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Birdman (O la inesperada virtud de la ignorancia): Alas sobre Broadway

Birdman comenzó en Cannes una meteórica carrera de premios y reconocimientos que la han llevado hasta la noche de los Oscar, donde parte en primera linea de la parrilla con 9 nominaciones. Quizá por eso nos temíamos otra película del gusto de los académicos, pero al salir del cine respiramos tranquilos. Birdman es otra cosa. De hecho, hacía mucho tiempo que no veía tantos espectadores con cara de poker al terminar una proyección.

Y es que Iñarritu se ha quitado el freno de mano para ofrecernos una película arriesgada, y creo que completamente controvertida. Birdman es fácil de amar, fácil de odiar, pero su esfuerzo por aportar algo diferente es innegable. Quizá le pase factura ahora esa moda crítica de poner a parir y vilipendiar todo lo que oficialmente mola. Ya le pasó (inexplicablemente) a una película que al contrario que esta es cero controvertida, una joya llamada Boyhood.

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Birdman cuenta la historia de un actor célebre por encarnar a un superhéroe que pretende reconducir su carrera ganándose el respeto del público de Broadway con una obra que además dirige.

Su forma es llamativa, un falso plano secuencia no cronológico que hace uso de la elipsis, Nada que no hayamos visto a estas alturas. Quizá lo más llamativo sea el uso del espacio. Si algo consigue el tandem Iñarritu-Lubezki es llevarnos a la primera linea de Broadway.

Al frente del reparto encontramos a Michael Keaton, que hace una parodia de si mismo (No olvidemos que fue murciélago antes que pájaro). Si bien consigue una buena interpretación, pierde en su duelo con un afilado Edward Norton o una inspirada Emma Stone. Ambos acaban con él en cada escena compartida.

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Birdman tiene tantas aristas que os recomendaría huir de toda crítica que incluya verdades absolutas o minimice su mensaje a “Crítica del Blockbuster” o “Crítica de la industria“. Solo hay que ver como el personaje de Emma Stone se cepilla salvajemente al público de “Arte y ensayo”, quizá en un intento de equipararlo al (inexplicablemente) poco respetado gran público, sobre todo por parte de esa (supuesta) élite intelectual cinematográfica. También leereis que estamos ante una crítica a la crítica, cuando la película más bien critica el como se las toman algunos en la profesión, tanto los que viven de las buenas  (Como es el caso de Norton) como los que se azotan con las malas.

Dicho todo esto veo dos cosas que le puedo achacar al filme. La primera es subjetiva, y es que no me ha llegado, no ha conseguido tocarme la fibra. La segunda es más general, y se trata de la ausencia de una premisa potente que hace muchos se tiren del barco del interés. Birdman hipnotiza, pero no te pega a la butaca y te somete a un “¿Qué pasará?”. Esa banda sonora whiplashiana tampoco consigue marcar bien los tiempos, y a veces apunta directamente a la cabeza. Para mi sobraba.

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En definitiva, estamos ante una peculiar película de esas “que hay que ver”, aunque sea para discrepar, que de ganar en la noche de los Oscar sería una “rara avis” (nunca mejor dicho).  Para mi gusto, una buena película que queda en intento de ser algo más. Aún así me he quedado con ganas de verla otra vez, lo cual ya se puede considerar positivo.

Un consejo, si no la habeis visto aún huid de trailers que os den pistas de su argumento. No hay nada como llegar virgen al cine.

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The imitation game (Descrifrando enigma): Todo por un Oscar

De no existir la noche de los Oscar puede que The imitation Game (Descrifrando enigma) hubiese sido una gran película. Sin duda estamos ante una cinta correcta, pero tanta corrección es lo que la acaba matando. Lástima, porque el material sobre el que se trabajaba es extraordinario.

La película cuenta la historia de Alan Turing, el padre del primer ordenador. Por un lado veremos su gran hito, la creación de la máquina que logró desifrar los mensajes encriptados que enviaban los nazis durante la segunda guerra mundial. Por otro, su lado más íntimo, en el que se trata como vivió su homosexualidad.

Del director Mortem Tydlum nos apasionó su anterior película: Headhunters. Estaba repleta de irreverencia y mala leche, así que aún entendemos menos este biopic hecho con corsé, aunque podría apostar a que no han faltado presiones por parte del estudio.

