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Blade Runner 2049: El milagro de la creación

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En ocasiones el público espera ansioso noticias de secuela. No es el caso que nos ocupa. Hay películas que son material sagrado, y Blade Runner es una de ellas. Por ello, los primeros rumores de secuela de la obra maestra de Ridley Scott no cayeron demasiado bien entre los fans. Más aún cuando el director británico confirmó que no se sentaría de nuevo en la silla, y que esta vez sería solo el productor ejecutivo. Pero un aspecto hizo recobrar las expectativas de cara al filme: La confirmación de Dennis Villeneuve (Incendies, Prisioneros, Sicario, La llegada…) como director.

Y la jugada ha salido razonablemente bien. Sin ser la obra maestra definitiva, Blade Runner 2049 es una digna sucesora de la original. No era fácil mantener la atmósfera de un título único, y Villeneuve lo consigue. Esto es posible gracias a la gran labor que se ha realizado en todos los apartados técnicos y artísticos. Todos los planos están cuidadísimos, y la banda sonora de Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch es un Vangelis sin las pasajes de peli porno. Pero la técnica no sirve de nada sin una buena historia, y hay que reconocer que esta continuación la tiene. De hecho, la historia está por encima de sus lineas de guión.

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Si buscamos parientes cercanos, este Blade Runner está cerca muy cerca de Hijos de los hombres, la historia que Alfonso Cuarón estrenó en 2006 y que planteaba la idea de una sociedad estéril. En el plano artístico, el nuevo Los Angeles recuerda mucho al Japón futurista que vimos en la reciente adaptación de Ghost in the shell, aunque el ritmo de acción de la película de Rupert Sanders poco tiene que ver con la pausa de Villeneuve. Quién espere encontrarse un filme de entretenimiento SCI-FI puede quedarse en casa. También queda confirmado el interés de poner en contacto a creadores y creaciones dentro de la filmografía de Ridley Scott. Si la nueva senda de Alien (Con Prometheus y Covenant) habla de crear una nueva forma de vida biológica, Blade Runner habla de la vida artificial, tema que tampoco esquiva la saga espacial. Esta nueva entrega continúa sembrando la duda ¿Son Alien y Blade Runner partes de un mismo todo? Eldon Tyrell, Weyland, Wallace, David… Son ya demasiados personajes jugando a ser Dios.

Entre los actores, gran trabajo de Ryan Gosling, al que le va como un guante el Blade Runner inexpresivo que interpreta. Posiblemente estemos ante el actor con menos recursos gestuales de todo Hollywood, y lo que normalmente le lastra, en esta ocasión es lo que le hace bueno. También destaca la inquietante presencia de Jared Leto, con un interesante y misterioso personaje secundario.

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Pero no todo son virtudes en este regreso. El principal problema de esta nueva Blade Runner reside en su nudo, lugar donde la trama pasea sin avanzar. Con el telón bajado uno se da cuenta de que los 117 minutos de la primera entrega hubieran sido más que suficientes. Aunque la última hora es excepcional, 163 minutos son demasiados. El otro gran error no está en la película, si no en una decisión de marketing completamente desacertada. Rick Deckard, el mítico personaje interpretó Harrison Ford, aparece en el trailer, poster y en la gran mayoría de actos promocionales del filme, pero su personaje no aparece hasta el último cuarto del filme. ¿No se podía haber guardado ese elemento sorpresa? La experiencia hubiera elevado la película un peldaño mas. Lástima que al ver el cartel todos estemos en el cine pensado “¿Y éste cuando sale?”

En definitiva, estamos ante un regreso que ha merecido la pena. Y tengo la sensación de que Blade Runner 2049 puede ganar en posteriores visionados. Ahora solo queda la duda de si volveremos a visitar la tierra de los replicantes en años posteriores. Nada descartable visto lo visto. Si es así, volveremos a las salas.

 

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Animales nocturnos: La importancia del interlineado

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Si algo podemos decir de Animales nocturnos, segundo largometraje de Tom Ford (Un hombre soltero), es que estamos ante uno de los títulos más inquietantes de los últimos años. Una dirección elegante para un título singular sobre el entorno literario. Se nota que Ford ha hecho la película que quería.

