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El caso Fischer: La tercera guerra mundial sobre un tablero

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Hay películas que sin ser gran cosa se convierten en fenómeno. Y también existe el efecto contrario, películas que a pesar de su calidad pasan completamente desapercibidas. Eso es lo que ha ocurrido con El Caso Fischer, en inglés Pawn Sacrifice, una visión apasionante de la compleja mente del ajedrecista norteamericano Bobby Fischer, que ascendió al Olimpo del ajedrez mientras sufría una auténtica pesadilla en su cabeza.

La cinta recrea el episodio más célebre de su carrera, el duelo ante el soviético Boris Spassky. Había oído hablar del enfrentamiento, pero desconocía la historia detrás de la partida. Este desconocimiento no ha hecho más que mejorar la experiencia, aunque la película también gustará a los iniciados en la figura del ajedrecista, o simplemente a los fans del cine de la guerra fría. Una guerra que tenía lugar en todos los ámbitos, de la carrera espacial al hockey sobre hielo. Estados Unidos y la Unión soviética aprovechaban el éxito en cualquier materia para mostrar al mundo su condición de potencia dominante. La partida Fischer-Spassky sintetiza a la perfección lo que supuso la guerra fría para ambas naciones.

Tobey Maguaire ofrece en esta película la que es posiblemente la mejor interpretación de su carrera. También cumple Liev Schreiber, en buena línea tras su buen trabajo en Spotlight el pasado año. Buena parte del resultado final se debe al buen hacer de ambos intérpretes.

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Dirige el eficiente Edward Zwick, responsable de un puñado de títulos competentes (Diamante de sangre, Leyendas de pasión, El último samurai, Resistencia), pero que nunca alcanzan la excelencia.  Y se puede decir que hace un ‘Another brick in the wall’ para confirmar esta fama de cumplidor.

No es una película redonda, pero El caso Fischer es una película que merece la pena recuperar. Sin tanto nombre da mil vueltas a películas de su liga, como Una mente maravillosa. Una historia bien contada y bien interpretada que se ve de un tirón, a lo que ayudan ciertos toques cómicos en algunas partes del metraje. Más allá del cine, estamos ante una historia que merece ser conocida.

Bonus track:

Las referencias de Los chicos del maíz siempre son interesantes. En este tema sacan chispas al duelo Bobby Fischer vs Spassky.

 

Terminator 3 y Terminator: Salvation. Las hijas bastardas

Ante la insistencia de muchos en apartar de la saga Terminator a la tercera y cuarta entrega, me veo en la obligación de desenterrarlas y colocarlas en el lugar que merecen. No voy a decir que estén al nivel de los dos primeros episodios, pero ambas son dignas integrantes de una de las mejores franquicias que ha dado al cine. Hubo vida después de James Cameron (de la Isla).

Terminator 3: La rebelión de las máquinas. De Terminator a Terminatrix

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La narración nos lleva a 2003 para mostrarnos las horas previas al juicio final, el momento en el que Skynet toma conciencia de si misma. En ese preciso momento una Terminatrix, modelo T-X, será enviada al pasado para acabar los líderes de la resistencia futura. Un modelo 101 de la serie T-850, de apariencia idéntica al T-800 de las dos anteriores entregas, volverá al pasado para intentar protegerlos.

Si el mayor cambio en Terminator 2 era darle el papel protagónico al antagónico primer Terminator, en esta ocasión era la feminización del Terminator. Kristana Lokken era la encargada de ponerle rostro y romper con el monopolio masculino de la apariencia tecnológica. La actriz mezcla a la perfección tres adjetivos: fria, bella y letal. Con su expresión corporal y su neutralidad facial consigue una interpretación de nivel.

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©2002 T3 Productions, Inc. PHOTOGRAPHS TO BE USED SOLELY FOR ADVERTISING, PROMOTION, PUBLICITY OR REVIEWS OF THIS SPECIFIC MOTION PICTURE AND TO REMAIN THE PROPERTY OF THE STUDIO. NOT FOR SALE OR REDISTRIBUTION

Completando el elenco, el propio Arnie, en su último  papel pre-Gobernator, mi ya adorada por esos tiempos Claire Danes pre-Homeland y Nick Stahl, un John Connor deprimido y capaz de meterse una caja de de las que se usan para castrar animales al que podríamos rebautizar como Yonki Onnor.