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El nudo, que nos habla de la creación de la máquina tiene a mi entender un problema. No se nos explica bien su funcionamiento. Sabemos que está hecha para traducir la máquina Enigma, sabemos que tiene cables y elementos que dan vueltas y vueltas, pero podían haberse esforzado en explicarnos como se consigue, aunque sea en versión para niños. Más acertado me parece como trata la homosexualidad del personaje, usando su historia para recordar la persecución que vivieron estos en la Inglaterra de la época. Que nadie piense que los únicos enemigos de las libertades estaban en el eje del mal.

Solo he oído halagos para la interpretación de Cummberbatch, halagos que no comparto. Mi razón es sencilla: He visto durante dos horas a Benedict Cummberbatch. Ni rastro de Alan Turing. A nuestra amiga Keira Knightley le quedaba bastante mejor su encantador personaje de Begin Again que el de florero inteligente que vemos aquí. Más allá de Turing solo vemos una inmensa llanura de personajes planos.

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Puede que la partitura de Alexandre Desplat no esté mal, pero estamos ante una de esas músicas que intentan guiar todo sentimiento. Imagino a los montadores diciendo… “Mete ese pasaje aquí que el espectador tiene que llorar”. Curiosamente a mi me pasa al revés. Cuando se pretende emocionar con música de llorar me acuerdo de que estoy viendo una película, lo que me descentra totalmente.

Para las escenas bélicas se ha usado la fórmula de “El discurso del rey”. Escenas con FX muy poco elaboradas, más dignas de un producto para TV que del cine. Si no quieren mostrar nada sobre la guerra hay un recurso ideal, y se llama elipsis. El segundo se llama archivo.

En definitiva, quizá sería injusto decir que The imitation game es una mala película, pero es un filme hecho con el piloto automático, con la cabeza puesta en el gusto académico. El riesgo es mínimo, es ir a la playa con protección 50, usar flotador en la piscina infantil… Vaya símiles se me ocurren en pleno invierno… Los aficionados a esto tendreis que verla para tener opinión en la lo noche de las estatuillas, pero no hay mucho más allá. Corran riesgos señores/as.

Boyhood: Los años difíciles

En una escena de Boyhood,  Mason, el protagonista, charla con una chica sobre las clases de claqué que ella imparte a niños.

-¿Qué edad tienen?

-De 6 a 8. No tienen ningún miedo ni sentido del ridículo.

-No han llegado todavía a los años difíciles.

Y de eso va la película, de los años difíciles de Mason, interpretado por Ellar Coltrane, del largo camino a la independencia, de los lazos familiares, del amor, de los primeros reveses y de la ausencia de una guía para hacerles frente. El director Richard Linklater tardó 12 años en rodar esta película, en la que vemos evolucionar a Mason de los 6 a los 18 años sin necesidad de maquillaje.

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Linklater aprovecha además para hacer una voraz desmitificación de la gran familia americana, de ese American way of life que nos enseña una familia feliz fotografiándose con su perro en el porche de una casa con jardín. Boyhood nos muestra que no todas las familias son perfectas, no todas tienen mascota y que esas casas no se pagan solas. Tampoco se olvida del contexto. El director se acerca a grandes temas como Política, religión, cultura o deporte. Tendremos tiempo para ver como cambia todo de Bush a Obama.

La banda sonora le da un plus a todo el conjunto gracias a la selección de temas para la ocasión. Empezamos con Yellow, de cuando Coldplay parecía que iban a marcar una época. Seguimos con el Hate to Say I told you de los Hives más garajeros, y no digo más para que los que aún no hayais visto la película podais jugar a adivinar temas. La selección está al nivel de la película, y eso es mucho decir.

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Agradezco encontrarme esta vez con un Linklater menos filosófico que el de la trilogía formada por antes del amanecer, atardecer y anochecer, lo que juega en favor de la película. Tres horas hablando sobre lo humano y lo divino hubieran sido un tremendo error. El director huye de la tentación de sermonearnos.

Las nominaciones al oscar para Linklater y su Boyhood están cantadas. Más dudas nos generan las del apartado interpretativo. No porque no lo merezcan, si no porque muestran a personas de verdad, sin enfermedades terminales o problemas mentales, y ya sabemos lo que le gusta todo esto a la Academia. Phoenix suena con fuerza en la categoría de Actor principal. Cumple con creces, pero no vemos el suyo un papel premiable. Seguramente al joven Coltrane le pase factura la falta de histrionismo de su personaje. Su papel es en ocasiones el de observador. Pone ojos a la película, y no tarda en convertirse en fotógrafo del alma.