Animales nocturnos cuenta la historia de Susan (Amy Adams), una galerista de arte que en plena crisis matrimonial recibe un libro escrito por su ex novio. La lectura removerá hechos que parecían enterrados.

La película recorre dos vías, por un lado está la realidad de Susan, y por otro el libro, que es dramatizado paralelamente a la lectura. Ford no evita los terrenos áridos, y en ocasiones la película duele. La historia de Tony Hastings, protagonista del relato, es un golpe seco, una mezcla entre Jeepers Creepers y No habrá paz para los malvados. Fuera del relato encontramos sentimientos más terrenales, pero no por ello menos dolorosos.

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Al margen del buen hacer de Michael Shannon, Jake Gyllenhaal y, sobre todo, Amy Adams, brilla sobre cualquier otro elemento la partitura de Abel Korzeniowski, compositor que después unos años en Estados Unidos tras dejar su Polonia natal, parece estar en su mejor momento. Casi al mismo nivel, luce la gran fotografía de Seamus McGarvey.

Estamos ante un título que no busca la unanimidad, y que seguramente deje a muchos en fuera de juego. No por su complejidad, porque Ford no es David Lynch, ni lo pretende; pero su juego de espejos puede no contentar a los que no estén dispuestos a ponerse el delantal para terminar la receta.

 

El final de Animales Nocturnos (EXPLICACIÓN EN SPOILER)

La película no oculta en ningún momento que se está cocinando una venganza. El fin del libro y el posterior mensaje de Edward confirman lo que ya se presentaba en detalles. El libro no va sobre la venganza. El libro es la venganza en si misma. Edward hace complice a Susan del dolor de Tony, sin que ella sepa de que ese es en realidad el dolor de Edward. La sensación final de Susan en la consumación de la misma. Supongo que esta será la lectura mayoritaria, aunque lo bueno de este título es que se presta a la multilectura. Sea como fuere, una escena en apariencia banal como la del cuadro revenge y el móvil que cae al suelo se convierte en un resumen imprescindible de lo que el director quiere trasladar.

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Por poner un pero, diré que no me ha entusiasmado que la película equipare a un feto con la vida de una niña ya adulta. Diría que la posición del filme con el aborto parece bastante conservadora, aunque el mecanismo de pérdida sea igualmente doloroso. Os invito a compartir vuestras visiones del fin.

El autor: Nightcrawler literario

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La Sección Oficial del Zinemaldia ha acogido a El autor, de Manuel Martín Cuenca, tras su paso por el Festival de Toronto. La película adapta El móvil, la primera novela del escritor Javier Cercas. En ella, un aprendiz de escritor que vive eclipsado por el éxito de su mujer decide tomar medidas drásticas para abrirse paso en el mundo de la literatura.

Varios alicientes de partida. El primero, un director que parece que en cualquier momento puede que va a dar el campanazo. Cuenca estuvo cerca con La flaqueza del Bolchevique y Canibal, películas que a pesar de su calidad, no terminaban de rematar. La segunda un intérprete que desde que se destapó en La isla mínima vive en estado de Gracia: Javier Gutiérrez. Motivos más que suficientes para sentarse en la butaca.

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Y empieza bien El autor. Su primera hora es de gran nivel, con algunas de las mejores secuencias del cine español reciente y un animal como Gutierrez comiéndose la pantalla, bien secundado por el siempre extraordinario Antonio De la Torre. Lástima que haya un pero. La película se mete en un laberinto en la segunda mitad del que no consigue salir, lo que desemboca en una ausencia de climax y un final que no resulta satisfactorio. Es una pena, porque tras los primeros minutos se puede llegar a pensar incluso que estamos en lo que podría ser un clásico del cine español. El filme funciona mejor cuando se desata del todo. De la Torre regala escenas que recuerdan a una versión literaria del J.K. Simmons de Whiplash, mientras Gutierrez se va convirtiendo con los minutos en el Jake Gyllenhaal de Nightcrawler.

