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El hilo invisible: Lo que amas es necesitar

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Pues nada, que lo ha vuelto a hacer. Paul Thomas Anderson ha vuelto a demostrar por qué es uno de los mejores directores de cine de los últimos años. El autor de Pozos de Ambición, Boogie nights o The master ha recurrido al mundo de la moda para hablarnos de amor, más concretamente de un amor enfermizo.

El hilo invisible nos presenta a Reynolds Woodcock, un brillante diseñador que vive acomodado en una tortuosa disciplina. Una vida dedicada al trabajo en la que apenas hay sitio para nada más. Su rutina se ve alterada cuando conoce a Alma, una joven que no solo se convertirá en su amante, también en su modelo predilecta.

Todo es más fácil con Daniel Day Lewis. El actor británico vuelve a realizar una interpretación monumental, demostrando los motivos por lo que es considerado uno de los mejores en su oficio. Una actuación que deja un halo de tristeza, porque Day Lewis ha anunciado que esta será su última vez. No es la primera vez que lo deja. En 1999 también comunicó su retirada para convertirse en zapatero en Florencia, pero Scorsese le recuperó para el cine en Gangs of New York. Esperamos que alguien le vuelva a sacar de la jubilación, porque el cine no puede permitirse prescindir de uno de los actores más grandes de todos los tiempos. Le da la réplica Vicky Krieps, que aunque no está al nivel, no le negamos el mérito de mantener el tipo. La que si sorprende con un potentísimo personaje secundario es la nominada al Oscar Lesley Manville, que interpreta a Cyril, hermana de Reynolds. Sus minutos en pantalla son de oro.

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No estamos ante una película sencilla. Anderson se toma su tiempo en la construcción del entorno y, sobre todo, en la de los personajes. Que nadie espere un ritmo alto, porque el director cocina a fuego lento sus verdaderas intenciones. Y para que esto funcione nada mejor que cuidar el detalle. La fotografía, como en todos sus títulos, es impecable. Pero hay algo aún mejor: La cuidadísima banda sonora de corte clásico que ha compuesto el guitarrista de Radiohead Jonny Greenwood. Hay que ser muy bueno para llevar a cabo un trabajo de este nivel. Más aún cuando eres conocido por formar parte de una legendaria banda de pop alternativo.

El director no nos muestra sus cartas hasta el último cuarto de la película. Es en su tramo final cuando El hilo invisible se cita con la excelencia. PTA arriesga y gana en un final sin concesiones que desnuda en totalidad a sus protagonistas. Al abandonar la butaca mucho por asumir, y varias preguntas para el espectador ¿Es la historia que cuenta el hilo invisible un caso aislado o es la forma más común de amor? La teoría de Anderson parece inclinarse ante esto último. Una vez más el espectador contra las cuerdas, y la sensación haber visto una gran obra. Pero lo que hace aún más grande a El hilo invisible es que se presta a múltiples visiones, y cada espectador saldrá del cine con su película. Guste o no, estamos ante una experiencia única.

Reflexión en Spoiler (Déjalo aquí si no has visto la película)

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All you need is love es uno de los temas más populares de los beatles y, por ende, de toda la música británica. Anderson le da la vuelta al estribillo relacionando el amor con la dependencia emocional. Alma gana la partida cuando se da cuenta de que el hueco que debe llenar es de la madre de Reynolds. Esa dependencia emocional que se intuye con la pérdida. Todo lo que necesitas no es amor, lo que amas es necesitar a alguien. Lo mejor en las últimas escenas es que los dos protagonistas ya conocen sus roles, y aún así todo fluye. Un final en el que la pareja protagonista es feliz y como perdices, y aún así atroz.

Reynolds Woodcock: Kiss me, my girl, before I’m sick.

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Los archivos del Pentágono: Periodismo contra el miedo

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Steven Spielberg confirma en cada nuevo título su trabajo como gran cronista de la historia del Siglo XX. La lista de Schindler, Salvar al Soldado Ryan, Munich, El puente de los Espías… Poco queda del otrora Rey Midas de Hollywood. Hemos perdido al cineasta que asombraba en la fantasía y ciencia ficción, pero hemos encontrado a un gran historiador con ecos del mejor cine clásico americano. Los archivos del Pentágono no hace más que confirmar esta afirmación.

La película aborda uno de los episodios clave en la historia del periodismo durante el mandato de Nixon, el de los Pentagon papers. Dichos papeles, con información clasificada, ponían en tela de juicio el papel de Estados Unidos en Vietnam, una guerra ya de por si muy cuestionada con protestas a lo largo y ancho del país. Y tampoco quiero contar mucho más, puesto que los que no conozcan lo sucedido tendrán ese plus al sentarse en la butaca.

