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Scare Campaign: El nuevo entretenimiento

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La Sección Oficial del FANT 22 ha presentado en Europa a Scare Campaign (me viene Donald Trump a la cabeza), título que aún no había sido proyectado fuera de su Australia natal. Una película breve, de tan solo 76 minutos, que consigue su finalidad de entretener.

La premisa es muy interesante. Un programa de TV centrado en las bromas macabras ve amenazada su hegemonía por otro similar que triunfa en la Deep Web, y que deja sus jodas a nivel Disney. La cadena obliga a los realizadores a dar una vuelta de tuerca.

Estamos ante un título sin pretensiones ni complejos que muestra sus cartas sin pudor. Es quizá ese su gran problema, que el espectador va por delante de la película en todo momento. Por suerte, compensa esa previsibilidad con una buena dosis de creatividad en el arte de la violencia. Mención especial al siniestro look de los Slipknot australianos y su buena mano para rodar tomas con una chainsaw cam.

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Entre cuchillos y motosierras Scare Campaign aprovecha para hablarnos de “el nuevo entretenimiento”, el que convierte nuestra vida en potencial espectáculo. Por un lado critica el mundo de las “realities”, en una época en la que cada vez estamos más cerca del todo vale por un puñado de share. Solo hay que ver su evolución. En el primer Gran hermano la novedad era ver la vida en directo. Era curioso ver a los participantes hacer cosas tan rutinarias como cepillarse los dientes. Tras 15 ediciones la humillación y el conflicto son indispensables, y cada poco tiempo aparece una nueva variación que va más allá. La película advierte de esos peligros. Si hoy Amenabar realizara Tesis estoy seguro de que las Snuff Movies de garaje en VHS serían sustituidos por Snuff Movies 2.0, seguramente colgadas en ese otra internet que no conoce Google.

En definitiva, un título fugaz que avanza veloz que probablemente nunca llegará a nuestras salas, pero que podría hacer sin duda una buena carrera en Video on demand.

Director en sala

Su director, Cameron Cairnes, estuvo presente durante la proyección, tras la que atendió las preguntas de los asistentes. Así nos enteramos de algunas curiosas anécdotas, como el lugar de rodaje. Un fantasmal hospital abandonado en el que se hacen tours para ver fantasmas. El equipo de la película aprovechó la ocasión para dar más de un susto a los turistas del terror.

 

 

 

 

 

The Boy: El primo pijo de Chucky

 

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El FANT estrenó ayer The Boy, una película del subgénero “muñecos que dan mal rollito”. Mis pretensiones eran bastante bajas, pero la verdad es que disfruté del visionado de principio a fin.

The boy cuenta la historia de una chica estadounidense que tras una mala experiencia en su país natal decide irse a trabajar a Inglaterra. El curro es en apariencia sencillo, cuidar a Brahms, el joven hijo de una adinerada pareja de ancianos. La sorpresa viene cuando la protagonista descubre que ese hijo tan querido es un jodido muñeco de porcelana.

El director William Brent Bell ha conseguido un producto de calidad. A la película le beneficia la decisión de apostar por el misterio en lugar del susto al uso. En todo momento acompañamos en sus dudas a la protagonista. ¿Está vivo Brahms? ¿Se me está yendo la olla? Ese juego funciona hasta al final. La realización además es bastante superior a la de los títulos de terror que desembarcan en la cartelera. Ayuda la poderosa mansión en la que transcurre toda la trama.

THE BOY
THE BOY

La actriz protagonista es Lauren Cohan, Maggie en The Walking dead. Su interpretación consigue hacernos cómplices de su drama, y responde muy bien al reto de aguantar muchísimos minutos en pantalla dándole la réplica a un muñeco. Una actuación para nota, y más en un subgénero donde las interpretaciones apenas se valoran. No es fácil ser una Scream Queen convincente.

Tras la proyección William Brent Bell atendió amablemente a las preguntas del público. En la conversación vimos a un director apasionado del género, que apuntó influencias de clásicos como Halloween o La profecía en la película. A partir del próximo 20 de mayo The Boy podrá verse en plataformas digitales en España. Una pena que no tenga antes un estreno en cine, porque funciona en pantalla grande y desde luego no tiene nada que envidiar a los horrores que llegan a las salas.

