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Ex machina: Misterios de la creación

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Siempre se dice que en el cine “cualquier tiempo pasado fue mejor”, que ya no se hacen películas como antes… Y si bien es cierto que algunas filmografías se están estancando (solo hay que ver la cosecha del cine español en lo que va de curso) es una declaración con la que no estoy nada de acuerdo. Prueba de ello es lo que está sucediendo con la ciencia ficción en concreto. A estas alturas de año ya podemos afirmar que dos de las mejores cintas del curso pertenecen a este género: Mad Max: Fury road y la película que nos ocupa: Ex machina.

¿De que va?

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Un genio programador multimillonario selecciona a un trabajador de su empresa para poner a prueba su última creación: Un androide con apariencia femenina. El joven elegido llevará a cabo una serie de entrevistas con la máquina para ver si de verdad posee inteligencia artificial.

Si hay un adjetivo perfecto para definir Ex machina ese es “elegante”. Estamos ante una película muy cuidada y con mucho gusto en la puesta en escena. Cuesta creer que este sea el debut del director Alex Garland en el mundo del largometraje. Con poco, un futurista complejo alejado de todo y apenas cuatro personajes ha logrado hacer un peliculón.

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El trio protagonista es todo un acierto. Entre ellos brillla especialmente Oscar Isaac, que encarna a un genio multimillonario opaco, misterioso y de humor cambiante al que cuesta adivinar movimientos. También destaca Alicia Vikander con una interpretación contenida por la frialdad de la máquina, pero con la capacidad de sentir que le aporta la inteligencia artificial. El tercero en discordia en Domhnall Gleeson, que representa la inocencia no exenta de inteligencia.

La película versa sobre los peligros del progreso. Coge temas de la imperecedera Terminator e Inteligencia Artificial, aderezados con un aire indie que la acerca a Her y su discurso. Se habla de Google sin nombrarle expresamente, y de los futuros riesgos que podría plantear esa barra libre a la información (casi) ilimitada.

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Además nos deja escenas para el recuerdo, como el (impagable) baile de Oscar Isaac y Sonoya Mizuno al ritmo del Get down Saturday Night de Oliver Cheatham. Un sublime What The Fuck.

En definitiva, Ex machina es una película entretenida con mucha materia gris que en todo momento evita el error de ir por el camino fácil. Un título que ya es historia del subgénero Inteligencia Artificial. Habrá que seguir con atención la carrera de Alex Garland. Es dificil empezar mejor.

La última cuestión… ¿Tendrán los Oscars las agallas suficientes como para nominarla? Suponemos que no, pero la película, por calidad, debería estar en la carrera por las estatuillas.

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Chappie: Cortocircuito se mete a Latin King

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Neill Blomkamp se presentó en el mundo del largo con una película de extraterrestres que se ha ganado un hueco en la historia del cine de ciencia ficción: Distrito 9. La cinta ambientada en Johannesburgo que mostraba el apartheid con marcianos. Tras ella llegó Elysium, película que nos mostraba una tierra devastada y una clase alta que vivía en un paraiso idílico alejado del planeta. El patinazo fue terrible, y las expectativas cayeron de cara a Chappie, el título con el que regresaba a Johannesburgo cambiando robots por Aliens. Su estreno vino acompañado de malas críticas y sus defensores fueron los menos, aunque se daba un fenómeno extraño. Mientras su nota en rotten tomatoes mostraba un paupérrimo 31%, la de Imdb alcanzaba el 7. Con su llegada al formato doméstico me enfrento a su visionado sin ningún tipo de Hype.

La película cuenta la historia del robot número 22 de la policía, un ejemplar que no rinde como debe y es condenado a desconexión. Su creador, interpretado por Dev Patel, tomará la decisión de salvarlo del desguace instalando en él inteligencia artificial plena. El problema viene cuando el androide cae en manos de un grupo de delincuentes que intentarán educarlo en las malas artes.

Chappie comienza sin rodeos, pero no  es hasta el minuto 45 cuando me doy cuenta de que la película me ha ganado. Justo en la escena de la lapidación, cuando ya la empatía con el robot es total. La verdad es que “se hace de querer”.

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Ayudan a ello Patel y los rap ravers de Die Antwoord, que se interpretan a si mismos. Su sola presencia da un aire colorista a los frios suburbios en los que se desarrolla la acción. Vemos a Yo-Landi disparar con una uzzi rosa. Por supuesto, la presencia del duo sudafricano que completa Ninja también se nota en la banda sonora. A mi modo de ver todo un acierto contar con ellos.

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Además nos permiten ver camisetazas como esta de Yo-landi. Who need tits? (¿Quién necesita tetas?)

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Y “cameos” como este del mítico señor mojón de South park.

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No obstante Blomkamp vuelve a repetir en el casting errores del pasado. El personaje de la gran Sigouney Weaver no es secundario, es terciario, que terciario… Es cretácico. Hay que tener agallas para darle a la teniente Ripley un papel de florero. Aunque quizá la única razón de su presencia en la película sean las negociaciones y conversaciones para la ya confirmada quinta entrega de Alien, que juntará los caminos de la Weaver y el director sudafricano.