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La primera hora de la peícula es antológica. Puede que adolezca de la esencia y el factor sorpresa de las dos primeras entregas, pero el director Jonathan Mostow demuestra un gran amor al material de origen. La tensión de las dos primeras entregas se sustituyen por un tono desenfadado plagado de humor. Terminator 3 tiene mucho de autoparodia, como la entrada de Arnie en un local de boys para volver su look  original, ese que pasaba de estar en cueros a vestirse de cuero. Su outfit se ve completado con unas gafas que no tienen desperdicio.

Pero Mostow no se ha olvidado de uno de los puntos fuertes de la saga: Las persecuciones. Y es que la saga Terminator tiene muchísimos elementos sacados de los cartoons entre Correcaminos y Coyote. La escena del T-X manejando una grua de grandes dimensiones mientras acaba con todo a su paso es sencillamente brutal. Absolutamente nada que envidiar a la tan de moda Mad Max: Fury road. Quizá George Miller sacó de ella un par de ideas. Una megadestrucción de las que me ponen.

Los FX dan un paso atrás respecto a Terminator 2. Ya no consiguen dejarnos boquiabiertos como antaño. Aunque la dirección artística se ha esmerado en otros aspectos, como el diseño del T-X, tanto por fuera como en su exoesqueleto, o la sorpresa que supone ver en acción al primer modelo de la era de las máquinas: El T-1, que recuerda más a la saga Robocop que a la propia Terminator. Esas máquinas se construyeron, no son solo CGI, y eso se nota en las escenas de acción. El trabajo de Stan Winston es impecable, una vez más.

Otro de los pecados de esta cuarta entrega en su pre-final, con el T-800 tomando decisiones muy humanas. El momento reinicio a través del trance que tiene Schwarzenegger es francamente ridículo. Por suerte, el sosegado desenlace arregla el estropicio y hace que terminemos la película con un buen sabor de boca.

Tras el revisionado soy incapaz de entender como este filme, más que digno, fue tan denostado. Mostow ya ha demostrado en U-571 o Breakdown ser un director efectivo, y lo confirma llevando a buen puerto el legado de Cameron. Merece la pena volver a ver esta versión autoparódica del mito.

Terminator: Salvation. El valle de la muerte de Skynet

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No hay tres sin cuatro, y para la cuarta entrega se tomó la arriesgada decisión de contar con MCG para las labores de dirección, un director que ya habia dejado claro en las dos entregas de Los Angeles de Charle, que en su cine el estilo está por encima de la narración. A eso había que sumarle la “ausencia” de Schwarzenegger, aún inmiscuido en tareas políticas. Era normal sentir miedo.

Por primera vez se nos muestra el futuro, la era de la guerra contra las máquinas. Los primeros minutos confirman lo que podíamos esperar de MCG, la película tiene un look fascinante. Se nos presenta a Marcus Wright, un reo condenado a muerto en el pasado que aparece misteriosamente en ese tiempo futuro. Tras sobrevivir a un ataque de las máquinas se encontrará con un adolescente Kyle Reese y con su hijo, un ya adulto John Connor convertido en lider de la resistencia humana en la guerra contra las máquinas.

TS-VFX-00122 A T-800 Terminator in a scene from Warner Bros. Pictures’ action/sci-fi feature “Terminator Salvation,” a Warner Bros. Pictures release. The film stars Christian Bale and Sam Worthington. PHOTOGRAPHS TO BE USED SOLELY FOR ADVERTISING, PROMOTION, PUBLICITY OR REVIEWS OF THIS SPECIFIC MOTION PICTURE AND TO REMAIN THE PROPERTY OF THE STUDIO. NOT FOR SALE OR REDISTRIBUTION. ALL RIGHTS RESERVED.

 

El tono informal de Terminator 3 desaparece y es sustituido por uno mucho más serio. MCG intenta dar nuevos aires a la franquicia creando un retrofuturo que tiene mucho de Mad Max.