Lo mejor: El tandem Brams-Lauren Cohan

Lo peor: Le falta un poco de “rock” en algunos tramos

 

The Hollow point: ‘Pistoletazo’ de salida para el FANT 22

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El 22º FANT comenzó con la proyección de The Hollow Point, que a pesar de ser la segunda vez que se proyectaba en un Festival tuvo sabor a estreno mundial.”La pusimos en México, pero sólo había cuatro personas en el pase” declaró su director Gonzalo López-Gallego.

Antes de la película María Goirizelaya y Lander Otaola volvieron a meterse al público en el bolsillo en la inauguración, magníficamente secundados por un pollo que tocó el piano y el Txistu. Aventuramos un gran futuro a este trío cómico que visto el éxito quizá tendría que pensar ya en un proyecto conjunto. Destacar la habilidad de Otaola para hacernos reír con naturalidad, sin necesidad de hacerse el gracioso, losa para otros cómicos. Como me contaba una actriz hace poco, “El humor es algo muy serio”. Nos encantaría verle presentando unos Goya. Tiene nivel.

The Hollow Point es un thriller fronterizo con aire de western. Dejando a un lado la temática de los espaldas mojadas, estamos ante una película que habla de “pólvora mojada”, el tráfico de balas entre Estados Unidos y México ante la escasez de material en el país de Frida Kahlo, una problemática tan desconocida como vigente.

Un año más el festival ha acertado con la elección para esta sesión inaugural. The Hollow Point comienza con mucha fuerza -La apertura fue aplaudida por el público con intensidad-, y aunque no la mantiene durante todo el metraje contiene momentos lo suficientemente potentes para que nunca termine de decaer. El uso de la violencia es todo un acierto. A los protagonistas no les cuesta apretar el gatillo, lo cual se agradece, en oposición a esos títulos en los que se marea la perdiz hasta que vomita antes de pegar un tiro.

Por momentos recuerda a Una historia de violencia de David Cronenberg. En ambas el mal se presenta en un pequeño pueblo de la América más rural. Pueblos en los que no se presentan las fuerzas especiales para solucionar conflictos con un bocadillo de balas. La lista del antagonista recuerda a la del primer Terminator en busca de Sarah Connor, con similar método de ejecución, a lo juez Dredd. Inevitable la comparación con otros títulos de la misma liga como No es país para viejos. Hay cierto aire Coen, sobre todo en su hábil sentido del humor, tirando a negro.

El casting está sensacional. Sobre todo acertada la elección de Ian McShane, que se eleva sobre todo el elenco con una fuerza descomunal. La película también recupera a James Belushi, un actor que se prodiga poco y al que pronto veremos en la anunciada nueva temporada de Twin Peaks. Patrick Wilson realiza también un trabajo eficaz.

Más mérito aún para la película sabiendo que su presupuesto ha rondado los 3 millones de dólares. Una cinta Low-Cost que no tiene nada que envidiar a producciones mucho más costosas.

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Tras la proyección, Gonzalo López-Gallego se puso a disposición del público, y nos contó algunas curiosidades del rodaje, que tuvo lugar en Utah, y de la forma de trabajar con las agencias en Estados Unidos. También nos habló de proyectos anteriores, como Apolo 18, en la que trabajó con los Weinstein, o Open Grave, en la que torció el morro tras ser preguntado, pero como al espectador que hizo la pregunta, a nosotros también nos gustó muchísimo. El director destacó el gran talento y futuro del guionista Nils Lyew, del que nos contó que hasta hace poco trabajaba en un Starbucks.

Sin duda una buena apertura el FANT. Así da gusto.

 

10 sesiones del FANT 22 que no te puedes perder

El viernes 6 de mayo volverá la cita preferida de los amantes del cine de género de Bilbao y alrededores: El FANT, Festival de Cine Fantástico y de Terror de Bilbao. El programa, un año más, se presenta sensacional, y con propuestas para todos los paladares cinéfilos. Hemos recopilado las sesiones que, a priori, parecen más interesantes.

1. The Hollow Point

Viernes 6, 20:00. Teatro Campos

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The hollow point tiene al director Gonzalo López Gallego como principal reclamo. Su anterior película, Open Grave, ya obtuvo el premio al mejor guión en FANT 2014. En esta ocasión presentará un thriller fronterizo que, a priori, no parece muy FANT, pero que puede conquistar a varios públicos.

2. Midnight Horror (Nina Forever + The howl + Night fare + Deathgasm)

Viernes 6, 2:00. Teatro Campos

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A las 2:00 comenzará la primera ‘guapasa’ en sala de la historia del festival. Para la ocasión cuatro propuestas gore y ligeras para amenizar la noche, y que han sido bien recibidas en otros festivales: Nina forever, The Howl, Night fare y Deathgasm.

