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FANT 23: FANT en corto vasco

Tras la inauguración con Pieles, llegó el momento de mostrar el estado del cine vasco de género. El FANT en corto vasco es una gran oportunidad de detectar el talento que viene.

Bestealdetik, de Mar González Ruiz de Larramendi ·

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Empieza como una película de terror en cabaña, pero Bestealdetik es un auténtico poema en imágenes. Más cerca de la lírica que de la prosa. Una gran reflexión sobre el peso del tiempo y el inevitable final. Mikel Laboa remata la jugada.

Decorado, de Alberto Vázquez

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Estuvimos hace unos meses en la Semana de Terror de Donosti. El desatado público del Festival gritaba en alto Decorado en cada una de las películas. Ahora lo entendemos todo. Decorado es ya una obra magna de la animación absurda. Una auténtica joya.

Nunca pasa nada, de Javier Prieto

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Nunca pasa nada recorre la cola del INEM con una técnica de animación cercana a la de Waking life y A Scanner Darkly de Linkater. Corto de tiempos de crisis, de como vemos la vida pasar sin que nada cambie. Mención especial a su potente banda sonora.

Ihesa, de Alejandro Díaz Castaño

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Empieza como terror con invasión casera, pero no nos muestra hasta el final su verdadera naturaleza. Un trabajo que invita a cierta reflexión y con el que no cuesta demasiado empatizar. Que dura es la rutina.

Bright lights, de María Zabala

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Más que un cortometraje, un buen videoclip para el tema Molly & Pete de Belako. Funciona a nivel estético, pero su guión no está a la altura de las imágenes.

Precious Moments, de Asier Iza

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El cortometraje de la noche. Comienza con tono cómico en uno de esos picaderos de carretera secundaria, después se pasa al lado inquietante. El resultado final parece cómico, pero pasados unos minutos te das cuenta de que has visto algo terrorífico. Una original vuelta de tuerca al Christine de Stephen king.

Si la oscuridad nos lleva, de Mikel R. Alonso

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Estamos ante un microretrato de asesino comprimido en un ZIP. Su ambientación resulta inquietante. (Muy) Breve, pero intenso.

Villa Mnemósine, de Rubén Salazar

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El corto de más presupuesto de la lista (O eso creemos por su diseño de producción). Una interesante idea que llama a la reflexión. Tiene calidad, pero el FANT no era su lugar.

Ulises, de Aitor Gutiérrez

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Una de las sorpresas de la noche. Un hombre llega a un hotel para ser varios hombres. Un interesante juego de rol cómico para un solo jugador. Si habría un premio al Mejor Actor de este FANT en Corto sería sin duda para Kandido Uranga. Sencillamente lo borda. Además, el cortometraje sirve de homenaje a la profesión de actor

Extático, de Azahara Gómez

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Cortometraje en plano tarantiniano sobre dos guardias forestales y un cadáver. Una vez más, homo homini lupus est. La sorpresa no es tal, y la sangre final resulta demasiado artificial.

Jules D., de Norma Vila

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Empieza tan bien que acaba decepcionando al elegir la vía más ‘gótica’ del relato Un canto de amor a Drácula con un gran look y una dirección prometedora. Lástima que el ‘Qué’ no esté a la altura del ‘Cómo’.

 

It Stains the Sands Red: Choni v. Zombie

En apenas quince minutos It Stains the Sands Red consigue follarse de forma salvaje a las cinco películas de la saga Resident Evil. Molly, la gran protagonista de la función, carece del estilo y las artes marciales de Alice, pero va sobrada de algo más importante cuando hablamos de cine zombie, el instinto de supervivencia. ¿Qué un zombie quiere sangre y necesito despistarle? Pues nada, me saco un tampón del coño y ya tengo perrito. Y para satisfacción de los espectadores, no es su único truco.

¿De qué va? Una pareja huye por carretera de un apocalíptico Las Vegas. Tras una breve parada, el vehículo en el que viajan no consigue arrancar. Un zombie se acerca para aprovechar la ocasión.

It stains the sands red (Mancha las arenas rojas, o algo así) es una comedia, un western, una de terror y un drama familiar. Todo al módico precio de una entrada a 2,90€ para el turno de noche del FANT 23. Un buen aporte a un género zombie que, por suerte, siempre consigue encontrar la vuelta de tuerca adecuada.

Molly, interpretada magistralmente por Brittany Allen, está más cerca de Belén Esteban que de Milla Jovovich. Curioso que la última gran heroína del cine zombie lleve plataformas, pantalones de leopardo, un tampax y cocaína. Todo un kit de supervivencia. La actriz supera con nota el desafío de supervivencia zombie en el desierto. Habría que ver cuanto dura Jesús Calleja. Y no nos olvidamos de Juan Riedinger. El actor canadiense interpreta a ‘Polla pequeña’ (cariñosamente Smalls), y no es un indio compañero de ‘Pipa grande’, si no el zombie que persigue incansablemente a la protagonista. ¿La mejor interpretación de un no muerto en la historia del subgénero? Yo diría que sí (Si se os ocurre uno mejor dejar un comentario, please).

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A la película le da además tiempo para darle una buena patada en la boca al machismo, y por ende a los humanos menos evolucionados del género masculino. El filme acierta al comparar a los muertos vivientes con los típicos babosos de discoteca. Y recuerdo que solo hay una amenaza peor que los muertos: Los vivos.

El director Colin Minihan es parte junto a Stuart Ortiz de los autodenominados Vicious Brothers, responsables de Grave Encounters y su secuela. Habrá que seguir la pista a este joven canadiense nacido en 1986. Aún tiene mucho que aportar al cine de terror.

It stains the sands red tiene los elementos suficientes como para ganarse un hueco en la historia del género. Su estética (Heredera de Los renegados del diablo) y ese desierto de Las Vegas lo merecen, y hacen que perdonemos alguna escena de más en su parte final e incluso algún gazapo. Ya sabéis, lo que pasa en Las Vegas se queda en Las Vegas.

El ataúd de cristal: La limusina de Caronte

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Es un orgullo afirmar que la mejor película de lo que llevamos de FANT es bilbaina. No acudía con demasiadas expectativas al pase, quizá porque los cortos de Haritz Zubillaga, aunque correctos, no me habían maravillado. Pero El ataúd de cristal conquista por la vía rápida.

¿De qué va? Una ‘Meryl Streep‘ del cine se dirige en limusina a recoger un premio a toda su carrera. Lo que parecía una convención más en la vida de una estrella se convertirá en una auténtica pesadilla.

La actriz tinerfeña Paola Bontempi, que ya trabajó con Zubillaga en She’s lost control, sale airosa de un desafío complicado. Bontempi aparece en la práctica totalidad del metraje, y lo que soporta durante sus 75 minutos no es precisamente un camino de rosas. Estamos ante una exigente interpretación a todos los niveles. Esto no es Paseando a Miss Daisy.

Pero si Bontempi es importante en la película más lo es la limusina que la transporta, el bien llamado Ataúd de Cristal. Un espacio hipnótico que emparenta Cube con 2001: Una odisea en el espacio. De Cube tiene ese uso del color. Si en la película de Natali cambiaba el color en cada cubo aquí tenemos lo mismo, pero con control remoto De 2001 la película se lleva el ojo de Hal 9000, esta vez manejado por algo más peligroso que la inteligencia artifiial: El ser humano.

Tanto el trabajo de dirección artística como la fotografía son impresionantes. Nada hace indicar que estemos ante una cinta de bajo de presupuesto. Hasta la violencia es elegante en el interior del vehículo. Mención especial merece la excelente banda sonora de la película, compuesta por Aránzazu Calleja. Música siempre presente para indicarnos en todo momento que la amenaza es real. Encaja como anillo al dedo con las imágenes de la película.

Por si esto fuera poco, Zubillaga ha creado además un personaje icónico que nos ha conquistado desde la presentación: El misterioso chofer de la limusina. Nos hemos quedado con ganas de saber más de él. Da para un spin off, o al menos para un cameo en la próxima película.

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En definitiva, estamos ante un potente filme que aprovecha al máximo sus recursos y al que no se le ven las costuras. Esperamos que pueda tener el estreno digno en salas que realmente merece. Una gran opera prima.

“No he visto Saw” Haritz Zubillaga

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Tras la proyección, Haritz Zubillaga, el guionista Aitor Eneriz y Paola Bontempi respondieron a las preguntas de la audiencia. Uno de los espectadores hizo referencia al parecido entre El ataúd de cristal y el juego macabro de Saw, pero Zubillaga afirmó no haber visto la célebre película de James Wan. Eneriz habló de otros parecidos que le han sacado a la película, como el de un productor estadounidense que la relacionó acertadamente con el clásico ¿Qué fue de Baby Jane?. Asimismo desgranó como fue el rodaje de algunas escenas, como la espectacular secuencia final. El equipo estuvo ‘defendido’ en todo momento por el imponente chofer de la limusina.

Pieles: La malformación está en la mirada

El FANT 23 ha empezado fuerte. El Teatro Campos Eliseos ha sido un año más el escenario elegido para la ceremonia inaugural, y como en ediciones anteriores Lander Otaola y Maria Goiricelaya se han metido al público en el bolsillo con un humor espontáneo, valiente y muy oportuno. En esta ocasión han estado bien secundados por las ‘maníacas’ que se mezclaban entre el público para recordarnos que esto va de terror, aunque si hay que pasar de horror a La La Land se pasa. Cuánta razón Otaola al nombrar todos los festivales de cine bilbaínos para rematar diciendo “El FANT, al que va gente”, y es que en el Campos no cabía ni un alfiler.

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Este año la organización ha acertado de pleno con Pieles, la mayúscula bizarrada española que ha abierto el certamen. La opera prima de Eduardo Casanova es un auténtico salto al vacío artístico en el que el director consigue caer milagrosamente de pie. Pocos director pueden presumir de tanta libertad en su primer trabajo, aunque esto quizá hay que agradecérselo a Álex De la Iglesia, productor de la película.

Pieles pertenece al subgénero de historias cruzadas. La película presenta a varios personajes al límite unidos por un físico diferente, algo similar a lo que Tod Browning nos enseñó en La parada de los monstruos.

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Uno de los mayores logros de Casanova es la rapidez con la que el espectador se familiariza con ‘lo diferente’ tras la sensación de estupor inicial. Y es que cuesta en un primer momento cuesta hacerse a personajes como el que interpreta Ana Polvorosa, una joven con ano por boca. Si por algo merece todos los elogios esta cinta es por su extraordinaria labor de maquillaje, bien acompañada por una dirección artística cuidada al detalle en el que predominan los tonos rosas (Veáse en look del elenco en la foto de portada).

Las referencias de la película son claras. Las más evidentes un Almodovar desatado o un David Lynch menos oscuro de lo habitual. A Casanova bien podríamos emparentarle con Carlos Vermut, quizá porque ambos comparten sendos debuts suicidas y se decantan por las historias cruzadas. La sensación tras terminar Diamond Flash no era muy distinta de la que se queda al final de pieles.

Casanova también ha acertado con el reparto, del que hay que destacar su generosidad. Sorprende para bien el ‘Freddy Krueger’ que interpreta Jon Kortajarena, totalmente irreconocible hasta el final. Muy meritorio también el ya mencionado personaje de Ana Polvorosa. Lo más sencillo era caer en el más absoluto ridículo, pero lo excesivo del maquillaje contrasta con la serenidad de la actriz para afrontarlo. Itziar Castro es para mi uno de los descubrimientos de la cinta. Quizá el personaje de la casi siempre extraordinaria Candela Peña es el que mejor sintetiza el sentir del filme. Siente que no va con ella lo de ‘ser diferente’ y ve claramente que el problema lo tiene el espectador.

La peor noticia para Casanova es que estamos ante una de esas películas que despertará fobias directas por su contenido, incluso entre los que no lleguen a verla. La mejor, es que estamos ante una pieza de culto instantáneo.

*La película se estrena en cines el 9 de junio de 2017

PreFANT recopila lo mejor de la última cosecha de cine fantástico y de terror

Vuelve el PreFANT con un doble objetivo. Hacer que el ‘mono’ de FANT se relaja y calentar motores para los que nos espera. El PreFestival se desarrollará en los espacios habituales, Sala BBK y Bidebarrieta, a los que este año se suma el Museo Guggenheim.

Los días 24, 25 y 27 tendremos ración doble en la sala BBK con parte de lo mejor del cine de género de los últimos meses gracias al ciclo Sitges Tour AContracorriente y un pre-estreno:

La autopsia de Jane Doe (Lunes 24 abril, 18:00)

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Película de terror con aroma clásico dirigida por André Øvredal, responsable de Troll Hunter. Obtuvo la mención especial del jurado en el festival de Sitges.

Shin Godzilla (Lunes 24 de abril, 20:00)

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Tras la última adaptación USA del célebre nipón, la criatura vuelve al cine japonés, lugar del que nunca debió haber salido. Shin Godzilla mezcla Kaiju y cine político post-Fukushima.

Somnia. Dentro de tus sueños (Before I Wake) (Martes 25 de abril, 18:00)

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Cinta de terror psicológico sobre los sueños y los miedos infantiles. Dirige Mike Flanagan, responsable de   Hush (Silencio, Oculus: El espejo del mal y Ouija: El origen del mal).

Train to Busan (Martes 25 de abril, 20:00)

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La cinta coreana es la gran película de zombies de los últimos tiempos. La película logró dos premios en Sitges: Mejor director y mejores efectos especiales. Dirige Yeon Sang-ho, que ya compitío en FANT con las animadas The king of pigs y The fake.

Pre-estreno: Always Shine (Jueves 27 de abril. 18:00)

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Triller psicológico indie ambientado en el mundo de la interpretación que se hizo con el premio a la mejor actriz en el Festival Tribeca de Nueva York.

Melanie. The Girl with All The Gifts (Jueves 17 de abril, 20:00)

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Interesante película inglesa de zombies que mezcla a niños y muertos vivientes. Su desolador paisaje recuerda a 28 días después.

*Todas las proyecciones son de entrada libre hasta completar aforo.

Conferencia sobre Robocop (26 de abril, 19:30h)

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La charla de este año en Bidebarrieta estará dedicada a Robocop con motivo del estreno del 30 aniversario de la primera película de la saga, y estará impartida por el cineasta bilbaino Toni García Abad. Si queréis ir estudiados de casa podéis leer el artículo que dedicamos en La Vaca de Twister a la relación entre Robocop y La Biblia, entre otras anécdotas.

Clausura del PreFant en el Guggenheim: Girl Asleep + Carlos Bayona DJ (Viernes 28 de abril)

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La distribuidora La Aventura proyectará en el Museo Guggenheim Girl Asleep (20:00) coincidiendo con su estreno en salas de Madrid y Barcelona. Se trata de una cinta australiana Low cost que mezcla el género fantástico con cine al estilo Wes Anderson.

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Tras la proyección, Carlos Bayona, hermano del director de Un monstruo viene a verme, ofrecerá una sesión especial para FANT desde la cabina de DJ, dentro del Ciclo Art After Dark del Museo Guggenheim

Muestra “The Vault of Rob Zombie. A Cómic Tribute”

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Y nos llegan noticia del FANT, que se celebrará del 5 al 12 de mayo. Azkuna Zentroa acogerá la exposición “The Vault of Rob Zombie. A Cómic Tribute”, una recopilación de carteles de 16 ilustradores que se han apoyado en la imaginación del director de Los Renegados del diablo para llevar a cabo sus obras. La muestra está coordinada por Borja Crespo.

Southbound: Comarcal al infierno

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El FANT 22 nos acercó Southbound, una de las mejores antologías de terror de los últimos años. Heredera oscura de Cuentos asombrosos, Historias desde la cripta y Más allá del límite, la película traslada el horror a una carretera secundaria del Sur de los Estados Unidos.

Southbound, dirigida por buena parte de los implicados en la saga antológica V/H/S, destaca sobre todo por su ambientación. La película consigue asfaltar una auténtica carretera al infierno. La cinco historias de la película están hiladas hábilmente, lo que permite que el espectador no se planteé abandonar el vehículo hasta el final de trayecto. La dirección artística y la Carpenteriana banda sonora son piezas fundamentales para adentrarnos en el universo de la cinta.

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Durante el visionado me han venido a la cabeza títulos como En la boca del miedo, esa maravillosa e infravalorada joya que nos trajo John Carpenter, y Giro al infierno, la infravalorada película de Oliver Stone. Otra referencia cercana es el episodio de carretera de Leonardo Sbaraglia en la reciente Relatos Salvajes, que no desentonaría en Southbound. Tampoco faltan los guiños para los fans del género, que homenajean a películas como El resplandor, La matanza de Texas o Temblores.

Estamos ante una película altamente recomendable, sobre todo si eres fan del terror. Los directores Roxanne Benjamin, David Bruckner, Patrick Horvath y Radio Silence demuestran un gran conocimiento del género, y del medio. Merece la pena circular sin GPS por esta carretera. Ahora solo falta que Southbound encuentre una explotación comercial adecuada.

Bonus track: Este tema de Los Piratas encajaría perfectamente en la BSO. Comarcal al infierno:

High-Rise: Salto al vacio creativo

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High-Rise llegó al FANT el domingo noche como una de las películas con más ‘caché’ de la Sección Oficial. Había expectativas con esta adaptación de la novela ‘Rascacielos’ de J.G. Ballard, y se superaron con creces. Da gusto ser testigo de un ejercicio de cine tan libre.

Estamos ante un título de culto instantáneo, que seguramente enamorará a unos y será odiada por otros. Los haters podrán quejarse de su libre albedrío, pero jamás de su realización. High-rise está maravillosamente rodada y montada. La banda sonora de Clint Mansell, es, como casi siempre, de muchos kilates, y la versión del SOS de ABBA que hace Portishead ya justifica con creces el precio de una entrada. Además la canción no está incluida en la BSO, por lo que el filme es de momento la única manera de disfrutarla.

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En el reparto dos actores brillan sobre todas las cosas. Tom Hiddleston aporta clase interpretando a un hombre gris que nos quita a Loki de la cabeza. Pero el jefe de la función es sin duda Luke Evans, el líder de los pisos bajos, el Che Guevara desfasado. Un vendaval en cada escena. Mención especial también a la femme fatale que interpreta a la perfección Sienna Miller.

La película  podría dar para cientos de horas de tertulia. Funcionaría muy bien en pack con la fantástica Snowpiercer (Rompenieves), el título que reducía el universo a un tren de alta velocidad, con los más desfavorecidos en los últimos vagones. Algo muy similar a lo que vemos en High-Rise, solo que en la primera el espectador tiene más sencillo hacer pie. Las ideas se suceden, y todas muy interesantes, como la de darle a las clases altas de su “propia medicina”, atacar mediante fiestones épicos. La película no deja títere con cabeza, y nadie sale ileso en la atroz lucha de clases en la que ningún bando queda libre de pecado. La decadencia se apodera de la función, consecuencia del egoísmo de una sociedad que valora más el estar que el ser.

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El rascacielos de la película es primo del edificio de Mega City uno que vimos en Dredd con cierto toque Blade Runner. Sin duda, High Rise es uno de los acontecimientos cinéfilos de la temporada. Muy recomendable disfrutarla en cine. Ojo a su director Ben Weathley (Turistas, The kill list), que por momentos juega a ser Kubrick y no le sale nada mal. Ya estamos con ganas de ver Free Fire, su próximo proyecto. De momento nos pondremos con sus anteriores trabajos.

 

Scare Campaign: El nuevo entretenimiento

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La Sección Oficial del FANT 22 ha presentado en Europa a Scare Campaign (me viene Donald Trump a la cabeza), título que aún no había sido proyectado fuera de su Australia natal. Una película breve, de tan solo 76 minutos, que consigue su finalidad de entretener.

La premisa es muy interesante. Un programa de TV centrado en las bromas macabras ve amenazada su hegemonía por otro similar que triunfa en la Deep Web, y que deja sus jodas a nivel Disney. La cadena obliga a los realizadores a dar una vuelta de tuerca.

Estamos ante un título sin pretensiones ni complejos que muestra sus cartas sin pudor. Es quizá ese su gran problema, que el espectador va por delante de la película en todo momento. Por suerte, compensa esa previsibilidad con una buena dosis de creatividad en el arte de la violencia. Mención especial al siniestro look de los Slipknot australianos y su buena mano para rodar tomas con una chainsaw cam.

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Entre cuchillos y motosierras Scare Campaign aprovecha para hablarnos de “el nuevo entretenimiento”, el que convierte nuestra vida en potencial espectáculo. Por un lado critica el mundo de las “realities”, en una época en la que cada vez estamos más cerca del todo vale por un puñado de share. Solo hay que ver su evolución. En el primer Gran hermano la novedad era ver la vida en directo. Era curioso ver a los participantes hacer cosas tan rutinarias como cepillarse los dientes. Tras 15 ediciones la humillación y el conflicto son indispensables, y cada poco tiempo aparece una nueva variación que va más allá. La película advierte de esos peligros. Si hoy Amenabar realizara Tesis estoy seguro de que las Snuff Movies de garaje en VHS serían sustituidos por Snuff Movies 2.0, seguramente colgadas en ese otra internet que no conoce Google.

En definitiva, un título fugaz que avanza veloz que probablemente nunca llegará a nuestras salas, pero que podría hacer sin duda una buena carrera en Video on demand.

Director en sala

Su director, Cameron Cairnes, estuvo presente durante la proyección, tras la que atendió las preguntas de los asistentes. Así nos enteramos de algunas curiosas anécdotas, como el lugar de rodaje. Un fantasmal hospital abandonado en el que se hacen tours para ver fantasmas. El equipo de la película aprovechó la ocasión para dar más de un susto a los turistas del terror.

 

 

 

 

 

The Boy: El primo pijo de Chucky

 

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El FANT estrenó ayer The Boy, una película del subgénero “muñecos que dan mal rollito”. Mis pretensiones eran bastante bajas, pero la verdad es que disfruté del visionado de principio a fin.

The boy cuenta la historia de una chica estadounidense que tras una mala experiencia en su país natal decide irse a trabajar a Inglaterra. El curro es en apariencia sencillo, cuidar a Brahms, el joven hijo de una adinerada pareja de ancianos. La sorpresa viene cuando la protagonista descubre que ese hijo tan querido es un jodido muñeco de porcelana.

El director William Brent Bell ha conseguido un producto de calidad. A la película le beneficia la decisión de apostar por el misterio en lugar del susto al uso. En todo momento acompañamos en sus dudas a la protagonista. ¿Está vivo Brahms? ¿Se me está yendo la olla? Ese juego funciona hasta al final. La realización además es bastante superior a la de los títulos de terror que desembarcan en la cartelera. Ayuda la poderosa mansión en la que transcurre toda la trama.

THE BOY
THE BOY

La actriz protagonista es Lauren Cohan, Maggie en The Walking dead. Su interpretación consigue hacernos cómplices de su drama, y responde muy bien al reto de aguantar muchísimos minutos en pantalla dándole la réplica a un muñeco. Una actuación para nota, y más en un subgénero donde las interpretaciones apenas se valoran. No es fácil ser una Scream Queen convincente.

Tras la proyección William Brent Bell atendió amablemente a las preguntas del público. En la conversación vimos a un director apasionado del género, que apuntó influencias de clásicos como Halloween o La profecía en la película. A partir del próximo 20 de mayo The Boy podrá verse en plataformas digitales en España. Una pena que no tenga antes un estreno en cine, porque funciona en pantalla grande y desde luego no tiene nada que envidiar a los horrores que llegan a las salas.

Lo mejor: El tandem Brams-Lauren Cohan

Lo peor: Le falta un poco de “rock” en algunos tramos

 

The Hollow point: ‘Pistoletazo’ de salida para el FANT 22

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El 22º FANT comenzó con la proyección de The Hollow Point, que a pesar de ser la segunda vez que se proyectaba en un Festival tuvo sabor a estreno mundial.”La pusimos en México, pero sólo había cuatro personas en el pase” declaró su director Gonzalo López-Gallego.

Antes de la película María Goirizelaya y Lander Otaola volvieron a meterse al público en el bolsillo en la inauguración, magníficamente secundados por un pollo que tocó el piano y el Txistu. Aventuramos un gran futuro a este trío cómico que visto el éxito quizá tendría que pensar ya en un proyecto conjunto. Destacar la habilidad de Otaola para hacernos reír con naturalidad, sin necesidad de hacerse el gracioso, losa para otros cómicos. Como me contaba una actriz hace poco, “El humor es algo muy serio”. Nos encantaría verle presentando unos Goya. Tiene nivel.

The Hollow Point es un thriller fronterizo con aire de western. Dejando a un lado la temática de los espaldas mojadas, estamos ante una película que habla de “pólvora mojada”, el tráfico de balas entre Estados Unidos y México ante la escasez de material en el país de Frida Kahlo, una problemática tan desconocida como vigente.

Un año más el festival ha acertado con la elección para esta sesión inaugural. The Hollow Point comienza con mucha fuerza -La apertura fue aplaudida por el público con intensidad-, y aunque no la mantiene durante todo el metraje contiene momentos lo suficientemente potentes para que nunca termine de decaer. El uso de la violencia es todo un acierto. A los protagonistas no les cuesta apretar el gatillo, lo cual se agradece, en oposición a esos títulos en los que se marea la perdiz hasta que vomita antes de pegar un tiro.

Por momentos recuerda a Una historia de violencia de David Cronenberg. En ambas el mal se presenta en un pequeño pueblo de la América más rural. Pueblos en los que no se presentan las fuerzas especiales para solucionar conflictos con un bocadillo de balas. La lista del antagonista recuerda a la del primer Terminator en busca de Sarah Connor, con similar método de ejecución, a lo juez Dredd. Inevitable la comparación con otros títulos de la misma liga como No es país para viejos. Hay cierto aire Coen, sobre todo en su hábil sentido del humor, tirando a negro.

El casting está sensacional. Sobre todo acertada la elección de Ian McShane, que se eleva sobre todo el elenco con una fuerza descomunal. La película también recupera a James Belushi, un actor que se prodiga poco y al que pronto veremos en la anunciada nueva temporada de Twin Peaks. Patrick Wilson realiza también un trabajo eficaz.

Más mérito aún para la película sabiendo que su presupuesto ha rondado los 3 millones de dólares. Una cinta Low-Cost que no tiene nada que envidiar a producciones mucho más costosas.

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Tras la proyección, Gonzalo López-Gallego se puso a disposición del público, y nos contó algunas curiosidades del rodaje, que tuvo lugar en Utah, y de la forma de trabajar con las agencias en Estados Unidos. También nos habló de proyectos anteriores, como Apolo 18, en la que trabajó con los Weinstein, o Open Grave, en la que torció el morro tras ser preguntado, pero como al espectador que hizo la pregunta, a nosotros también nos gustó muchísimo. El director destacó el gran talento y futuro del guionista Nils Lyew, del que nos contó que hasta hace poco trabajaba en un Starbucks.

Sin duda una buena apertura el FANT. Así da gusto.