Archivo de la categoría: Festivales

Crónica del 14 de octubre en Sitges: What happenned to monday, Jojo’s bizarre adventure y How to talk to girls at parties

Para cerrar Sitges un sábado muy loco con varios titulazos, en el sentido literal. No digáis que no molan “¿Qué le pasó a Lunes? o “Como hablar con chicas en las fiestas”. Vamos a ello.

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He entrado a la proyección de What happened to monday? sin tener ni la más remota idea de lo que iba a ver. Solo sabia que era una distopía protagonizada por siete hermanas, cada día con un día de la semana asignado, y que salía Noomi Rapace. Mi cabeza había autocompletado pensando que iba a ver un drama intimista. La primera sorpresa que me llevo es que dirige Tommy Wirkola, el de Zombis nazis, pero he pensado… “Pues habrá apostado por un cine más maduro…”. Y la primera media hora de película no se salía mucho de esta idea. La primera media hora, porque a partir de ahí todo se ha convertido en Jungla de cristal con la Rapace dando hostias como panes y tirando de ametralladora. Yo flipando, claro. Estamos ante una película con buenas ideas, pero que en mi opinión se equivoca al querer ser una de Jean Claude Van Damme. Que no hace falta ser Blade Runner, pero una solución intermedia hubiera sido más satisfactoria. Aún así no se puede decir que no sea entretenida. Eso sí, si eres fan de la Rapace es tu día de suerte. Las siete hermanas son ella.

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Tras el buen sabor de boca de Blade of the immortal el día anterior, había cierta esperanza en disfrutar de la locura de Miike en Jojo’s bizarre Adventure: Diamond is unbreakable. Pero mal empezaba la sesión por cuestiones ajenas a la proyección. Una persona no identificada en la fila delantera transmitía un olor corporal muy potente, y no precisamente bueno. Cuando se dice que el cine es una experiencia sensitiva debe ser por esto. Si ha sido algún tipo de prueba para el cine en 4D… ¡Aborten! A lo que íbamos. ¿Qué queríamos? Pues simple y llanamente 2 horas de diversión. ¿Qué encontramos? Posiblemente la peor de las cien película de Miike. Ok, no he visto ni un cuarto de su filmografía, pero esto es difícil, muy difícil de empeorar. Por ahorraros la tortura, resumiré el argumento con ‘una película de jóvenes con superpoderes rodada en Sitges’. Y Sitges es lo único salvable de la función con su gran interpretación de pueblo nipón. Un rollo adolescente Pokemon mezclado con Pequeños guerreros y trazas de Locomía. Tampoco os puedo contar mucho más. He intentado abstraerme, pensar en otras cosas, y evitar seguir prestando atención a este engendro que hace buena a Dragonball Evolution.

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Pero nunca hay que arrojar la toalla, y How to talk to girls at parties ha sido un gran cierre para nuestras sesiones del festival. Una punkarrada, en el sentido más británico de la palabra, que mezcla descaro y rabia con extraterrestres. Todo en tono de comedia. Destacar la presencia de Nicole Kidman, muy pero que muy alejada de los papeles serios que acostumbra. En esta ocasión interpreta a una especie de matriarca con aspecto de David Bowie en Dentro del laberinto. Elle Fanning, protagonista de The Neon Demon, confirma que es algo más que una actriz de moda. La película es como Under the Skin pero en versión musical dirigida por John Cameron Mitchell. También tiene algo del cine del cine de John Carney (Sing Street), momentos musicales incluidos. Si te gusta el punk y las películas atípica de invasión extraterrestre, es tu película. Si solo te gusta el punk disfrutarás igualmente.

Y hasta aquí nuestras crónicas de esta 50ª edición del mejor festival sobre la faz de la tierra. A partir de ahora quedará un día menos para el siguiente. La Semana de Terror de Donostia y el FANT harán la espera más llevadera.

