Mad Max: Furia en la carretera. Camino a la redención

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Lleva unos días en el cine, pero ya podemos afirmar que Mad Max: Furia en la carretera es la mejor película de acción desde que sobrevivimos al efecto 2000. La sensación más parecida a su visionado quizá sea la de asistir a un concierto de Rammstein. Bendita locura la del septuagenario George Miller, que ha sabido releer su trabajo en los ochenta  y adaptarlo a los nuevos tiempos. Quizá el mayor problema de los tres capítulos iniciales de Mad Max es que no resisten tan bien como otras sagas el paso del tiempo.

La primera película que me viene a la cabeza después de presenciar este milagro del cine es La carrera de la muerte del año 2000, la engendro movie de 1975 en la que participaron David Carradine y Sylvester Stallone. Paul Anderson intentó un remake con ese material y Jason Statham como reclamo, pero el filme tampoco funcionó más allá de lo esperable. Aunque este Fury road cambia persecución por competición, se puede decir que tiene lo que nunca consiguieron estos filmes.

Evidente también es la influencia de los videojuegos. ¿Puede ser alguien hoy en dia crítico de cine sin ser Gamer? Tengo serias dudas, pues el lenguaje de las consolas marca lo que son hoy en dia la mayor parte de los blockbusters.

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Se agradece el ritmo frenético de la película, que se ahorra las presentaciones largar y va directamente a la carretera. No se me ocurre otro título que se desarrolle a esta velocidad. Para que os hagais una idea, Peter Jackson tiene con este material para hacer una trilogía con tres películas de 180 minutos. Me imagino una película para la salida del pueblo, otra para la tormenta… Miller lo resulve en 120. Espero que en este sentido Mad Max cause tendencia, y nos ahorre esos títulos que son como un sujetador con relleno.

Por el camino, la película de Miller toca de forma sutil un montón de temas que alejan toda sombra de “película-producto”, aquí también hay discurso. Se podría decir que el principal es el del regimen totalitario y el como la sublevación de unos pocos puede despertar una revolución.

Si nos metemos más profundamente en este juego, podemos pensar que en concreto Miller nos habla del mundo islámico radical. Los mediavida son seres dispuestos a morir en combate para entrar de par en par por la puerta del paraíso. El caudillo en cuestión goza de la compañía de muchas mujeres, cuya única función social parece ser la reproductora. El machismo impera de manera brutal. Pero quizá Miller no haya explorado estos temas pensando en la actualidad, si no mirando al pasado, y el machismo y los sacrificios han sido lamentablemente rasgos comunes de la mayor parte de las civilizaciones. Y pensando en que un futuro post nuclear supondría un tremendo retroceso histórico, no es extraño que volvieran a florecer todos los elementos de la historia negra de la humanidad.

Como siempre entran en debate el fin y los medios, y como a veces hay que recurrir al “mal necesario” para aspirar a la libertad. Ya lo vimos en V de Vendetta o en ese final rupturista de Malditos bastardos.

También se ha hablado de Mad Max como película feminista, que yo lo sustituiría por crítica al machismo imperante. Aunque hay referencias a las mujeres pioneras, encarnadas por esas madres (¿de la plaza de mayo?) que he rebautizado como “las de Emakunde”.

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Como veis el filme da muchísimo más de lo que podía esperarse. Se toma licencias vía gag, como cuestionar la ceguera de la justicia o esos contactos entre lo humano y lo divino que muchos hacen via rezo.

En el apartado interpretativo hay que destacar a Charlize Theron y su Imperator Furiosa sobre todas las cosas. Tal es la fuerza de actriz y personaje que consiguen relegar a Tom Hardy y Su Max Rockatansky a un segundo plano, y eso lo digo siendo consciente de que el minutaje de ambos personajes es idéntico. Charlize Theron consigue narrar con miradas. Eso es lo que crea una conexión directa con el espectador desde su primera aparición. Disfrutamos a Imperator Furiosa como heroína de acción, pero también somos complices de su drama.