El guión de Liz Hannah y Josh Singer indaga en la parte privada de la historia. Especialmente en la relación entre Katherine Graham, editora del Washington Post, y Ben Bradlee, director del periódico. Spielberg ha contado con dos primeros espadas para defender los personajes: Meryl Streep y Tom Hanks. Ambos intérpretes resuelven el papel con la efectividad marca de la casa. Especialmente interesante resulta el personaje de Streep, que da vida a una poderosa mujer que tendrá que enfrentarse a una dura decisión y a un momento de hombres que no la respetan. No solo ella y el Post estuvieron en juego, también el papel del periodismo en la sociedad.

Los archivos del pentágono gustará especialmente a los que disfrutaron con Todos los hombres del presidente, la obra cumbre del periodismo en el cine. De hecho, ésta última actúa como la precuela perfecta. Este subgénero, también llamado Porno para periodistas, reescribe las letras doradas de la profesión en estos tiempos oscuros. “La prensa debe servir a los gobernados, no a los gobernantes”, dice Katherine Graham en un momento de la película. Las carcajadas en la sala fueron sonoras, y no hace falta explicar el motivo. 

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En definitiva, Los archivos del pentágono es una pieza sólida de la marca Spielberg. Una historia que toca especialmente a los que somos parte del periodismo, pero que duele al ver la triste realidad. Sólo hay que ver el caso de El país en España para presenciar la decadencia del periodismo y su derrota ante los intereses políticos y económicos. Aun así, vale la pena recordar que esto sucedió. La libertad de prensa también ha tenido que ganar batallas, y esta fue una de las más importantes.

Spielberg regresará a la fantasía en marzo con Ready Player One, película sobre un icónico mundo virtual. Si consigue estar a la altura de estos archivos habrá cumplido sobradamente.

Ciencia ficción: el género maldito de los Oscar

Desde la primera edición de la gala de los Oscar, 88 películas han sido galardonadas con la estatuilla a la mejor película. ¿Sabéis que tienen en común? Ninguna de ellas fue de ciencia ficción. Los académicos han convertido al género en parte del decorado cuando la noche se pone seria y comienzan los premios gordos. Detallamos caso a caso este ninguneo histórico.

1968: CASO 2001, UNA ODISEA EN EL ESPACIO

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Oscar a los mejores efectos visuales. 4 nominaciones, incluyendo Director y Guión

Los efectos especiales de 2001 siguen siendo enormes aún hoy. Tan buenos eran que muchos siguen creyendo hoy que Kubrick dirigió en un plató la llegada del hombre a la luna. Y hasta ahí. Los Oscars ningunearon al filme en un año que ganó Oliver, de Carol Reed. Al menos tuvieron la decencia de nominar a Stan como mejor director, pero tampoco ganó. Demasiada película para la Academia.

1979: CASO ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO

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Mejores efectos visuales. Nominada a Mejor dirección artística

La primera obra maestra de Ridley Scott se llevó a casa la merecida estatuilla de efectos especiales, y hasta aquí podemos leer. Ni la película ni la magistral dirección de Scott tuvieron opción a premio. Tampoco el soberbio trabajo de Sigourney Weaver fue nominado. Al menos tuvieron la decencia de nominar a su dirección artística, categoría en la que compitió junto a Star Trek, pero ambas cedieron ante All That Jazz.

La vencedora de la noche fue Kramer contra Kramer, cuyo hueco en la historia del cine es mínimo comparado con los sucesos de la Nostromo. Esos Oscars debieron estar entre Alien y Apocalypse Now. La obra maestra de Coppola si estuvo nominada en las categoríaas principales, pero solo triunfó en fotografía y banda sonora.

La recompensa para Weaver llegaría con Aliens: El regreso, pero en forma de nominación. Ripley mereció mucho más.

1982. CASO BLADE RUNNER Y E.T. EL EXTRATERRESTRE

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BLADE RUNNER

2 nominaciones al Oscar: Mejor dirección artística, efectos visuales

E.T: EL EXTRATERRESTRE

4 Oscar: Música, Sonido, FX, Efectos sonoros. 9 nom. incluyendo Película

En 1982 se estrenaron dos mitos del cine: E.T. de  Steven Spielberg y Blade Runner, de Ridley Scott, historia del cine. Pero los Oscar decidieron que ese año fuera el de Gandhi, de Richard Attenborough, una buena película, pero a años luz de las anteriormente nombradas.

E.T. se llevó 4 Oscars de los considerados técnicos (Música, Sonido, FX y efectos sonoros) de los 9 a los que aspiraba. Y estuvo presente en las categorías de mejor película y mejor director. Echamos de menos la presencia del propio E.T. como mejor actor de reparto.