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La que brilla y de que manera es Patricia Arquette, a la que vemos caer víctima del paso del tiempo en el apartado físico, a la vez que aumenta el tamaño de sus tetas. Lejos queda la imponente Arquette de Carretera perdida, pero su versión de andar por casa ofrece una interpretación para el recuerdo. Arquette se beneficia de un gran guión que habla desde el silencio. Es fácil comprender las miradas de su personaje, ver en ella lo que no se dice, y eso es todo un logro.

Los maridos de la Arquette pasan por la vida de Mason como los amos de El Lazarillo de Tormes. Mención especial a Marco Perella, que interpreta magistralmente a un profesor con reverso tenebroso. Por nosotros debería estar en la categoría de mejor actor secundario sí o sí. Aporta terror al conjunto, y del peor de los terrores: el terror cotidiano. Esto convierte a Boyhood en una tremenda película sobre el alcoholismo. A pesar de ser un subtema me ha llegado más que Flight, todo un filme dedicado a ello.

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Llegados a este punto es hora de decir esa dichosa palabra que escuece a muchos tanto como la de bodrio. Boyhood es una obra maestra llamada a permanecer en el tiempo. Las expectativas eran tan altas que creí que la hostia que me iba a dar iba a ser épica, pero me equivoqué. Boyhood cumple,  y de que manera. Su impacto emocional es similar al que me produjo La vida de Ádele el pasado año. Se puede hacer cine con mayúsculas de la vida cotidiana. Linklater ha demostrado que su esfuerzo mereció la pena. En fin, que grande es el cine.

Relatos Salvajes: Personas al borde de un ataque de ira

Damian Szifron animó la Sección Oficial de Cannes con Relatos Salvajes, una película episódica con el deseo de venganza como tema principal. Estamos ante un filme episódico que tiene en la regularidad su principal virtud. Normalmente este tipo de cine está realizado por diferentes directores, lo cual provoca resultados tremendamente desiguales.Todos saldremos de la sala con nuestro episodio predilecto, pero la calidad no decae exageradamente entre el mejor y peor capítulo. Producen los hermanos Almodovar.

Los analizamos uno a uno:

Pasternak

Se trata de una brillante intro ambientada en un vuelo comercial que encantará a los que piensan que nada sucede por casualidad. Es la prima argentina del United 93 de Greengrass. El humor negro aparece para quedarse.

Las ratas

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Primer capítulo que aborda la situación actual de crisis económica, social y política en la película. Un homenaje a todos los martires que han tenido que caer para proteger el bien común, a los que se dejan la vida por una causa que ni siquiera es suya.

El más fuerte

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Comienza en la carretera, a lo El diablo sobre ruedas, Jeepers Creepers o Breakdown. Capítulo excelentemente filmado en el que Leonardo Sbaraglia brilla con luz propia. Avanza con violencia y escatología hacia un brutal desenlace. Recuerda a los Cuentos asombrosos de Spielberg.

Bombita

Hermana bastarda de Un dia de Furia, cambiando a Douglas por el omnipresente Ricardo Darín. Todos los que hemos tenido un mal dia por causa ajena nos veremos representados en este ciudadano cabreado que busca sobrevivir en la jungla urbana.

La propuesta

Un capítulo para la reflexión, que habla de sobornos y cabezas de turco, de como el más fuerte se beneficia del más pequeño para su exposición pública. Se trata el tema de la inmunidad judicial de los peces gordos. Lamentablemente, el dinero siempre es el mejor abogado.

Hasta que la muerte nos separe

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Es curioso, pero Szifron nos cuenta en pocos minutos algo similar a lo que Fincher ha tardado dos horas y media en contarnos en Perdida. Una hostia en la cara al matrimonio, esa terrorífica institución burguesa. Imposible no acordarse de REC 3. Inspiradísimo desenlace.