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El villano de la función es Immortan Joe, interpretado por Hugh Keays-Byrne, un antagonista de altura. Un ser con mascarilla, a lo Bane en El caballero Oscuro: La leyenda renace, pero que cambia músculos por un aspecto repugnante. Nux, al que da vida Nicholas Hoult, es otra de las sorpresas. Un mediavida que destaca entre los secundarios.

La banda sonora de Junkie XL es extraodinaria, al igual que el uso del sonido. En nuestro cine la aparición de ese guitarrista con lanzallamas (Tan Rammstein) despertó aplausos. Le acompañan además los de Safri Duo (o algo así). Juntos forman una relectura moderna de la guerra psicológica que Coppola nos enseñó con Wagner en Apocalypse now. El uso del sonido es impresionante, un auténtico terremoto de ideas.

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En definitiva, Mad Max: Furia en la carretera es ya uno de los mayores acontecimientos cinematográficos de los últimos años. No ir a verla al cine puede ser algo de lo que te arrepientas durante años.  Se avecina una nueva saga, y seguramente muchas películas que intenten imitarla. De momento yo ya estoy pensando en revisionarla en tres dimensiones. No es solo una película de acción, Mad Max es una pieza que podría exponerse en el MoMa.

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Under the skin: Desnudando al monstruo

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EL FANT 21 nos ha dado la oportunidad de ver Under the skin en una sesión especial. La película está llamada a ser un título de culto de  la ciencia ficción, si es que no lo es ya. Su inaccesibilidad hace que tenga más dificil convertirse en un clásico. La película de Jonathan Glazer (Sexy Beart, Birth) está en las antípodas del cine comercial. Los que vayan acudan a verla por el reclamo del desnudo de Scarlett Johansson se van a llevar una buena sorpresa.

Es dificil explicar el argumento. Simplificando mucho diría que Under the skin nos cuenta la historia de una alienígena (o algo raro) que se dedica a ligar al estilo 1.0, sin whatsapp, facebook, twitter, Grindr, Meetic, Badoo o Yahoo respuestas. ¿Extraño verdad? Aunque es normal que a la Johansson no le haga falta la tecnología, también os lo digo. Una auténtica cazadora de humanos.

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Estamos ante una película muy visual  en la que las lineas de texto pasan a un segundo plano. He leído en muchas críticas sobre la influencia de 2001: Una odisea en el espacio en la película, pero a mi juicio solo está presente en el uso de destellos. Poco a nada más. También se asoma levemente Blade Runner, de la que se asemeja en el deseo de ser humano, aunque en esta ocasión cambia seres artificiales por un ser de otro planeta.

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Después de ver la película no se entiende por qué Scarlett Johansson no ha optado a todos los premios el pasado año. En la carrera de la película solo veo una nominación para ella en los Premios Gotham. La actriz hace una interpretación tan compleja como fascinante. Scarlett está muy por encima de lo que hace Julianne Moore en Still Alice, la ganadora del Oscar de la última cosecha.

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Under the skin es una buena película. Glazer consigue una notable colección de escenas y sensaciones. Desde el desasosiego de esa playa británica en la que un niño corre peligro al peligro al infierno negro en el que caen las víctimas de la protagonista. La película esconde además una crítica atroz al hombre, en sentido masculino en este caso, que queda muy mal parado, aunque seguramente cada espectador puede hacerse un cosmos sobre el sentido del filme.  Seguramente estamos ante uno de eso títulos que puede hacerse inmune al paso del tiempo.

Lo mejor: Toda la parte visual y sonora. Y que no nos da nada mascado.

Lo peor: He echado en falta una marcha más en el ritmo de la película.