Lo verdaderamente sangrante fue que Blade Runner tuviera que conformarse con una presencia testimonial: Nominaciones en dirección artística y efectos visuales. El ninguneo en las categorías principales fue total.

Todo el mundo estará de acuerdo en que el diseño de producción de la película de Scott es sin duda uno de las mejores de la historia. Pues de poco sirvió, otro oscar para Gandhi.

La impresionante banda sonora de Vangelis no estuvo nominada, en una categoría en la que como curiosidad contaremos que si estuvo la de Poltergeist, de Jerry Goldsmith.

1985: CASO REGRESO AL FUTURO

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 Mejores efectos de sonido. 4 nominaciones

Regreso al Futuro es un icono del cine, pero no por la noche de los Oscar. Consiguió uno testimonial, el de mejores efectos sonoros, pero la película de Zemeckis ni siquiera apareció en las categorías principales. La más prestigiosa la nominación al mejor guión original, en la que cedió ante Único testigo. La triunfadora de la noche fue Memorias de África. Incluso la también Sci-Fi Cocoon ganó más oscars (Mejor actor de reparto y mejores efectos visuales).

1992: CASO TERMINATOR 2

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4 Oscars: Mejor sonido, efectos de sonido, ef. visuales, maquillaje. 6 nom.

La mejor película de James Cameron obtuvo cuatro oscars, pero todos menores. Lo triste es que La bella y la bestia compitiera por ser la mejor película y Terminator 2 no. En mejor montaje y mejor fotografía cedió ante JFK: Caso abierto, de Oliver Stone. Al menos la triunfadora de esa noche si es historia del cine: El silencio de los corderos.

1993: CASO PARQUE JURÁSICO

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3 Oscars: Mejor sonido, efectos de sonido, efectos visuales.

Parque jurásico se enfrentó a un gran problema en el 1993, competir junto a la película más prestigiosa de Steven Spielberg: La lista de Schindler. Así que mientras la recreación del holocausto se llevó los Oscars serios, Parque Jurásico recibió los técnicos. La echamos en falta especialmente en las categorías de Banda sonora, guión adaptado, dirección y montaje, en las que ni siquiera fue nominada.

1995: CASO 12 MONOS

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2 nominaciones al Oscar: Mejor actor de reparto (Brad Pitt), vestuario

La mejor película de Terry Gilliam también mereció algo mejor que dos nominaciones en una edición en la que fueron multinominadas Apolo XIII (9 nominaciones) y Babe, el cerdito valiente (7 nominaciones). Director y guión debieron tener opciones importantes en la que fue la noche de Mel Gibson y su Braveheart.

1999: CASO MATRIX

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4 Oscars: Mejor montaje, sonido, efectos visuales, efectos sonoros

Matrix está considerada la gran renovadora del género, y también del blockbuster. La película levantó con facilidad cada una de las cuatro estatuillas a las que fue nominada, y la gran pregunta rondó la ceremonia ¿Por qué quedo fuera de las nominaciones principales? Aunque el nivel era alto (American Beauty, El sexto sentido, El dilema, Magnolia o La milla verde) debió tener su hueco, como se lo ha ganado en la historia del cine. Quizá no hubiera podido con American Beauty, la triunfadora, pero debió tener la oportunidad de medirse con ella.

2006: V DE VENDETTA

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V de Vendetta es una de las preferidas del público de la década de los 2000, pero no tuvo la más mínima oportunidad. La interpretación de Hugo Weaving o su guión adaptado debieron ser candidatos. La triunfadora de la noche fue Infiltrados, en una ceremonia en la que El laberinto del Fauno obtuvo tres estatuillas.

2009: CASO AVATAR, DISTRITO 9 Y WATCHMEN

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Avatar

3 Oscars: fotografía, dirección artística, efectos visuales. 9 nominaciones

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4 nominaciones, incluyendo mejor película

Watchmen

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Avatar partía como una de las favoritas de la noche, sumando 9 nominaciones, las mismas que En tierra hostil, pero ni la popularidad de la película de Cameron, un auténtico taquillazo, sirvió para competir con la película de su ex mujer, Kathryn Bigelow, que se hizo con los Oscars principales. 6-3 en una ceremonia descafeinada en la que hasta Sandra Bullock se llevó su estatuilla.

En la misma ceremonia tuvo su hueco una de las grandes sorpresas del género en los últimos años, Distrito 9, que si bien no consiguió ningún premio fueron suficientes para alargar la vida comercial de la película. Ya es bastante teniendo en cuenta el estigma de la SCI-FI.

Una que no figuró y echamos en falta fue Watchmen. Cero nominaciones a pesar de gran dirección artística y un gran Jackie Earle Haley, que bien podía haber competido en la categoría de mejor secundario. La dirección de Zack Snyder también mereció un hueco.