Chappie es la confluencia de dos títulos que tres títulos célebres de los 80: Robocop, E.T y Cortocircuito. De la primera toma sin complejos algunas ideas, e incluso se apropia de su versión antagónica, más bruta. De la segunda adquiere ese corazón tan del cine de Spielberg. De la tercera coge la idea del número. No olvidemos que la mítica cinta robotico-familiar estaba protagonizado por el número 5. Blomkamp sube la apuesta hasta el 22.

Los efectos especiales han conseguido algo que hacía tiempo no me sucedía: Que me los crea. Me creo a ese Chappie, que a pesar del CGI se mueve como si fuera completamente real. Uno de los mejores trabajos en este campo de los últimos tiempos.

Neil Blomkamp no olvida el mensaje.  La película reflexiona sobre el uso de la violencia. Su creador enseña a Chappie lo nocivo de usarla y le anima a prescindir de ella, pero llegado el momento animará al droide a disparar. ¿Hasta que punto el discurso pacífico puede mantenerse? La lucha armada aparece como un recurso por la supervivencia.

El personaje de Hugh Jackman representa los errores de la lucha contra el terrorismo. Sus armas militares también se convertirán en una letal solución y saltarán a la calle con la excusa de recomponer el orden. Representa el “todo vale” que vemos por ejemplo en el genocidio palestino por parte de Israel o en la salvaje caza del hombre del saco que llevó a cabo Estados Unidos en Afganistán bajo el nombre de Justicia infinita o Libertad duradera. La vida de civiles y el daño al entorno pasa a segundo plano cuando el objetivo es completar la misión a toda costa. No es casual que veamos en el filme el uso de las letales bombas racimo, el Napalm made in USA del Siglo XXI. Y ojo, que como no podía ser de otra manera lo que está de fondo son intereses económicos.

Una vez más, el cine de Blomkamp nos muestra a las clases marginales. El director ya nos enseñó favelas marcianas en Distrito 9 y convirtió a la tierra en guetto en Elisyum. Esta vez nos enseña los suburbios, las zonas marginales del extrarradio de las ciudades en las que no manda la policia. Si Ken Loach es el Spielberg de los bajos fondos, Neil Blomkamp es el Ken Loach de la ciencia ficción.

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Chappie es un título inclasiflicable, que se parece a todo para no parecerse a nada. Una película en ocasiones infantil, en otras violenta, siempre desenfadada y con unos FX de mucho nivel. He recuperado la fe en Blomkamp. La mejor noticia de cara a lo próximo: La quinta entrega de Alien.

Terminator Génesis: La culpa de todo la tiene John Connor

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Regresa la franquicia de la humanidad contra las máquinas, y lo hace con una nueva Sarah Connor (Emilia Clarke), con un nuevo John Connor (Jason Clarke), con un nuevo Kyle Reese (Jay Courtney) y con el T-800 de siempre: Arnold Schwarzenegger. Los sucesos son idénticos a los de la primera entrega, pero en esta ocasión una nueva linea temporal mandará al carajo ese pasado que ya vimos en 1984.

En Terminator Génesis el malo de la película no ha sido el T-800, el T-1000 o una Terminatrix. Ha sido el trailer. Estamos ante el caso más flagrante de la historia de los trailers destripadores, que más que vender la película lo que ha hecho es comprimir buena parte de sus highlights. Si no habeis recurrido al material promocional para abrir boca os llevareis una sorpresa tras otra. Si lo habeis visto, lo siento, os han jodido media película.

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Aún así he disfrutado de la nueva entrega, sobre todo gracias al guión, pero la ejecución de Alan Taylor (Thor: El mundo oscuro) deja bastante que desear. Estamos ante una labor de dirección que carece de cualquier atisbo de personalidad. Cameron, Mostow y McG dejaron su huella en la saga. Taylor no lo ha conseguido.

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Lo mejor sin duda de la cinta es Arnold Schwarzenegger, que esta vez es apodado “El abuelo” por Sarah Connor. Teniendo esto en cuenta la película bien podía haberse titulado “El abuelo que saltó por el helicóptero y se largó”. Arnie no ha perdido ni un ápice de su carisma. El guión le ha otorgado las mejores frases de la función, y también los mejores gestos, como esa sonrisa que parece decir “Dientes, que es lo que les jode” en homenaje a la Pantoja.

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A su lado también brilla Emilia Clarke, la archiconocida Madre de dragones de Juego de Tronos. No es Linda Hamilton, pero es una gran solución para sustituirla. La elección de Kyle Reese no me parece tan acertada. El Michael Biehn de la primera entrega tenía menos discurso, y mucha más alma. Este Reese que interpreta Jay Courtney solo es un torso con abdonimales. El que me ha convencido es J.K. Simmons en su breve papel de “iluminado”. Nos deja con ganas de más.