Por el camino, la película lleva al extremo la búsqueda del “yo escritor” y su convivencia con el “yo persona”. Cada cierto tiempo leemos sobre las locuras que cometen algunos intérpretes para preparar algunos papeles, extravagancias que siempre son aplaudidas por prensa y público. ¿Pero que pasaría si los creadores hicieran lo mismo y decidieran implicarse de lleno con su historia? Seguramente algo parecido a lo que cuenta la película de Martín Cuenca. Al final, lo que se esconde detrás de su personaje protagónico es la historia de una obsesión.

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En definitiva, estamos ante filme irregular que funciona mejor por piezas que en conjunto. A pesar de que el sabor de boca que deja no es el muy bueno, al salir del cine sus momentazos hacen que la experiencia merezca la pena. Sin ser la mejor, estamos ante una de esas pelis españolas que hay que ver en 2017. Si el filme os ha dejado con ganas de más, nada mejor que revisionar En la Casa, una gran película sobre procesos creativos que ganó la Concha de Oro en 2012.

 

 

Proyecto Lázaro: Un dramón sobre la resurrección

Tenía ciertas esperanzas depositadas en el regreso de Mateo Gil a la dirección tras las satisfactorias Nadie conoce a nadie (1999) y Blackthorn: Sin destino (2011). Aunque si por algo ha trascendido Gil es por haber escrito algunos de los guiones más importantes del cine español de los últimos años, para Amenabar en su mayor parte. Suyos son los de Tesis, Abre los ojos, Mar Adentro, El método o Ágora. Proyecto Lázaro en su regreso a la ciencia ficción, un terreno que no pisa desde que Eduardo Noriega despertará como el hombre elefante tras un accidente de coche. Aunque no hay un nexo argumental, la película se presenta como una secuela tardía de Abre los ojos, y pretende explicar la vida después de la criogenización.

A pesar de lo interesante de la cuestión, Proyecto Lázaro nunca termina de arrancar. La película centra demasiado el foco en el amor y el drama. El protagonista vive atormentado por la vida que dejó atrás con su pareja, y ese eje tractor del filme no contiene el interés suficiente para crear intriga. Se apuesta todo al conflicto interior dejando de lado lo más significativo: Las consecuencias para la humanidad de esa primera resurrección.

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No ayudan tampoco las interpretaciones. Los personajes de Gil parecen robots con apariencia humana. Les cuesta demasiado expresar, y al espectador mucho más empatizar. El uso y abuso de la voz en off termina consiguiente que veamos al protagonista (Marc Jarvis) como un tipo cansino. Naomi (Oona Chaplin), su novia del pasado, no consigue más de lo que hubiese conseguido un maniquí. Nada resulta real.

La estética acaba por rematarla. Más cercana a un publirreportaje de una clínica dental que al cine en si mismo. Si se llega a llamar el Método Dentix nos quedamos igual. Mateo Gil ha intentado hacer su Gattaca bebiendo de Abre los ojos, pero se le ha Gattascado seriamente. Una pena. Esperamos su pronta recuperación y un regreso a la senda de anteriores trabajos.

Pieles: La malformación está en la mirada

El FANT 23 ha empezado fuerte. El Teatro Campos Eliseos ha sido un año más el escenario elegido para la ceremonia inaugural, y como en ediciones anteriores Lander Otaola y Maria Goiricelaya se han metido al público en el bolsillo con un humor espontáneo, valiente y muy oportuno. En esta ocasión han estado bien secundados por las ‘maníacas’ que se mezclaban entre el público para recordarnos que esto va de terror, aunque si hay que pasar de horror a La La Land se pasa. Cuánta razón Otaola al nombrar todos los festivales de cine bilbaínos para rematar diciendo “El FANT, al que va gente”, y es que en el Campos no cabía ni un alfiler.

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Este año la organización ha acertado de pleno con Pieles, la mayúscula bizarrada española que ha abierto el certamen. La opera prima de Eduardo Casanova es un auténtico salto al vacío artístico en el que el director consigue caer milagrosamente de pie. Pocos director pueden presumir de tanta libertad en su primer trabajo, aunque esto quizá hay que agradecérselo a Álex De la Iglesia, productor de la película.

Pieles pertenece al subgénero de historias cruzadas. La película presenta a varios personajes al límite unidos por un físico diferente, algo similar a lo que Tod Browning nos enseñó en La parada de los monstruos.