Es muy sencillo empatizar con los personajes de la película. Por muy sinceros que creamos ser, todo ser humano vive en continua represión. Unos más y otros menos, pero todos nos movemos con un filtro que nos hace ser cordiales o simplemente correctos. Relatos Salvajes bucea en nuestros deseos ocultos, en nuestra naturaleza salvaje, en un hipótético de “que pasaría si el filtro se fuera a la mierda”. Es lo que tiene la socialización, que ha evitado que nuestra vida sea una sucesión de enfrentamientos, pero también ha hecho que en ocasiones cerremos el pico cuando no deberíamos hacerlo. En el mejor de los casos esperamos al episodio final para hacer un “Para lo que queda dentro me cago en el convento”. En Relatos salvajes la cuerda se tensa hasta romperse.

La película ha sido seleccionada para representar a Argentina en la carrera por el Oscar. Si los académicos no valoran como algo negativo su formato episódico estará entre las nominadas. Muy recomendable, como película y como evasión de la cruel rutina. Si has tenido un mal día en el trabajo, acércate al cine.

12 años de esclavitud: 2 horas de latigazos

ks,ks, ks, ks, ks ks, ks durante 130 minutos. Si habeis leído esta linea ya sabeis casi todo sobre 12 años de esclavitud.

Voy a ser honesto antes de empezar a disparar. 12 años de esclavitud es una buena película, impecablemente filmada. Tras dos minutos de película lo se, gracias a esa cámara que se mueve en el maizal. Me gusta como la maneja el director Steve McQueen (Shame). Me encanta esa fotografía preciosista de contrastes, con todos esos claroscuros. Fotografía que se ha quedado fuera de la lucha por el Oscar, al igual que su banda sonora, para mí una de las mejores del último curso. El apartado interpretativo está defendido brillantemente por un entregado reparto. Aunque Chiwetel Ejiofor viva del recurso “Cara de estupor”. Todos aportan: El insoportable amo Paul Dano, el clemente Benedict Cumberbatch, la sufridora Lupita Nyong’o… Quizá al que veo más flojo es a Fassbender, nominado al Oscar por inercia. Su personaje no me transmite.

Tengo más dudas sobre “lo que se nos cuenta”. No me refiero a la credibilidad, puesto que se trata de una historia real. Me refiero a su interés. Empieza bien la película, pero pronto entra en una espiral de dolor de la que es dificil salir. Michael Bay la hubiera titulado “Dolor y dolor”. La dureza se convierte en su estado natural y el latigazo en la forma de expresión. Quizá esta fuera la realidad, pero a mi parecer 12 años de esclavitud es un poco pornográfica por momentos, un festival del dolor, una actuación de David Ghetta en el FIB.

Chiwetel Ejiofor, el actor de las mil caras... Va a ser que no.
Chiwetel Ejiofor, el actor de las mil caras… Va a ser que no.

Por el camino hay reminiscencias del cine de Malick. Los momentos musicales durante el trabajo están a la altura de los coros iniciales de La delgada línea roja. Una manera brillante de expresar el ansia de libertad. Cantos contenidos que en su forma son puro arte.

Por desgracia hay elementos de la película que no han perdido actualidad. El protagonista, hombre libre antes de ser esclavizado, se ve obligado a mentir y a hacer creer a sus amos que no sabe leer ni escribir para ganar su aceptación. ¿Os suena? Salvando las distancias y con la esclavitud abolida aún hoy nos vemos obligados a mentir, a rebajar nuestro curriculum para aspirar a un puesto de trabajo que nos permita sobrevivir. El látigo de este tiempo es invisible, pero duele igual.

TWELVE YEARS A SLAVE

Por momentos 12 años de esclavitud estremece, pero también se vuelve insignificante. El dolor por repetición. Tan seguro estoy de su calidad como de que no la volveré a ver. Un capítulo más en El cine como patada en los cojones.

Un Oscar para Barkhad Abdi, el Jack Sparrow de nuestro tiempo

Barkhad Abdi merece el oscar por Capitán Phillips

Se llama Barkhad Abdi, y hace su debut en el cine en Capitán Phillips. Interpreta a Muse, uno de los piratas del filme. El director, Paul Greengrass, lo reclutó entre la población somalí de Minneapolis para darle la réplica nada menos que a Tom Hanks. Abdi no se amilana. Tras pronunciar su célebre “Ahora yo capitán” se hace con el mando del buque portacontenedores Maersk y también con el de la película.

