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Black Panther: Wakanda de la vaca

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Marvel también la caga. Nos las prometíamos felices con Black Panther, el héroe afroamericano por excelencia pedía a gritos un salto a la gran pantalla. Más en tiempos donde salir en un viñeta te da pasaporte automático a la sala de cine. El universo cinematográfico del imperio Disney sumaba películas de más o menos entidad, pero siempre efectivas. Lástima que esta pantera negra, se haya saltado las normas del estudio para abrazar con fuerza la Serie B. Black Panther es una superproducción de segunda, y lo peor es que parece que nunca pretendió serlo.

El problema de la película reside sobre todo en la ejecución. Los efectos especiales parecen en ocasiones salidos de la app de un teléfono móvil, mientras que los decorados son sencillamente sonrojantes. Todo sucede en un falso exterior, que en escenas como la de la pelea en la cascada canta demasiado. El copy paste de personajes digitales le gana la batalla a los figurantes, y la pantalla verde tumba a los escenarios naturales. Lo mismo ocurre con los rinocerontes digitales. Pasa como con los monos de Jumanji ¿Acaso no hay rinocerontes en la naturaleza?. Alguno tras la película se preguntaba si se habían extinguido.

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La dirección de Ryan Coogler (Creed: La leyenda de Rocky y Fruitvale Station) es profundamente impersonal. Casi se sitúa en la antítesis de lo que James Gunn ha logrado con ‘sus’ Guardianes de la galaxia. El otro problema grave son todos los palos que se quieren tocar. Vamos de El rey león, a Tron: Legacy, y desde allí a El señor de los anillos. Todo sin orden ni concierto. A eso hay que sumarle una trama más previsible que el resultado de España en Eurovision.

Pero hasta de los desastres más monumentales se saca algo bueno. Lo hace con timidez, pero Black Panther indaga en los problemas de África, y el vibranio va en claro paralelismo con la explotación de Coltán. Tampoco se omiten los problemas históricos de la población negra en el pasado, presente y futuro de los Estados Unidos. La crítica no se esconde, aunque en conjunto carezca de la profundidad que una película ajena a romper taquillas le hubiera otorgado.

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En el casting la gran sorpresa es Letitia Wright y su carismático personaje: Shuri, una experta tecnológica que acaba con el estereotipo masculino que impuso Alfred en Batman. Ella sí tiene hueco en el universo Marvel. La noticia negativa es la aberrante interpretación de Daniel Kaluuya (W’Kabi) que acaba con el buen sabor de boca que nos dejó en Déjame salir, papel por el que está nominado al Oscar. Poco que decir de T’Challa, Chadwick Boseman. La mejor noticia es que ni el ni su personaje sufren desgaste de cara a futuros filmes marvelianos.

Este error de la casa de las ideas, casi en el descuento de Infinity War, rebaja levemente las expectativas ante la película más prometedora de la franquicia. Pero Marvel ya demostró en Civil War que es capaz de triunfar en una misión suicida: La de acumular decenas de personajes carismáticos en un mismo metraje y que el aforo no se resienta. Confiamos que los hermanos Russo resuelvan la ecuación como hasta ahora. Thanos is coming.

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The Cloverfield Paradox: Para dox, lax dox primerax

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Parece que la saga Cloverfield está dispuesta a tocar todos los palos. Tras el debut en clave Kaiju mockumentary de Monstruoso, llegó Calle Cloverfield 10, una agobiante historia postapocalíptica de espacios cerrados. Ahora llega por sorpresa a Netflix The Cloverfield Paradox, un título que abandona la tierra para instalarse en el terrpr sci-fi espacial.