Teoría de la rueda (en spoiler)

Ya sabeis que nos encantan las teorías locas. Una de ellas es que Scarlett es en realidad un neumático. Su look final nos ha terminado por convencer. El motorista que va tras ella durante todo el metraje solo quiere poner ruedas nuevas. Es por eso que ella siempre va en vehículo y le cuesta moverse sin él. ¿Las víctimas? No son presas del sexo, si no personas atropelladas por esa rueda en versión onírica. Y si no… desmientemelo.

Wayward pines: El parque temático de M. Night Shyamalan

Lo que es el cine. Parece que fue ayer cuando el director indio M. Night Shyamalan se convirtió en un fenómeno de Hollywood gracias a aterrar y romper cabezas con El sexto sentido. Pudo ser un éxito aislado, pero El protegido y El bosque confirmaron que había un genio tras las cámaras. Y Shyamalan estuvo en la cresta de la ola, pero la ola rompió. Primero fue la narcisista La joven del agua, después la tópica El incidente, incluso estas dos se podían ver como películas fallidas, pero Airbender: El último guerrero confirmó el desastre. Por si había dudas después llegaría After Earth. En este punto es cuando el director ha intentado resucitar via serie con Wayward Pines.

Shymalan, que ejerce como productor ejecutivo de la serie, es también el director de el episodio piloto, titulado Donde el paraíso es su hogar. El FANT 21 nos dió la oportunidad de disfrutar de su estreno en pantalla grande. Tan solo unos minutos para darnos cuenta de que Shyamlan va con todo, y que está dispuesto a meterse en un jardín argumental tras otro. La intriga va in crescendo, pero ya nos hacemos la gran pregunta… ¿Será capaz de resolver con éxito todos los interrogantes que plantea?

La serie nos cuenta la historia de un agente del servicio secreto que tras sufrir un terrible accidente de coche despertará en el misterioso pueblo de Wayward Pines (Idaho). Una localidad en apariencia tranquila, pero que guarda grandes interrogantes.

Wayward pines va a intentar también intentar devolver al primer plano a dos intérpretes en clara decandencia. Matt Dillon, el protagonista, lleva una década sin ofrecernos nada potable. En este piloto me ha encantado su look magullado, que me ha recordado muchísimo al Bruce Campbell de la saga Evil Dead.

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Juliette Lewis tampoco pasa por su mejor momento. Por lo que vemos, será una de las aliadas de Dillon. En el reparto también aparecen rostros conocidos como los de Carla Gugino, Melissa Leo o Terrence Howard.

Kate Hewson, another agent from Ethan's unit that has gone missing, tells her former partner that there's more to Wayward Pines than meets the eye.

 

La serie se ha presentado como un festival de influencias, convirtiendo al pueblo de Wayward pines en una coctelera de cosas que hemos visto antes. El comienzo es un guiño flagrante a Perdidos (Lost), a partir de ahí un no parar… Twin peaks, El show de Truman, Silent Hill, Pleasantville, Jurassic Park, La cúpula… A pesar de no resultar del todo original, el piloto nos ha convencido, y ya hay ganas locas de ver como avanza todo esto. ¿Será capaz Shyamalan de llevarnos hacia uno de sus desenlaces de antaño? Deseamos que la respuesta sea sí.

 

De poel (The Pool): Sirenas de agua dulce

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Un matrimonio con dos hijos y un amigo de la pareja con una hija deciden pasar unos días de vacaciones acampando junto a un estanque. Las tensiones entre los campistas no tardarán en aflorar, y lo que parecían unos días idílicos de campamento se convertirán en una carnicería. Este es el argumento de la holandesa De Poel (The pool), la primera película de Chris W. Mitchell, que el propio director presentó en el FANT 21.

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Hay un lago, pero la película tiene bastante más que ver con El resplandor que con el Jason Voorhees cazacampistas de Crystal Lake. Dicho lago parece poseer a algunos personajes, personajes en los que la tensión ya venía de antes, por lo que no sabemos hasta que punto es un acierto la inclusión del elemento sobrenatural. Tengo la impresión de que la sangre iba a llegar al lago de todos modos.