A pesar de estar en el futuro, se nos cuentan hechos anteriores a la primera entrega de Terminator. El T-800 está aún en la cadena de montaje, y predominan Terminators más rudimentarios, como el T-600, una versión más grande y más torpe, o los gigantescos Harvester, encargados de recolectar humanos para el campo de concentración de Skynet.

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Las escenas de acción están al nivel de lo que se puede esperar de un episodio de esta saga. Las explosiones no son digitales, y eso se nota. Tanto la escena inicial del helicóptero como el ataque del Harvester y la posterior persecución de mototerminators son de altura, si bien echo en falta la sensación letal que tenían las máquinas en los capítulos anteriores. En esta ocasión no parecen tan duras de matar.

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TS-FP-00155r (L-r) CHRISTIAN BALE stars as John Connor and SAM WORTHINGTON stars as Marcus Wright in Warner Bros. PicturesÕ action/sci-fi feature ÒTerminator Salvation,Ó a Warner Bros. Pictures release. PHOTOGRAPHS TO BE USED SOLELY FOR ADVERTISING, PROMOTION, PUBLICITY OR REVIEWS OF THIS SPECIFIC MOTION PICTURE AND TO REMAIN THE PROPERTY OF THE STUDIO. NOT FOR SALE OR REDISTRIBUTION. ALL RIGHTS RESERVED.

Quizá es la parte dramática es el punto debil del filme. Cuesta empatizar con los personajes, unos personajes demasiado estereotipados. Incluso John Connor, interpretado por Christian Bale, parece una máquina. Me parece un error el papel florero otorgado a la Kate Connor que interpreta esta vez Bryce Dallas Howard y que tan bien había funcionado en la tercera entrega.

A pesar de estos defectos estamos ante una entrega satisfactoria. Una gran creación de universo que no ha ido a más porque la taquilla no fue la esperada, pero que merece la pena recuperar. Una pena que Terminator: Génesis haya decidido prescindir de estos capítulos, que sin ser Cameron aportaron más mitología a una saga imprescindible. Somos tan de la resistencia como de Skynet. Larga vida a la saga Terminator.

Ciudadano X: El telefilme que triunfó en Sitges

El festival de Sitges de 1995 encumbró a Citizen X (Ciudadano X), una TV movie sobre la apasionante caza de Andrei Chikatilo, el carnicero de Rostov, asesino en serie que acabó con la vida de 52 personas, en gran parte niños. Está producida por la HBO, en unos tiempos en los que ni intuíamos por estos lares que el canal se iba convertir en el gran referente en cuanto a calidad de las series para televisión.

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La etiqueta de telefilme no le pesa en absoluto a esta producción, que además del ya mencionado premio principal de Sitges, consiguió 7 nominaciones a los Emmy y 2 a los Globos de Oro. Ciudadano X crea su propio tono, alejado de la moda de los Psycokillers de los 90 que surgió a raíz de El silencio de los corderos. Chris Gerolmo. guionista de Arde Mississippi, escribe para la ocasión un buen guión (basado en el libro The killer department, de Robert Cullen) que él mismo dirige con solidez.

El contexto es uno de los protagonistas. La película muestra la rigidez de maniobra del regimen sovietico. No es casual que pasaran doce años hasta la captura de Chikatilo. El poder comunista nunca quiso reconocer que podían cometerse este tipo de crímenes en su territorio. Las ayudas al detective principal del caso fueron practicamente nulas hasta el tramo final de investigación, a pesar de la gravedad del asunto. También se trata la persecución de homosexuales bajo el regimen, para los que crean que esta práctica era exclusiva de la Alemania nazi.

La banda sonora de Randy Edelman tiene muchos kilates. Viste con un elegante traje la tensa calma de la película y complementa a la perfección su áspero paisaje.

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El filme nos regala dos interpretaciones extraordinarias, que se apoyan en dos enormes personajes. Stephen Rea está excelso dando vida al teniente al cargo de la investigación, al igual que Donald Sutherland, que interpreta a su mando superior. Juntos elevan la cinta muy por encima de sus posibilidades. No nos olvidamos del siempre excelente Max Von Sydow, que aparece para hacer de “exorcista en la vida real”. Los que ya la hayais visto lo entendereis.