El punto de partida de Paradox recuerda al de Interstellar, con un planeta al borde de perder todos los recursos y una expedición que tiene como misión alargar la esperanza de nuestra especie. Un comienzo esperanzador y una premisa interesante. Los primeros minutos se desarrollan de manera irregular. La película no encuentro el ritmo, pero destellos de guión como el “Not in Kentucky Anymore” o la terrorífica aparición de la chica entre cables mantienen viva la esperanza. Incluso los momentos de puro Alien, aunque mil veces vistos, mantienen la tensión. Así es como llega el primer WTF mayúsculo de la película, con un brazo que recuerda a la ‘cosa’ de La familia Adams. Por un momento Sam Raimi se apodera de la cinta. Pero con ese brazo en fuera de juego se acabó lo que se daba. El pasaje del terror se va cerrando, y el guión, que pretende ser una ecuación difícil de resolver, se convierte en una resta con llevadas.

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Tampoco ayudan las esperpénticas interpretaciones. Daniel Brühl está peor que nunca, con una cara continua de… ¿Quién me ha engañado para participar en esto? Así es como poco a poco Paradox se va quedando demasiado lejos de sus antecesoras. Quién mucho abarca poco aprieta dicen, y en este caso es literal. Es en este punto es cuando vas entendiendo la decisión de Paramount de ‘regalarle’ a Netflix esta película, que en principio debió verse en las salas de cine. A este Paradox le pasa lo mismo que a aquellas secuelas que tuvo Cube, Hypercube y Cube zero, que intentaban resolver cutremente los enigmas de la original. Intentaremos quedarnos con los buenos momentos, todos mencionados en este reseña. Por lo demás, una gran pena para una de las sagas más misteriosas del cine de los últimos años.

 

El hilo invisible: Lo que amas es necesitar

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Pues nada, que lo ha vuelto a hacer. Paul Thomas Anderson ha vuelto a demostrar por qué es uno de los mejores directores de cine de los últimos años. El autor de Pozos de Ambición, Boogie nights o The master ha recurrido al mundo de la moda para hablarnos de amor, más concretamente de un amor enfermizo.

El hilo invisible nos presenta a Reynolds Woodcock, un brillante diseñador que vive acomodado en una tortuosa disciplina. Una vida dedicada al trabajo en la que apenas hay sitio para nada más. Su rutina se ve alterada cuando conoce a Alma, una joven que no solo se convertirá en su amante, también en su modelo predilecta.

Todo es más fácil con Daniel Day Lewis. El actor británico vuelve a realizar una interpretación monumental, demostrando los motivos por lo que es considerado uno de los mejores en su oficio. Una actuación que deja un halo de tristeza, porque Day Lewis ha anunciado que esta será su última vez. No es la primera vez que lo deja. En 1999 también comunicó su retirada para convertirse en zapatero en Florencia, pero Scorsese le recuperó para el cine en Gangs of New York. Esperamos que alguien le vuelva a sacar de la jubilación, porque el cine no puede permitirse prescindir de uno de los actores más grandes de todos los tiempos. Le da la réplica Vicky Krieps, que aunque no está al nivel, no le negamos el mérito de mantener el tipo. La que si sorprende con un potentísimo personaje secundario es la nominada al Oscar Lesley Manville, que interpreta a Cyril, hermana de Reynolds. Sus minutos en pantalla son de oro.

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No estamos ante una película sencilla. Anderson se toma su tiempo en la construcción del entorno y, sobre todo, en la de los personajes. Que nadie espere un ritmo alto, porque el director cocina a fuego lento sus verdaderas intenciones. Y para que esto funcione nada mejor que cuidar el detalle. La fotografía, como en todos sus títulos, es impecable. Pero hay algo aún mejor: La cuidadísima banda sonora de corte clásico que ha compuesto el guitarrista de Radiohead Jonny Greenwood. Hay que ser muy bueno para llevar a cabo un trabajo de este nivel. Más aún cuando eres conocido por formar parte de una legendaria banda de pop alternativo.

El director no nos muestra sus cartas hasta el último cuarto de la película. Es en su tramo final cuando El hilo invisible se cita con la excelencia. PTA arriesga y gana en un final sin concesiones que desnuda en totalidad a sus protagonistas. Al abandonar la butaca mucho por asumir, y varias preguntas para el espectador ¿Es la historia que cuenta el hilo invisible un caso aislado o es la forma más común de amor? La teoría de Anderson parece inclinarse ante esto último. Una vez más el espectador contra las cuerdas, y la sensación haber visto una gran obra. Pero lo que hace aún más grande a El hilo invisible es que se presta a múltiples visiones, y cada espectador saldrá del cine con su película. Guste o no, estamos ante una experiencia única.