2010: CASO ORIGEN

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4 Oscars: mejor fotografía, sonido, ef. sonoros y visuales. 8 nominaciones

Además de las categorías técnicas, Origen si estuvo en la lucha de mejor película o mejor guión adaptado, pero la película de Nolan se vio frenada por un telefilme de la tarde de Antena 3: El discurso del rey. Le queda el consuelo de que esta no le superó en Oscars. Empataron a cuatro.

2013: CASO GRAVITY

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7 Premios Oscar: incluyendo mejor director. 10 nominaciones

No es ningún secreto que Gravity no es una película que despertara nuestra devoción, pero si es la película Sci-fi que más cerca ha estado de arrasar en los Oscar. De hecho arrasó en número, consiguiendo nada menos que 7 estatuillas. Entre ellas las de dirección, fotografía y banda sonora, pero en la madre de todas las categorías, mejor película, cedió ante 12 años de esclavitud. Casi.

2014: INTERESTELLAR

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Oscar: Mejores efectos visuales. 5 nominaciones incl. mejor banda sonora

La de 2014 tampoco fue la noche de Nolan. A pesar de su gran recepción por parte del público, la película se vio relegada a nominaciones menores, y solo logró la estatuilla a los mejores efectos visuales. Ni siquiera su contundente banda sonora tuvo opción. Los académicos debieron perderse en algún agujero de gusano. Era la noche de la sobredimensionada Birdman, que también dejó fuera a títulos de la talla de Whiplash o Boyhood.

2016:  CASO MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA

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6 Premios Oscar: incluyendo mejor montaje. 10 nominaciones

La cuarta entrega de Mad Max volvió a demostrar que la Sci-fi solo tiene opciones en las categorías menores. Hasta 6 Oscars técnicos obtuvo la película de George Miller. La academia la incluyó también en los grandes apartados (Película y director), pero fue mera figurante a pesar de su triunfo en la letra pequeña. El Oscar al mejor director de nuevo para Iñarritu. Robo a Miller.

2017: CASO LA LLEGADA

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8 nominaciones, incluyendo mejor película y director

Tras leer todo esto… ¿Necesitaís de verdad que os expliquemos lo que va a pasar con La llegada? Otra vez será. De momento ya se han cepillado a Amy Adams en la categoría de mejor actriz, una de las candidatas más potentes.

Hasta el último hombre: A la mierda la segunda enmienda

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“Bajo esta máscara hay algo más que carne y hueso, bajo esta máscara hay unos ideales, señor Creedy, y los ideales son a prueba de balas”. Reconoceréis esta cita. Es de la versión cinematográfica de V de Vendetta. Y es perfectamente aplicable a Desmond Doss, protagonista de Hasta el último hombre, un soldado que se agarró a sus principios para salvar la vida de sus compañeros.

Se ha prodigado poco Mel Gibson en esto de la dirección, pero cuando lo ha hecho ha sido para trascender. Braveheart marcó un antes y después en las escenas de batalla. Apocalypto mostró la naturaleza salvaje de los mayas. La pasión de Cristo se convirtió en un fenómeno que llevó a las salas a millones de espectadores no habituales. Es normal que ante una película de su sello las expectativas estén altas.

Es importante matizar que no estamos ante una cinta bélica al uso. Hasta el último hombre más que el episodio del acantilado de Hacksaw cuenta la historia de Desmond Doss, el primer objetor de conciencia condecorado por el ejército de Estados Unidos. Un tipo que sin tocar un arma se plantó en la puerta terrestre del infierno. Si habláramos de ‘jugar a los médicos’ Desmond Doss estaría en nivel Dios.

Se podría dividir la historia en tres partes: Romance, campo de entrenamiento y guerra. Las dos primeras se podrían enmarcar en el terreno del cine clásico americano. Ahí es donde Gibson se pone el disfraz de Clint Eastwood para narrar con mano firme y a la vieja usanza. Un tipo de cine casi extinto.

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Es en la guerra donde vemos la cara más reconocible del director, haciendo de la violencia una de las bellas artes. La coreografía bélica del australiano es digna de mención. A esto hay que añadirle que se ha prescindido de los efectos especiales apostando por la acción real. Como cuenta el propio director en el Making Off “Todo lo que se ve en pantalla está rodado de verdad”. Así que cuando vemos a una persona en llamas en la película hubo fuego real, no el ya habitual fuego por ordenador.

El problema de Hasta el último hombre es el mismo que padecieron Braveheart o Apocalypto. A Gibson le cuesta atravesar la capa de superficialidad que hay en sus películas. Hay amor, hay sufrimiento, hay guerra… Pero todo parece orquestado. Hay violencia, hay dolor, pero falta esa capa de realismo que nos acerque aún más a sus protagonistas. Falta crudeza.