Estamos ante una película a reivindicar. Un retrato atroz de uno de los asesinos más sanguinarios que ha dejado la historia, Nunca es tarde para hablar de una película de la que no se ha hablado lo suficiente.

Para terminar rescato dos frases de las muchas brillantes que deja el guión:

“La fuerza de la burocracia se mide por la capacidad de no conceder todos los medios a los que los solicitan”

“Cuando pasas mucho tiempo con un león la idea de rugir empieza a parecerte cada vez más razonable”

La casa del diablo: Regreso al videoclub

Sólo puedo reprochar una cosa a The house of the devil: No ser una obra maestra. Y es una pena, porque sus primeros minutos apuntan tan alto que por un momento creí estar ante el revival horror definitivo. Aún así, la película es una experiencia satisfactoria para los iniciados en el género.

Desde ya, los títulos de crédito de The house of the devil están entre mis favoritos de todos los tiempos. La película se estrenó en 2008, pero consigue hacernos creer que se rodó a principios de los 80. Su look es espectacular, en lo visual, en lo sonoro, en la elección de planos… Hay mucha cinefagia detrás. No hay nada que nos haga pensar que es ajena a esa época. Podeis verlo aquí:

Por un momento me he visto en el videoclub, hurgando entre los clásicos en VHS, en una época en la que aún elegía la película por título, portada o sinopsis. Sin duda la estantería de terror era mi preferida. Si no vi todas las películas allí alojadas me falto poco. La sensación es que parece  que The house of the devil siempre estuvo entre ellas.

El responsable de la dirección, guión y edición no es otro que Ti West, que se marca un Juan Palomo en toda regla. Su cast es un total acierto, en especial la elección de la protagonista, una Jocelin Donahue que parece venir directamente del pasado.

El horror se consigue a través de la ambientación. No estamos ante la manida colección de sustos. Aunque el comienzo nos haga pensar que vamos a ir directos a una cinta del género Casa encantada a lo Al final de la escalera, pronto nos dirigiremos a una matanza de Texas satanista con tintes de La semilla del diablo.

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Y cierro la crítica como empecé. Una pena que The house of the devil no explote, porque su ambientación funciona, y es una buena película, pero con unas lineas de guión más inspiradas hubiera hecho historia en el género. Aún así, un gran homenaje al terror ochentero. Miedo rodado en 16 milímetros.

Robocop: El Jesucristo americano

Parte de la trama del primer Robocop está basada en un famoso libro… ¿Algún relato fantástico? Pues va a ser que no. Se trata de La biblia. Un momento… entonces si que se trata de un relato fantástico. Vale va, me centro. Pensareis que estamos ante la enésima paja mental de La vaca de twister, pero no. Lo dice el director Paul Verhoeven en los extras del DVD.

“Quería mostrar a Jesús matando al diablo. Siempre me ha fascinado la historia de Jesús, al igual que las historias mitológicas de los evangelios. Cuando leí el guión empecé a darme cuenta de que, en cierta forma, la historia de Robocop se parecía a la de Jesús” explica el director holandés.

Y es que las coincidencias entre la historia de Jesucristo y la del cyborg van más allá del mensaje. Verhoeven enumera esas imágenes que aparecen en el filme. “Los temas de la crucifixión, la resurreción, incluso al final, cuando camina por el agua…  Es un Jesucristo americano, uno que usa pistola“. La muerte del protagonista es especialmente violenta, por lo que podemos asimilarla con facilidad a la crucifixión. Después llegaría la resurrección y ese “caminar sobre las aguas”. Lo vemos en estas imágenes:

robocop santísima trinidad

El director hace referencia a los últimos días del personaje bíblico. “Debemos suponer que el mismo Jesús estaba rodeado de gente que usaba espadas. Aunque diga que es un Jesús americano, tenemos que aceptar que Jesús, probablemente al final de su vida, no se diferenciaba mucho de Che Guevara. Parece que en esos días Jesús organizó revueltas armadas“. Parece que Verhoeven se lo saca de la manga ¿Verdad? Pues va a ser que no. El director se refiere a este pasaje de La Biblia:

Lucas 22: 35-36:

Y a ellos dijo: Cuando os envié sin bolsa, sin alforja, y sin calzado, ¿os faltó algo? Ellos dijeron: Nada. Y les dijo: Pues ahora, el que tiene bolsa, tómela, y también la alforja; y el que no tiene espada, venda su capa y compre una.

robocop vidriera

Lo de que la Edición especial en Blu Ray de las aventuras de Robocop tenga forma de cruz quizá no sea ya un detalle casual…

versión blu ray en forma de cruz

OTRAS CURIOSIDADES DE ROBOCOP:

  • Todos los directores americanos punteros de la época rechazaron el proyecto.
  • La primera reacción de Verhoeven cuando le ofrecieron el proyecto fue decir “No haré esa clase de basura”. Su mujer le insistíó alegando que el guión, aunque no era un Shakespeare, tenía más sustancia de la que parecía.
  • El Detroit de Robocop es realmente Dallas. Detroit tenía la sordidez adecuada, pero no era lo suficientemente futurista.
  • El rodaje fue infernal, con temperaturas entre los 50 y los 55 grados centígrados.
  • Michael Ironside fue el primer actor elegido para encarnar a Robocop. Se le rechazó por ser demasiado corpulento para el traje.
  • Paul Verhoeven y el creador del traje, Rob Bottin, no se hablaron durante todo el rodaje. Discrepancias artísticas.
  • La explosión de una galosinera que aparece en la película provocó un incendio en un edificio cercano.

Para acabar una petición. La próxima semana santa queremos una sesión doble con Robocop y Rey de reyes para una sobremesa de domingo, y a poder ser en una televisión pública. Os dejamos con el mejor tema para la ocasión…

Repo men: Stop desahucios, la película

jude law en repo men

En que estaría pensando. Corría el año 2010 cuando… Un momento, ¿Por qué se dice siempre lo de corría el año? ¿Los años corren? Va a ser que sí, los años vuelan. Vale, que sí, que no son formas de empezar un artículo. Lo sé. Corría el año 2010 cuando llegó a los cines Repo men, y llegó a España muerta, sentenciada por la crítica USA. Así que aquí duró una semana en los cines. Fue el primer paso para convertirse en película de culto.

Y pasé de esta película a pesar de… 1. Ser amante de la ciencia ficción y 2. La sinopsis. No puede ser más atractiva. En el futuro los órganos pueden ser sustituidos por órganos artificiales. Eso sí, su precio es elevado. Digamos que hacen bueno eso de “cuesta un riñón”. ¿Y que pasa si no pagas? Pues que aparece un “recuperador” y hace bueno su nombre.  Vamos, que te lo quita.

Por suerte apareció Alejandro Fernández por el Facebook de La vaca (que cojones haceis que no habéis dado un me gusta. A mi se me caería la cara de vergüenza) para hacer el siguiente comentario.

comentario vaca

Y como me debo a mi audiencia me puse manos a la obra. Así que me compré una botella de Jack Daniels, una bolsa de hielos y un paquete de Ducados y comencé el visionado. Vale, en realidad la he visto en la mañana del único día festivo que he tenido en todo el mes, y tumbado en la cama tras un madrugón involuntario, pero joder, ha merecido la pena, que digo… Estamos ante una puta otra maestra del género.

La película bebe de fuentes universales sin ningún pudor. Se puede decir que es la versión informal de Blade runner, suprimiendo la estética y el tono melancólico, y centrándose en el “qué”. Se podría emparentar con el futuro megacorporativo de Robocop, o la cyborización de Terminator, pasando por el desenfreno de Rellamada total (Total Recall). El concepto de nueva carne de Cronenberg también luce, y comparte elementos comunes sobre todo con Existenz. La parte final mezcla a las escenas de Umbrella de Resident evil con la más famosa secuencia de Old boy. Todo esto con el Do it yourself médico de Saw. Hasta le echa un guiño a Pulp fiction.

recuperador en repo men

Todo esto sin perder una más que ácida crítica de nuestro tiempo, entre metáfora, parodia y paradoja.  Para el recuerdo quedarán las escenas de la “Mascota pulmón” o la búsqueda de la puerta rosa. El director Miguel Sapochnik es tan Wachowski como Paul Anderson. No da una masterclass, ni mucho menos, pero su osadía es digna de mención. Los WTF se suceden de principio a fin.

Comentar que el cast está encabezado por Jude Law, que recuerda en algunos tics a su personaje de Inteligencia Artificial. Está secundado por los estupendos Forest Whitaker y Alice Braga, musa del género ( Elysium, Predators, Soy leyenda).

alice braga en repo men

Llama poderosamente la atención la relación entre los personajes de Law y Whitaker. El segundo es ese amigo del alma que no ve con buenos ojos las relaciones con terceros, vamos, que esta totalmente enamorado de Law. Es el Sam de El señor de los anillos con toques de “el del cable”. Amigo enamorado gay reprimido pesado y sociópata, sin comas. No olvidéis que el amor mueve el mundo, y también la trama de esta película.

Lo demás lo tendréis que descubrir vosotros. Me he visto en la obligación moral de sacar Repo Men del desguace, pero realmente es el tiempo la que la va a colocar en su sitio. Y más en estos tiempos en los que vivimos. Hoy en día Repo men no solo es un grandioso entretenimiento, también es una película necesaria.

Un Oscar para Barkhad Abdi, el Jack Sparrow de nuestro tiempo

Barkhad Abdi merece el oscar por Capitán Phillips

Se llama Barkhad Abdi, y hace su debut en el cine en Capitán Phillips. Interpreta a Muse, uno de los piratas del filme. El director, Paul Greengrass, lo reclutó entre la población somalí de Minneapolis para darle la réplica nada menos que a Tom Hanks. Abdi no se amilana. Tras pronunciar su célebre “Ahora yo capitán” se hace con el mando del buque portacontenedores Maersk y también con el de la película.

Su aspecto y esa sensación de no tener nada que perder genera terror. En sus ojos vemos las atroces consecuencias de la globalización, del hambre, de la desesperación. Su presencia habla. Puede que Hanks se lleve (merecidamente) la gloria y los titulares, pero el mundo no debe olvidar a Abdi. Tampoco la Academia. Desde La Vaca de Twister pedimos un Oscar para Barkhad Abdi.

los piratas de Capitán Phillips

Aquí le vemos junto a su “banda de rock”. Estamos ante el Jack Sparrow de nuestro tiempo.

The end

ultimo cine de yecla

Por Raquel Ortega Martinez

Hace apenas unas semanas cerró definitivamente el cine de mi pueblo, el último superviviente de las cuatro salas de proyección que llegó a tener Yecla (Murcia). El cine PYA (siglas de Parque Yeclano de Atracciones) abrió sus puertas en 1952 de la mano de Pedro Muñoz, y la primera película que proyectó fue Parsifal (1951), protagonizada por el actor uruguayo Gustavo Rojo.

 Tras la jubilación de Pedro, tomó el relevo su hija Loli, que ha sido quien lo ha mantenido a flote en estos difíciles últimos años de vacas flacas en los que muchos yeclanos preferían conducir media hora hasta un centro comercial para ir a un cine más ‘moderno’ con cubos de palomitas y gafas en 3D, y en los que los rumores acerca de su cierre eran constantes.

 Con la desaparición del PYA vuelven a mi memoria las infinitas tardes de domingo pasadas delante de aquella enorme y preciosa pantalla de cine, esperando a que se apagasen las luces y te invadiese ese maravilloso cosquilleo de anticipación al ver aparecer los títulos de crédito de apertura.

ultimo cine de yecla

 La mayor parte de los recuerdos de mi adolescencia pasan por ese cine PYA, situado a apenas tres calles de mi casa, y al que mis amigas y yo íbamos todos los domingos sin perdonar ni uno sólo. Podría decirse que era más un ritual que un hobbie. No importaba qué película estuviese en cartelera, de hecho casi nunca la consultábamos, simplemente íbamos, siempre a la sesión de las siete y media excepto cuando había programa doble.