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Uno de los mayores logros de Casanova es la rapidez con la que el espectador se familiariza con ‘lo diferente’ tras la sensación de estupor inicial. Y es que cuesta en un primer momento cuesta hacerse a personajes como el que interpreta Ana Polvorosa, una joven con ano por boca. Si por algo merece todos los elogios esta cinta es por su extraordinaria labor de maquillaje, bien acompañada por una dirección artística cuidada al detalle en el que predominan los tonos rosas (Veáse en look del elenco en la foto de portada).

Las referencias de la película son claras. Las más evidentes un Almodovar desatado o un David Lynch menos oscuro de lo habitual. A Casanova bien podríamos emparentarle con Carlos Vermut, quizá porque ambos comparten sendos debuts suicidas y se decantan por las historias cruzadas. La sensación tras terminar Diamond Flash no era muy distinta de la que se queda al final de pieles.

Casanova también ha acertado con el reparto, del que hay que destacar su generosidad. Sorprende para bien el ‘Freddy Krueger’ que interpreta Jon Kortajarena, totalmente irreconocible hasta el final. Muy meritorio también el ya mencionado personaje de Ana Polvorosa. Lo más sencillo era caer en el más absoluto ridículo, pero lo excesivo del maquillaje contrasta con la serenidad de la actriz para afrontarlo. Itziar Castro es para mi uno de los descubrimientos de la cinta. Quizá el personaje de la casi siempre extraordinaria Candela Peña es el que mejor sintetiza el sentir del filme. Siente que no va con ella lo de ‘ser diferente’ y ve claramente que el problema lo tiene el espectador.

La peor noticia para Casanova es que estamos ante una de esas películas que despertará fobias directas por su contenido, incluso entre los que no lleguen a verla. La mejor, es que estamos ante una pieza de culto instantáneo.

*La película se estrena en cines el 9 de junio de 2017

CRUDO: PRIMERO DE CANIBALISMO

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A Crudo le ha pasado lo mismo que a The Witch el año pasado. Películas de autor que acaban en mutilsalas debido a campañas de marketing engañosas. Ni The witch era la película más terrorífica de la historia, ni Crudo es la gran salvajada que han querido vender. El filme se ha hecho hueco gracias al eslogan “Puede provocar mareos” que se ha vendido en los medios. Ahora bien, el debut en la dirección de Julia Ducournau merece todos los elogios que ha recibido por parte de la crítica.

La película nos lleva a la universidad de la mano de Justine, una joven que llega al Campus para iniciar sus estudios de veterinaria. Formada en una educación vegetariana, su vida cambiará por completo al descubrir los encantos de la carne.

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Crudo naturaliza una cuestión que la sociedad ha convertido en tabú: El canibalismo, al que Ducournau decide darle un tratamiento similar al de la adicción a las drogas. A partir de ahí se abre la veda para que cada espectador decida jugar con esa metáfora de ‘comernos unos a otros’, más si cabe en un entorno universitario en el que los novatos viven sometidos por los alumnos de segundo curso.

Estamos también ante el enésimo viaje iniciático puente entre la adolescencia y la edad adulta tras dejar atrás el hogar familiar. Quien haya pasado por esa franja horaria vital sabrá que es una zona gobernada por el cambio constante. De hacer y dejar de hacer cosas por el ‘que dirán’. Una época de influencia del entorno que acaba cuando encontramos nuestra propia identidad. Encontrareis todo esto en Crudo. dejando a la vista que a pesar del factor canibal estamos ante un retrato de personaje fascinante y jodidamente veraz.

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La fuerza de los personajes femeninos y ese aire francés, evoca a La Vida de Adele. Las jóvenes Garance Marillier y Ella Rumpf  son el equivalente perfecto a Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux, aunque en el caso de Crudo el nexo sea únicamente fraternal. Todo el trabajo interpretativo se ve apoyado en una fotografía excelsa y en una hipnótica banda sonora que recuerda al trabajo de Rob para la versión francesa de Maniac, dirigida por Frank Khalfoun. También encontramos un guiño a Carrie, la obra maestra de Brian De Palma. Mezclando sangre y novatadas era imposible no recurrir a ella.