3. The Boy

Sábado 7, 22:15. Sala 1 Golem Alhóndiga

Una familia conserva como hijo a un muñeco. Este boy puede hacer temblar a la muñeca Annabelle. Atentos al malrollista trailer. ¿No dan ganas de acariciarlo?

4. Scare Campaign

Domingo 8, 20:00, Sala 1 Golem Alhóndiga

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De esta cinta australiana nos ha conquistado la sinopsis, que mezcla terror con un programa de bromas pesadas de televisión.Así nos la cuenta la página del FANT: “El programa de televisión sobre bromas Scare Campaign ha entretenido al público durante los últimos 5 años con su mezcla de cámara oculta y sustos de la vieja escuela. Pero a medida que entramos en una nueva era de la televisión online, los productores se enfrentan a una nueva y cruda web-serie que hace que su programa parezca anticuado. Es hora de subir la apuesta, pero ¿irá el equipo demasiado lejos esta vez, y estará a punto de gastar una broma a la persona equivocada?”. Esperemos que esté a la altura de la premisa.

5. High rise

Domingo 8, 22:15. Sala 1 Golem Alhóndiga

Una propuesta de ciencia ficción con personalidad y buenas referencias poblada de caras conocidas como Tom Hiddleston (Quizá Loki os diga más), Sienna Miller, Jeremy Irons y Luke Evans.

6. The green inferno

Martes 10, 19:45. Sala 2 Golem Alhóndiga (Sesión gratuita)

La película de Eli Roth, director de Hostel, resucita el subgénero de caníbales con Holocausto canibal como referencia principal. Un festín gore en plena selva tropical avalada por la marca Roth.

7. Green Room

Miércoles 11, 22:15. Sala 1 Golem Alhóndiga

Sin salirnos del verde esperamos con ganas The Green Room. El director de Blue Ruin, ganadora en Sitges 2014, vuelve mezclando metal, serie B y gore con el actor Patrick Stewart como invitado especial. Toda una garantía. Estais invitados a la fiesta del machete.

8. Rendezvous

Miércoles 11, 20:00. Sala 1 Golem Alhóndiga

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Propuesta de un género en el que se prodiga poco el cine español: La ciencia ficción. Dos reclamos importantes: Directores bilbaínos y la última ganadora del Goya a la Mejor Actriz: Natalia de Molina.

9. Summer camp

Jueves 12, 20:00. Sala 1 Golem Alhóndiga

Tampoco llegan muchas películas españolas de terror a los cines, así que sentimos curiosidad ante Summer Camp, cuyo título apesta a Slasher. La trama un poco lo de siempre… Jóvenes norteamericanos que van a pasar el verano a España y acaban en el típico caserón. Difícil resistirnos.

10. Baskin (Sesión de Clausura)

Viernes 13, 20:00. Sala BBK

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Nada mejor que terminar el festival con un festín gore en la clausura. Su director Can Evrenol, recibirá en la sesión el premio FANTrobia. Esperamos una película ‘Heavy metal’ con litros de sangre derramada.

Seguro que nos hemos dejado muchas cosas interesantes. Puede que la sorpresa del festival no esté en este artículo, así que os dejamos bucear en la programación del FANT por vosotros mismos. ¡A disfrutar!

Bloodsucking Bastards: Vampiros contra la baja productividad laboral

El PreFANT 2016 se cerró con la proyección de la norteamericana Bloodsucking Bastards, título que prometía entretenimiento y sangre a partes iguales. Las expectativas no eran muy altas, y aún así decepcionó. Y eso que los primeros minutos nos pusieron los dientes largos (nunca mejor dicho) pensando en la que se podía liar en la decadente oficina que muestra el filme, pero el gore tarda demasiado en llegar. Exactamente una hora, y eso es demasiado para un título que no alcanza hora y media.  El resto son chistes y gags que no funcionan. Bloodsucking Bastards se empeña demasiado en ser graciosa en cada momento, y la verdad es que apenas lo consigue.

Por momentos el filme parece estar realizado sin pasión, sobre todo en su nudo. En ocasiones más que una película parece el episodio piloto de una sitcom vampírica que nunca encontró financiación. No ayuda la pobre realización, con tintes amateurs, ni el poco inspirado montaje, que suele ser clave en este tipo de cine.