Lo que menos me ha gustado de este revival es su falta de crudeza. La violencia es demasiado blanca y está muy cocinada. No recuerdo haber visto una sola gota de sangre, y los personajes hablan y hablan antes de apretar el gatillo (Salvo el T-800). Lejos queda la primera entrega, en la que no había ningún tipo de miramiento. Supongo que todo esto se debe a las restricciones de la calificación de edad. Estados Unidos la ha estrenado como PG-13 (Sugiere la compañía de un adulto para los menores de 13 años). Se intuye el miedo a ser calificada R y perder buena parte del potencial público adolescente. Demasiado light para una saga como Terminator.

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La película aprovecha su planteamiento para hacer una radiografía de la dependencia tecnológica en nuestra sociedad. Solo hay que coger el metro para darse cuenta de que Skynet ha ganado. Somos esclavos de la pantalla, por lo que esos campos de concentración de las máquinas del futuro no quedan tan lejanos, lo que pasa que en esta ocasión entraremos en ellos voluntariamente. Al Sistema operativo Génesis del que habla la película solo le falta “la manzanita”. Cuidado al comprar el iPhone 7. Aunque el verdadero juicio final llegará cuando se haga un wikileaks de vuestros whatsapp.

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A pesar de que Terminator Génesis puede que sea la peor Terminator hasta la fecha (Las otras me gustan mucho, incluso 3 y Salvation como podeis leer aquí) ha conseguido dejarme con ganas de más. Tengo ya un par de ideas para llevar a buen puerto la saga para el futuro, y la mejor de ellas incluye a J.K. Simmons encarnando a un Terminator. No me digais que no sería increible ver un T-Whiplash dispuesto a todo. Aunque su debut en taquilla ha sido un poco flojo, espero que remonte y podamos saber más sobre Skynet, el futuro, el pasado, el juicio final… Terminator lo merece.

Terminator 3 y Terminator: Salvation. Las hijas bastardas

Ante la insistencia de muchos en apartar de la saga Terminator a la tercera y cuarta entrega, me veo en la obligación de desenterrarlas y colocarlas en el lugar que merecen. No voy a decir que estén al nivel de los dos primeros episodios, pero ambas son dignas integrantes de una de las mejores franquicias que ha dado al cine. Hubo vida después de James Cameron (de la Isla).

Terminator 3: La rebelión de las máquinas. De Terminator a Terminatrix

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La narración nos lleva a 2003 para mostrarnos las horas previas al juicio final, el momento en el que Skynet toma conciencia de si misma. En ese preciso momento una Terminatrix, modelo T-X, será enviada al pasado para acabar los líderes de la resistencia futura. Un modelo 101 de la serie T-850, de apariencia idéntica al T-800 de las dos anteriores entregas, volverá al pasado para intentar protegerlos.

Si el mayor cambio en Terminator 2 era darle el papel protagónico al antagónico primer Terminator, en esta ocasión era la feminización del Terminator. Kristana Lokken era la encargada de ponerle rostro y romper con el monopolio masculino de la apariencia tecnológica. La actriz mezcla a la perfección tres adjetivos: fria, bella y letal. Con su expresión corporal y su neutralidad facial consigue una interpretación de nivel.

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©2002 T3 Productions, Inc. PHOTOGRAPHS TO BE USED SOLELY FOR ADVERTISING, PROMOTION, PUBLICITY OR REVIEWS OF THIS SPECIFIC MOTION PICTURE AND TO REMAIN THE PROPERTY OF THE STUDIO. NOT FOR SALE OR REDISTRIBUTION

Completando el elenco, el propio Arnie, en su último  papel pre-Gobernator, mi ya adorada por esos tiempos Claire Danes pre-Homeland y Nick Stahl, un John Connor deprimido y capaz de meterse una caja de de las que se usan para castrar animales al que podríamos rebautizar como Yonki Onnor.

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La primera hora de la peícula es antológica. Puede que adolezca de la esencia y el factor sorpresa de las dos primeras entregas, pero el director Jonathan Mostow demuestra un gran amor al material de origen. La tensión de las dos primeras entregas se sustituyen por un tono desenfadado plagado de humor. Terminator 3 tiene mucho de autoparodia, como la entrada de Arnie en un local de boys para volver su look  original, ese que pasaba de estar en cueros a vestirse de cuero. Su outfit se ve completado con unas gafas que no tienen desperdicio.

Pero Mostow no se ha olvidado de uno de los puntos fuertes de la saga: Las persecuciones. Y es que la saga Terminator tiene muchísimos elementos sacados de los cartoons entre Correcaminos y Coyote. La escena del T-X manejando una grua de grandes dimensiones mientras acaba con todo a su paso es sencillamente brutal. Absolutamente nada que envidiar a la tan de moda Mad Max: Fury road. Quizá George Miller sacó de ella un par de ideas. Una megadestrucción de las que me ponen.

Los FX dan un paso atrás respecto a Terminator 2. Ya no consiguen dejarnos boquiabiertos como antaño. Aunque la dirección artística se ha esmerado en otros aspectos, como el diseño del T-X, tanto por fuera como en su exoesqueleto, o la sorpresa que supone ver en acción al primer modelo de la era de las máquinas: El T-1, que recuerda más a la saga Robocop que a la propia Terminator. Esas máquinas se construyeron, no son solo CGI, y eso se nota en las escenas de acción. El trabajo de Stan Winston es impecable, una vez más.