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Crónica del 13 de octubre en Sitges: Happy death day, Errementari y Blade of the immortal

Viernes 13 en la 50ª edición del Festival de Sitges. Contra todo pronóstico, una película mainstream made in USA de terror adolescente y bucles temporales, se ha convertido en mi preferida de lo que va de Sitges. Happy death day (Feliz día de tu muerte), de Christopher Landon, es un Atrapado en el tiempo protagonizada por la chica popular de la universidad. La joven despierta una y otra vez en el día de su cumpleaños, una jornada en la que siempre acaba asesinada.

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Ojito, porque puede que estemos ante el Scream de los milennials. La ridícula máscara de Ghostface es traje de etiqueta al lado del Babyface de esta función. Hora y media de referencias sin complejos y música juvenil. Entretenimiento puro. Le deseamos la mejor de las suertes en la taquilla USA. El terror necesita esta clase de fenómenos.

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La segunda del día ha sido un golpe de mano ejecutado por Paul Urkijo Alijo, director al que veníamos siguiendo del corto y que ya demostró en El bosque negro su buen hacer en el género de Espada y Brujería. En Errementari, se sirve de la mitología vasca para contarnos un cuento en euskera de herreros y demonios. Una película que lo apuesta todo a la dirección artística para acabar ganado la partida. La película soluciona los problemas de presupuesto con imaginación, aunque a veces se nota que hay más ambición que euros. El herrero Kandido Urania y Uma Brancaglia, la niña protagonista, son dos aciertos totales de casting. En conjunto, una buena opera prima que esperamos que sea el Batman Begins de Urkijo. La primera de muchas.

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Para acabar, una carrerita hasta el Retiro para disfrutar de Blade of the immortal, live action del manga homónimo del género de espadazos nipón. La película 100 del prolífico Takashi Miike, que incluso se permite hacer algún guiño autorreferencial en la película a esta cuestión. 140 minutos de amputaciones con tiempos muertos para filosofar al estilo oriental. La película está a años luz de Ichi the killer, Gozu y Audition, pero es una de sus obras más destacadas en los últimos tiempos. Quizá lo más negativo, es que la gran secuencia de la película es la primera de todas. Un largo ‘yo contra el mundo’ con violencia extrema en elegante blanco y negro. A partir de ahí, demasiada repetición por momentos.

 

Que la sala haya recibido a Takashi al grito unánime de “Miike, Miike, Miike” demuestra la importancia de su figura en el microcosmos de Sitges. Estamos ante una leyenda viva.

Crónica del 12 de octubre en Sitges: Survival family, Krotkaya, Stephanie y La piel fría

El sueño se acumula en Sitges. Por eso suele ser importante que la primera película del día no sea un ladrillaco que haga perder la esperanza. No ha sido el caso de la japonesa Survival Family, de Shinobu Yaguchi, una simpática película que sigue los pasos de una familia tras un apagón tecnológico completo.

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A pesar de ser comedia, el humor no es su punto fuerte. Lo mejor es su manera de hacer pensar por la vía ligera, y destapar la mentira de que la tecnología une a las personas. Con la ‘obligación’ de comunicarse, veremos que los lazos familiares se vuelven a estrechar. Unos lazos que se van destensando de generación en generación. Disfrazada en ocasiones de película de aventuras, la película consigue además entretener de principio a fin.

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Tras ella, tocaba Krotkaya (A Gentle creature), de Sergei Loznitsa, una película que llega a la sección Noves Visions procedente de la Sección Oficial del Festival de Cannes, donde recogió palos y alabanzas a partes iguales. Y contra pronóstico, esta es la mejor película de lo que llevamos de festival. Eso sí, de Festival de Sitges tiene más bien poco. El filme nos hace cómplices del infierno que vive una mujer cuyo deseo es entregar un paquete a su marido encarcelado. Su viaje se convertirá en un frustrante laberinto sin salida poblado por personajes en forma de obstáculo. Cine en estado puro. Cine para interesados en adentrarse en las profundas heridas de la vieja Europa. Y un puñado de buenas canciones a capella que hacen mucho más llevaderos sus 143 minutazos. Su cierre es antológico.