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De Poel se sigue con interés, y poco más. Es disfrutable en su vertiente más retorcida, pero el guión es de hoja caduca, por lo que no va a durar muchos días en mi conciencia. Tampoco me atrevo a decir que sea una mala película, pero digamos que su historia de fantasía degrada lo que se había logrado tirando unicamente de rencillas familiares. El resultado final es un modesto cuento de horror campestre.

Lo mejor: Entretenida, rápida y ligera.

Lo peor: Toda su parte de fantasía.

Uno tras otro (In Order of Disappearance) se impone en la Sección Oficial del FANT 21

El jurado compuesto por el actor Dominique Pinon, la actriz Aina Clotet y Carlos Marañón, director de Cinemanía ha decidido premiar como mejor película del 21º FANT a la noruega Kraftidioten (In order of disappearance), de Hans Petter Molland. Decisión acertada si nos atenemos a lo comentado a la salida del cine. La cinta noruega con aire coeniano era una de las favoritas del público, y junto con Goodnight Mommy y Spring era una de nuestras tres favoritas. Por poner un pero diremos que es una película fronteriza que queda más fuera que dentro de lo que es el “género” del festival, quizá por eso hubieramos optado por cualquiera de las otras dos opciones.  La película ha obtenido además el premio al mejor guión y a la mejor dirección innovadora.

En la categoría de Cortometraje internacional dos premios más que merecidos, el de Mejor Corto Internacional para Caradecaballo, de Marc Martínez, una locura hecha con cuatro duros, y el Premio del público para Dinner for few, de Nassos Vakalis, una brutal crítica al sistema que reune a cerdos y gatos en la misma mesa. También justa la victoria de Viaje a Pies de Kris Cembe, como Mejor Corto Vasco, un trabajo con una animación de estilo comic muy cuidada y unas cuantas dosis de humor negro.

Concurso de Trailers Falsos

El concurso de Falsos trailers fue el que ha dejado sin duda los premios más controvertidos. El segundo premio del público para Conbulsión, un trabajo que no pudimos disfrutar del todo al ser mal proyectado. El primero lo obtuvo Fobia, un trailer en la linea de Origen pero vacío de estilo que pasó totalmente desapercibido para nosotros. Igualmente discutible la decisión del jurado, que premió a Rol a los 40, un divertido sketch que no pasaba ahí. Poco se puede esperar de un certamen en el que el presentador menosprecia un trabajo por ser de Panamá y no estar presente su autora y que ya en la presentación dijo que “ganará el que tenga más amigos”. Deseamos que la gran idea de esta certamen pueda tener una sesión y un sistema de premios que esté a la altura el año próximo.

Ich seh, Ich seh (Goodnight Mommy): Los gemelos golpean dos veces

Tres actores y una casa, ese es el pilar en el que sustenta la austriaca Ich seh, Ich seh, con título inglés Goodnight Mommy, una de las mejores películas que ha pasado por la sección oficial del FANT en su 21ª edición.

La historia nos presenta a dos infantes gemelos, que viven con su madre en una viviendo de lujo. Los niños perderán toda la dulzura propia de su temprana edad cuando empiezan a sospechar que alguien está suplantando a su progenitora. A partir de ahí asistiremos a una versión mini de Funny Games. Si La Voz o Master Chef tienen su versión kids… ¿Por qué no iba a tener una alternativa infantil el clasicazo de Haneke?

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Este MiniMisery también presenta algunas trampas argumentales, que pronto descubrí gracias a la astucia de mi colega del blog Sesión cinéfila. A pesar de destapar pronto uno de los secretos que guarda la película, seguí con interés todo el desarrollo, y disfruté con los juegos de estos pequeños satanases. Los gritos de estupor del personal ante algunas de las prácticas de estos encantadores niños me hizo ver que toda la sala estaba muy metida en esa casa, lo que considero todo un mérito.