Otro de los pecados de esta cuarta entrega en su pre-final, con el T-800 tomando decisiones muy humanas. El momento reinicio a través del trance que tiene Schwarzenegger es francamente ridículo. Por suerte, el sosegado desenlace arregla el estropicio y hace que terminemos la película con un buen sabor de boca.

Tras el revisionado soy incapaz de entender como este filme, más que digno, fue tan denostado. Mostow ya ha demostrado en U-571 o Breakdown ser un director efectivo, y lo confirma llevando a buen puerto el legado de Cameron. Merece la pena volver a ver esta versión autoparódica del mito.

Terminator: Salvation. El valle de la muerte de Skynet

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No hay tres sin cuatro, y para la cuarta entrega se tomó la arriesgada decisión de contar con MCG para las labores de dirección, un director que ya habia dejado claro en las dos entregas de Los Angeles de Charle, que en su cine el estilo está por encima de la narración. A eso había que sumarle la “ausencia” de Schwarzenegger, aún inmiscuido en tareas políticas. Era normal sentir miedo.

Por primera vez se nos muestra el futuro, la era de la guerra contra las máquinas. Los primeros minutos confirman lo que podíamos esperar de MCG, la película tiene un look fascinante. Se nos presenta a Marcus Wright, un reo condenado a muerto en el pasado que aparece misteriosamente en ese tiempo futuro. Tras sobrevivir a un ataque de las máquinas se encontrará con un adolescente Kyle Reese y con su hijo, un ya adulto John Connor convertido en lider de la resistencia humana en la guerra contra las máquinas.

TS-VFX-00122 A T-800 Terminator in a scene from Warner Bros. Pictures’ action/sci-fi feature “Terminator Salvation,” a Warner Bros. Pictures release. The film stars Christian Bale and Sam Worthington. PHOTOGRAPHS TO BE USED SOLELY FOR ADVERTISING, PROMOTION, PUBLICITY OR REVIEWS OF THIS SPECIFIC MOTION PICTURE AND TO REMAIN THE PROPERTY OF THE STUDIO. NOT FOR SALE OR REDISTRIBUTION. ALL RIGHTS RESERVED.

 

El tono informal de Terminator 3 desaparece y es sustituido por uno mucho más serio. MCG intenta dar nuevos aires a la franquicia creando un retrofuturo que tiene mucho de Mad Max.

A pesar de estar en el futuro, se nos cuentan hechos anteriores a la primera entrega de Terminator. El T-800 está aún en la cadena de montaje, y predominan Terminators más rudimentarios, como el T-600, una versión más grande y más torpe, o los gigantescos Harvester, encargados de recolectar humanos para el campo de concentración de Skynet.

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Las escenas de acción están al nivel de lo que se puede esperar de un episodio de esta saga. Las explosiones no son digitales, y eso se nota. Tanto la escena inicial del helicóptero como el ataque del Harvester y la posterior persecución de mototerminators son de altura, si bien echo en falta la sensación letal que tenían las máquinas en los capítulos anteriores. En esta ocasión no parecen tan duras de matar.

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TS-FP-00155r (L-r) CHRISTIAN BALE stars as John Connor and SAM WORTHINGTON stars as Marcus Wright in Warner Bros. PicturesÕ action/sci-fi feature ÒTerminator Salvation,Ó a Warner Bros. Pictures release. PHOTOGRAPHS TO BE USED SOLELY FOR ADVERTISING, PROMOTION, PUBLICITY OR REVIEWS OF THIS SPECIFIC MOTION PICTURE AND TO REMAIN THE PROPERTY OF THE STUDIO. NOT FOR SALE OR REDISTRIBUTION. ALL RIGHTS RESERVED.

Quizá es la parte dramática es el punto debil del filme. Cuesta empatizar con los personajes, unos personajes demasiado estereotipados. Incluso John Connor, interpretado por Christian Bale, parece una máquina. Me parece un error el papel florero otorgado a la Kate Connor que interpreta esta vez Bryce Dallas Howard y que tan bien había funcionado en la tercera entrega.

A pesar de estos defectos estamos ante una entrega satisfactoria. Una gran creación de universo que no ha ido a más porque la taquilla no fue la esperada, pero que merece la pena recuperar. Una pena que Terminator: Génesis haya decidido prescindir de estos capítulos, que sin ser Cameron aportaron más mitología a una saga imprescindible. Somos tan de la resistencia como de Skynet. Larga vida a la saga Terminator.

Jurassic World: Dinos del futuro pasado

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La franquicia de dinosaurios por excelencia ha vuelto, y más que en forma de secuela, reboot o remake lo ha hecho en forma de revival, una película hecha para los nostálgicos del parque original.

La historia es la de siempre. A pesar de los incidentes anteriores, Jurassic World se ha convertido en el Disney World del planeta. En ese contexto dos jóvenes visitarán el parque con pulsera VIP cortería de su tía. Todo idílico hasta que, como era de esperar, alguien deja una jaula abierta.