Reflexión en Spoiler (Déjalo aquí si no has visto la película)

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All you need is love es uno de los temas más populares de los beatles y, por ende, de toda la música británica. Anderson le da la vuelta al estribillo relacionando el amor con la dependencia emocional. Alma gana la partida cuando se da cuenta de que el hueco que debe llenar es de la madre de Reynolds. Esa dependencia emocional que se intuye con la pérdida. Todo lo que necesitas no es amor, lo que amas es necesitar a alguien. Lo mejor en las últimas escenas es que los dos protagonistas ya conocen sus roles, y aún así todo fluye. Un final en el que la pareja protagonista es feliz y como perdices, y aún así atroz.

Reynolds Woodcock: Kiss me, my girl, before I’m sick.

Los archivos del Pentágono: Periodismo contra el miedo

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Steven Spielberg confirma en cada nuevo título su trabajo como gran cronista de la historia del Siglo XX. La lista de Schindler, Salvar al Soldado Ryan, Munich, El puente de los Espías… Poco queda del otrora Rey Midas de Hollywood. Hemos perdido al cineasta que asombraba en la fantasía y ciencia ficción, pero hemos encontrado a un gran historiador con ecos del mejor cine clásico americano. Los archivos del Pentágono no hace más que confirmar esta afirmación.

La película aborda uno de los episodios clave en la historia del periodismo durante el mandato de Nixon, el de los Pentagon papers. Dichos papeles, con información clasificada, ponían en tela de juicio el papel de Estados Unidos en Vietnam, una guerra ya de por si muy cuestionada con protestas a lo largo y ancho del país. Y tampoco quiero contar mucho más, puesto que los que no conozcan lo sucedido tendrán ese plus al sentarse en la butaca.

El guión de Liz Hannah y Josh Singer indaga en la parte privada de la historia. Especialmente en la relación entre Katherine Graham, editora del Washington Post, y Ben Bradlee, director del periódico. Spielberg ha contado con dos primeros espadas para defender los personajes: Meryl Streep y Tom Hanks. Ambos intérpretes resuelven el papel con la efectividad marca de la casa. Especialmente interesante resulta el personaje de Streep, que da vida a una poderosa mujer que tendrá que enfrentarse a una dura decisión y a un momento de hombres que no la respetan. No solo ella y el Post estuvieron en juego, también el papel del periodismo en la sociedad.

Los archivos del pentágono gustará especialmente a los que disfrutaron con Todos los hombres del presidente, la obra cumbre del periodismo en el cine. De hecho, ésta última actúa como la precuela perfecta. Este subgénero, también llamado Porno para periodistas, reescribe las letras doradas de la profesión en estos tiempos oscuros. “La prensa debe servir a los gobernados, no a los gobernantes”, dice Katherine Graham en un momento de la película. Las carcajadas en la sala fueron sonoras, y no hace falta explicar el motivo. 

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En definitiva, Los archivos del pentágono es una pieza sólida de la marca Spielberg. Una historia que toca especialmente a los que somos parte del periodismo, pero que duele al ver la triste realidad. Sólo hay que ver el caso de El país en España para presenciar la decadencia del periodismo y su derrota ante los intereses políticos y económicos. Aun así, vale la pena recordar que esto sucedió. La libertad de prensa también ha tenido que ganar batallas, y esta fue una de las más importantes.

Spielberg regresará a la fantasía en marzo con Ready Player One, película sobre un icónico mundo virtual. Si consigue estar a la altura de estos archivos habrá cumplido sobradamente.

Call me by your name: El verano no vivido

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Entro a ver Call me by your name con los prejuicios de siempre ante una película que los premios convierten en hype y temiéndome un Moonlight 2. A eso hay que añadirle mi particular alergia al género romántico y la crema pastelera. Salgo encantado de haberme vuelto equivocar. Estamos sin duda ante uno de los títulos de la temporada y una de las mejores películas de amor de los últimos años.