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Dicen que es dificil trabajar con niños, pero lo que consiguen los directores Severin Fiala y Veronika Franz es simplemente extraordinario. Han sacado oro puro de los dos ñiños de la película, los gemelos Elias y Lukas Schwarz, que están sublimes.

La película cuenta además con una gran realización. Todo avanza despacio, pero con gran intensidad, como una canción de doom metal. Quizá lo peor de la misma sea un desenlace que ya hemos visto en alguna que otra película, que no nombraré para no dar pistas. Por suerte, en lo formal la cinta cuenta con un plano final que me ha parecido antológico. Y ojo a la escena que patrocina Loctite, crudísima y estupendamente filmada. El sufrimiento está asegurado.

Lo mejor: Los jóvenes intérpretes.

Lo peor: Este terreno argumental ya lo pisaron otros antes.

Spring: Mi novia es un zombi-mutante-hombre lobo-calamar gigante

Spring, de Justin Benson y Aaron Moorhead, ha traído el amor al FANT. La película cuenta la historia de Evan, un joven que viaja a Italia huyendo de Estados Unidos. Allí conocerá a Louise, pivón donde los haya, que hará que el chico decida quedarse trabajando por la comarca para intentar conquistarla. Hasta aquí todo bien. Todo muy Bajo el sol de la Toscana en versión masculina. Pero el tema es que Louie esconde un inconfesable secreto: Es en realidad una mutante, zombie, hombre lobo, calamar gigante y quien sabe cuantas cosas más.

La verdad es que Spring es una película muy bien escrita. Su estilo recuerda muchísimo a la trilogía “Antes de…” de Linklater. Benson y Moorhead podrían haberse limitado a hacer una historia de amor, y les habría salido bien visto lo visto, pero decidieron añadir el elemento fantástico a la relación. Al principio la verdad es que el factor monstruo no terminaba de convencerme, pero con el paso de los minutos me ha parecido una decisión correcta. Es más fácil si durante el metraje se incluye un guiño a Un hombre lobo americano en Londres.

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Pocos peros se le pueden poner a esta cinta indie. Entre ellos demasiada reiteración en el tema sobrenatural en la parte final y una escena que particularmente me ha parecido que está muy por debajo del resto del metraje, la del intento de violación por parte de otro guiri, muy descuidada y a la que parece que le faltan muchas tomas.

El duo de actores protagonistas, Loy Taylor Pucci y  Nadia Hilker, consigue generar química. Aunque la interpretación que mas me ha gustado es la de Francesco Carnelutti, que encarna a Angelo, un autóctono que enseña a Evan a defenderse en el campo.

En definitiva, estamos ante una película que puede convertirse con el tiempo en una cinta de culto. Un híbrido que puede convencer a los fans del cine indie y a los del fantástico, y enamorar a los incondicionales de ambos géneros. A mi, por lo pronto, me ha gustado.

Lo mejor: Buen guión

Lo peor: Buen guión, pero demasiado verborreico en la parte final

The drownsman: Ahogarse en un charco

Mucho ha llovido desde que Se lo que hicisteis el último verano aprovechara el empujón de Scream para devolver el éxito en taquilla al slasher sobrenatural norteamericano. El renacimiento del terror adolescente fue fugaz, y desde entonces pocos productos de estas características se han ganado el favor del público. The drownsman es una muestra más de agotamiento, una película que ni siquiera es capaz de explotar sus virtudes.

La película, dirigida por Chad Archibald, está protagonizada por cinco amigas, que esteticamente podrían ser perfectamente las spice girls, pero que son más sosas que Ben Affleck. Una de ellas se tropieza con una botella de birra durante una fiesta y cae a un pantano. A partir de ahí, empezará a experimentar una potente hidrofobia con psicokiller incluido. Un psicokiller que aprovechará cada charco para estirar los brazos e intentar acabar con el quinteto femenino.