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Lo primero que se agradece en este nuevo parque es la falta de pretensiones, y más en la época en la que se tiende a hacer la versión “seria” de todo Blockbuster. Así es como nos tragamos el pasado año un drama familiar llamado Godzilla, que ni siquiera era capaz de ofrecer una gota de humor. La capacidad de autoparodia de este Jurassic World juega en favor del conjunto. Estamos ante un blockbuster de los de antes.

Los nuevos tiempos han llegado al parque, que a pesar de los avances tecnológicos comparte ese aire cutre y prefabricado de todo parque temático, ese look Marina D’or con aspecto zoológico. En los tiempos en los que la parada de metro de Sol se llama Vodafone Sol era de esperar que la nave principal del complejo estuviera patrocinanda por Samsung. También han llegado nuevos dinosaurios, fabricados a medida del consumidor, lo que hace que se pierda un poco de esa magia de antaño, en la que el tiranosaurio nos dejó boquiabiertos. Ver una especie de la que no hablan los libros nunca será tan espectacular.

La crisis también ha llegado al recinto. La célebre frase “No hemos reparado en gastos”, de John Hammond, ha sido enterrada, y ahora se busca patrocinios fuertes y capital extranjero. El que pone la pasta en este capítulo viene de Asia, como uno de esos jeques que por capricho se comprar un equipo de fútbol.

El director Colin Trevorrow parece dirigir convencido de que el trabajo de Spielberg en la primera entrega no se puede superar. Teniendo eso en cuenta nada mejor que utilizar la nostalgia como arma. Esto se hace recurriendo a la banda sonora o a los elementos que hicieron grande el inicio de la saga. Se busca esa sensación de cuando encontramos por ahí el cuadernos del instituto o el book de plástica del colegio, que por un momento añoremos ese pasado y, como todos sabemos, eso suele funcionar.

Además de recorrer la película original, Jurassic World deja interesantes guiños a otras películas. El morsasaurio toma el relevo de Tiburón en clara referencia al clásico de Spielberg. La escena de los dinos alados es un claro homenaje a los pájaros de Hitchcock. También asistimos a una persecución en la jungla con inspiración y colores de Depredador.

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Chris Pratt y Bryce Dallas Howard son los héroes de ocasión. El primero ejerce el rol de Indiana Jones rollo empotrador. Un hombre que tiene la templanza para adiestrar velociraptores y la pasión suficiente como para dar un puñetazo sin antes preguntar. La segunda pasa de esclava del trabajo a Teniente Ripley en tacones. ¿Quién dijo Gore Tex? Dallas Howard se mete a la selva con zapatos y sale de ella impecable, como para ir de boda. Ambos forman un tandem cómico-romántico-erótico inspirado en el cine de aventuras clásico. Se ha sustituido la inteligencia de los personajes de Sam Neill y Laura Dern por músculo y acción. Son como Hannah y Mess. O en el Cadillac & Dinosaurs de recreativas.

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Los efectos especiales han confirmado algunos temores que dejó el trailer. Los dinosaurios digitales son menos dinosaurios. El realismo del primer Jurassic Park ha desaparecido. Tan solo en algunos planos aparece la grandeza de esa primera etapa. Los dinosaurios han perdido la capacidad de sorpresa.

En definitiva, estamos ante un homenaje diseñado para los fans de la película original, que sin ser una gran película si puede ser disfrutable. Un digno regreso que aporta poco o nada nuevo. La franquicia muestra evidentes síntomas de agotamiento, y otro regreso al parque podría ser letal. Veo imposible una secuela. Lo de soltar a tiranosaurios por la city dio un resultado nulo en El mundo perdido, y para ver a este especie conquistar la tierra me quedo con los simios.

Mad Max: Furia en la carretera. Camino a la redención

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Lleva unos días en el cine, pero ya podemos afirmar que Mad Max: Furia en la carretera es la mejor película de acción desde que sobrevivimos al efecto 2000. La sensación más parecida a su visionado quizá sea la de asistir a un concierto de Rammstein. Bendita locura la del septuagenario George Miller, que ha sabido releer su trabajo en los ochenta  y adaptarlo a los nuevos tiempos. Quizá el mayor problema de los tres capítulos iniciales de Mad Max es que no resisten tan bien como otras sagas el paso del tiempo.

La primera película que me viene a la cabeza después de presenciar este milagro del cine es La carrera de la muerte del año 2000, la engendro movie de 1975 en la que participaron David Carradine y Sylvester Stallone. Paul Anderson intentó un remake con ese material y Jason Statham como reclamo, pero el filme tampoco funcionó más allá de lo esperable. Aunque este Fury road cambia persecución por competición, se puede decir que tiene lo que nunca consiguieron estos filmes.

Evidente también es la influencia de los videojuegos. ¿Puede ser alguien hoy en dia crítico de cine sin ser Gamer? Tengo serias dudas, pues el lenguaje de las consolas marca lo que son hoy en dia la mayor parte de los blockbusters.

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Se agradece el ritmo frenético de la película, que se ahorra las presentaciones largar y va directamente a la carretera. No se me ocurre otro título que se desarrolle a esta velocidad. Para que os hagais una idea, Peter Jackson tiene con este material para hacer una trilogía con tres películas de 180 minutos. Me imagino una película para la salida del pueblo, otra para la tormenta… Miller lo resulve en 120. Espero que en este sentido Mad Max cause tendencia, y nos ahorre esos títulos que son como un sujetador con relleno.