Tampoco me ha convencido Andrew Garfield. He visto más a un ‘actor haciendo de’ que al verdadero Desmond Doss. He visto ‘al que hizo de Spiderman’, lo cual no dice mucho a su favor. Por suerte los secundarios, fantásticos Vince Vaughn, Sam Worthington y Hugo Weaving, consiguen lo que no logra el protagonista. También brilla con luz propio Teresa Palmer. Vale, su interpretación no es nada del otro mundo, pero como le dicen a Doss en un momento de la película… “¿Sabes qué juega en otra liga, verdad?”. Vamos, que la chica no está mal.

Tras esta valoración gratuita y superficial volvamos a la película. Aún con sus fallos, el material con el que cuenta Gibson es de primer nivel. Hay una historia que merecía ser contada, y que por si solo hace que la película funcione. Además aparecen temas como el bullying, porque Hasta el último hombre no es solo una película antibelicista, también es una gran cinta contra los prejuicios.

La historia real de Desmond Doss (Leer solo si ya has visto la película)

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Aunque parezca la última gran americanada la historia de Desmond Doss es completamente verídica. Sus compañeros de misión contabilizaron más de 100 salvamentos por parte del objetor de conciencia, pero Doss, del que todos los que le conocieron destacan su humildad, dijo que ‘solo’ habían sido unas 50, por lo que el ejercito americano dejó la cifra en 75.

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En el momento de su rescate tras la explosión de una granada, la película omite una de sus mayores heroicidades. (Quizá Gibson pensó que era demasiado ya). A pesar de la gravedad se tiró de la camilla y cedió su lugar a otro herido. Se mantuvo esperando cinco horas en el campo de batalla  a la siguiente camilla.

La guerra pasó factura a Doss, que sufrió tuberculosis, perdió un pulmón y se quedó sordo.

Un monstruo viene a verme: Solo el buen cine emociona

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Lo último de Bayona lo tenía todo para no gustarme:

  • Película con niño. Los niños en el cine me chirrían, a no ser que exploten la vena de hijoputismo, como en El pueblo de los malditos, ¿Quién puede matar a un niño? o Edén Lake.
  • Siempre critico la búsqueda de la lágrima en el cine. Esto es lo que escribí sobre por ejemplo The imitación game: “Puede que la partitura de Alexandre Desplat no esté mal, pero estamos ante una de esas músicas que intentan guiar todo sentimiento. Imagino a los montadores diciendo… “Mete ese pasaje aquí que el espectador tiene que llorar”. Curiosamente a mi me pasa al revés. Cuando se pretende emocionar con música de llorar me acuerdo de que estoy viendo una película, lo que me descentra totalmente”.
  • Los dramas me dan ‘patrás’. Casi tanto como las películas románticas.
  • El bombardeo de imágenes en la promoción ha sido continúo. A veces en el cine hay sensación de Deja Vu en cada escena con tanta promo. Ya pasó con Ocho apellidos vascos.
  • La acogida en el Zinemaldia fue bastante tibia entre la crítica especializada.
  • La mitificación que la prensa hace de Bayona, un director que solo cuenta con dos películas hasta la fecha: El orfanato y Lo imposible. La primera demostró que había talento. La segunda mostró una gran técnica y optimización de recursos, pero su drama no consiguió traspasarme.

A la mierda, Un monstruo viene a verme me ha encantado. Y sí, he llorado (Y no soy nada de llorar), tanto que la muerte de Mufasa al lado puede considerarse un sketch de Martes y trece. El monstruo ha conseguido derribar todos mis prejuicios con una receta que nunca falla: Buen cine. El resto lo hace J.A. Bayona con ideas claras y una dirección magistral.

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No os fiéis de los que hablan de la película como una copia mala de El laberinto del fauno. La película de Del Toro es digna de recordar, pero no olvidemos que Bayona lo que ha intentando es adaptar lo mejor posible el libro A monster calls de Patrick Ness, que además es guionista de la película. El mundo interior como vía de escape es un tema recurrente en la historia del cine, pero pocas veces ha alcanzado la perfección técnica y artística que muestra Un monstruo viene a verme.

En el apartado interpretativo sorprende lo bien que el joven Lewis MacDougall aguanta los primeros planos. A la Weaver le basta con su presencia para bordar el personaje de severa abuela. Aunque lo mejor de la función es sin duda el monstruo, que en la versión original cuenta con la poderosa voz de Liam Neeson. Debería haber una categoría especial en los premios para este tipo de criaturas. De ese modo este monstruo seguramente se haría con la estatuilla.

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Siempre critico el uso de la música para enfatizar la emoción, pero en esta ocasión se me hace difícil ante la bellísima partitura del getxotarra Fernando Velazquez, al que le bastan un par de teclas de piano para transmitir. Otra categoría que debería llevarse la nominación al Oscar. Y no la única. Película, dirección, dirección artística, efectos especiales y banda sonora merecen ser finalistas en la lucha por la estatuilla.

No solo hay pasión por la historia que se cuenta, hay pasión por el cine, por el arte en general. Ese proyector tan de Cinema Paradiso, las imágenes de King Kong, ese tejo que parece estar sacado del bosque de La princesa Mononoke, el preciosista uso de la animación… Lo de Bayona es amor por el cine. Además la película hace creer en el cine como terapia. Para muchos, casi para todos, es un reencuentro con el dolor. Es difícil no relacionar las situaciones del joven protagonista con nuestra propia vida. Pero a pesar de las lágrimas, este monstruo tiene un elemento cicatrizante: Se llama esperanza. Si desficcionamos un poco (No, no se si existe la palabra desficcionar) veremos a las personas que de modo imperativo nos ayudaron a salir de las arenas movedizas. El mensaje es tan antiguo como el mundo: Siempre hay que levantarse.

Expediente Warren: El caso Einfield. Un oscar para James Wan

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Urge un Oscar para James Wan y hay que hacer campaña desde ya. Su tour de force en Expediente Warren: El caso Einfield no merece menos. Es el momento de que los académicos levanten la mirada y tengan en cuenta al terror, un genero considerado menor e infravalorado por una estúpida razón: Un alto porcentaje de los críticos especializados se cagan por la pata abajo. Va siendo hora de que la cobardía pierda la batalla.

Tras los sucesos ocurridos en la casa de la familia Perron en Rhode Island, Ed y Lorraine Warren continúan con sus investigaciones, concretamente en el 112 de Ocean Avenue, en Amityville. Ese es el (falso) punto de partida de una película que enfrentará a la pareja de parapsicólogos a los fenómenos de Einfield, en Inglaterra.

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Estamos a mitad del curso cinematográfico de 2016, y tengo claro que no veremos en lo que queda año una dirección como la de Wan, quizá sí una película mejor, pero nada que supere a lo que hace el australiano aquí. Y eso que apenas hay nada nuevo en este caso Einfeld, pero todo eso da igual cuando Wan coge la cámara para filmar con la pasión de la primera vez. El director no tendría precio en una inmobiliaria, es el número uno enseñando casas. La intro de Amityville deja claro, por si había alguna duda, que estamos ante un genio del séptimo arte, y lo mejor es que todo lo que ocurre en el filme posteriormente está a la altura.

El caso Einfield podría encajar perfectamente en nuestro reciente artículo sobre secuelas que superan a la película original. Wan usa los mismos elementos que en la primera entrega, pero todo funciona aún mejor. El drama familiar de los Hodgson se acerca más al espectador, que recibe toda la información de manera más natural. Otra cosa que juega a favor del filme es el desplazamiento de la trama a tierras inglesas. El toque British le sienta como un guante, y la dirección artística vuelve a ser espectacular.

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Otra que merece mención es Vera Farmiga, que por segunda vez en la franquicia consigue captar todo el foco a nivel interpretativo. La poderosa mirada de Lorraine Warren ya es historia del cine de terror.

En definitiva, estamos ante una de las películas imprescindibles del género, un título que puede atraer igualmente a cinéfilos en general, porque en El caso Einfield hay horror, pero sobre todo buen cine.

Beasts of no nation: El Kurtz africano

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Netflix nos ha dado la oportunidad de rescatar Beasts of no nation, una película que la plataforma ha incluido directamente en su catálogo online español obviando su paso por cines. Ya en Estados Unidos la película vivió un estreno simultáneo en cines y online, lo que a mi juicio es una práctica que perjudica sobre todo a los cines, y me hace pensar que el filme merecía un estreno de mayor entidad. Antes de eso la película había cosechado buenas críticas en la sección oficial del Festival de Venecia.

Beast of no nation es uno de los grandes títulos de 2015, una película que une a dos nombres emergentes del cine actual: Cary Joji Fukunaga, director de la primera temporada de True detective, e Idris Elba, el actor que saltó a la fama interpretando a Stringer Bell en la imprescindible The Wire.

La mejor forma de definir la película sería decir que estamos ante una mezcla entre Ciudad de Dios y Apocalipse Now que cambia Sudamérica y Asia por un lugar indeterminado del África subsahariana. Hay niños obligados a ser salvajes y un general que ha creado en la selva su propio imperio. Aunque queda un escalón por debajo de los dos clásicos, Beasts of no nation obtiene un resultado muy meritorio.

El visionado del filme no es fácil para el espectador, puesto que por momentos el título te hace sentir un machetazo en la cara. Al igual que Ciudad de Dios contiene escenas duras, que con niños de por medio pueden ser dolorosas. Quizá es porque sabemos que el problema de los niños soldado es una atroz realidad en zonas de conflicto. Pasado ese primer contacto con el horror la película es más fácil de digerir.

La interpretación de Idris Elba interpretando a la versión africana del Coronel Kurtz es de esas que no hay que perderse. Se hace incomprensible la no nominación al Oscar de Elba como mejor actor de reparto. Su personaje merece un hueco en la historia del cine. Uno de los monstruos mejor conseguidos de los últimos años.  Abraham Attah, el niño protagonista, también consigue una interpretación de mucho nivel. Sin Oscars de consolación no habría sido raro ver a dos niños nominados en la última ceremonia, Jacob Tremblay (La habitación) y el propio Attah.

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Fukunaga, director de largos como Jane Eyre o Sin nombre consigue su mejor película, demostrando que es un consumado creador de ambientes hostiles, como ya dejó claro en la ya mencionada True detective. Intuyo que a pesar de que la película es a día de hoy casi una completa desconocida, el tiempo jugará a su favor. American History X o Ciudad de Dios también pasaron desapercibidas en su estreno, pero hoy son clásicos básicos. ¿Ocurrirá algo similar con Beasts of no nation? Desde luego hay potencial para que así sea.

La habitación: El terror y sus consecuencias

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Antes de nada he de aclarar que no he leído el libro en el que se basa La habitación, por lo que nos podemos ahorrar el pobre y cansino debate de “Es mejor el libro que la peli”, “Es mejor el árbol que el libro”, “El mejor la semilla que el árbol”… Las referencias que tengo con este filme es el haber vivido en la época en la que se conocieron dos espeluznantes episodios de secuestro: El protagonizado por Natascha Kampusch y el antagonizado por el Monstruo de Amstettem. Dos sórdidas historias parientes muy cercanas de lo que vemos en La habitación. Y creo que tras estas pinceladas no es necesario aportar más pistas sobre el argumento.

La película es fácilmente divisible es dos partes. La primera alterna momentos luminosos con auténtico terror, mientras que la segunda explora una vertiente de los personajes mucho más psicológica. Sin duda el mejor pasaje del filme se encuentra entre sus dos episodios, unos minutos que llevan al espectador al límite. A partir de ahí la película baja revoluciones, y aunque el interés desciende algún peldaño no termina de desaparecer.

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Brie Larson se ha alzado con merecimiento con el Oscar a la mejor actriz gracias a su papel de madre coraje, pero no es ella la cabeza de cartel interpretativa de la película. Jacob Tremblay realiza una de las mejores interpretaciones infantiles de toda la historia del cine. El joven de 9 años pasará a la historia como el actor que la Academia no se atrevió a nominar para no joderle la noche a Leonardo DiCaprio. De ser finalista tendría un Oscar entre sus juguetes.

La habitación es una buena película, con la única tara de que su nivel medio es bastante inferior al de sus momentos álgidos. Aún así es uno de los filmes subrayados en fosforito de la temporada. Lenny Abrahamson, director de la marciana Frank, demuestra que es capaz de aparcar la locura de su anterior filme para narrar sin estridencias, pero con gran solidez. Hay que verla sí  o sí.

Lo mejor: Su primera mitad

Lo peor: No lograr mantener la intensidad de su primera mitad.

 

 

 

 

 

 

¿Por qué Leonardo Dicaprio no debe ganar el Oscar?

Tras cuatro nominaciones fallidas, Leonardo DiCaprio, protagonista de Critters III) se convertirá este domingo al fin en un actor Oscarizado, lo cual, lejos de alcanzar la añorada gloria, le convertirá en un actor más.

Desde su tercera nominación sin premio, el actor se ha convertido en un auténtico fenómeno viral que colecciona Memes y Trending Topics en cada ocasión perdida. Cada Oscar perdido solo ha hecho más grande su leyenda. El domingo toda esa leyenda se desvanecerá, y el Oscar le equiparará a otras “figuras” como la también oscarizada Sandra Bullock.

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Lo bueno es que se acaba así la historia de una obsesión que el actor ha llevado en silencio. En los últimos 15 años DiCaprio solo ha interpretado dos personajes que estarían fuera de la consideración de la academia, el de Origen y el de Red de mentiras. El resto eran papeles minuciosamente seleccionados para alcanzar la preciada estatuilla. Y peor aún, en cada una de las 13 ocasiones ha estado bajo las órdenes de directores consagrados. Ni una sola oportunidad para los nuevos creadores, lo cual creo que es la prueba inequívoca de esta teoría.

