The interview: Pasaporte a(l de) Corea del Norte

El diciembre cinematográfico se ha visto salpicado por la polémica en torno al estreno de The Interview, la comedia en la que dos periodistas, James Franco y Seth Rogen, consiguen una entrevista con el lider norcoreano Kim Jong-Un. Entrevista que con el servicio de inteligencia norteamericano de por medio se convertirá en una misión para acabar con el célebre dictador.

El pasado noviembre Sony Pictures recibió un ataque cibernético que acabó con la filtración de varias películas que la empresa tenía pendientes de estreno. El origen de este hackeo es presuntamente norcoreano. A esto se le sumaron amenazas a las prinipales cadenas de cine estadounidenses que estrenaran la película. Tras todo esto Sony tomó la decisión de cancelar el estreno de la película, previsto para el 17 de diciembre, ante la indignación de buena parte de Hollywood. Incluso el propio Obama tuvo que intervenir para decir con otras palabras que Estados Unidos no se estaba bajando los pantalones. Finalmente Sony rectificó y estrenó la película el 25 de diciembre en Internet y en varios cines independientes de Estados Unidos. Consecuencia de esto los hackers respondieron con un nuevo ataque a los servicios online de Playstation y XBOX, donde también se podía efectuar la descarga online. El filme lleva recaudados 15 millones de euros desde su estreno online.

James Franco

Tras esta necesaria información para los no iniciados es momento de hablar de The Interview, la tercera gamberrada del duo Franco-Rogen tras Superfumados y Juerga hasta el fín. Rogen además codirige el filme junto a Evan Goldberg. Y es que hablar de sátira política le queda demasiado grande a The interview, que utiliza al país asiático para realizar una comedia de trazo grueso.

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La semilla del argumento es sin duda la extravagante relación que han mantenido Kim Jong Un y el ex NBA Dennis Rodman. Se ve que los hackers han querido ver más allá de lo que no es otra cosa que una broma, que una actualización desenfadada de Malditos bastardos.

La película comienza con un tema que caducó hace una década, Eminem (el de verdad), otrora enemigo de las asociaciones de gays y lesbianas de USA, acude al programa de cotilleos que dirige Franco para salir del armario. El sketch es tan flojo que se han disparado los rumores sobre que Eminem haya utilizado la película para hacer pública su homosexualidad.

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Tras unos cuantos chistes desafortunados empiezo a temerme lo peor, pero por suerte todo mejora al pisar tierras coreanas, y la química Franco-Rogen se dispara. De ahí al final todo funciona. Que nadie espere humor inteligente, la película se mueve en una linea entre lo absurdo y lo escatológico que a mi me ha provocado unas cuantas carcajadas.

Poco tiene que ver The interview con la muy ácida Team America, en la que podimos ver al padre del actual lider supremo norcoreano en su versión marioneta. La película de los creadores de South Park era una crítica atroz de las invasiones americanas. En The interview hay alguna pincelada crítica, pero estamos ante un filme que utiliza el contexto para ponerlo al servicio del humor, y claro, en un país en el que la población cree que su lider no hace pipí ni popó hay mucho material.

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Mención especial al momento Katie Perry. Parece que James Franco no tuvo suficiento con su momento Britney Spears en Spring breakers. Uno de los momentos musicales del año. También al actor Randall Park, encargado de encarnar al lider supremo. Y como de gags va la cosa nos seré yo quien os los desarme. Os queda a vosotros saber si es Franco (el actor) el encargado de acabar finalmente con Kim Jong-Un.

En definitiva, estamos ante un gran entretenimiento que mejora a cada minuto y a que va que ni pintada en un pase doble con Juerga hasta al fin. Estamos ante una de las comedias del año. Ahora solo falta que los norcoreanos pillen el chiste.

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Caca de la Vaca 2014: Las peores películas del año

2014 ha sido a nuestro juicio un año de grandes películas, pero también de grandes bodrios. Repasamos algunos de ellos en este TOP 5 que busca la caca de la vaca de este año.

5. Los juegos del hambre: Sinsajo parte 1

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Como era de esperar, Hollywood nos la metió doblada haciendonos donar 7 euros a la causa de Los juegos del hambre, porque se puede decir que en esta parte 1 de Sinsajo no pasa absolutamente nada. Su metraje nos sirvió entre otras cosas para confirmar las nulas dotes interpretativas de Josh Hutcherson. Nada que nos supieramos. Sinsajo debió ser una película y esta parte 1 nunca debió existir.