Crudo sin duda será recordada como una de las grandes de este 2017. A pesar de la hemoglobina, una cinta que puede gustar a cualquier cinéfilo. Más difícil lo van a tener los que esperen encontrar una película de terror al uso. Ya esperamos ansiosos el próximo paso de Ducournau tras esta brillante opera prima.

Incidencias durante la proyección: Niños/as en la sala

En la sala a que acudimos había niños, y no me refiero a niños de 14 años, si no a niños de menos de diez. Al girarnos para ver su reacción ante alguna de las escenas hardcore,  vimos a uno de ellos con el envase de palomitas en la cabeza.  ¿Qué lleva a alguien a llevar a niños pequeños a ver este tipo de películas? ¿Hasta que punto debería haber cierta regulación en la entrada de menores a según que proyecciones? Dejo abierto el debate por si alguien quiere comentar algo al respecto.

 

 

Múltiple: El niño de ‘El sexto sentido’ deja de ver a Shyamalan

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M. Night Shymalan ha vuelto para confirmar que lo que vimos en La Visita no fue un espejismo. El ‘Isabel Gemio’ hindú, ha regresado de entre los muertos con Múltiple.

En esta ocasión, el director lleva a las últimas consecuencias dos subgéneros del thriller: El psicológico y el sobrenatural. En Múltiple, un hombre con severo trastorno de personalidad secuestra a tres jóvenes. Las chicas pronto se darán cuenta de que su captor está muy lejos de ser un delincuente al uso.

La película es un gran estudio de traumas severos. La mezcla de thriller, terror, drama y acción funciona como en los días gloriosos del director de El sexto sentido, El Bosque, El protegido o Señales. Prueba de ello son las tres semanas consecutivas que el filme lleva liderando el ranking USA. Con la calidad también vuelve el público.

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En el aspecto interpretativo asistimos a un duelo de primer nivel, el que enfrenta a Anya Taylor Joy (La bruja) y James McAvoy. La joven intérprete encarna a la perfección el resultado de una infancia difícil, mientras que el actor británico acierta en uno de esos papeles que permiten lucirse. McAvoy más desatado que nunca dando vida a los habitantes inciertos del antagonista. Un enemigo de primer nivel. También destaca la veterana Betty Buckley, que da vida a la doctora Karen Fletcher, un personaje que recuerda al doctor Loomis de La noche de Halloween.

En definitiva, una película que entusiasmará a los adeptos del director, y que entretendrá a la gran mayoría de la audiencia. Un título que deja con ganas de más.

ANÁLISIS EN SPOILER (Si no la has visto ni se te ocurra leer esto. Te arrepentirás toda tu puta vida)

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El nacimiento de la falsecuela

Shyamalan es un género en si mismo, y la conclusión de la película no hace más que confirmar esta afirmación. Tras el rótulo final, suenan unos acordes que nos resultan familiares. ¿Esto no es la banda sonora de El protegido? Habréis recordado muchos. Y allí está él, al final de la barra, David Dunn (Bruce Willis), revelando que todo lo visto hasta ese momento no era otra cosa que la presentación del archienemigo de la película que Shyamalan había dirigido 15 años antes. Pelos como escarpias. El director ha vuelto a dar en el clavo con un giro histórico. Ahora solo falta poner fecha al duelo de titanes que enfrentará a David Dunn y La horda. Un héroe que no puede sufrir dolor y un enemigo que castiga a las personas que no han sufrido. Épico. Los actores están por la labor.

Y el cabrón de M. Night Shyamalan se la saca diciendo que ya dio la pista en el poster. Los posters de El protegido y múltiple… ¡Encajan!

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El caso Fischer: La tercera guerra mundial sobre un tablero

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Hay películas que sin ser gran cosa se convierten en fenómeno. Y también existe el efecto contrario, películas que a pesar de su calidad pasan completamente desapercibidas. Eso es lo que ha ocurrido con El Caso Fischer, en inglés Pawn Sacrifice, una visión apasionante de la compleja mente del ajedrecista norteamericano Bobby Fischer, que ascendió al Olimpo del ajedrez mientras sufría una auténtica pesadilla en su cabeza.