La premisa la hemos visto muchas veces. Comienzo del verano de 1983 para un adolescente, o lo que es lo mismo, viaje iniciático y despertar sexual. Todo esto en el idílico norte de Italia. Elio acoge junto a su familia a Oliver, el típico guaperas Made in USA que llega a Europa para conocer in situ la historia del arte. Ambos jóvenes irán creando poco a poco una particular amistad.

El director italiano Luca Guadagnino crea desde la sencillez una interesante historia de amor alejada de los tópicos y con más capas de lo que aparenta. Todo ese sentimiento se entremezcla con otro amor con el que encaja a la perfección: El amor al arte. Además, la película evita el desarrollo sencillo de los acontecimientos para transitar por un camino más complejo, lo que hace que el guión se reserve la capacidad de sorprender. El simbolismo también está presente, como se puede ver en la escena en la que se saca a flote la escultura, en la que también salen a la superficie del film otros restos del naufragio a modo de sentimientos.

El protagonista Timothée Chalamet, nominado al Oscar por su papel, lleva a cabo una interpretación inolvidable, que redondea con un antológico plano final. Una escena para el recuerdo, y no es la única de la película. La célebre escena del melocotón, de la que no diré ni mu, es ya historia del cine. Al igual que el momentazo Timothée Chalamet Chalamet- Michael Stuhlbarg, con un texto de los que atraviesan la pantalla y abren en canal al espectador. Un gran conjunto que se ve mejorado por la brillante aportación de Sufjan Stevens en la banda sonora.

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Además del Awakening, la película explora otros temas interesantes como las relaciones familiares. Los padres de Elio son parte fundamental de la historia, y un ejemplo de libertad en el convulso 1983. Ambos son perfectos espejos aún para los padres y madres hoy en materia de comunicación, aunque también sean consecuencia de los tiempos. Por desgracia, algunas mentes tardarán décadas aún en abrirse, y habrá quién se sienta incómodo viendo la película. Los que detecten esa sensación en 2018 tienen un problema severo.

En definitiva, Call me by your name es cine que transmite, y también cine que rompe. Estamos ante un nuevo clásico en su género, una de las películas del año que no se quedará en eso, puesto que deja escenas que permanecerán en el tiempo.

La frase

“La naturaleza tiene formas muy ingeniosas de encontrar nuestro punto más débil”

Profesor Perlman

 

 

Reflexión en Spoiler (SI NO HAS VISTO LA PELÍCULA NO LEAS ESTO)

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Mantengo una teoría sobre la película. Elio es en realidad el Profesor Perlman, y  su verano el que no pudo vivir como quería, de ahí el título de esta crítica.

 

El terror: Un manual de autoayuda

La mayoría de la población piensa que las películas de terror están hechas para pasar un mal rato, pero un Estudio de la prestigiosa universidad de Twister’s cow en Oklahoma ha concluido que el horror es en realidad un género de autoayuda y superación personal. Piénsalo un momento, al final hay una chica que (casi) siempre sobrevive. Aquí van unas cuantas pruebas de lo que en realidad querían contar estas películas antes llamadas de terror, y que pasarán a la historia como cine motivacional.

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(No, no he podido resistirme a meter una frase de Vetusta Morla 😂)

Molly’s game: El gran telar de Circe

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Entraba a ver Molly’s game con expectativas medias. Si una película de casi dos horas y media de duración lograba entretener ya iba a ser un triunfo. Salgo del cine con los niveles de entusiasmo muy arriba. Estamos ante la primera gran película de 2018. Un filme fascinante. Hacía mucho tiempo que no disfrutaba tanto en una sala.

Molly’s game adapta la vida de Molly Bloom, la ‘autoproclamada’ princesa del Poker. Una ex esquiadora que pasará a la historia por ser la anfitriona en las partidas de Poker entre algunas de las personas más poderosas del planeta.

