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El ataúd de cristal: La limusina de Caronte

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Es un orgullo afirmar que la mejor película de lo que llevamos de FANT es bilbaina. No acudía con demasiadas expectativas al pase, quizá porque los cortos de Haritz Zubillaga, aunque correctos, no me habían maravillado. Pero El ataúd de cristal conquista por la vía rápida.

¿De qué va? Una ‘Meryl Streep‘ del cine se dirige en limusina a recoger un premio a toda su carrera. Lo que parecía una convención más en la vida de una estrella se convertirá en una auténtica pesadilla.

La actriz tinerfeña Paola Bontempi, que ya trabajó con Zubillaga en She’s lost control, sale airosa de un desafío complicado. Bontempi aparece en la práctica totalidad del metraje, y lo que soporta durante sus 75 minutos no es precisamente un camino de rosas. Estamos ante una exigente interpretación a todos los niveles. Esto no es Paseando a Miss Daisy.

Pero si Bontempi es importante en la película más lo es la limusina que la transporta, el bien llamado Ataúd de Cristal. Un espacio hipnótico que emparenta Cube con 2001: Una odisea en el espacio. De Cube tiene ese uso del color. Si en la película de Natali cambiaba el color en cada cubo aquí tenemos lo mismo, pero con control remoto De 2001 la película se lleva el ojo de Hal 9000, esta vez manejado por algo más peligroso que la inteligencia artifiial: El ser humano.

Tanto el trabajo de dirección artística como la fotografía son impresionantes. Nada hace indicar que estemos ante una cinta de bajo de presupuesto. Hasta la violencia es elegante en el interior del vehículo. Mención especial merece la excelente banda sonora de la película, compuesta por Aránzazu Calleja. Música siempre presente para indicarnos en todo momento que la amenaza es real. Encaja como anillo al dedo con las imágenes de la película.

Por si esto fuera poco, Zubillaga ha creado además un personaje icónico que nos ha conquistado desde la presentación: El misterioso chofer de la limusina. Nos hemos quedado con ganas de saber más de él. Da para un spin off, o al menos para un cameo en la próxima película.

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En definitiva, estamos ante un potente filme que aprovecha al máximo sus recursos y al que no se le ven las costuras. Esperamos que pueda tener el estreno digno en salas que realmente merece. Una gran opera prima.

“No he visto Saw” Haritz Zubillaga

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Tras la proyección, Haritz Zubillaga, el guionista Aitor Eneriz y Paola Bontempi respondieron a las preguntas de la audiencia. Uno de los espectadores hizo referencia al parecido entre El ataúd de cristal y el juego macabro de Saw, pero Zubillaga afirmó no haber visto la célebre película de James Wan. Eneriz habló de otros parecidos que le han sacado a la película, como el de un productor estadounidense que la relacionó acertadamente con el clásico ¿Qué fue de Baby Jane?. Asimismo desgranó como fue el rodaje de algunas escenas, como la espectacular secuencia final. El equipo estuvo ‘defendido’ en todo momento por el imponente chofer de la limusina.

La cura del bienestar: El encanto de la imperfección

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Gore Verbinski se acaba de ganar todo mi respeto. Hasta ahora se podía hablar de un director cuya carrera se ha caracterizado por un eficiente trabajo al servicio de las majors. De la primera trilogía de Piratas del Caribe al remake de The Ring, pasando por Un ratoncito duro de roer, El hombre del tiempo, Rango o The Mexican. Un cineasta que ha pasado de ser un mero peón de la industria a dirigir un filme de terror gótico de dos horas cuarenta, sin estrellas y con suculentas idas de olla. Quizá La Cura del bienestar de la que habla el filme es la que ha tomado Verbinski, dejando encargos de lado y haciendo de una vez por todas lo que le ha salido del nabo.  Y bien saben los lectores que en esta página somos enemigos de los que piden moderación desde el sofá contándonos que ‘El cementerio está lleno de valientes’. Tal vez desconocen que la hora nos llega a todos, y de palmar, palmar con estilo.

El comienzo de La cura del bienestar es de esos a lo Apocalypse now: Un hombre con la misión de encontrar a otro hombre. Un tiburón de Wall Street es enviado por los mandamases de la empresa a buscar a un compañero que se niega a volver a Manhattan tras su estancia en un balneario suizo. Todo se complicará al comprobar que el enclave alpino no es tan idílico como aparenta.

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Las referencias son evidentes. Imposible no mencionar al Scorsese de Shutter island. Por parecer se parece hasta Dane DeHaan, protagonista de la película, a Leonardo Dicaprio. Aunque en todo momento se ve más un homenaje que un plagio. También hay guiños a El resplandor, como ese plano aéreo de la carretera camino al balneario que recuerda tanto al del inicio de la película de Kubrick, o a La Escalera de Jacob. El resto es una Hammer de serie A.