4, Open Windows

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Nos duele ver a Vigalondo aquí, pero su Open Windows fue una auténtica tomadura de pelo. Una película que llega tarde sobre portátiles en tiempos del Smartphone. Lo que empezaba de forma competente pronto se convertía en un despropósito por la querencia del director de rizar el rizo constantemente. Todo quedó en un intento.

3. The Amazing Spiderman 2: El poder de Electro

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Spiderman toca fondo cambiando la acción por la comedia romántica. El tema superheroico pasa a un segundo plano en esta entrega que bien podría haberse llamado Spiderman in love. Marc Webb ha puesto a esta franquicia a competir con el Daredevil de Affleck por el puesto de peor película superheroica. Y lo peor es que todo indica que también dirigirá un Spiderman 3.

2. Godzilla 2014

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El rey nipón de los monstruos toca fondo en este nuevo intento americano de sacar tajada de su popularidad. Lo que inicialmente debía ser una película Kaiju se convierte en un dramón familiar de dimensiones épicas. ¿Godzilla? Un auténtico secundario. Más de dos horas de metraje sin un mísero toque de humor. Este no es el camino.

1. Transcendence

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Dos horas de vergüenza ajena sobre la muerte, la resurrección, Dios e internet. Johnny Depp toca fondo, y Rebecca Hall aparece intensa como nunca ofreciéndonos una de las peores actuaciones femeninas de los últimos años. Un auténtico bodrio de pretensiones bíblicas.

Mención especial para algunas cacas de la vaca que vimos en festivales y aún no se han estrenado en cine:

It follows, de David Robert Mitchell, Destino final en versión coñazo que causó estupor en la Semana de Terror de Donostia.

On air, de Marco Riedl y Carsten Vauth. Terror gélido alemán que asusta de aburrimiento.

Haunter, de Vincenzo Natali. ¿Cómo se puede pasar de Cube a esto?

Mommy: La madre que lo parió

Nos hemos acercado al cine a ver Mommy, el nuevo trabajo de Xavier Dolan (Que no Nolan) con el que se acerca de nuevo a su tema favorito, el de las relaciones materno-filiales. La película obtuvo el Gran Premio del Jurado de Cannes y se ha quedado sorprendentemente fuera de la lucha por la estatuilla en la categoría de Mejor Película de habla no inglesa, junto con otras gigantes del año como Winter Sleep o Dos días, una noche.

La película cuenta la complicada relación entre una madre extremadamente choni y su hijo, con serios problemas de personalidad (Por no decir que está como una puta cabra). La vecina de esta singular “pareja” también tiene un papel importante en la trama.

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Estamos ante una gran película de personajes. La madre, interpretada por Anne Dorval, está condenada a cargar con una cruz en forma de hijo. Decida lo que decida está abonada al sufrimiento. Me parece curioso que su gran interpretación no esté optando a los grandes premios de la temporada. Llama poderosamente la atención su vestimenta. En ese aspecto esta madre se estamcó en los 16.

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Antoine Oliver-Pilón interpreta a un joven que padece ADHD. Dolan acierta mostrándonos su mundo interior en hermonas escenas musicadas. El personaje nos lleva de la simpatía a la lástima, y de ahí al terror. Por suerte el director mantiene un tono que salva al espectador de la depresión. No estamos ante un dramón.

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El personaje de la vecina, interpretada por Suzanne Clement es un lujazo. El guión nos ayudará a conocer su cámara de los secretos a través de detalles. Su misterio debe resolverlo el espectador. Añadir que fisicamente me ha recordado a Naomi Watts en versión homemade.

La primera singularidad que encontramos es que Dolan ha decidido prescindir del habitual formato de 16:9 para grabar Mommy en 1:1. El director demuestra ser un maestro sacando todo el rendimiento posible a este formato, que en ocasiones ensancha como recurso estilístico.

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Mommy habla de amor, y tambien de los límites de la responsabilidad familiar. Del amor materno filial al complejo de Edipo que parece sufrir el protagonista masculino. No llega al  punto de Tenemos que hablar de Kevin, pero en ocasiones nos muestra un terror cotidiano que asusta. Por suerte Dolan sale victorioso del drama y no nos deja hundirnos en el fango. El sensacional montaje sale al rescate.

Es más fácil disfrutar Mommy si sufres melomanía, como es mi caso. Me sorprende lo mainstream de la música de la película viniendo de un director (supuestamente) etiquetado como indie en esto del cine. La primera canción de hecho es Whiteflag de Dido, todo un hit en su época (que a mi personalmente me encanta). Otro ejemplo es la inclusión del Wonderwall de Oasis. Los momentos musicales, de los que Dolan hace uso y abuso, elevan el nivel de la película y ayudan a sobrellevar el drama. Mención especial al momento trio cantando On ne change pas, de Celine Dion, de lo mejor de los últimos tiempos en lo que respecta al affaire música-cine.