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Los actores se ganan la absolución, porque poco o nada se puede hacer con los personajes que les toca defender. En el casting destacamos el encanto de Emma Fitzpatrick. Se puede decir que hacen lo que pueden. Ni siquiera funciona el mensaje, que mostrando el día a día de una triste oficina y jugando con el tema vampírico podía haber dado mucho juego. En definitiva, estamos ante una película que más parece un video hecho en una tarde por cuatro amigos. Gore simplón, una lástima.

 

The Salvation: Falsas promesas del oeste

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El Pre-Fant abrió su sección Sitges Tour A contracorriente con la proyección de The Salvation, un western made in Dinamarca rodado en Sudáfrica. A pesar de esta singularidad, el director Kristian Levring ha hecho un western revival correctísimo con elementos comunes de directores grandes del género, como Eastwood y Leone.

La película cuenta la historia de un inmigrante europeo que tras abrirse paso en Estados Unidos decide traerse al país a la mujer y al hijo que dejó en la otra orilla. Lo que parecía la consecución del sueño americano pronto se tornará en tragedia.

The Salvation arranca con crudeza, de manera despiadada. El impactante pasaje de la diligencia que abre la trama es a mi juicio el mejor de la película. La primera mitad de la cinta supera ampliamente al desenlace. El último tramo, aunque correcto, se agarra demasiado al homenaje. Un poco más de riesgo en esos minutos podría haber hecho crecer a un filme que pisa demasiado sobre seguro.

En el casting destaca el siempre acertado Mads Mikkelsen, que carga sin problema con el peso de la película. El actor danés demuestra una vez más que está hecho de otra pasta. El antagonista, interpretado por Jeffrey Dean Morgan también realiza un trabajo de nivel. El problema de algunos intérpretes, como el del Eric Cantona o Eva Green, es el de defender a personajes sin fundamento, de esos que han llegado a la película con pegamento de barra. Presencia y poco más. El ex futbolista apenas aporta dos frases al relato. Imposible no recordar el spot de western que hizo para Pepsi cuando aún estaba en activo.  En el caso de Eva Green encontramos un personaje icónico a base de cicatrices que a pesar de su protagonismo progresivo queda totalmente desaprovechado. Al menos la actriz aporta su ración de morbo habitual.

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La película habla de corrupción, de caciquismo y del uso del miedo como manera de gobierno, problemas globales que parecen estar aún lejos de la extinción. Levring no deja pasar la oportunidad de darle el enésimo tartazo en la cara al sueño americano. Es todo ese mensaje lo más europeo de un filme que mantiene la esencia de uno de los grandes géneros del cine estadounidense.

Círculo: Cube solo hay una

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Explorando en el catálogo de Netflix he encontrado Círculo, película con una sinopsis que hace que pique la curiosidad. “Varias personas que no se conocen son detenidas para ser ejecutadas. Les espera una complicada tarea: elegir quién del grupo merece librarse de la muerte”. Si además del planteamiento macabro añadimos una figura geométrica, la comparación con Cube, la obra maestra de Vincenzo Natali, es inevitable.

Círculo elige también un escenario limitado. En esta ocasión es una especie de plató de televisión en formato circular sustituyendo al Sobera de turno por un extraño núcleo circular. A su alrededor 50 personas que no saben que hacen ahí, pero que deberán intentar descubrir de que va el rollo antes de que vayan cayendo uno por uno. Y esto es todo lo que tienes que saber sobre el argumento.

Ahora vamos con lo bueno. Círculo es una película jodidamente entretenida que se puede ver dejando el cerebro en modo ahorro. Aunque inquieta no estamos ante una comedura de tarro extrema ni ante una compleja trama. La película arranca ágilmente sin necesidad de la habitual chapa introductoria, y avanza veloz hacia el desenlace. El escenario, en rojo y negro, tiene mucho encanto. Un macabro tablero de Twister.

¿Lo malo? Que Cube ya está inventada, y que por su calidad podría jugar en la liga de sus secuelas. Aunque se atreve con temas puntillosos de debate (religión, racismo, familia…) se queda siempre en la superficie. Aún así cualquier fallo del filme es perdonable a excepción de su final, y no me refiero a la parte argumental, si no a su ejecución. Entiendo que estamos ante una película Low Cost, ¿pero no había alguna manera de que no cantara tanto? En Google Play hay apps que añaden mejores FX a tus videos de los que se ven en la película. Definiría ese tiempo de descuento como “dejadez”, y esa falta de ambición final es la que lleva a la película al suspenso. Aún así estamos ante un digno título del género lúdico-mortal que hará el domingo más entretenido.