La película que va sobrada visualmente. La fotografía y la dirección artística son de Oscar. Por el precio de la entrada nos llevamos una treintena de planos perfectos. Por momentos La cura del bienestar nos traslada a ese balneario. La hipnosis de Verbinski funciona y el viaje merece la pena. A pesar de que estamos ante un título que también cuenta con algunos problemas evidentes. El más notable su reiteración de ideas. También padece de uno muy habitual en los títulos de suspense: La sobrexplicación en el último acto. Pero en ningún momento esto provoca el derrumbe, mérito añadido tras sus casi 160 minutos. Quizá esa irregularidad, esos pasos bruscos de la solemnidad al What the fuck son los que consiguen que la película acabe conquistando.

Y además La cura del bienestar nos muestra el lado oscuro de los avances de la ciencia. Esa búsqueda del progreso se ha cobrado muchas vidas en el pasado y se las sigue cobrando hoy en día. Es el fantasma que se esconde tras nuestra rutina, eso que algunos llaman bienestar. Desde ya reivindicamos este título, que está dejando las salas tras su primera semana de proyección con bastante más pena que gloria. Con el tiempo quizá se hable de esta película como un título de culto. Merece la pena apuntarse a la cura.

Trailer:

 

 

El bar: La cara B de España

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De la iglesia se ha convertido con el tiempo en un género en si mismo. Todas sus películas se presentan como comedias, pero casi ninguna lo es como tal. Todas parecen thrillers, pero casi ninguna lo es. Todas parecen de género fantástico, pero casi ninguna lo es. No es excepción El bar, que aún estando lejos de sus mejores obras, cumple los mínimos de un director que rara vez baja del seis.

La película cuenta la historia de un grupo de personas que coincide por azar en una taberna. Situación cotidiana de no ser por el disparo en la cabeza que recibe uno de los clientes al salir del local. A partir de ahí, los desconocidos comenzarán un encierro que les llevara al límite.

El bar tiene las virtudes y defectos de las últimas películas del director: Un comienzo espectacular y una ligera caída hacia el final. En esta ocasión se debe a que el guión que firma Jorge Guerricaechevarría junto al propio director no está a la altura de la brillante puesta en escena. Por suerte esto no afecta al entretenimiento. El bar dura en un suspiro, y la experiencia merece la pena. En parte gracias a ese bar que es visita ineludible en Madrid, el mítico Palentino de la Calle Pez, en Malasaña. Escenario ideal para que el apocalipsis resulte cotidiano.

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Los actores habituales de la última etapa del director responden una vez más. En especial los polos más extremos de la función: ‘El mendigo’ encarnado por Jaime Ordoñez y ‘la pija’ que interpreta Blanca Suarez, quizá los dos personajes más jugosos y mejor defendidos.

De la Iglesia no desaprovecha la ocasión de mostrarnos a la España en B, una España que se ha desarrollado ‘bajo manta’ mientras celebraba el gol de Iniesta. Una España regida por trileros y una población jugadora que acepta la estafa en cada partido, todo esto patrocinado por el cuarto poder, incapaz de denunciar la trampa. Y lo peor es que los que pillan el juego se acaban matando entre ellos. Si no sabéis de lo que hablo preguntarle a Iglesias o Errejón, o preguntar por los idus de marzo del PSOE. El bar es una gran metáfora de nuestro tiempo.

 

 

En Spoiler (Deja de leer aquí si no lo has visto)

El cine español ha perdido una oportunidad de oro de entrar en el terreno de la ‘falsecuela’: Película que se presenta como un estreno independiente, pero que acaba encajando en otra saga sin marketing ni aviso previo), el trampantojo hecho cine. Digo esto porque la película de Álex encajaría como un guante como una historia enlazada al universo cinematográfico de REC.

CRUDO: PRIMERO DE CANIBALISMO

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A Crudo le ha pasado lo mismo que a The Witch el año pasado. Películas de autor que acaban en mutilsalas debido a campañas de marketing engañosas. Ni The witch era la película más terrorífica de la historia, ni Crudo es la gran salvajada que han querido vender. El filme se ha hecho hueco gracias al eslogan “Puede provocar mareos” que se ha vendido en los medios. Ahora bien, el debut en la dirección de Julia Ducournau merece todos los elogios que ha recibido por parte de la crítica.

La película nos lleva a la universidad de la mano de Justine, una joven que llega al Campus para iniciar sus estudios de veterinaria. Formada en una educación vegetariana, su vida cambiará por completo al descubrir los encantos de la carne.

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Crudo naturaliza una cuestión que la sociedad ha convertido en tabú: El canibalismo, al que Ducournau decide darle un tratamiento similar al de la adicción a las drogas. A partir de ahí se abre la veda para que cada espectador decida jugar con esa metáfora de ‘comernos unos a otros’, más si cabe en un entorno universitario en el que los novatos viven sometidos por los alumnos de segundo curso.

Estamos también ante el enésimo viaje iniciático puente entre la adolescencia y la edad adulta tras dejar atrás el hogar familiar. Quien haya pasado por esa franja horaria vital sabrá que es una zona gobernada por el cambio constante. De hacer y dejar de hacer cosas por el ‘que dirán’. Una época de influencia del entorno que acaba cuando encontramos nuestra propia identidad. Encontrareis todo esto en Crudo. dejando a la vista que a pesar del factor canibal estamos ante un retrato de personaje fascinante y jodidamente veraz.