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Con este argumento quizá no podíamos esperar una gran película, pero si una cinta enormemente divertida. Pues ni lo uno ni lo otro. Quedaba por ver si al menos ibamos a ver muertes disfrutables, pero tampoco hubo suerte en esa cuestión. Y eso que ese escenario de bañera y cloaca en la que se mueve el drownsman daba muchísimo juego.

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De lo poco que podemos agradecerle a película es de ir al grano desde el minuto uno y que su ligereza hace que resulte entretenida. Entre las influencias es notable la de Pesadilla en Elm Street. Si en el clásico de Craven la consigna era “no dormir” en esta es “No te acerques a un charco, fregadera, vaso de agua…”. Eso si, la figura de este psicokiller va más con Jason o Leatherface que con la de psicokiller colega de sagas como Elm Street o Muñeco diabólico. Por el camino encontramos guiños a Jóvenes y brujas e incluso a Star Wars.

En definitiva, una película que durará poco en mi disco duro mental, y que quizá en una tarde de domingo en la que el mando de la tele anda sin pilas y te da pereza bajar a comprar unas a los chinos, puede colar.

Lo mejor: Su poster

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Lo peor: Sosa en todos los aspectos

Uno Tras otro (In order of disappearance): Ciudadano ejemplar en Estado de Malestar

El thriller noruego Kraftidioten, de Hans Peter Molland, llegaba al FANT con la etiqueta de aspirante a la victoria en la Sección Oficial, y viendo la acogida tras la proyección, esa condición no le pesó en absoluto.

La película nos cuenta la historia de Nils Dickman (Stellan Skarsgard), propietario de una empresa de quitanieves y ciudadano del año, que tras el asesinato de su hijo iniciará una venganza que llevará hasta sus últimas consecuencias.

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Además del thriller, aparecen elementos del drama y del cine de gangsters, a los que se le añade siempre una fina capa de humor negro, presente durante todo el metraje. Su tono y su sentido del ritmo recuerdan sobre todo al cine de los hermanos Coen.

Un elemento curioso es que tras cada muerte en la película (que no son pocas) se nos presenta una esquela del fallecido. Salvando las distancias, me ha recordado a la primera película de Austin Powers, en la que cada vez que moría uno de esos esbirros anónimos que caen a decenas en el cine de Bond, veíamos como alguien llamaba a la casa familiar para informar de la muerte. Os refresco la memoria:

El filme se toma la licencia de reirse de los tópicos del estado de bienestar. No hay partido político que no se mire en el espejo nórdico, esa supuesta democracia avanzada que quizá se ha idealizado demasiado. Los personajes se cuestionan si ese sistema perfecto es un consuelo dentro de las temperaturas gélidas y escasas horas de luz que tienen. Incluso se aplica la que llamaremos la teoría del plátano. Se relaciona calor y ausencia del estado de bienestar, y se nombran ejemplos de ello como Portugal, España, Grecia, Italia, Sudamérica y África. “Si tienes calor no nocesitas estado de bienestar, porque con calor y un platano eres feliz” dice uno de los personajes.

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Kraftidioten, cuyo título inglés es In order of disappearance, es una película entretenida no exenta de calidad. Iría en un perfecto programa doble con otra película noruega que me apasiona: Headhunters (teneis que verla si no lo habeis hecho), aunque esta última me parece superior.

Lo mejor: Su humor negro, presente en todo momento.

Lo peor: Influencias evidentes que no la hacen del todo original.

FANT2FUN 2015: Wyrmwood y Hunger Z. Como entrenar a tus Zombis

Tras la sesión TROMA del pasado año, asistimos a un nuevo saturday night de FANT2FUN, cita obligada para todo fan de la serie Z. Los protagonistas de este año son los zombies, que tras convertirse en fenómeno gracias a productos como The walking dead o Guerra mundial Z van volviendo poco a poco al fondo del armario, a ser algo minoritario. Pero para los que ya seguíamos las andanzas de George A. Romero o acudíamos al videoclub a alquilar algún título que llevara la palabra zombi (Zombi, Mondo zombi, Mortal Zombi, Yo anduve con un Zombi…) los muertos vivientes siempre estaron y estarán.