Mommy es sin duda una gran película, plagada de buenos momentos, pero no alcanza la excelencia. Quizá porque si bien he disfrutado, no he tenido una conexión plena con ella. Le falta algo que no me atrevo a explicar, ese algo que separa lo bueno de la excepcional. Aún así se agradece que Dolan saque a la palestra toda su personalidad como director. A sus 25 años aún tenemos Xavier Dolan para rato.

Lo mejor: Los “videoclips”

Lo peor: Cierta irregularidad. Funciona mejor por piezas.

Posters para la posteridad 2014

No queremos postergar más nuestro post sobre los posters para la posteridad de 2014. Apostamos por estos: (El léxico utilizado en esta entradilla es completamente casual).

6. Magical Girl

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Entre los varios posters de la película de Vermut elegimos el de una caricaturizada Barbara Lennie. Ya se nos avisa de que su personaje se iba a convertir en un icono del cine español. Dibujado y hecho.

5. Loreak

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Florida composición y letras en el centro en el preciosista poster de Loreak. Nosotros también le echamos flores. Ha sido un buen año para el cine vasco hasta en los posters.

4. Winter Sleep

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La palma de oro del último Cannes contaba con un poster que comprimía la perfección sus tres horas y cuarto de metraje. Estampa gélida de montaña que bien podría encajar en un Museo.

3. Enemy

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El poster de Enemy tiene un aire a los créditos de True detective, aunque es cronologicamente anterior. Todos los equívocos del filme comprimidos en la cabeza de Gyllenhaal. En el centro, una de las arañas de la artista y escultora francesa Louise Bourgeois, como la que se encuentra justo al lado del Museo Guggenheim en Bilbao.

2. Así en la tierra como en el infierno

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Interesante reverso tenebroso parisino dándole la vuelta a la Torre Eiffel y creando un nuevo símbolo satanista. Las catacumbas salen a la superficie.

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Su versión alternativa, con un laberinto de catacumbas, también merece mención especial.

1. Camino de la cruz

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El poster de la alemana Camino de la Cruz me recuerda de alguna manera a la portada del Mechanical Animals de Marilyn Manson o al Clip All is full of love de Björk. Su protagonista Lea Van Acken convertida en mesías de nuestro tiempo. Una obra de arte.

Así en la tierra como en el infierno: La precuela de Ratatouille

Tras el éxito de El proyecto de la bruja de Blair en el año 1999, el género Found Footage (Puedes darle pronunciación francesa si eres un cinéfalo) o Metraje encontrado ha seguido sumando títulos año a año. Tras la española La cueva y The Sacrament, Así en la tierra como en el infierno es el tercer título de este tipo al que me acerco en 2014.

A falta de novedades notables, dos son las características principales que diferencian a esta película del resto del género: Su localización, en París, y la inclusión de la arqueología en la trama, lo que recuerda mucho a Broken Sword: La leyenda de los templarios, aventura gráfica para PC que disfrutamos allá por los 90, y que también tenía lugar en la ciudad de la luz. Más concretamente visitaremos sus impresionantes catacumbas.

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Imagen de Broken Sword, un juegazo para la historia

La protagonista es Scarlett (Perdita Weeks), una joven Indiana Jones que dedica su vida a la búsqueda de la Piedra Filosofal, obsesión que llevó a su padre al suicidio. Ella convencerá a una serie de personas para acompañarla en esta búsqueda por los subsuelos de París.

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Allí nos encontramos con las primeras incongruencias. Resulta llamativo que a pesar de lo agobiante del escenario los protagonistas ni se inmuten. Ni siquiera uno de los personajes que se negaba a entrar debido a su fobia post-traumática a las cavernas. Nada que ver con lo que vimos hace unos meses en la española La cueva, donde la tensión nacía de la imposibilidad de abandonar tan opresivo entorno. Así en la tierra como en el infierno, en cambio, elige la vía de lo paranormal para asustar.

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Superada la hora de metraje el filme se convierte en un auténtico pasaje del terror, que si bien tropieza en los tópicos deja para el recuerdo alguna imagen potente. Termino con la impresión de que el directorJohn Erick Dowdle no acaba de exprimir al máximo el entorno, que sin duda emerge como el gran protagonista. La película habla de La puerta del infierno, pero ¿Sabían los guionistas que no había que bajar al subsuelo parisino para encontrar La puerta del infierno? Es una obra de Rodin que se encuentra en el Museo de Orsay. No estaría mal haberla incluido en la trama.

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La puerta del Infierno de Rodin, en el Museo de Orsay

En definitiva, estamos ante una película de consumo rápido que consigue entretener y que todo pase en un suspiro, que no es poco. Gustará sobre todo a los seguidores de este subgénero, y a los fans de Disney que quieran ver de donde venían las ratas de Ratatouille.

Lo mejor: París

Lo peor: La impresión de que se podía haber sacado bastante más de las catacumbas parisinas

Boyhood: Los años difíciles

En una escena de Boyhood,  Mason, el protagonista, charla con una chica sobre las clases de claqué que ella imparte a niños.

-¿Qué edad tienen?

-De 6 a 8. No tienen ningún miedo ni sentido del ridículo.

-No han llegado todavía a los años difíciles.

Y de eso va la película, de los años difíciles de Mason, interpretado por Ellar Coltrane, del largo camino a la independencia, de los lazos familiares, del amor, de los primeros reveses y de la ausencia de una guía para hacerles frente. El director Richard Linklater tardó 12 años en rodar esta película, en la que vemos evolucionar a Mason de los 6 a los 18 años sin necesidad de maquillaje.

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Linklater aprovecha además para hacer una voraz desmitificación de la gran familia americana, de ese American way of life que nos enseña una familia feliz fotografiándose con su perro en el porche de una casa con jardín. Boyhood nos muestra que no todas las familias son perfectas, no todas tienen mascota y que esas casas no se pagan solas. Tampoco se olvida del contexto. El director se acerca a grandes temas como Política, religión, cultura o deporte. Tendremos tiempo para ver como cambia todo de Bush a Obama.

La banda sonora le da un plus a todo el conjunto gracias a la selección de temas para la ocasión. Empezamos con Yellow, de cuando Coldplay parecía que iban a marcar una época. Seguimos con el Hate to Say I told you de los Hives más garajeros, y no digo más para que los que aún no hayais visto la película podais jugar a adivinar temas. La selección está al nivel de la película, y eso es mucho decir.

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Agradezco encontrarme esta vez con un Linklater menos filosófico que el de la trilogía formada por antes del amanecer, atardecer y anochecer, lo que juega en favor de la película. Tres horas hablando sobre lo humano y lo divino hubieran sido un tremendo error. El director huye de la tentación de sermonearnos.

Las nominaciones al oscar para Linklater y su Boyhood están cantadas. Más dudas nos generan las del apartado interpretativo. No porque no lo merezcan, si no porque muestran a personas de verdad, sin enfermedades terminales o problemas mentales, y ya sabemos lo que le gusta todo esto a la Academia. Phoenix suena con fuerza en la categoría de Actor principal. Cumple con creces, pero no vemos el suyo un papel premiable. Seguramente al joven Coltrane le pase factura la falta de histrionismo de su personaje. Su papel es en ocasiones el de observador. Pone ojos a la película, y no tarda en convertirse en fotógrafo del alma.

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La que brilla y de que manera es Patricia Arquette, a la que vemos caer víctima del paso del tiempo en el apartado físico, a la vez que aumenta el tamaño de sus tetas. Lejos queda la imponente Arquette de Carretera perdida, pero su versión de andar por casa ofrece una interpretación para el recuerdo. Arquette se beneficia de un gran guión que habla desde el silencio. Es fácil comprender las miradas de su personaje, ver en ella lo que no se dice, y eso es todo un logro.

Los maridos de la Arquette pasan por la vida de Mason como los amos de El Lazarillo de Tormes. Mención especial a Marco Perella, que interpreta magistralmente a un profesor con reverso tenebroso. Por nosotros debería estar en la categoría de mejor actor secundario sí o sí. Aporta terror al conjunto, y del peor de los terrores: el terror cotidiano. Esto convierte a Boyhood en una tremenda película sobre el alcoholismo. A pesar de ser un subtema me ha llegado más que Flight, todo un filme dedicado a ello.

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Llegados a este punto es hora de decir esa dichosa palabra que escuece a muchos tanto como la de bodrio. Boyhood es una obra maestra llamada a permanecer en el tiempo. Las expectativas eran tan altas que creí que la hostia que me iba a dar iba a ser épica, pero me equivoqué. Boyhood cumple,  y de que manera. Su impacto emocional es similar al que me produjo La vida de Ádele el pasado año. Se puede hacer cine con mayúsculas de la vida cotidiana. Linklater ha demostrado que su esfuerzo mereció la pena. En fin, que grande es el cine.