La clave del éxito de la película es bien sencilla. Cuenta con dos de las grandes personalidades de lo que hoy conocemos como cine. Por un lado encontramos a Aaron Sorkin, guionista de Moneyball, La red social o las televisivas El ala oeste de la casa blanca y The Newsroom. En esta ocasión, también se encarga de la dirección. Por el otro Jessica Chastain, una intérprete en permanente estado de gracia, que, una vez más, devora la pantalla con una actuación hipnótica. Y si a un texto de primer nivel, le sumas el talento inagotable de una actriz y un montaje afortunado, las cosas solo pueden salir bien.

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En el cine de Sorkin los personajes hablan y hablan, y Molly’s game no es una excepción. No dista demasiado de una de una de Jackie Chan, hostias verbales en cada escena, un interminable combate dialéctico. Mi enemistad con el silencio injustificado en el cine hace que no me haya costado demasiado adherirme a su causa. Más si cabe cuando cada línea tiene interés. Y eso que por momentos la película se mete hasta el cuello en el complejo mundo de los términos de Poker, pero el mérito de Sorkin en ese pantano de cartas es ser capaz de que nos creamos especialistas en el tema. El guionista podría adaptar a todos los públicos hasta el listín telefónico.

Y no digo que la película sea perfecta, porque no lo es, ni el Sorkin director está al nivel del escritor, pero a veces el cine consigue traspasar el criterio. Cuando una película consigue conectar como lo ha conseguido Molly’s game, poco importa algún desliz artificioso. Joder, si hasta me ha emocionado. O igual tengo uno de esos días, yo que se.

También os digo que 141 minutos viendo a la Chastain nunca serán demasiados. Es algo que parece repetirse película a película. Hace unos meses ya lo comprobamos con El caso Sloane. Chastain tiene un don para hacernos fans de sus personajes a los diez minutos. Hoy por hoy, pocos intérpretes, masculinos o femeninos, poseen ese carisma. Quizá Cate Blanchett de vez en cuando. Y que en un Hollywood tan masculinizado nos encanta ver a una mujer dando un golpe en la mesa, y que cada vez más historias en femenino den el salto a la gran pantalla. La industria necesita un centenar de Chastains.

No quiero olvidarme de Kevin Costner, que interpreta a un personaje que me ha recordado al de Robin Williams en El indomable Will Hunting. El veterano actor exprime sus reducidos minutos en pantalla con dos apariciones antológicas.

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Además de la historia de Molly Bloom, Sorkin también tira de mitología, recurriendo en este caso a La odisea, en concreto al episodio de Circe y la llegada de los marinos a la isla de Eea, donde posteriormente serán convertidos en cerdos por la hechicera. El paralelismo de la historia de Bloom y este pasaje es evidente, y se menciona con fortuna en la película. Una mirada desacomplejada al clásico relato de Homero.

En definitiva, Molly’s game es una película que está teniendo un injusto discreto paso por salas. Por favor, aprovechad estos últimos días, porque la vida de Molly Bloom merece ser disfrutada en pantalla grande.

 

La historia real de Molly Bloom

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La realidad supera a la ficción, capítulo 10.564. Explorando la historia real de Molly Bloom encontramos algunos de los nombres que la película ha decidido omitir. Entre los asiduos a sus partidas aparecen los nombres de Tobey Maguire y Leonardo DiCaprio. Este último era utilizado de señuelo para que el ex spiderman atrayese a más jugadores. Quizá esto signifique Maguire sea ese señor X que interpreta con acierto Michael Cera. Según afirma Bloom,  el actor la obligó a que “gruñera como una foca ansiosa de recibir un pescado” durante una partida. Se ve que llevaba mal eso de sentarse en una mesa controlada por una mujer con los galones de Bloom.

The disaster artist: Ahora sí, comedia voluntaria

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Puede que no la hayas visto, pero si eres medianamente cinéfilo seguramente hayas tenido algún contacto con The Room (2003), la gran comedia involuntaria de lo que llevamos de siglo. La película escrita, dirigida y protagonizada por el excéntrico Tom Wiseau se ha convertido, con la ayuda de la era digital, en la denominada peor película de todos los tiempos. Un filón para memes y parodias de toda clase. Pero si de algo iba sobrado aquel acto de osadía cinematográfica era de carisma. James Franco ha sabido explotar esa vertiente en The disaster artist, la comedia, esta vez voluntaria, sobre el rodaje de The room.