 

 

 

 

Beasts of no nation: El Kurtz africano

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Netflix nos ha dado la oportunidad de rescatar Beasts of no nation, una película que la plataforma ha incluido directamente en su catálogo online español obviando su paso por cines. Ya en Estados Unidos la película vivió un estreno simultáneo en cines y online, lo que a mi juicio es una práctica que perjudica sobre todo a los cines, y me hace pensar que el filme merecía un estreno de mayor entidad. Antes de eso la película había cosechado buenas críticas en la sección oficial del Festival de Venecia.

Beast of no nation es uno de los grandes títulos de 2015, una película que une a dos nombres emergentes del cine actual: Cary Joji Fukunaga, director de la primera temporada de True detective, e Idris Elba, el actor que saltó a la fama interpretando a Stringer Bell en la imprescindible The Wire.

La mejor forma de definir la película sería decir que estamos ante una mezcla entre Ciudad de Dios y Apocalipse Now que cambia Sudamérica y Asia por un lugar indeterminado del África subsahariana. Hay niños obligados a ser salvajes y un general que ha creado en la selva su propio imperio. Aunque queda un escalón por debajo de los dos clásicos, Beasts of no nation obtiene un resultado muy meritorio.

El visionado del filme no es fácil para el espectador, puesto que por momentos el título te hace sentir un machetazo en la cara. Al igual que Ciudad de Dios contiene escenas duras, que con niños de por medio pueden ser dolorosas. Quizá es porque sabemos que el problema de los niños soldado es una atroz realidad en zonas de conflicto. Pasado ese primer contacto con el horror la película es más fácil de digerir.

La interpretación de Idris Elba interpretando a la versión africana del Coronel Kurtz es de esas que no hay que perderse. Se hace incomprensible la no nominación al Oscar de Elba como mejor actor de reparto. Su personaje merece un hueco en la historia del cine. Uno de los monstruos mejor conseguidos de los últimos años.  Abraham Attah, el niño protagonista, también consigue una interpretación de mucho nivel. Sin Oscars de consolación no habría sido raro ver a dos niños nominados en la última ceremonia, Jacob Tremblay (La habitación) y el propio Attah.

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Fukunaga, director de largos como Jane Eyre o Sin nombre consigue su mejor película, demostrando que es un consumado creador de ambientes hostiles, como ya dejó claro en la ya mencionada True detective. Intuyo que a pesar de que la película es a día de hoy casi una completa desconocida, el tiempo jugará a su favor. American History X o Ciudad de Dios también pasaron desapercibidas en su estreno, pero hoy son clásicos básicos. ¿Ocurrirá algo similar con Beasts of no nation? Desde luego hay potencial para que así sea.

Batman v Superman: El amanecer de la justicia. Las heridas del 11S alienígena

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Tras El hombre de acero no sabía que esperar de Batman v Superman, pero llegó el 23 de marzo de 2016, la hora de despejar las dudas. La nueva película de Zach Snyder supone un paso adelante para la franquicia, a pesar de ser un filme irregular a todas luces. El director repite con sus aciertos y errores habituales. Quizá el mayor de ellos sea ese intento de ser Nolan, cuando es un terreno que le cuesta. Por momentos funciona la representación casi teatral del conflicto, al igual que El caballero oscuro, este crossover mira por momentos a Eurípides, Sófocles y Esquilo, los grandes de la tragedia griega. Hay frases grandilocuentes, y un reparto ajustado de los protagonismos. En esa primera mitad brilla la figura de Jesse Eisenberg, un Lex Luthor juvenil al que la única pega que podemos ponerle es la existencia del Joker de Heath Ledger, su principal fuente de inspiración. Luthor es el auténtico titiritero de la película.

Quizá la peor parte viene cuando empieza el ruido, en el inevitable estallido del conflicto. En el último tercio podemos afirmar que Batman V Superman es la mejor adaptación hasta la fecha… ¡De Dragon Ball! Esa acción excesiva, que recuerda tanto a Akira como a Transformers, rompe con la senda marcada en la primera hora. Al igual que en El hombre de acero o en la reciente La era de Ultrón, la acción es demasiado destructiva. La megadestrucción es tal, que nos preguntamos… Si Batman y Superman montan todo este cirio… ¿Qué pasará cuando tengamos a la Liga de la Justicia al completo? ¿Nos enteraremos de algo o todo se convertirá en un indigesto bocadillo de hostias? Por suerte, la aparición de Wonder Woman, al fin en la gran pantalla, arregla un poco el desaguisado.