La lista de DiCaprio

Gangs of New York (2002)

Atrápame si puedes (2002)

El aviador (2004) Nominado

Diamante de sangre (2006) Nominado

Infiltrados (2006)

Red de mentiras (2008)

Revolutionary road (2008)

Shutter Island (2010)

Origen (2010)

J. Edgar (2011)

Django desencadenado (2012) Nominado

El gran Gatsby (2013)

El lobo de Wall Street (2013) Nominado

El renacido (2015)

Un oscar por compensación

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Además, el Oscar a DiCaprio por el Glass de El renacido responde al conocido método académico de Oscar por compensación. Un premio por acumulación de méritos en anteriores oportunidades. Algo como completar la cartilla de puntos de la sartén del EROSKI, aunque luego tengas que pagar 8 euros para conseguirla. Nadie puede negar que DiCaprio lo hace bien, pero estamos ante una interpretación física. Todos sabemos que gritar y agonizar no es lo más difícil para un actor. De premiar a alguien habría que premiar al equipo de maquilladores, o como muchos indican, al oso al que se enfrenta el actor. Lo mejor de su interpretación es que es la mejor metáfora de su sacrificio hasta conseguir la ansiada estatuilla.

A partir de la ceremonia esperamos ver más riesgos es la carrera de un actor que va a tiro fijo, todo esto contando  con que el segundo oscar no se convierta en una nueva obsesión.

 

 

 

El renacido: Cine de autor para tontos

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El renacido hubiera sido una buena película de acción y supervivencia de no ser por la obsesión de su director, Alejandro González Iñarritu, por intentar hacernos creer con cada decisión que es el mejor director de todos los tiempos. La fotografía de Emmanuel Lubezki, excelsa, no es suficiente para una película con un torpe montaje y un paupérrimo guión. La belleza paisajística nunca es suficiente. El renacido acaba siendo como uno de esos/as  tios/as  buenos/as que cuando habla la caga, y que encima se las dan de listos/as.

El filme cuenta una (nada realista) historia de supervivencia en tiempos de indios y vaqueros. Estamos ante una fantasmada de primera división que hace que la saga Bond a su lado parezca un documental. La escena del oso, aún siendo de lo mejor de la película, no ha podido evitar que buena parte de los espectadores rompiera a reír. Vamos, que está tardando en aparecer la teoría de que este es un realidad un episodio encubierto de la saga Los inmortales.

El renacido jamás hubiera existido sin Terence Malick, director al que Iñárritu pretende imitar con escaso éxito. Hay mucho de El nuevo Mundo o La Delgada Linea Roja en ella, pero el mexicano solo se queda en las imágenes. Eso en el mejor de los casos, en otros acaba recordando accidentalmente a películas más mundanas como Ace Ventura: Operación África o Zombis nazis.

Los personajes son lo más plano que he visto en pantalla en tiempo, todos de brocha (muy) gorda, buenos muy buenos y malos muy malos. Cansino por parte de Iñárritu intentar convencernos en cada escena de lo malo que es el hombre blanco. Lo repite por activa y por pasiva. Además de sacarme de la película esa decisión casi me acaba sacando de quicio. Sangrante el pasaje del hermanamiento entre Glass y el indio. Por momentos la simpleza en el mensaje me ha recordado a Avatar.

El paupérrimo guión incluye algunos recursos directamente sacados del cine de sobremesa, como las ridículas apariciones de la mujer muerta. Da la impresión de que en cualquier momento el Patrick Swayze de Ghost va a sumarse a la función. Lástima que no sea así.

De las interpretaciones poco que decir. Leonardo DiCaprio desarrollando una actuación muy física para la que únicamente ha tenido que ensayar la cara de dolor. El papel de Tom Hardy es el de malo de manual, el que antaño interpretaban los rusos en Hollywood. Por encima de ellos Domhnall Gleeson, interpretando con madurez al Capitán Andrew Henry.

La banda sonora de Carsten Nicolai y Ryuichi Sakamoto es directamente una tomadura de pelo. No por la pobre partitura en si, si no por la chirriante decisión en sala de montaje de repetir los mismos sonido hasta la extenuación. ¡Qué alguien explique como ha sido esta BSO finalista en los Globos de Oro y en los BAFTA!

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Lo único bueno de este renacido son algunos momentos, como el potente inicio y la llegada de las primeras flechas  o el crudo desenlace en la nieve. Chispazos de una colección de escenas pegadas con cola de carpintero. El renacido podía haber sido una gran película de acción, como fue Apocalypto. Flaco favor le hace la megalomanía al cine de Iñárritu. Y aún así… Arrasará en la noche de los Oscar… Faltan huevos para votar a Mad Max: Fury Road, y Spotlight se mete con la iglesia. Veamos si los académicos nos sorprenden.

Lo mejor: La fotografía y la espectacular primera hora.

Lo peor: El guión y su intento continuo de demostrarnos que es algo más que una simple historia de supervivencia.