Franco, en otro acto de osadía, dirige y protagoniza la cinta. No es la primera vez que el actor se marca un Juan Palomo, pero nunca lo hizo con tanto acierto. El reciente globo de oro al actor de comedia respalda su gran trabajo como alter ego de Wiseau. Una meritoria actuación por imitación de un freak único en su especie. Si bien tengo dudas sobre que The room sea lo peor que he visto (Reconozco que entretiene, que no es poco), me encuentro menos dubitativo al afirmar que la actuación de Wiseau sea de largo la peor que ha visto el séptimo arte. O si no la peor, de largo la más marciana. Franco ha sabido atrapar la esencia de un ser de otro planeta.

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Además, The disaster artist es una obra de profundo amor al cine. No son pocos lo que intentaron sacar una película adelante para darse cuenta después de que nunca debieron dejar la comodidad de la butaca. Pero todo proceso creativo es un reto, una experiencia, y hasta en un fiasco de la talla de The room hay algo encantador. Estamos ante una gran comedia. No coincido con los que han visto en la película de Franco una obra maestra, porque sencillamente no lo es, pero está muy por encima de lo que se hace en el género actualmente.

Recomiendo acercarse a The disaster artist en versión original, para disfrutar de James Franco en toda su esencia. También recomiendo repescar en Youtube The room antes de acercarse al cine. Si algo tiene esta película, es una historia digna de conocerse.

 

 

Las 18 películas más esperadas de 2018

2018 empieza fuerte gracias al estreno de las películas que intentarán protagonizar la próxima noche de los Oscars. También es un año de retornos y de episodios cumbre en algunas sagas. Aquí van las 18 que más expectativas vacunas nos generan.

Molly’s game, de Aaron Sorkin (5 de enero)

Aaron Sorkin, el guionista más respetado de Hollywood (El ala oeste de la casa blanca, La red social, Moneyball, The Newsroom…) dirige a Jessica Chastain en Molly’s game. La película, basada en hechos reales, cuenta la peculiar historia de Molly Bloom, una esquiadora de talla mundial que se hizo de oro gracias al Poker. Guión adaptado y actriz ya son finalistas a los Globos de oro.

Tres anuncios en las afueras, de Martin McDonagh  (12 de enero)

El premio del público en el Zinemaldia y Toronto, y el premio al mejor Guión en el festival de Venecia avalan a esta comedia negra que ha conquistado a todo el que ha tenido la oportunidad de verla. Su carrera podría llegar hasta los Oscars. Ojo, que la mejor Frances McDormand está de vuelta.

Los archivos del pentágono, de Steven Spielberg (19 de enero)

Asistimos al Big Three del año. Meryl Streep y Tom Hanks dirigidos por Steven Spielberg en un thriller basado en hechos reales ¿Qué puede salir mal? La película cuenta los entresijos de la filtración por parte de varios medios estadounidenses de los documentos clasificados del pentágono. Historia del periodismo.

El hilo invisible, de Paul Thomas Anderson (2 de febrero)

Tras los enormes resultados de Pozos de ambición, Paul Thomas Anderson recupera a Daniel Day Lewis para su causa. Razón suficiente para ver en el cine lo que nos depara sobre este drama sobre el mundo de la moda ambientado en la Inglaterra de los años 50.

La forma del agua, de Guillermo del Toro (16 de febrero)

Del Toro tuvo que desmentir que estuviéramos ante una precuela encubierta de Hellboy, a pesar del parecido entre la criatura protagonista de La forma del agua y el palito de pescado de la adaptación del comic. Lejos de eso, estamos ante una historia romántica en todo su sentido que también puede llegar bien situada a los Oscar. Para muchos, uno de los mejores trabajos del director.