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Dentro de todo ese océano de destrucción, hay algunas islas más. La banda sonora es todo un acierto. Juntar a Zimmer y Junkie XL le sienta como un guante al filme. La parte onírica, con Snyder en estado puro, es una gozada. Imposible no relacionarla con la batalla nazi de Sucker Punch. Snyder sigue siendo un genio en lo visual.

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A pesar de estar ante un producto, hay muchas más capas de las que parece. Por momentos, Batman v Superman es una película decididamente política. Desde el principio se intenta hacer un paralalelismo nada sutil entre Metrópolis y el Nueva York post 11-S. Se nos habla de héroes, y sobre todo de la necesidad de buscar un villano. Superman pasa de ser un bombero del 11-S al mismísimo Osama Bin Laden. Asimismo se habla de racismo. No es casual que Batman visite Ciudad Juarez en uno de los pasajes de la película. En tiempos en los que parece que Donald Trump está a un paso de la nominación republicana a la presidencia de Estados Unidos conviene repasar los peligros del odio al diferente, en este caso al alienígena, que a pesar de haber crecido en una granja de Kansas bien podría ser mexicano. Por no hablar de el juego de deidades y falsos profetas. BvS tiene mucha tela por cortar.

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Acertada la etiqueta de esa “v” en lugar de “vs” en el título, puesto que el filme funciona mejor como presentación de la liga de la justicia que como mero crossover. Por suerte, la película se guarda unas cuantas cartas en la manga, la mayoría en forma de guiños. Incluso a otras películas, como ese inicial a Excalibur, una película de pesadas armaduras, al igual que la que luce el nuevo batman. También encontramos otros a clásico imperecederos, como King Kong, aunque eso mejor lo vais descubriendo vosotros.

A la salida del cine la balanza cuenta más aspectos positivos que negativos, pero la participación de Snyder en la saga muestra evidentes signos de fatiga. Si el Escuadrón suicida de David Ayer logra un buen resultado quizá sea el momento de hacer un cambio de silla que aporte un cambio de estilo, manteniendo todo lo que funciona. Un nuevo paso en falso de DC podría herir de muerte al proyecto.

Lo mejor: La parte onírica de Batman 

Lo peor: La magnitud de la acción es desproporcionada.

El cuento de los cuentos: Lo bello y lo bestia

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El director Matteo Garrone (Gomorra, Reality) ha conseguido con El Cuento de los cuentos algo que no es fácil en 2016: Sorprender. Quizá porque su obra de origen, el Pentamerón de Giambattista Basile (1647) no ocupa el lugar que merece en la historia de la literatura universal. El escritor napolitano se anticipó a los relatos infantiles de Perrault y los hermanos Grimm con un compendio de historietas salvajes que convertían en cuento algunos de los deseos más oscuros del ser humano, o de las oscuras maneras de materializarlos. La película adapta tres de sus cincuenta historias.

Técnicamente El cuento de los cuentos es fascinante. Fotografía, banda sonora, efectos especiales… Todo funciona, aunque la gran protagonista es sin duda la dirección artística, una de las mejores de los últimos años. Todo es perfecto en ese sentido. Por momentos parece un paseo por la Galería de los Uffizi. A pesar de estar rodada en inglés y estar deslocalizada argumentalmente, la película se siente italiana en todo momento. Otro logro de la dirección de Garrone.

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El cuento de los cuentos es un filme de contrastes. Alterna pasajes de una belleza embriagadora con momentos que llaman a la nausea. La elegancia y la mugre se dan la mano. Por explicarlo de alguna manera, es como comer en un restaurante de estrella Michelín y que el postre sea una mousse de mierda.

Aunque no estamos ante una película de actores, el casting me ha parecido todo un acierto.  Salma Hayek está espléndida encarnando a una reina dispuesta a vender su alma al diablo por tener hijos. Igualmente brillante la selección de Vincent Cassell como Rey Tirano y pervertido.

Que nadie se confunda, El cuento de los cuentos nada tiene que ver con aproximaciones a los cuentos recientes como Into the woods o Cenicienta. Estamos ante relatos para adultos con varios “WTFs” visuales de mucho nivel. La película explora los límites del deseo humano, abre el mercado del alma y se desmarca del happy end Made in Disney. Habla de lo bello y lo bestia, al igual que The new Raemon en uno de sus temas.

Lo mejor: Su impresionante dirección artística.

Lo peor: 135 minutos son demasiados para estas tres historias. En 100 minutos se podía resolver sin problema.

Trailer en castellano: