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Cien años de Perdón: “Disculpen las molestias, pero esto es la Valencia del PP”

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El personaje del “Uruguayo”, interpretado magistralmente por Rodrigo De la Serna, entra en un banco valenciano ataviado con una máscara deportiva, al igual que sus compinches. Una vez allí explica con efusividad y educación a los clientes la nueva situación: “Señores y señoras, disculpen las molestias pero esto es un atraco”. Esa frase, aparentemente simple, refleja muy bien el proceder de los bancos en la España de los desahucios. En traje, con educación, y con la efusividad del vendedor de mercadillo vendieron preferentes durante las vacas gordas. Ese traje y esa educación que en ese pasado reciente era el uniforme de la “confianza” de las entidades bancarias. Con ese mismo look nos ofrecían hipotecas para el coche, para las vacaciones, o como dijo un obrero de la construcción en un Salvados “hasta para irte de putas”. Con ese mismo look convencieron a muchos para “meterse” en la casa que hoy les quitan. Y todo esto a cara descubierta, con el antifaz transparente de la impunidad. La diferencia es que a sus clientes nadie vino a inyectarles dinero cuando lo necesitaron.

Cien años de perdón es la Plan Oculto española. Cierto es que la dirección y la puesta en escena de Daniel Calparsoro está por debajo de la de Spike Lee. Quizá lo que le falta para llegar a ese nivel se ve compensado con la gran radiografía de la España de la corrupción. Proponemos venderla en pack con el otro gran título de robos durante la crisis española, la muy lúcida El mundo es nuestro.

Tampoco resulta casual que la trama se desarrolle en un banco de Valencia, lugar donde el Partido Popular podría considerarse (si no se considera ya) una auténtica organización criminal. Los intentos de los políticos que aparecen en la película para intentar ocultar la mierda se parecen demasiado a los que estos días ha llevado a cabo el PP para blindar a Rita Barberá.

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Además, la película es también el Show del argentino Rodrigo De la Serna, con un personaje para la historia del cine español. Todo carisma. Es como si el Tano Pasman se hubiera pasado a esto de los grandes “negocios”. Esto relega a un segundo plano a Luis Tosar, que aunque sigue teniendo presencia no está a la altura de sus mastodontes papeles habituales. Es un problema que se extiende a todo el ramillete de personajes secundarios, todos demasiado planos, aunque los buenos momentos cómicos del torpe asaltante que interpreta Joaquín Furriel, (una suerte de Jesús Castro) ayudan a que la película no se acabe tomando demasiado en serio a si misma, lo que juega en favor del relato.

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El guión no es perfecto, y quizá se echan en falta algunos de los trucos habituales del cine de robos. La película no va en ningún momento por delante del espectador, como si temiera meterse en más jardines de los que lo hace. Aún así Cien años de Perdón es un muy digno entretenimiento por encima del nivel medio de los títulos americanos que nos suelen llegar en este subgénero. Eso si, si buscas evasión no es tu película, todo lo que sucede en ella está pasando.

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La habitación: El terror y sus consecuencias

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Antes de nada he de aclarar que no he leído el libro en el que se basa La habitación, por lo que nos podemos ahorrar el pobre y cansino debate de “Es mejor el libro que la peli”, “Es mejor el árbol que el libro”, “El mejor la semilla que el árbol”… Las referencias que tengo con este filme es el haber vivido en la época en la que se conocieron dos espeluznantes episodios de secuestro: El protagonizado por Natascha Kampusch y el antagonizado por el Monstruo de Amstettem. Dos sórdidas historias parientes muy cercanas de lo que vemos en La habitación. Y creo que tras estas pinceladas no es necesario aportar más pistas sobre el argumento.

La película es fácilmente divisible es dos partes. La primera alterna momentos luminosos con auténtico terror, mientras que la segunda explora una vertiente de los personajes mucho más psicológica. Sin duda el mejor pasaje del filme se encuentra entre sus dos episodios, unos minutos que llevan al espectador al límite. A partir de ahí la película baja revoluciones, y aunque el interés desciende algún peldaño no termina de desaparecer.

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Brie Larson se ha alzado con merecimiento con el Oscar a la mejor actriz gracias a su papel de madre coraje, pero no es ella la cabeza de cartel interpretativa de la película. Jacob Tremblay realiza una de las mejores interpretaciones infantiles de toda la historia del cine. El joven de 9 años pasará a la historia como el actor que la Academia no se atrevió a nominar para no joderle la noche a Leonardo DiCaprio. De ser finalista tendría un Oscar entre sus juguetes.

La habitación es una buena película, con la única tara de que su nivel medio es bastante inferior al de sus momentos álgidos. Aún así es uno de los filmes subrayados en fosforito de la temporada. Lenny Abrahamson, director de la marciana Frank, demuestra que es capaz de aparcar la locura de su anterior filme para narrar sin estridencias, pero con gran solidez. Hay que verla sí  o sí.

Lo mejor: Su primera mitad

Lo peor: No lograr mantener la intensidad de su primera mitad.

 

 

 

 

 

 

¿Por qué Leonardo Dicaprio no debe ganar el Oscar?

Tras cuatro nominaciones fallidas, Leonardo DiCaprio, protagonista de Critters III) se convertirá este domingo al fin en un actor Oscarizado, lo cual, lejos de alcanzar la añorada gloria, le convertirá en un actor más.

Desde su tercera nominación sin premio, el actor se ha convertido en un auténtico fenómeno viral que colecciona Memes y Trending Topics en cada ocasión perdida. Cada Oscar perdido solo ha hecho más grande su leyenda. El domingo toda esa leyenda se desvanecerá, y el Oscar le equiparará a otras “figuras” como la también oscarizada Sandra Bullock.

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Lo bueno es que se acaba así la historia de una obsesión que el actor ha llevado en silencio. En los últimos 15 años DiCaprio solo ha interpretado dos personajes que estarían fuera de la consideración de la academia, el de Origen y el de Red de mentiras. El resto eran papeles minuciosamente seleccionados para alcanzar la preciada estatuilla. Y peor aún, en cada una de las 13 ocasiones ha estado bajo las órdenes de directores consagrados. Ni una sola oportunidad para los nuevos creadores, lo cual creo que es la prueba inequívoca de esta teoría.

La lista de DiCaprio

Gangs of New York (2002)

Atrápame si puedes (2002)

El aviador (2004) Nominado

Diamante de sangre (2006) Nominado

Infiltrados (2006)

Red de mentiras (2008)

Revolutionary road (2008)

Shutter Island (2010)

Origen (2010)

J. Edgar (2011)

Django desencadenado (2012) Nominado

El gran Gatsby (2013)

El lobo de Wall Street (2013) Nominado

El renacido (2015)

Un oscar por compensación

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Además, el Oscar a DiCaprio por el Glass de El renacido responde al conocido método académico de Oscar por compensación. Un premio por acumulación de méritos en anteriores oportunidades. Algo como completar la cartilla de puntos de la sartén del EROSKI, aunque luego tengas que pagar 8 euros para conseguirla. Nadie puede negar que DiCaprio lo hace bien, pero estamos ante una interpretación física. Todos sabemos que gritar y agonizar no es lo más difícil para un actor. De premiar a alguien habría que premiar al equipo de maquilladores, o como muchos indican, al oso al que se enfrenta el actor. Lo mejor de su interpretación es que es la mejor metáfora de su sacrificio hasta conseguir la ansiada estatuilla.

A partir de la ceremonia esperamos ver más riesgos es la carrera de un actor que va a tiro fijo, todo esto contando  con que el segundo oscar no se convierta en una nueva obsesión.

 

 

 

El puente de los espías: La pesca del salmón en Berlín

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Hablar de El puente de los espías es hablar de dos gigantescas figuras del cine: Steven Spielberg y Tom Hanks, historia viva de Hollywood. El director, otrora conocido como El rey Midas de la industria, nos ofrece una auténtica lección magistral de cine. Siempre subrayo que Clint Eastwood es el último gran director de cine americano como tal, pero tras este filme me veo en la obligación de confirmar que hay dos grandes autores de cine americano vivos. Spielberg ha sabido añadir la esencia del cine clásico a la que ya de por si es una gran historia.

El otro nombre propio es Tom Hanks, del que siempre destaco algo que me parece de un mérito impresionante: El hecho de que a pesar de ser Tom Hanks, el intérprete consiga que en cuestión de segundos dejemos de ver a la estrella para ver a su personaje. Así logra que disfrutemos de Forrest Gump, del Capitán Phillips o de este gran James Donovan.

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Además el cineasta se ha convertido con el paso del tiempo en un gran adaptador de la historia al cine. Tras La Lista de Schindler, MunichSalvar al Soldado Ryan y este puente de los espías ya podemos decir que Spielberg es el gran retratista de La II Guerra Mundial y sus consecuencias.

Otro de los grandes méritos de la película es su capacidad para emocionar sin hacer uso de los abusivos recursos habituales. Basta con un detalle de complicidad entre los protagonistas para tocar de manera sutil la fibra del espectador.

Ya hemos hablado del trabajo de Hanks, pero sería injusto no mencionar a Mark Rylance, el actor encargado de darle la réplica en el bando soviético, que lejos de quedar eclipsado luce en los duelos con Hanks, sus escenas compartidas son de lo mejor del filme.

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En resumen, estamos ante una película de las que yo no quedan. Quizá Spielberg no tenga hoy la capacidad de innovar que tenía en tiempos de E.T, Encuentros en la tercera fase o Parque Jurásico, pero mantiene intacta la capacidad de narrar. Bendita madurez.

Lo mejor: Es cine en peligro de extinción, con una dirección de Spielberg de las que ya no quedan. 

Lo peor: Su excesiva solemnidad. 

Spotlight: Cómo ganar el Pulitzer

Spotlight contaba ya de antemano con una carta ganadora: Un material muy jugoso para ser llevado al cine. Igualmente apetecible la idea de que esa película se convirtiera en un thriller al uso que enfrentara a valientes periodistas con un grupo de malvados curas pederastas. Lo normal es que así hubiera sucedido y que Spotlight se hubiese convertido en carne de sobremesa. Por suerte alguien decidió inteligentemente no centrarse en los sucesos, si no en la investigación del equipo del Boston Globe que recibió el premio Pulitzer. ¿El resultado? Una obra maestra.

Estamos ante una película de despachos, oficinas, sótanos, bibliotecas, taxis, puertas que se abren, puestas que se cierran. Spotlight dignifica una profesión que se ha visto denigrada por culpa de dos grandes lacras: La ideología y la inmediatez. La primera tira abajo temas en las redacciones a ritmo de fichas del quién es quién. La segunda ha sido la tumba del periodismo de investigación, aquel que no entiende de tiempos y que premia el llegar primero en sacrificio del rigor. Spotlight viaja a la esencia del periodismo como servicio a la sociedad. De alguna manera  estamos una revisión de Star Wars que hace que dos grandes poderes crucen sus sables laser: La prensa y la iglesia. Todo esto arbitrado por los poderes políticos y económicos.

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El director Thomas McCarthy dirige de forma magistral demostrando que hay un autor tras el relato, pero quedándose en segundo plano en beneficio del mismo. Su trabajo, rico en detalles, es  impecable. La banda sonora de Howard Shore, una de las más acertadas del año, también aporta nivel al conjunto. Una partitura con personalidad, algo en peligro de extinción a día de hoy.

El trabajo interpretativo también es extraordinario. En el reparto coral encontramos a grandes actores rindiendo al nivel que se puede esperar de ellos. Fantásticos Rachel McAdams o Liev Schrieber, aunque por encima de ellos brilla un enorme Michael Keaton y a un muy oscarizable Mark Ruffalo, el mejor de la función.

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La única duda que me invade es si Spotlight está al nivel de Todos los hombres del presidente o Zodiac, para mi los dos películas más grandes sobre investigación periodística. Al salir del cine he respondido con un rotundo sí. Una película necesaria e imprescindible para recuperar la fe en el periodismo, y quien sabe si para devolver al lado luminoso a periodistas que se han sumido en el reverso tenebroso.

Las 10 mejores películas de 2015

Haciendo un análisis a grosso modo podríamos decir que 2015 ha sido sobre todo un buen año para los títulos Sci-fi (Hasta 4 encontramos en este Top ten). A pesar de ello es un complejo drama basado en hechos reales la película que recoge el relevo de Magical Girl, mejor película de 2014, en este ranking. La nota triste es sin duda la ausencia de títulos españoles. Tan solo B de Bárcenas y Un día perfecto han conseguido destacar este año. Al menos este hecho se ve compensado con la inclusión de un título latino en la lista.

10. Paulina

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El debate hecho película. La revisión de Santiago Mitre de La patota sustituye la religión por su equivalente a 2015: La ideología. ¿Están los principios por encima de la ley? Un thriller rural creíble en cada escena con una mastodóntica Dolores Fonzi al frente del reparto. La interpretación femenina del año.

9. El despertar de la fuerza

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Continuismo en mejor de los sentidos. Eso es lo que ha aportado la mano segura de JJ Abrams a una franquicia que necesitaba volver. Además de hacer bien lo que ya conocíamos El despertar de la fuerza genera nuevos enigmas. Un gran regreso.

8. Nightcrawler

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Jake Gyllenhaal nos regaló el año pasado a uno de los más grandes hijos de puta cinematográficos de los últimos años. La película habla de un mal universal: La avaricia, que en esta ocasión aparece en las cloacas del periodismo. La cámara es un arma.

7. Marte

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Ridley Scott convierte lo que pudo ser un dramón en uno de los mayores entretenimientos del año. Matt Damon aparece en su versión más carismática para meterse al público en el bolsillo con sus trucos de supervivencia en el planeta rojo.

6. La familia Belier

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Lo del cine francés es impresionante. Basta una fórmula sencilla para llenar salas en toda Europa. Gran híbrido entre comedia y drama que sin inventar nada consigue llegar al corazón del espectador. Una película que emociona.

5. Sicario

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Dennis Villenueve se confirma como uno de los realizadores más importantes del cine actual en este thriller fronterizo con ecos a Apocalypse Now. Mucho más que una película de acción. Villeneuve se atreve a responder el porqué sin miedo a nadie, ni a mexicanos ni a gringos. La nueva noche más oscura.

4. Ex machina

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El debutante Alex Garland se atreve a crear todo un universo con tan solo cuatro personajes en un espacio reducido. Ex Machina ya es historia de la ciencia ficción. Así me imagino “La huella” a día de hoy. Magistral.

3. Chappie

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Contra todo pronóstico Neil Blomkamp se rehizo del varapalo que supuso la infumable Elysium con este cruce entre Cortocircuito, Robocop y E.T. que termina no pareciéndose a nada. Personalidad y FX de primer nivel en esta fábula con alto contenido político. Todo un acierto.

2. Mad Max: Furia en la Carretera

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El apocalipsis como una de las bellas artes. Así podríamos definir el impresionante trabajo visual de George Miller en la cuarta entrega de Mad Max. Frenética huída hacia adelante que marcará un antes y un después en el cine de acción y ciencia ficción. Delirio al servicio del espectáculo.

1. Foxcatcher

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Magistral dirección del talentoso Bennett Miller (Capote y Moneyball) para ofrecernos su primera obra maestra y uno de los mejores títulos de los últimos años. Retrato de mentes complejas con tres interpretaciones masculinas de primerísimo nivel. Cine de gestos, miradas, elipsis… Miller lo cuenta sin necesidad de contarlo. Un inquietante episodio de la historia negra de los Estados Unidos. Imprescindible.

Los Juegos del Hambre: Sinsajo parte 2. Al carajo con el sinsajo

¡Madre mía! Y yo pensando que ya habíamos visto lo peor de la saga de los Juegos del Hambre en el primer episodio de Sinsajo… Que inocente. Tras dos episodios notables, Hollywood decidió que para ver el último episodio de la saga esperaráramos 12 meses y pagáramos 9 euros más. Asumido el despropósito pensé que al menos nos iban a premiar con un final digno. Error.

El desenlace solo ha servido para confirmar a Josh Hutcherson y su Peeta Mellark como una de las peores interpretaciones de todos los tiempos. Personaje e intérprete consiguen que cada una de de sus apariciones durante cuatro películas se conviertan insoportables, especialmente en esta última.

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¿Harto de personajes femeninos florero? Tranquilos, Liam Hemsworth ha demostrado que la versión masculina de ese rol residual también existe. Su aparición solo transmite un pensamiento en el espectador… “¿Se parece más a Piqué o a Llorente?”.

Lo único salvable aquí es una vez más Jennifer Lawrence, que parece asumir con resignación que esta vez no ha podido salvar la película. Ni él, ni Donald Sutherland, ni Julianne Moore, ni siquiera el difunto Philip Seymour Hoffman.

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El guión no es del todo malo. Es remarcable su intento de hacer una película política que se eleve por encima de la superficialidad que se le presupone. Siguen presentes temas como la propaganda o la manipulación mediática, y se explota un mensaje que ya se presentó en su predecesora: “El totalitarismo no es propiedad exclusiva de la derecha”. Lástima que solo sean estrellas fugaces en un final de ritmo pausado y duración excesiva.

La realidad es que todo era mejor dentro del cuadrilátero en que se disputaban los juegos del hambre.  Amigos, Hollywood nos la ha vuelto a meter.

Lo mejor: La escena del ataque de los mutos en las cloacas.

Lo peor: ¿Donde sinsajo está la épica?

Spectre: El Jes Extender de James Bond

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Para los no iniciados, el Jes Extender es un mítico alargador de pene que anunciaba la teletienda. Es lo primero que me viene a la cabeza tras ver el último Bond, una película de 80 minutos extendida hasta los 148 por un Sam Mendes con licencia para alargar. Hasta me ha parecido ver hobbits. Hacía tiempo que no iba a mear en mitad de una película.

El último Bond empieza bien, con buenas secuencias durante el día de los muertos en el DF mexicano y con uno títulos de crédito de Top Ten sellados por la música de un inspirado Sam Smith, y no me atrevería a decir que estamos ante una mala película, pero ya he hablado en el primer párrafo de su principal pecado, pero no es el único. Se podría hablar de Spectre como una colección de actores desaprovechados, desde Christoph Waltz a Lea Seydoux pasando por una muy fugaz Monica Bellucci. La brillante idea del malo de malos que encarna el actor alemán es víctima de una película cuyo guión no termina de funcionar.

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Quizá lo más interesante de este willyfoggiano episodio es el uso del metalenguaje bondiano, con un choque de placas tectónicas en el que impactan el bourneizado Bond de los últimos capítulos y el Bond en sentido más clásico. El de Martini con Vodka intenta hacerse camino en lugares en los que no está bien visto beber alcohol. La esencia del cine de espionaje a la antigua usanza se abre paso en un mundo de drones y amenaza ciberterrorista.

Quizá lo que acaba de reventar la cinta es que su predecesora sea Skyfall, indiscutiblemente la mejor película de toda la saga. Y no solo eso, la franquicia Misión imposible también le come terreno. Lo mejor sería un MI6 que cruce a Hunt con el agente británico. Con un “No hay huevos” igual se anima algún productor.