 Era un cine de pueblo, sí, con sus butacas viejas y hechas polvo y sus películas de estreno en 35mm que llegaban la mayoría de las veces con un par de semanas (y a veces hasta de meses) de retraso, pero en su maravillosa pantalla parecían reflejarse todos nuestros sueños. Entre sus filas aprendí a amar el cine, a soñar, a vibrar con historias y aventuras que sólo habitaban en el celuloide.

 Uno de los mejores recuerdos que guardo de mi infancia es ir al cine por primera vez. Tenía cinco años y mi madre me había comprado unos fantásticos zapatos rojos con un poquito de tacón, y para estrenarlos me llevó a ver La sirenita a la que entonces era la sesión infantil de los domingos por la mañana. Salí enamorada de aquella sala. El cine en pantalla grande era una cosa maravillosa, casi mágica, y yo quería ser como Ariel y cantar como ella y tener ese pelo rojo tan fabuloso.

 En esas butacas llenas de historia del cine fui a ver El sexto sentido con mi primer novio, vi a mi madre llorar de la risa con Mi gran boda griega, sufrí las colas que daban casi la vuelta a la esquina para comprar una entrada para Titanic, salí con dolor de cuello tras ver Gladiator en segunda fila, aluciné viendo con mi padre Parque Jurásico y Twister, tuve que sacar a mi hermana a la calle porque no dejaba de llorar viendo la versión en carne y hueso de 101 dálmatas y llevé a mi abuela a ver Y tu mamá también, quien, a los cinco minutos de empezar la película y durante una escena de cama especialmente explícita me preguntó: “Raquel, ¿y de qué me habías dicho que iba esta película?”.

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 Son sólo unos pocos recuerdos de los muchísimos buenos momentos que he vivido en el PYA, y es precisamente por eso que ahora me da tantísima pena ver que ha cerrado sus puertas después de 61 años de buen cine para convertirse en la ampliación de un supermercado.

 Con motivo de su cierre, el fotógrafo yeclano Juanjo Martínez ha creado una estupenda colección de fotografías titulada ‘The End’ que retratan los entresijos del PYA. No se me ocurre mejor manera de escribir el fin de este pequeño gran cine.

Goya sufre de amnesia

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Además de que tiene rima fácil, sabemos muchas cosas del pintor nacido en Fuendetodos, lo que nadie nos había contado es que sufría amnesia, o alzheimer, o que se yo. Eso es lo que sacamos en claro al ver la lista de nominados a los Premios Goya 2012.

No se explica de otra manera la ausencia de tres títulos que se quedan de vacío: El mundo es nuestro, Extraterrestre y REC 3: Génesis. Dificil de entender en una ceremonia en la que Tadeo Jones y Tengo ganas de tí optan al Goya de Mejor guión adaptado.

La primera vale su peso en oro por formar parte del cine contracorriente. No nos costó mucho sacar 11 razones por las que debía arrasar en la ceremonia.

El Extraterrestre de Vigalondo es todo un alarde de originalidad, cuyo guión y reparto al menos mereció un mayor reconocimiento. Vamos a meternos en la máquina del tiempo que el director de Cabezón de la Sal diseñó para Karra Elejalde en Los cronocrímenes para viajar al pasado y desenterrar algunos cadáveres goyescos para la ocasión.

Vigalondo cronocrímenes

7:35 de la mañana, de Vigalondo, es para mi el mejor corto de toda la historia del cine español, así de claro. El trabajo del director fue recompensado con una nominación al oscar, pero la Academia ni siquiera la colocó entre las finalistas. ¿Es Al-Ghandour uno de los académicos? me pregunté. Y es que esto fue un robo tan flagrante como el que sufrió la España de aquel sudoroso Camacho en el Mundial de Corea y Japón.

Lejos de rectificar, su primer largo, la ya mencionada Cronocrímenes, ganadora en el festival de Austin y referencia de la que reconocieron beber los guionistas de Lost, tan solo pudo sacar una tímida nominación a la mejor dirección Novel, Goya que por supuesto perdió.

Si bien personalmente la tercera entrega del punto rojo me decepcionó, su ausencia en apartados técnicos es dificil de asimilar, al igual que lo es la nominación de Ivan Ferreiro por su Canción de Amor y Muerte para la película. Sublime.

Tampoco se puede esperar mucho más de una academia que selecciona a una insoportable Eva Hache, que poco o nada tiene que ver con el cine español, como maestra de ceremonias. Lo que podía haber sido la gala con el Culebra y el Cabesa…

¿Y para vosotros? ¿Cuales son los mayores despistes en la historia reciente de Los Goya?

11 razones por las que “El mundo es nuestro” debe arrasar en los Goya

1. Cuenta como ninguna otra película la situación de crisis en España. Nadie queda indemne, ni los corruptos del poder ni los que viven a costa de ayudas sociales que no les pertenecen. Aparecen temas como las duras condiciones de las hipotecas por parte de los bancos, el papel de los medios de comunicación, las revueltas ciudadanas de indignados o la ineptitud de la policia frente a los manifestantes. Triunfa donde fracasó La chispa de la vida.

2. Tiene un 7,2 en FilmAffinity, lo que la coloca como la segunda película española mejor valorada de 2012, solo superada por Blancanieves de Pablo Berger.

3. En tiempos de crisis sobrevive el talento. La película salió a flote gracias al crownfunding, financiación colectiva a través de donaciones. Así se reunieron los 600.000 euros que costó hacer el film. Un ejemplo de ideas y esfuerzo que finalmente se ha visto recompensado con un gran resultado final.

4. Alfonso Sáchez y Alberto López, el cabesa y el culebra de El mundo es nuestro. Se presentan en el mundo del largo como la pareja cómica del nuevo cine español. Que lejos quedaron los tiempos de Esteso y Pajares… Humor inteligente no exento de mala ostia hacia el panorama actual. Para los que no hayais disfrutado aún de sus creaciones nada mejor que su corto Eso es así, donde encarnan a los señoritos sevillanos Rafi y Fali.

5. El plantel de secundarios es espectacular. Recuerda al mejor De la Iglesia de los tiempos de La comunidad. Freaks de nuestro tiempo que representan diferentes problemas que atacan a la España de hoy.

6. Ya se olvidaron de ella en la lista de nominados de candidatas españolas a los Oscar. En esa categoría se eligió por delante a Grupo 7 o El artista y la modelo. Quizá debieron pensar que las miserias de España no venden en el exterior. Ahora no hay excusas.

7. Sevilla protagonista. La ciudad es uno de los elementos principales. Una muestra de cine local que se atreve a hacer cachondeo con símbolos tan sagrados como la Semana Santa a la vez que homenajea a iconos gastronómicos como los serranitos. En definitiva, una mirada diferente a Andalucia en general y a Sevilla en particular, una mirada sin complejos. Nunca viene mal reirse de uno mismo. Además conserva el acento andaluz.

8. Sabe venderse. La película lleva su mensaje hasta el final y ha salido a la venta en DVD a un precio de 5, 95 euros. Un precio muy económico comparada con el precio habitual de mercado. Una manera interesante de hacer que llegue a nuestras estanterías.

9. El humor. No hay que olvidar que la película es una comedia de las de carcajadas, seguramente la película española con más risas en muchos, muchos años. No sabría decir desde cual. Esto juega en contra a la hora de dar premios, pues todos sabemos que premiar comedias está mal visto. Lo que llama son el drama, las desgracias, los llantos y las catástrofes. Y es que en El mundo es nuestro se llora tanto como en Lo imposible, pero de risa.

10. Tras premiar a películas gélidas como La soledad o No habrá paz para los malvados la Academia necesita un poco de luz. Esta peli no es el chiquilicuatre, es un producto de calidad. El premio del público en el Festival de Málaga y una gran acogida en salas a través del boca oreja lo avalan. Nos encantaría ver a la película de nuevo en cines gracias al tirón de las nominaciones a los Goya.

11. Durante la trama hay guiños a otras grandes piezas del cine español. La mejor, la que hace referencia a Barrio de Fernando León de Aranoa. La intro con la música de Narco nos recuerda a las que hacía Alex De la Iglesia con Def con dos en Títulos como Acción mutante.