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Ya por la tarde, ligera decepción con Stephanie, dirigida por el guionista Akiva Goldsman, responsable de los libretos de Cinderella man, Una mente maravillosa, Tiempo de matar o El cliente. Una vuelta de tuerca al terror con presencia infantil que tras unos potables primeros minutos se va desvaneciendo. Hablamos de Low Cost, pero los FX dejan mucho, muchísimo que desear. Algunas Apps de FX para video en el móvil cantan menos que los del tramo final de esta película. A eso hay que añadir que Goldsman está muy, pero que muy lejos de ser Shyamalan.

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Por último, turno para La piel fría de Xavier Gens. Una historia de supervivencia en la que lobos de mar se enfrentan a los primos de los masillas. Adaptación literaria de estética Lovecraftiana que destaca especialmente en lo visual y sonoro. A nivel técnico, esta coproducción entre España y Francia está a la altura de cualquier película de Hollywood. Hay que resaltar especialmente el nivel de detalle de la horda de criaturas. Tecnología digital bien utilizada. ¿Lo malo? Problemas de ritmo, reiteraciones y un metraje que acaba resultando pesado. Empieza todo demasiado pronto, y en la última media hora hay signos evidentes de fatiga.

Termina una jornada sin peliculón, pero seguimos disfrutando del ambiente festivalero. Mañana más, y seguramente mejor.

Crónica del 11 de octubre en Sitges: Thelma, Hostile y A day

Primer día en Sitges 2017 para La Vaca de Twister. Jornada de repescas de la Sección Oficial (Thelma y A day) y una francesa de Panorama Fantástico: Hostile.

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Empezamos al mediodia en el Retiro, con el pase de una de las películas más destacadas hasta el momento en la Sección Oficial; la noruega Thelma, de Joaquim Trier. La película empieza en un punto de partida muy similar al que nos mostró Raw (Crudo), con una joven raruna que deja el hogar para empezar la carrera de Biología. La socialización será inevitable, y también el choque frontal entre sus valores cristianos y la vida propia de una adolescente. Estamos ante una versión psíquica de Carrie que recuerda a títulos como Camino, La Vida de Adele, La señal, Requiem (El exorcismo de Micaela) y Chronicle. Todo ello con frío y ritmo propios del cine nórdico. Al dejar la sala cuesta aterrizar, y dar un veredicto claro, pero una vez superada la hora de reflexión hay que decir que Thelma no enamora, pero es una buena película. Lo es por sus ideas y la potencia de sus imágenes. En la parte negativa está esa frialdad. El exceso de contención no le sienta bien a un filme al que nos gustaría haber visto sin corsé.

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Tras Thelma, una película a priori más ligera en la sección Panorama Fantástico; la francesa Hostile, de Mathieu Turi. En sus primeros minutos parece que vamos a ver un filme similar a Infectados, de los hermanos Pastor, pero pronto muta hacia otra película que pasó por Sitges la pasada temporada: La simpática It stains the sands red, en la que una choni americana era perseguida en el desierto por un zombie. En esta ocasión se nos presenta a una heroína más al uso. Pero lo que parecía iba a ser un survival horror futurista se convierte de pronto y mediante flashbacks en una especie de Pretty Woman, en la que un tipo guapo y forrado recicla a un yonki que tocaba fondo. El drama aumenta en las escenas del pasado, mientras las imágenes del apocalíptico presente se convierten en una mera excusa para presentar la película en el festival de Sitges. Inevitablemente llegan las risas a las butacas, provocadas por un final que aún no se si es ridículo o la mejor forma en la que podría terminar. Poca cosa. Eso sí, destacable la gran interpretación a nivel físico de Brittany Ashworth.

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Y para terminar, A day, de Cho Sun-ho, la alternativa surcoreana a Atrapado en el tiempo. Una entretenida muestra del subgénero ‘bucle temporal’ que empieza frenética y divertida pero se desinfla en su parte final. Cuenta la historia de un padre disaster atrapado en una bucle que acaba siempre con el atropello (Salvaje y explícito) de su hijo. En su último acto la acción decae y la sus momentos cómicos desaparecen para dar paso al típico tramo moralizante que hace que lleguemos a la meta cansados. Sermones en Sitges no, por favor.

Así con todo, y tras unos mojitos en la playa de Balmins, una gran toma de contacto de un festival que los aficionados al género hacen único. Seguiremos desinformando.