Por el camino, la película de Miller toca de forma sutil un montón de temas que alejan toda sombra de “película-producto”, aquí también hay discurso. Se podría decir que el principal es el del regimen totalitario y el como la sublevación de unos pocos puede despertar una revolución.

Si nos metemos más profundamente en este juego, podemos pensar que en concreto Miller nos habla del mundo islámico radical. Los mediavida son seres dispuestos a morir en combate para entrar de par en par por la puerta del paraíso. El caudillo en cuestión goza de la compañía de muchas mujeres, cuya única función social parece ser la reproductora. El machismo impera de manera brutal. Pero quizá Miller no haya explorado estos temas pensando en la actualidad, si no mirando al pasado, y el machismo y los sacrificios han sido lamentablemente rasgos comunes de la mayor parte de las civilizaciones. Y pensando en que un futuro post nuclear supondría un tremendo retroceso histórico, no es extraño que volvieran a florecer todos los elementos de la historia negra de la humanidad.

Como siempre entran en debate el fin y los medios, y como a veces hay que recurrir al “mal necesario” para aspirar a la libertad. Ya lo vimos en V de Vendetta o en ese final rupturista de Malditos bastardos.

También se ha hablado de Mad Max como película feminista, que yo lo sustituiría por crítica al machismo imperante. Aunque hay referencias a las mujeres pioneras, encarnadas por esas madres (¿de la plaza de mayo?) que he rebautizado como “las de Emakunde”.

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Como veis el filme da muchísimo más de lo que podía esperarse. Se toma licencias vía gag, como cuestionar la ceguera de la justicia o esos contactos entre lo humano y lo divino que muchos hacen via rezo.

En el apartado interpretativo hay que destacar a Charlize Theron y su Imperator Furiosa sobre todas las cosas. Tal es la fuerza de actriz y personaje que consiguen relegar a Tom Hardy y Su Max Rockatansky a un segundo plano, y eso lo digo siendo consciente de que el minutaje de ambos personajes es idéntico. Charlize Theron consigue narrar con miradas. Eso es lo que crea una conexión directa con el espectador desde su primera aparición. Disfrutamos a Imperator Furiosa como heroína de acción, pero también somos complices de su drama.

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El villano de la función es Immortan Joe, interpretado por Hugh Keays-Byrne, un antagonista de altura. Un ser con mascarilla, a lo Bane en El caballero Oscuro: La leyenda renace, pero que cambia músculos por un aspecto repugnante. Nux, al que da vida Nicholas Hoult, es otra de las sorpresas. Un mediavida que destaca entre los secundarios.

La banda sonora de Junkie XL es extraodinaria, al igual que el uso del sonido. En nuestro cine la aparición de ese guitarrista con lanzallamas (Tan Rammstein) despertó aplausos. Le acompañan además los de Safri Duo (o algo así). Juntos forman una relectura moderna de la guerra psicológica que Coppola nos enseñó con Wagner en Apocalypse now. El uso del sonido es impresionante, un auténtico terremoto de ideas.

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En definitiva, Mad Max: Furia en la carretera es ya uno de los mayores acontecimientos cinematográficos de los últimos años. No ir a verla al cine puede ser algo de lo que te arrepientas durante años.  Se avecina una nueva saga, y seguramente muchas películas que intenten imitarla. De momento yo ya estoy pensando en revisionarla en tres dimensiones. No es solo una película de acción, Mad Max es una pieza que podría exponerse en el MoMa.

Under the skin: Desnudando al monstruo

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EL FANT 21 nos ha dado la oportunidad de ver Under the skin en una sesión especial. La película está llamada a ser un título de culto de  la ciencia ficción, si es que no lo es ya. Su inaccesibilidad hace que tenga más dificil convertirse en un clásico. La película de Jonathan Glazer (Sexy Beart, Birth) está en las antípodas del cine comercial. Los que vayan acudan a verla por el reclamo del desnudo de Scarlett Johansson se van a llevar una buena sorpresa.

Es dificil explicar el argumento. Simplificando mucho diría que Under the skin nos cuenta la historia de una alienígena (o algo raro) que se dedica a ligar al estilo 1.0, sin whatsapp, facebook, twitter, Grindr, Meetic, Badoo o Yahoo respuestas. ¿Extraño verdad? Aunque es normal que a la Johansson no le haga falta la tecnología, también os lo digo. Una auténtica cazadora de humanos.

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Estamos ante una película muy visual  en la que las lineas de texto pasan a un segundo plano. He leído en muchas críticas sobre la influencia de 2001: Una odisea en el espacio en la película, pero a mi juicio solo está presente en el uso de destellos. Poco a nada más. También se asoma levemente Blade Runner, de la que se asemeja en el deseo de ser humano, aunque en esta ocasión cambia seres artificiales por un ser de otro planeta.