Aniquilación, de Alex Garland (23 de febrero)

Vuelve el director de Ex Máquina, y lo hace en clave Sci fi y con Natalie Portman a la cabeza. En su haber, uno de los trailers más descolocantes del año. Ojalá estemos ante la confirmación de Garland como uno de los grandes del género.

Todo el dinero del mundo, de Ridley Scott (23 de febrero)

Otro de los grandes, Ridley Scott, opta también por adaptar un suceso real,  para el que cuenta con Michelle Williams, Mark Wahlberg y Christopher Plummer, que ha sustituido a Kevin Spacey a última hora tras las acusaciones de abusos a este último. En la mesa una gran historia alrededor del secuestro del nieto del magnate  John Paul Getty Sr.

Lady Bird, de Greta Gerwig (23 de febrero)

El fenómeno indie de la temporada llegará en febrero, a dos semanas de su presumible paso por los Oscars. La película de Greta Gerwig esta bien posicionada en la carrera por la estatuilla. El adelanto del estreno de la película, que estaba programado para abril, no es casual.

Tomb raider, de Roar Uthaug (18 de marzo)

La Lara Croft de Jolie no conveció a nadie. Ni tenía la esencia del videojuego ni la del personaje, y se limitaba a ser una Indiana Jones destalentada. Este Reboot intentará poner al personaje en el lugar que se merece. Alicia Vikander toma el mando.

Ready player one, de Steven Spielberg (28 de marzo)

Hay Spielberg para rato. La adaptación de este libro promete batir todos los récords de referencias a la cultura pop por minuto. Para muestra este trailer.

Los nuevos mutantes, de Josh Boone (13 de abril)

Los nuevos mutantes es uno de los últimos coletazos del Marvel de FOX. Veremos si estos mutantes convencen. La división oscura de los X Men promete tanta acción como terror.

7 días en Entebbe, de Jose Padilha (20 de abril)

El director de Tropa de élite y la serie Narcos recrea un espinoso episodio clave del conflicto Israel-Palestina. Al frente del reparto, Daniel Brühl y Rosamund Pike.

La partícula de Dios, de Julius Onah (20 de abril)

Estamos ante el secreto mejor guardado de 2018, y eso siempre genera curiosidad. Sabemos que será la tercera entrega de la saga Cloverfield tras Cloverfield (Monstruoso) y Calle Cloverfield 10. Y ni siquiera a ciencia cierta. Su predecesora ya nos llegó de sorpresa hace un par de años, pero si los rumores se confirman, estamos ante un episodio que puede cerrar una de las grandes trilogías Sci-fi de los 2000.

Vengadores: Infinity War (27 de abril)

El más difícil todavía. Tras Civil War, el número de personajes en filme se amplía aún más. Hasta los guardianes de la galaxia están invitados a la película en la que veremos a Thanos tomar el control.

El mundo es suyo, de Alfonso Sánchez (22 de junio)

Si te gustaron el culebra y el cabesa en El mundo es nuestro, prepárate para seguir las aventuras de los señoritos andaluces más célebres, el Rafi y el Fali. Warner anda detrás de todo.

The Predator, de Shane Black (3 de agosto)

El director de Kiss Kiss Bang Bang, Iroman 3 y Dos buenos tipos se atreve a actualizar un mito necesitado de una gran película. Desde que Schwarzenegger hiciera frente al monstruo, solo hemos visto intentos fallidos. Confiamos en que esta vez sea la buena. Cruzamos los dedos.

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El reino, de Rodrigo Sorogoyen (28 de septiembre)

El director de Qué Dios nos perdone, el último gran título del Thriller español, regresa con un tema capital y muy poco explorado en el cine made in Spain: La corrupción.

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Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald, de David Yates (16 de noviembre)

La primera película nos dejó con ganas de ver como continúan las aventuras de Newt Scaramander. En esta ocasión la acción se desplaza a París y Londres, y está confirmada la presencia de Dumbledore, al que se encargará de dar vida Jude Law.