Wyrmwood: Como entrenar a tu zombi

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Comenzó la noche con la proyección de Wyrmwood. Que en Oceania saben de zombis lo sabíamos desde que a Peter Jackson se le ocurrió hacer la gran obra maestra del fun gore: la neozelandesa Braindead, tu madre se ha comido a mi perro. No es de extrañar que en la isla de enfrente tomaran buena nota, y la conjugaran con su ideario fantástico. Y en la punta de lanza de todo el género australiano encontramos Mad Max, saga que no podemos obviar al escribir esta crítica.

La premisa es la de siempre. La llegada de un Apocalipsis Zombi une a varios supervivientes. Uno de ellos es Barry, que tras la pérdida de su mujer e hija, intentará salvar a su hermana Brooke, secuestrada por un Mad Doctor.

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La película me ha dado justo lo que demandaba:  Hora y media de entretenimiento. Wyrmwood me ha hecho disfrutar con los zombies como hacía tiempo. Sí, tiene tópicos, pero también aporta novedades, como ese vínculo entre los zombis y el mundo del motor que tampoco quiero desvelar mucho, y que se presenta como un guiño suicida a la ya mencionada Mad Max. También se añade el tema de la posesión, otro elemento que no recuerdo haber visto  antes.

Aunque tiene elementos de comedia, en su mayoría de la mano del personaje de Benny, no es una película puramente fun gore. Se podría decir que mezcla aventuras, acción, humor y por supuesto… Zombis.

El gran descubrimiento ha sido el de la actriz Bianca Bradey, que interpreta a Brooke, y no lo digo únicamente por su atractivo (que también). Su look de heroína encajaría a la perfección en un reboot de Tomb Raider o Resident Evil.

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En definitiva, Wyrmwood es carne fresca para los incondicionales del genero. Si hay secuela tragaremos gustosamente.

Hunger Z: Como entrenar a tu zombi 2

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Saqué lo que me queda de orgullo friki, que he decir que es mucho, para afrontar el visionado de la segunda película de la sesión nocturna: El de Hunger Z. La película es tan mala como creía que iba a ser, que va, es peor aún. Quizá Filmaffinity la haya sobrevalorado con el 2,0 que luce acutalmente.

El tema va de zombis japos, o de japos mal maquillados. Uno de los pocos supervivientes es reclutado en una especie de hotel zombi en el que los muertos vivientes cuidan a los humanos como los humanos cuidan al ganado de gran calidad. Les mantienen bien alimentados con un único fin: Que procreen para comerse a sus bebés. Para el virgen protagonista la idea es estupenda.

Leído lo leído alguien puede pensar… Ni tan mal, interesante idea de granja humana… ERROR. El ritmo, la ejecución, el mensaje… Nada funciona, está muy lejos de hacerlo. Los zombis se mueven como mi abuela imitando a un robot, mientras hacen “tik-tik-tik-tik” con la boca. Vergonzante. Cualquiera con una cámara puede hacerlo mejor. Hasta alguien que no haya visto una nunca. Basta con explicar donde están el on y el off, y ya mejorará Hunger Z.

¿Qué si hubo carcajadas? Las hubo, y las definiría como carcajadas de incredulidad antes lo que estábamos viendo. ¿Cómo no las va a haber si veíamos a zombis atacando al grito de “Tortilla” o “hojaldre de chocolate”? Agradezco al festival el darme la posibilidad de ver la que se convertirá con el paso del tiempo en una de las peores películas de la historia del cine.

La reflexión al final la hizo mi amigo Jon Ajuria: “Es mejor que Redneck Zombis (Zombis paletos). Y lo cierto es que tiene razón.