 

El autor: Nightcrawler literario

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La Sección Oficial del Zinemaldia ha acogido a El autor, de Manuel Martín Cuenca, tras su paso por el Festival de Toronto. La película adapta El móvil, la primera novela del escritor Javier Cercas. En ella, un aprendiz de escritor que vive eclipsado por el éxito de su mujer decide tomar medidas drásticas para abrirse paso en el mundo de la literatura.

Varios alicientes de partida. El primero, un director que parece que en cualquier momento puede que va a dar el campanazo. Cuenca estuvo cerca con La flaqueza del Bolchevique y Canibal, películas que a pesar de su calidad, no terminaban de rematar. La segunda un intérprete que desde que se destapó en La isla mínima vive en estado de Gracia: Javier Gutiérrez. Motivos más que suficientes para sentarse en la butaca.

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Y empieza bien El autor. Su primera hora es de gran nivel, con algunas de las mejores secuencias del cine español reciente y un animal como Gutierrez comiéndose la pantalla, bien secundado por el siempre extraordinario Antonio De la Torre. Lástima que haya un pero. La película se mete en un laberinto en la segunda mitad del que no consigue salir, lo que desemboca en una ausencia de climax y un final que no resulta satisfactorio. Es una pena, porque tras los primeros minutos se puede llegar a pensar incluso que estamos en lo que podría ser un clásico del cine español. El filme funciona mejor cuando se desata del todo. De la Torre regala escenas que recuerdan a una versión literaria del J.K. Simmons de Whiplash, mientras Gutierrez se va convirtiendo con los minutos en el Jake Gyllenhaal de Nightcrawler.

Por el camino, la película lleva al extremo la búsqueda del “yo escritor” y su convivencia con el “yo persona”. Cada cierto tiempo leemos sobre las locuras que cometen algunos intérpretes para preparar algunos papeles, extravagancias que siempre son aplaudidas por prensa y público. ¿Pero que pasaría si los creadores hicieran lo mismo y decidieran implicarse de lleno con su historia? Seguramente algo parecido a lo que cuenta la película de Martín Cuenca. Al final, lo que se esconde detrás de su personaje protagónico es la historia de una obsesión.

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En definitiva, estamos ante filme irregular que funciona mejor por piezas que en conjunto. A pesar de que el sabor de boca que deja no es el muy bueno, al salir del cine sus momentazos hacen que la experiencia merezca la pena. Sin ser la mejor, estamos ante una de esas pelis españolas que hay que ver en 2017. Si el filme os ha dejado con ganas de más, nada mejor que revisionar En la Casa, una gran película sobre procesos creativos que ganó la Concha de Oro en 2012.

 

 

Noctem: Araquiel’s Box Project

Noctem es la última aportación española al Found Footage tras La saga REC y La cueva. El FANT 23 recibió a su director Marcos Cabotá y a sus protagonistas, Adrian Lastra y Esteban Piñero ‘Basty’ para hacer el primer pase con público de la película dentro de la Sección Oficial del Festival. Lastra, conocido por Primos o la serie Velvet, explicó que la idea de la película surge de una experiencia paranormal vivida en su casa. A partir de ahí decidieron hacer una película/experimento sobre lo ocurrido.

¿De qué va? Adrian Lastra y Esteban Piñero ‘Basty’ han desaparecido en México. El actor Álex Gonzalez, amigo de Adrian, le pide a un amigo que rescate los videos de sus móviles para clarificar los hechos.

La película comienza bien gracias a la acertada decisión de que los actores no interpreten a personajes, si no que sean ellos mismos con sus nombres reales, recurso que ya hemos visto en otras obras como Juerga hasta el fin. Y no todos son actores. Esteban Piñero ‘Basty’, miembro del grupo musical D’Nash se estrena en el cine con este papel. Según cuenta Cabotá, el reparto tuvo la generosidad de abrir las puertas de su casa y mostrar su intimidad. En el filme aparecen también parejas y amigos de los protagonistas haciendo de si mismos. De este modo, el texto y las situaciones de la película son en parte pura improvisación. En ese entorno ‘natural’ destaca la interpretación de Álex González.

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En lo argumental, Noctem encajaría como un guante como uno de los sucesos que recrea cuarto milenio. La amenaza se llama Araquiel, un muy digno representante de las fuerzas del mal. El problema principal reside en que la película se fija demasiado en otros found footage ya conocidos, especialmente El proyecto de la bruja de Blair y Paranormal Activity. Algunas ideas de puesta en escena están sacadas de la obra maestra de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez. Por esta razón diría que la película puede ser encajada mucho mejor por espectadores no iniciados en el género.

En la parte técnica hay algunos detalles que se podían haber pulido para hacer un resultado más realista, como las interferencias de los videos y la excesiva iluminación del flash del móvil en las escenas de oscuridad. Demasiado artificiales. Detalles como estos son los que me han impedido tener una experiencia terrorífica. Aunque he de decir que si que ha oído algún grito en la sala durante la proyección.

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En definitiva, estamos ante una cinta sin pretensiones que consigue entretener, pero cuyo resultado es irregular. Algunas ideas funcionan y otras no. Aún así, siempre es bienvenido cualquier nuevo intento en géneros poco transitados por la cinematografía española. Ojalá Noctem funcione.

 

My father die: El salvaje Mississippi

Sean Brosnan, hijo de Pierce Brosnan, ha sido reconocido con el Premio FANTrobia de la 23ª edición del FANT. Se trata de un galardón dirigido a jóvenes promesas del Cine Fantástico y de Terror. Tras ver My father die, su primer largo como director, entendemos los motivos de esta decisión.

¿De qué va? La película cuenta la historia de Asher, un joven sordomudo traumatizado por la muerte de su hermano a manos de su padre. Cuando el parricida abandona prisión, Asher decide que ha llegado el momento de la venganza.

Brosnan deja claro desde la introducción que vamos a ver una cinta potente y sin compasión. Los primeros minutos nos muestran la brutal muerte del hermano, con voz en off y un gran uso del blanco y negro. Una gran intro que nos sirve para adentrarnos en la América profunda y salvaje que Brosnan quiere mostrarnos. Una América a orillas del Mississippi en el que no hay lugar para la piedad.

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La violencia es una constante durante todo el metraje. A Brosnan le ha salido una ópera prima muy tarantiniana, aunque con bastante menos verborrea. En el reparto destaca Gary Stretch, que encarna al despiado padre de familia. El personaje es una nueva visión del Schwarzenegger de la primera entrega de Terminator.

La cruedad del filme está aderezada en todo momento por un acertado uso del humor negro. La excelente fotografía y una acertadísima selección musical consiguen que la película brille formalmente.

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No sabemos a ciencia cierta si este My father die tiene doble lectura, pero la película resulta una manera brillante de quitarse esa etiqueta de “hijo de…” que en ocasiones lastra algunas carreras. Aunque el bueno de Pierce figura en los créditos como uno de los productores del filme.

La película ha sido una de las sorpresas de este FANT. Un gran debut en el mundo del largo para Brosnan. Estamos seguros de que tras este debut indie, los grandes estudios llamarán a su puerta.

 

 

FANT 23: FANT en corto internacional

El FANT en corto internacional ha elevado esta edición un peldaño su nivel gracias a una elaborada selección de trabajos que demuestran el buen estado del género más allá del largo. Si tendríamos que resumir los trabajos proyectados en un palabra la tendríamos clara: ORIGINALIDAD.

The bald future, de Paul Cabon (Francia, 2017)

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Una parodia en defensa de los que perdemos pelo que llama a su integración en la sociedad. Habla de la calvicie, pero podría ser aplicable a cualquier característica física que se sale del canon de belleza impuesto. Con lo bonita que es la imperfección… Gran trabajo.

Driven, de Johannes Bachman (Suiza, 2015)

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Una mujer huye de su vehículo tras un accidente en una carretera secundaria. Un trabajo que, aunque no se entiende nítidamente, consigue inquietar con su puesta en escena. Nos quedamos con ganas de saber más de su trama. Buena señal.

Fucking Bunnies (Saatanan Kanit), de Teemu Niukkanen (Finlandia, 2017)

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No conseguí conectar con el rollo de este corto finlandés que mezcla death metal y el subgénero ‘nuevos y extraños vecinos’. Aunque por las carcajadas de los espectadores puede ser que quizá fuera el único. Aún así entretenido trabajo, que no es poco. Y muy del gusto del FANT.

Humaine, de Jean-Philippe Alix y Quentin Alix (Francia, 2016)

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El término pretencioso va como anillo al dedo a este corto entre crítico y espiritual que intenta resumir el histórico maltrato que el hombre ha dado a la mujer, para a continuación hacer un llamamiento a la esperanza. Eso y fotos moñas en las nubes.

A Father’s day, de Mat Johns (Reino Unido, 2016)

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Lo mejor de este trabajo de temática zombie son precisamente sus extraordinariamente maquillados muertos vivientes. El guión nada que no hayamos visto antes. El amor paterno-filial llevado al campo de los no muertos.

La voce, de David Uloth (Canada, 2016)

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Una gran ópera en corto con una inquietante idea. La de adquirir la última voz escuchada. Cuando este fenómeno se da en un matadero las consecuencias pueden ser terribles. Un trabajo imperfecto, pero curioso. Absténganse animalistas.

Neron, de Rubin Stein (España, 2017)

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Ambientación de diez, y desarrollo digno de un episodio de HBO. Lo cierto es que su desenlace no está a la altura de su magnífica puesta en escena, así que lo dejamos en ‘gran ejercicio de estilo’. El director parece preparado para un largo.

Pussy, de Renata Gasiorowska  (Polonia, 2016)

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En Pussy, un coño cobra vida y decide buscar el placer por su cuenta. El orgasmo femenino llevado al terreno de la animación, con humor y absurdidad. Trazos ingeniosos en un trabajo original y divertido.

Save, de Iván Sáinz-Pardo (Alemania, 2016)

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Ya disfrutamos de Save en la Semana de Terror de Donostia. Cortometraje con bebé que juega con una idea sencilla, pero completamente terrorífica. Gran trabajo.

The App, de Julián Merino (España, 2016)

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Para mí, el mejor corto de la noche. Explora los peligros de la iphonización mundial con sentido del humor. Un miniepisodio de Black mirror a la española, con Carlos Areces y un señor de Pontevedra. Her para no hipsters.

Actualización:

LA VOCE se ha alzado con el Premio del jurado, mientras que The App ha conseguido el Premio del Público. 

The evil within: Resplandor de serie Z

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Estábamos en un corrillo hablando sobre el buen nivel del FANT tras la proyección de My father die. Ahora entiendo que ese inocente acto era en realidad una invocación a algo que peor que Satán: The evil within. La película, que comparte nombre con un exitoso videojuego survival horror, es lo peor de lo que llevamos de festival.

¿De qué va? Todo cambia en la vida de Dennis, joven discapacitado mental, cuando su hermano decide llevar a su habitación un espejo. Ese elemento será la entrada a un mundo de pesadillas con consecuencias fatales en la vida real.

The evil within falla en casi todo. Actores de telefilme, un guión descuidado y unos efectos especiales que chirriarían en los 70. Este pretendido homenaje al terror ochentero y a los episodios de Twighlight zone no funciona ni como producto de videoclub. Si hablamos de calidades su lugar de venta sería más bien una gasolinera. Da pena ver a un icono del horror como Michael Berryman (Las colinas tienen ojos, Los renegados del diablo) prestándose a hacer de fantoche para la función. Tampoco funcionan sus guiños, que los hay. El homenaje a la araña de La cosa es como la versión de Nirvana que hizo Ramoncín.

Andrew Getty, director y guionista, no acierta con el tono. La película no asusta, pero tampoco se decanta por la comedia. La mayoría de asesinatos no se nos muestran, por lo que tampoco saciará a amantes del gore. Y como revival acaba siendo víctima de lo que parodia. Uno se pregunta… ¿A qué público va dirigida esta película?

