de oscar justo, puesto que nuestro favorito, viéndolo con tiempo y distancia era Postlethwaite, el eterno padre de la película de Jim Sheridan. Lee Jones ganó uno de esos oscars que se ganan por personaje carismático, ese perseguidor sin escrúpulos de Harrison Ford en El fugitivo. Aunque hay que decir que Tommy Lee Jones era la película es si misma.

Oscars 2004

Nominado a mejor actor

dicaprio aviador

Competía junto a Johnny Depp (Descubriendo nunca jamás), Clint Eastwood (Million Dollar baby), Jamie Foxx (Ray) y Don Cheadle (Hotel Rwanda)

Ganador: Jamie Foxx

Veredicto: Cómodín del vello público. Voten

Ganó Foxx por su celebrada interpretación de Ray Charless en un biopic menor. Era el gran favorito, pero no el nuestro: Paul Giamatti de Entre Copas, que ni siquiera fue nominado, que hijos de puta. Esto es un poco trampilla, porque a decir verdad vimos a un buen Leo en En El aviador y a un buen Eastwood en Million Dollar baby. Aún así, a nuestro criterio, un Oscar bastante barato.

Oscars 2006

Nominado a mejor actor

dicaprio llorando en diamante de sangre

Un Leo que ya empezaba a tener etiqueta de loser era nominado por Diamante de sangre. Se enfrenta a Forest Whitaker (El último rey de Escocia), Will Smith (En busca de la felicidad), un novato Ryan Gosling (Half Nelson) y un veterano como Peter O’Toole (Venus).

Ganador: Forest Whitaker

Veredicto: Derrota justa

Forrest Whitaker era el gran favorito, y venía de ganarlo todo por su gran interpretación de Juan Carlos I. El “Me llena de orgullo y satisfacción” lo bordó, así que ganó Esta claro que no podemos hablar de temas sin meter paridas imperdonables como la que acabais de leer. Fue un año en el que Will Smith también se quedó a las puertas de una estatuilla de la que nunca estuvo tan cerca. Dicaprio hizo un buen papel en Diamante de sangre, un héroe con reverso tenebroso, pero estaba lejos de nuestro favorito, que no era otro que Ryan Gosling. Los pocos que habeis visto a su profesor de Half Nelson entendereis estas lineas.

Oscars 2013

Nominado a Mejor actor

dicaprio lobo

Esta vez competía con Chiwetel Ojiafor (12 años de esclavitud), Matthew McConaghey (Dallas Buyers Club), Bruce Dern (Nebraska) y Christian Bale (La gran estafa americana)

Ganador: Matthew McAlgoextraño

Veredicto: Derrota justa

Que sí, que nos encantó en el lobo. No era fácil interpretar el papel de turrón navideño. Pero… Los primeros minutos de McConaghey en esa película practicamente le excluyen. Está tan bien Matthew que creemos que de tener más protagonismo hubiera al menos empatado con Leo. En cambio, no vemos que Leonardo sea capaz de interpretar al cowboy enfermo de Dallas Buyers Club. Aunque aún tiene tiempo para demostrar que nos equivocamos.

Nominado a mejor película

Como productor de El lobo de Wall Street, Leo compitió también por esta estatuilla.

Veredicto: Derrota Injusta

El lobo de Wall Street merecía la estatuilla. Lástima que la Academia esté llena de gente del Opus Dei. ¿O eso no existe en USA? En fin, que son unos mojifelinos lo sabe todo Cristo.

Otras películas por las que pudo ser nominado:

J. Edgar: Hacía de Hoover. No es fácil interpretar a un zumo.

Infiltrados: Los secundarios se zampaban una y otra vez a los protagonistas Dicaprio y Damon.

Titanic: Tranquilos, es broma.

Conclusión: Leonardo Dicaprio debería tener un oscar en su casa por producir un películón llamado El lobo de Wall Street. Para el de mejor actor tendrá que seguir rascando.

Her es en realidad una precuela de Terminator

Herminator

Her, la película que obtuvo el premio al mejor guión en la pasada edición de los Oscars, es en realidad una precuela de Terminator. Esta afirmación puede parecer descabellada, pero os contamos todos los antecedentes que han desembocado finalmente en la cinta que se estrenó el pasado 21 de febrero.

Annapurna Pictures compró en 2011 los derechos para realizar tres entregas más de Terminator por una cantidad cercana a los 20 millones de dólares. Una vez descartado el director MGC (Terminator Salvation), Annapurna pictures llamó a Spike Jonze, quien muy interesado en el proyecto decidió comenzar a escribir el guión, con “ideas revolucionarias” para la franquicia bajo el título de Herminator.

Cuando la gente de Paramount (productora asociada), leyó el guión, vieron que se había excluido completamente la figura de Arnold Schwarzenegger. Inmediatamente el estudio impuso a Jonze la condición de incluir al actor austriaco dentro de la película. El director y guionista se negó y tras varios tiras y afloja fue apartado de la película en favor del guión de Patrick Lussier y Laeta Kalogridis, más convencional y primando la acción sobre el argumento.

Fue entonces cuando Annapurna pictures vio la luz y decidió hacer una cinta al margen de la saga conservando el guión de Jonze. El director, muy interesado en su idea, aceptó rapidamente. De modo que Annapurna decidió seguir implicada en la producción de Terminator, junto a Skydance productions y Paramount Pictures, mientras hacía Herminator.

Por supuesto, hubo que retocar ligeramente el guión, aunque la esencia es la misma. Jonze decidió prescindir de lo que cuentan Terminator 3 y Terminator: Salvation para desarrollar su película. En ella, Theodore, un complejo hombre que trabaja escribiendo cartas, compra un Sistema operativo con el nombre de Samantha, del que se acaba enamorando. Originalmente ese sistema operativo estaba fabricado por una filial de Ciberdyne Systems, el laboratorio que creó Skynet. En la versión inicial, el fracaso amoroso de Theodore y Samantha y la ira posterior de esta provocaba la rebelión de las máquinas. En esta versión de Herminator, que finalmente pasó a llamarse Her, la rebelión es sustituida por una reconciliación entre ambos, pero la primera mitad de lo que hubiese sido Herminator puede verse practicamente íntegro en Her.