La cinta recrea el episodio más célebre de su carrera, el duelo ante el soviético Boris Spassky. Había oído hablar del enfrentamiento, pero desconocía la historia detrás de la partida. Este desconocimiento no ha hecho más que mejorar la experiencia, aunque la película también gustará a los iniciados en la figura del ajedrecista, o simplemente a los fans del cine de la guerra fría. Una guerra que tenía lugar en todos los ámbitos, de la carrera espacial al hockey sobre hielo. Estados Unidos y la Unión soviética aprovechaban el éxito en cualquier materia para mostrar al mundo su condición de potencia dominante. La partida Fischer-Spassky sintetiza a la perfección lo que supuso la guerra fría para ambas naciones.

Tobey Maguaire ofrece en esta película la que es posiblemente la mejor interpretación de su carrera. También cumple Liev Schreiber, en buena línea tras su buen trabajo en Spotlight el pasado año. Buena parte del resultado final se debe al buen hacer de ambos intérpretes.

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Dirige el eficiente Edward Zwick, responsable de un puñado de títulos competentes (Diamante de sangre, Leyendas de pasión, El último samurai, Resistencia), pero que nunca alcanzan la excelencia.  Y se puede decir que hace un ‘Another brick in the wall’ para confirmar esta fama de cumplidor.

No es una película redonda, pero El caso Fischer es una película que merece la pena recuperar. Sin tanto nombre da mil vueltas a películas de su liga, como Una mente maravillosa. Una historia bien contada y bien interpretada que se ve de un tirón, a lo que ayudan ciertos toques cómicos en algunas partes del metraje. Más allá del cine, estamos ante una historia que merece ser conocida.

Bonus track:

Las referencias de Los chicos del maíz siempre son interesantes. En este tema sacan chispas al duelo Bobby Fischer vs Spassky.

 

Comanchería: En la América de Trump

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Los resultados de Texas en las últimas elecciones presidenciales de Estados Unidos son un fiel reflejo de lo sucedido en el resto de la nación. Trump se impuso con el 52,2% de los votos, una victoria holgada frente al 43,2% que optó por Clinton. 9 puntos de diferencia, que se traduce en unos 800.000 votos. Pero no todos los territorios votaron por igual al magnate.

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Resultados de las elecciones 2016 en el estado de Texas

Las principales ciudades (Dallas, Austin, Houston, El Paso y San Antonio)  eligieron a Hillary, en tres de ellas con un porcentaje superior al 60%. Mientras en condados como el de Archer, donde comienza Comanchería, Trump fue respaldado por el 88,7% de los votantes. La prueba evidente de que existe otra América, una América rural olvidada, asfixiada, y en la que no calan los bailes de Barack y Michelle. La película recorre algunas carreteras secundarias de la America de Trump. Las vías por las que no transita el sueño americano.

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Resultados en Texas. Rojo: TRUMP. Azul: CLINTON
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Resultados en el condado de Archer, escenario del primer robo de Comanchería

Vamos a ser claros, se dice tan a la ligera lo de peliculón incontestable que se debería tener cierta prudencia al usar semejantes términos, pero a la mierda. Comanchería es un peliculón incontestable. En esta película todo es notable, el guión, la dirección, la fotografía, la banda sonora, el sonido, el montaje, el reparto… Y cuando esto sucede solo queda aplaudir. Además la taquilla americana la ha convertido en el éxito independiente del verano. Un milagro en un panorama en el que es muy complicado hacerle sombra al blockbuster.

Estamos ante un neowestern de tiempos en los que los vaqueros no llegan a fin de mes. No esperéis al John Wayne de turno en este panorama. Los protagonistas son dos ladrones de bancos que buscan encadenar con acierto varios golpes para recuperar la dignidad perdida. Todo esto en un entorno en el que los bancos representan el papel que antaño era propiedad de la banda de hijoputas que atemorizada al poblado en el western.

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El cuarteto protagonista está de escándalo, especialmente la extraña pareja policial que forman Jeff Bridges y Gil Birmingham. El primero es un inteligente agente a punto de jubilarse que no ha perdido el buen olfato, aunque Torrente aparezca en su modelo de conducta. El segundo, un policía con antepasados indios y mexicanos que será el blanco de los chistes Bridges, a pesar de ello en el transcurso de la película irán desarrollando una extraña hermandad. La otra, nunca mejor dicho, es la de los hermanos protagonistas (Chris Pine y Ben Foster), que llevan el peso dramático de la película.

Los melómanos están de enhorabuena. A la excelente banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis hay que sumarle temas de Colter Wall, Chris Stapleton o Johnny Cash. Se agradece además que se hayan dignado a subtitularlas en español durante el metraje.

En definitiva, una película redonda que está llamada a convertirse en un título de culto. Lo único que chirría en su traducción al español, de Hell or High Water a Comanchería. Nos imaginábamos a los traductores diciendo…

-Hay que traducir Hell or High water al español

-¿Cómo chería?

-Me gusta, adjudicado

Aunque la realidad nos ha jodido el chiste. Comanchería era el título inicial de la película. Así es llamada la zona ocupada por los comanches antes de 1860, y que abarca el este de Nuevo Mexico, el oeste de Texas, parte de Oklahoma, las montañas de Wichita y grandes porciones de Colorado y Kansas.

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A pesar del vacío en premios (no en nominaciones) de la película en los Globos de Oro, nos encantaría que pudiera rascar algo en los Oscar, aunque esta edición está llamada a ser la de la victoria amplia de La la land. Ya sabéis que esto también va de modas. Una última recomendación, acercaros a disfrutarla en una sala de cine antes de que sea tarde.

 

 

Passengers: El despertar por la fuerza

Ni Jennifer Lawrence ha evitado esta vez la tragedia. Y eso que la primera mitad de Passengers se sigue con interés. 45 minutos en los que somos cómplices del naufragio VIP de Chris Pratt. No lo pasamos tan bien como con Matt Damon en Marte, pero merece la pena ser cómplices de los descubrimientos tecnológicos de Pratt. Y es precisamente en el momento en el que la película tiene que poner el turbo cuando comienza a encallarse definitivamente. De ahí al final, de mal en peor, víctima del virus de la comedia romántica, y uno aún más letal: Arrodillarse ante el gran público.

Lo mejor de Passengers en su interesante premisa: ¿Qué pasaría si despertaras de una hibernación espacial 90 años antes de lo previsto? ¿Qué pasaría si además fueras el único pasajero al que le sucede? Hay cierto ánimo de poner en jaque al espectador ante esta situación extrema. También de crear un debate sobre la hoja de ruta a seguir. Pero por desgracia la película se despierta del sueño autoral para recordarse a si misma que su naturaleza es la de un blockbuster navideño.

Nos apena lo de Mortem Tyldum, director que mostró una gran personalidad en Headhunters, su divertidísima ópera prima. Personalidad que ya perdió en The imitación game, su segunda película. Passengers confirma que el sistema Hollywood ha dilapidado otra prometedora carrera. Tampoco es que el libreto de John Spaihts, co-guionista de Prometheus, sea nada del otro jueves.

Ni el buenismo de Pratt y Lawrence consiguen mantener en pie la propuesta. ¿En que momento aceptaron una película tan simplona? Nada nuevo para el actor, que parece haberse abonado a todo proyecto con vista a conquistar la taquilla más que a leer a fondo los guiones. A día de hoy es el nuevo chico florero de Hollywood. Para eso JLo suele tener mejor visión, alternando esta clase de productos con otros que dan lustre a su filmografía.

En definitiva, una película que podría haber sido mejor, pero que está destinada a ser uno de esos títulos de ‘domingo por la tarde’.

Análisis en Spoiler

La película fracasa al optar por la superficialidad desperdiciando el jugo de su debate. Chris Pratt decide despertar a JLo 90 años de lo previsto, condenándola  de por vida a una prisión no elegida. A pesar de lo poco ético de semejante decisión, la película nos manda durante todo su metraje el mensaje de que Chris Pratt es el bueno, pintando en ocasiones a Lawrence como una puta desquiciada. Extraño, puesto que en el fondo el protagonista masculino representa a un auténtico psicópata. No utiliza la fuerza física para despertar a Lawrence, pero aún así se puede afirmar que la despierta por la fuerza. Además utiliza la mentira para que la bella durmiente caiga en la trampa. Lo dibujan como un príncipe, pero esta más cerca del monstruo de Amstetten