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Después de ver la película no se entiende por qué Scarlett Johansson no ha optado a todos los premios el pasado año. En la carrera de la película solo veo una nominación para ella en los Premios Gotham. La actriz hace una interpretación tan compleja como fascinante. Scarlett está muy por encima de lo que hace Julianne Moore en Still Alice, la ganadora del Oscar de la última cosecha.

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Under the skin es una buena película. Glazer consigue una notable colección de escenas y sensaciones. Desde el desasosiego de esa playa británica en la que un niño corre peligro al peligro al infierno negro en el que caen las víctimas de la protagonista. La película esconde además una crítica atroz al hombre, en sentido masculino en este caso, que queda muy mal parado, aunque seguramente cada espectador puede hacerse un cosmos sobre el sentido del filme.  Seguramente estamos ante uno de eso títulos que puede hacerse inmune al paso del tiempo.

Lo mejor: Toda la parte visual y sonora. Y que no nos da nada mascado.

Lo peor: He echado en falta una marcha más en el ritmo de la película.

Teoría de la rueda (en spoiler)

Ya sabeis que nos encantan las teorías locas. Una de ellas es que Scarlett es en realidad un neumático. Su look final nos ha terminado por convencer. El motorista que va tras ella durante todo el metraje solo quiere poner ruedas nuevas. Es por eso que ella siempre va en vehículo y le cuesta moverse sin él. ¿Las víctimas? No son presas del sexo, si no personas atropelladas por esa rueda en versión onírica. Y si no… desmientemelo.

Spring: Mi novia es un zombi-mutante-hombre lobo-calamar gigante

Spring, de Justin Benson y Aaron Moorhead, ha traído el amor al FANT. La película cuenta la historia de Evan, un joven que viaja a Italia huyendo de Estados Unidos. Allí conocerá a Louise, pivón donde los haya, que hará que el chico decida quedarse trabajando por la comarca para intentar conquistarla. Hasta aquí todo bien. Todo muy Bajo el sol de la Toscana en versión masculina. Pero el tema es que Louie esconde un inconfesable secreto: Es en realidad una mutante, zombie, hombre lobo, calamar gigante y quien sabe cuantas cosas más.

La verdad es que Spring es una película muy bien escrita. Su estilo recuerda muchísimo a la trilogía “Antes de…” de Linklater. Benson y Moorhead podrían haberse limitado a hacer una historia de amor, y les habría salido bien visto lo visto, pero decidieron añadir el elemento fantástico a la relación. Al principio la verdad es que el factor monstruo no terminaba de convencerme, pero con el paso de los minutos me ha parecido una decisión correcta. Es más fácil si durante el metraje se incluye un guiño a Un hombre lobo americano en Londres.

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Pocos peros se le pueden poner a esta cinta indie. Entre ellos demasiada reiteración en el tema sobrenatural en la parte final y una escena que particularmente me ha parecido que está muy por debajo del resto del metraje, la del intento de violación por parte de otro guiri, muy descuidada y a la que parece que le faltan muchas tomas.

El duo de actores protagonistas, Loy Taylor Pucci y  Nadia Hilker, consigue generar química. Aunque la interpretación que mas me ha gustado es la de Francesco Carnelutti, que encarna a Angelo, un autóctono que enseña a Evan a defenderse en el campo.

En definitiva, estamos ante una película que puede convertirse con el tiempo en una cinta de culto. Un híbrido que puede convencer a los fans del cine indie y a los del fantástico, y enamorar a los incondicionales de ambos géneros. A mi, por lo pronto, me ha gustado.

Lo mejor: Buen guión

Lo peor: Buen guión, pero demasiado verborreico en la parte final

Predestination: Las pieles que habito

El preFANT proyectó ayer Predestination, una película lanzada directamente al mercado doméstico que no disfrutó de un estreno en condiciones. Su estetica, y ese comienzo entre Origen y Destino Oculto, merecían verse en pantalla grande. Se trata de la tercera película de los hermanos Spierig, directores de Los No Muertos y la vampírica Daybreakers, todas realizadas bajo sello australiano.

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El filme pertenece al género “rompecabezas”. Los espectadores pueden estar tranquilos, porque a pesar de transitar caminos difíciles este puzzle tiene solución, o como suelo decir, el espectador puede hacer pie. Eso sí, nunca hago copy paste de la sinopsis, así que reconozco que en esta ocasión me resulta complicado contar el “de que va”. Es dificil contarlo sin entrar en materia de spoilers, así que os diré que esto va sobre la caza a un terrrorista apodado “El terrorista siseante” (Terrorista fallido en su versión doblada) y la lucha de un cuerpo gubernamental que viaja en el tiempo por evitar sus atentados. Quizá después de leer esto os vengan a la cabeza Looper o El Ministerio del tiempo, pero poco a nada tienen en común.

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Al frente del reparto encontramos a Ethan Hawke, que lo mismo te hace un Boyhood que un Sinister, y eso se agradece. Le acompaña con otro papel protagónico Sarah Snook, actriz australiana de 27 años con recorrido en el género gracias a sus papeles en Jessabelle y Las últimas horas (These final hours).