Su aspecto y esa sensación de no tener nada que perder genera terror. En sus ojos vemos las atroces consecuencias de la globalización, del hambre, de la desesperación. Su presencia habla. Puede que Hanks se lleve (merecidamente) la gloria y los titulares, pero el mundo no debe olvidar a Abdi. Tampoco la Academia. Desde La Vaca de Twister pedimos un Oscar para Barkhad Abdi.

los piratas de Capitán Phillips

Aquí le vemos junto a su “banda de rock”. Estamos ante el Jack Sparrow de nuestro tiempo.

Expediente Warren: The Conjuring. ¿Candidata al Oscar?

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James Wan, más conocido en este blog como “The Special Wan”, lo ha logrado. El director de Saw ha conseguido en 2013 crear un nuevo clásico del género. Y lo ha hecho sin reinventar nada: Respetando el pasado y cuidando los detalles. Ahora bien… ¿Podría la película aspirar a conseguir alguna estatuilla en la próxima edición de los Oscars? Os contamos los motivos por los que la Academia debe tenerla en cuenta.

James Wan (Mejor director)

james wan dirige a vera farmiga

Esta sería la categoría con más opciones de obtener nominación. Pocos intuían que el director de Saw o Silencio desde el mal iba a hacer una película con tanto mimo y con una realización tan depurada. No hay duda de que Saw es una de las grandes del género en los últimos años, pero, pese al poder de algunas de sus escenas, no era una película que se caracterizara por un gusto exquisito a la hora de dirigir. Esta claro que Wan sabe donde colocar la cámara, y lo hace sin ese parkingson+lluvia de efectos que tanto ha contaminado al género en los últimos tiempos.

En la ambientación reside el éxito o el fracaso de las películas del subgénero “Casa encantada”. Si el director no hace suyo el lugar, llegar a buen puerto se hace imposible. Por suerte, ese es uno de los grandes fuertes de su expediente. La casa aparece como un protagonista más, al igual que pasaba en obras como Al final de la escalera o Los otros.

Otro de los aspectos en los que suelen flaquear los directores de terror es en la dirección de actores, pero el trabajo de Wan en este sentido es fenomenal, gracias en parte al acierto total del casting. En un género poblado por Scream Queens, Expediente Warren es un oasis.

Mejor película

Desde la multinominada El sexto sentido ninguna película de horror se ha acercado a la estatuilla. El género suele estar castigado por un exceso de violencia que siempre irrita a los académicos. Expediente Warren bien podría definirse como una película de horror blanco, puesto que la violencia nunca aparece de forma gratuita, y en ningún momento se hace insoportable.

Además la crítica USA ha sido unánime. Es dificil encontrar articulista americano que hable mal de la película. Y además el público ha respondido aupándola al primer puesto del Box Office norteamericano. La comunión entre crítica y público es absoluta. Por ejemplo, el portal Rotten Tomatoes la coloca con un 85% de críticas positivas, mientras que (a día de hoy) alcanza el 8,1 en IMDB.

Mejor actriz (Vera Farmiga)

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Vera Farmiga encarna a Lorraine Warren, una parapsicóloga con un sexto sentido para el tema de las presencias extrañas. La actriz realiza una inquietante interpretación que nos hace creer por momentos en el más allá, y además consigue empatizar con el espectador.

Mejor actriz secundaria (Lili Taylor)

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Lili Taylor por su parte interpreta a la madre del clan Perron. El particular rostro de la actriz ayuda a esta madre coraje que viaja más allá al límite. Tanto en la faceta más maternal como en la más terrorífica, la Taylor cumple a la perfección.

Otro aspecto a tener en cuenta sería el de tratarlas como actrices principales o de reparto. Me he tirado a la piscina señalando como protagonista Vera Farmiga, pero no se si por metraje podría aspirar a la estatuilla secundaria. Con Lili Taylor hago la misma reflexión a la inversa.

Ellas son lo más destacado, pero tanto Patrick Wilson como las hijas del clan Perron están excepcionales. Esto ayuda a dotar de realismo a estos horrores que alimentan el drama familiar.

No sería osado pensar que otras categorías como Guión adaptado, Dirección artística o Fotografía podrían completar la lista hasta llegar a las 7 nominaciones. No solo sería un gran reconocimiento a este gran filme, si no al de un género, en demasiadas ocasiones olvidado.

Y para acabar otra duda que me asalta… ¿Habrá más Warren files? ¿Estaremos ante el nacimiento de una nueva saga? Si es así esperamos que Wan repita y el nivel se mantenga, tarea nada fácil.