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Las mejores películas de 2017

2017 ha dado una buena cosecha, con más de una película convertida en fenómeno por méritos propios, y un buen puñado de películas originales que demuestran que el séptimo arte aún se puede nutrir de buenas ideas. No todo van a ser sagas. El ranking del año también confirma el buen estado del cine de terror, que hoy en día compite de igual a igual con los géneros (erróneamente considerados) mayores.

15. MÚLTIPLE (SPLIT)

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Sin ser la película más brillante de Shyamalan, su final para Shymalanistas ya compensa todo el visionado. Tras casi dos décadas en el lodo, parece que el director levanta cabeza.

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14. BLADE RUNNER 2049

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Cómo hacer una secuela de Blade Runner y no morir en el intento. Villeneuve demostrando que es posible. Ojo, que el paso del tiempo puede jugar a su favor.

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13. EL AUTOR

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Estamos ante una cinta que contiene algunas de las mejores escenas del cine español de los últimos años. No es perfecta, pero esta adaptación de Javier Cercas deja poso. Javier Gutierrez sigue en estado de gracia.

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12. SILENCIO

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El cine sigue disfrutando de la madurez de Scorsese. Tras El lobo de Wall Street, retoma el tema religioso que ya inició con La última tentación de Cristo y Kundun. La película es una auténtica delicia en lo formal, un proyecto personal en el que Scorsese ha puesto todo su empeño y maestría. Un Japón que no se había visto hasta ahora. Una cuestión de fe.

 

 

11. HANDIA

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Un milagro del cine vasco, y posiblemente la mejor película realizada en el estado español a nivel técnico. Impresionante trabajo de dirección artística,  fotografía y efectos especiales. Un gigante con pies de hierro.

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10. FELÍZ DÍA DE TU MUERTE

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Fast Food de primera división para el cruce perfecto entre Scream y Atrapado en el tiempo. La película más entretenida del último año. Engancha que da gusto.

 

 

9. EL SACRIFICIO DE UN CIERVO SAGRADO

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Lanthimos tira de sus raíces griegas para mirarnos la moral y presentarnos su gran tragedia. Un relato duro que no da concesiones al espectador. Formalmente, una película sobresaliente.

8. CRUDO

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La vendieron como la última película escándalo, pero estamos ante una cinta que no es tan gore como cine autoral. La directora Julia Ducournau puso el canibalismo como excusa para explicar los cambios de una adolescente al pisar la universidad. Una película brillante.

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7. MANCHESTER FRENTE AL MAR

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Una gran película sobre la culpa, sobre lo complicado de irse, de volver. La muerte en vida del mejor Casey Affleck. Un drama consistente y arrebatador.

6. IT

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Parecía casi imposible acertar con un remake de IT, pero Andy Muschietti la ha metido por la escuadra, demostrando que todo es posible si trabajas los personajes. Esperamos con ansias la segunda parte de esta notable adaptación de Stephen King.

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5. Z: LA CIUDAD PERDIDA

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James Gray rescata el extinto cine de aventuras y lo convierte en cine con mayúsculas. Desde el clasicismo, nos muestra el relato de una auténtica obsesión. Una gran película.

4. LA CURA DEL BIENESTAR

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Gore Verbinski, responsable de Piratas del Caribe, haciendo una película de terror gótico y dos horas y media de duración, léase, haciendo lo que le ha salido de la chorra. Tiene pasajes sobresalientes y su fotografía es de lo mejor de los últimos años. Merece la pena el viaje.

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3. THE SQUARE

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Merecidísima Palma de Oro en Cannes para un Ruben Östlund que empieza a no tener techo. Piezas salvajes unidas con destreza y una finísima ironía. Un nuevo golpe de realidad al estado de bienestar.

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2. DÉJAME SALIR

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Un nuevo clásico del terror que esconde mucho más de lo que aparenta. Una película que mira de frente a la cuestión racial, de manera tanto o más efectiva que el cine sobre el esclavismo. Visionado obligatorio.

1. LA LA LAND (LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS)

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Tras la notable Whiplash, el director Damien Chazelle se supera a sí mismo con un musical para la historia del cine. De la intro al desenlace, una película redonda que bebe de las mejores fuentes para crear su propia personalidad.

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