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La película cuenta entre sus aciertos con una gran media hora inicial y un potente desenlace. No me ha parecido redonda debido al nudo, donde creo que por momentos el interés decae por querer entrar en más jardines de los necesarios, pero en ningún momento se hunde. Su duración de 97 minutos es un acierto pleno, al igual que el apartado sonoro y la cuidada dirección artística.

El que sea una película que se puede resolver no significa que haya conseguido atar todos los cabos. Pero para eso se hacen estos rompecabezas, para mantener un rico debate a la salida de la proyección que en muchos casos justifica el visionado. Pero debates aparte, Predestination es una buena película, con calidad por encima de la media de su género. De participar en una sección oficial del FANT podría haber sido una de las favoritas. La versión pre del festival fantástico bilbaino ha hecho justicia con un título que conviene rescatar.

Podeis ver aquí la programación de lo que queda de preFANT

Interstellar: Una odisea en el tiempo

En unos tiempos en los que solo llegan al cine adaptaciones y el capítulo X de una saga se agradece una película como Interstellar. Christopher Nolan continúa demostrando que se puede realizar cine de autor para las masas, y todo esto en riguroso 2D. Estamos ante una nueva obra maestra de su cine.

Interstellar cuenta la historia de un ex piloto de la NASA metido a granjera por culpa de la devastación del planeta. En ese contexto el protagonista tendrá que elegir entre permanecer con su familia o enrrolarse en una complicada misión que busca un nuevo lugar para la especie humana.

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Esta vez Christopher Nolan se lo ha puesto muy fácil a los detractores en la que es su primera película controvertida. Incluso para mi sería fácil y divertido destrozarla, puesto que estamos ante una película que te obliga a creer en ella. Si no entras en su juego sus soluciones pueden parecer ridículas. De nuevo veremos en infimidad de críticas la acusación de “cine pretencioso” ¿Pero no es esto lo que necesita el cine? Si Tarantino no hubiese sido pretencioso jamás hubiera filmado Pulp Fiction, sin un pretencioso Ridley Scott no hubiera llegado Blade Runner. Eso es lo que necesitamos, directores que intenten en cada película hacer su obra definitiva. No hay motivos para relajarse. El final traerá cola, como ya lo hizo el de las infravaloradas Contact, de Robert Zemeckis o Misión a Marte, de Brian de Palma.

Me apasiona la capacidad de Nolan para responder sus propios enigmas de forma lógica, dentro de la naturaleza de su argumento. Ya lo vimos en Origen, que a pesar de lo extraño de las piezas todas encajaban perfectamente.  Es una expectativa que no cumplió Perdidos, la madre de todos los enigmas. Damon Lindelof prometió mediada la serie que se responderían todas las preguntas, y el final pareció un “Vamonos de aquí que esto empieza a arder”, vamos, que no sabían como acabar y tomaron un atajo. Nolan en cambio no se conforma con generar cuestiones, también se afana en resolverlas. Por algo es el gran arquitecto de nuestro tiempo, en materia cine.

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Las influencias son claras. Es evidente que sin la existencia de 2001: Una odisea en el espacio, Interstellar no hubiera sido la misma película. ¿Se puede hacer una película de este tipo sin mirarse en Kubrick? No lo creo. También hay influencias más mundanas. La explicación sobre los agujeros de gusano es exactamente igual a la que hizo Sam Neill en Event Horizon (Horizonte final), la mejor película del comercialísimo Paul Anderson.

En el apartado musical y sonoro Interstellar va sobrada. Hans Zimmer ha vuelto a crear otro monumento compositivo que actua de traje a medida no solo para las imágenes de Nolan, también para lo que el director nos quiere contar. Una auténtica maravilla. La fotografía, como en todo el cine de Nolan, vuelve a tener un papel principal. Es ahí donde mejor podemos apreciar las reminiscencias del mastodonte cinematográfico que crearon Kubrick y Clarke.

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Al frente del reparto un Matthew McConaughey (Juro que he escrito el apellido sin mirar) en el esplendor de su carisma. Parte del éxito de Interstellar radica en su capacidad para hacer de guía en esta compleja trama. Si entiendes las motivaciones de su personaje no es complicado entender la película. El actor brilla con luz propia sobre un cast en el que también encontramos a Michael Caine o Anne Hathaway, entre otros.Que bueno es Nolan guardándose cartas.

La película nos deja una profunda reflexión sobre nuestro papel en el universo y nuestra relación con el planeta. Además crea un inevitable paralelismo con la situación de la ciencia en España, en peligro de extinción tras una atroz política de recortes que ha ejecutado el PP. En el filme sucede algo parecido. Cuando los alimentos escasean la inversión espacial se ve reducida drasticamente, y es relegada a vivir en la sombra. Peligra la única carta que puede salvar al planeta. En la España de hoy se están cerrando laboratorios que investigan enfermedades como el cancer, y eso también puede ser definitivo para nuestro futuro.

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Y ya no hace falta que sepais más. Puede que la fascinante Interstellar no guste a todos los públicos, pero lo que es seguro es que no deja indiferente. Ya tengo ganas de volver a disfrutarla, pero eso ya será en el sofá de mi casa cuando sea editada en formato doméstico. Interstellar ya es historia del género, y el tiempo dirá si es también historia del cine.