Si la película es mala, peor aún es su mensaje. El joven discapactitado que protagoniza el relato es apedreado en la plaza pública, metafóricamente. 90 minutos de sorna a una enfermedad mental, de insultos innecesarios. Mongolo, retrasado y otros que os sonarán. Estaba convencido que el personaje iba a tener la oportunidad de desquitarse de todos los insultos, que estábamos en realidad ante una crítica a todo esto, pero de eso nada. La visión que se da de este problema mental es sencillamente mezquina.

Si podemos salvar algo de la película salvamos a Dina Meyer, que se conserva tal y como la vimos en Starship Troopers. Y la salvamos porque da pie a decir “Mira, la pelirroja de Starship Troopers está viva”, no porque lo haga bien. Este debut del director y guionista Andrew Getty en el cine no tiene pinta de ser recordado, al menos para bien. En la habitación 237 de El resplandor se proyectaba esta película.

FANT 23: FANT en corto vasco

Tras la inauguración con Pieles, llegó el momento de mostrar el estado del cine vasco de género. El FANT en corto vasco es una gran oportunidad de detectar el talento que viene.

Bestealdetik, de Mar González Ruiz de Larramendi ·

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Empieza como una película de terror en cabaña, pero Bestealdetik es un auténtico poema en imágenes. Más cerca de la lírica que de la prosa. Una gran reflexión sobre el peso del tiempo y el inevitable final. Mikel Laboa remata la jugada.

Decorado, de Alberto Vázquez

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Estuvimos hace unos meses en la Semana de Terror de Donosti. El desatado público del Festival gritaba en alto Decorado en cada una de las películas. Ahora lo entendemos todo. Decorado es ya una obra magna de la animación absurda. Una auténtica joya.

Nunca pasa nada, de Javier Prieto

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Nunca pasa nada recorre la cola del INEM con una técnica de animación cercana a la de Waking life y A Scanner Darkly de Linkater. Corto de tiempos de crisis, de como vemos la vida pasar sin que nada cambie. Mención especial a su potente banda sonora.

Ihesa, de Alejandro Díaz Castaño

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Empieza como terror con invasión casera, pero no nos muestra hasta el final su verdadera naturaleza. Un trabajo que invita a cierta reflexión y con el que no cuesta demasiado empatizar. Que dura es la rutina.

Bright lights, de María Zabala

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Más que un cortometraje, un buen videoclip para el tema Molly & Pete de Belako. Funciona a nivel estético, pero su guión no está a la altura de las imágenes.

Precious Moments, de Asier Iza

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El cortometraje de la noche. Comienza con tono cómico en uno de esos picaderos de carretera secundaria, después se pasa al lado inquietante. El resultado final parece cómico, pero pasados unos minutos te das cuenta de que has visto algo terrorífico. Una original vuelta de tuerca al Christine de Stephen king.

Si la oscuridad nos lleva, de Mikel R. Alonso

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Estamos ante un microretrato de asesino comprimido en un ZIP. Su ambientación resulta inquietante. (Muy) Breve, pero intenso.

Villa Mnemósine, de Rubén Salazar

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El corto de más presupuesto de la lista (O eso creemos por su diseño de producción). Una interesante idea que llama a la reflexión. Tiene calidad, pero el FANT no era su lugar.

Ulises, de Aitor Gutiérrez

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Una de las sorpresas de la noche. Un hombre llega a un hotel para ser varios hombres. Un interesante juego de rol cómico para un solo jugador. Si habría un premio al Mejor Actor de este FANT en Corto sería sin duda para Kandido Uranga. Sencillamente lo borda. Además, el cortometraje sirve de homenaje a la profesión de actor

Extático, de Azahara Gómez

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Cortometraje en plano tarantiniano sobre dos guardias forestales y un cadáver. Una vez más, homo homini lupus est. La sorpresa no es tal, y la sangre final resulta demasiado artificial.

Jules D., de Norma Vila

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Empieza tan bien que acaba decepcionando al elegir la vía más ‘gótica’ del relato Un canto de amor a Drácula con un gran look y una dirección prometedora. Lástima que el ‘Qué’ no esté a la altura del ‘Cómo’.