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La fuerza de los personajes femeninos y ese aire francés, evoca a La Vida de Adele. Las jóvenes Garance Marillier y Ella Rumpf  son el equivalente perfecto a Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux, aunque en el caso de Crudo el nexo sea únicamente fraternal. Todo el trabajo interpretativo se ve apoyado en una fotografía excelsa y en una hipnótica banda sonora que recuerda al trabajo de Rob para la versión francesa de Maniac, dirigida por Frank Khalfoun. También encontramos un guiño a Carrie, la obra maestra de Brian De Palma. Mezclando sangre y novatadas era imposible no recurrir a ella.

Crudo sin duda será recordada como una de las grandes de este 2017. A pesar de la hemoglobina, una cinta que puede gustar a cualquier cinéfilo. Más difícil lo van a tener los que esperen encontrar una película de terror al uso. Ya esperamos ansiosos el próximo paso de Ducournau tras esta brillante opera prima.

Incidencias durante la proyección: Niños/as en la sala

En la sala a que acudimos había niños, y no me refiero a niños de 14 años, si no a niños de menos de diez. Al girarnos para ver su reacción ante alguna de las escenas hardcore,  vimos a uno de ellos con el envase de palomitas en la cabeza.  ¿Qué lleva a alguien a llevar a niños pequeños a ver este tipo de películas? ¿Hasta que punto debería haber cierta regulación en la entrada de menores a según que proyecciones? Dejo abierto el debate por si alguien quiere comentar algo al respecto.

 

 

Múltiple: El niño de ‘El sexto sentido’ deja de ver a Shyamalan

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M. Night Shymalan ha vuelto para confirmar que lo que vimos en La Visita no fue un espejismo. El ‘Isabel Gemio’ hindú, ha regresado de entre los muertos con Múltiple.

En esta ocasión, el director lleva a las últimas consecuencias dos subgéneros del thriller: El psicológico y el sobrenatural. En Múltiple, un hombre con severo trastorno de personalidad secuestra a tres jóvenes. Las chicas pronto se darán cuenta de que su captor está muy lejos de ser un delincuente al uso.

La película es un gran estudio de traumas severos. La mezcla de thriller, terror, drama y acción funciona como en los días gloriosos del director de El sexto sentido, El Bosque, El protegido o Señales. Prueba de ello son las tres semanas consecutivas que el filme lleva liderando el ranking USA. Con la calidad también vuelve el público.

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En el aspecto interpretativo asistimos a un duelo de primer nivel, el que enfrenta a Anya Taylor Joy (La bruja) y James McAvoy. La joven intérprete encarna a la perfección el resultado de una infancia difícil, mientras que el actor británico acierta en uno de esos papeles que permiten lucirse. McAvoy más desatado que nunca dando vida a los habitantes inciertos del antagonista. Un enemigo de primer nivel. También destaca la veterana Betty Buckley, que da vida a la doctora Karen Fletcher, un personaje que recuerda al doctor Loomis de La noche de Halloween.

En definitiva, una película que entusiasmará a los adeptos del director, y que entretendrá a la gran mayoría de la audiencia. Un título que deja con ganas de más.

ANÁLISIS EN SPOILER (Si no la has visto ni se te ocurra leer esto. Te arrepentirás toda tu puta vida)

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El nacimiento de la falsecuela

Shyamalan es un género en si mismo, y la conclusión de la película no hace más que confirmar esta afirmación. Tras el rótulo final, suenan unos acordes que nos resultan familiares. ¿Esto no es la banda sonora de El protegido? Habréis recordado muchos. Y allí está él, al final de la barra, David Dunn (Bruce Willis), revelando que todo lo visto hasta ese momento no era otra cosa que la presentación del archienemigo de la película que Shyamalan había dirigido 15 años antes. Pelos como escarpias. El director ha vuelto a dar en el clavo con un giro histórico. Ahora solo falta poner fecha al duelo de titanes que enfrentará a David Dunn y La horda. Un héroe que no puede sufrir dolor y un enemigo que castiga a las personas que no han sufrido. Épico. Los actores están por la labor.

Y el cabrón de M. Night Shyamalan se la saca diciendo que ya dio la pista en el poster. Los posters de El protegido y múltiple… ¡Encajan!

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Black Mirror. Tercera temporada. Rozando el presente

Netflix ha acertado de pleno incorporando Black Mirror a su sello en su tercera temporada. Tras una primera temporada de tres episodios y una segunda de otros tres más especial navideño, parecía que ofrecer seis capítulos esta temporada incrementaba el riesgo de cagarla. Va a ser que no, estamos ante la mejor y más entretenida temporada de la serie. Imprescindible.

3×01 Caída en picado vacometro4

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Brillantísimo inicio de temporada que plantea un mundo regido por una app prima-hermana de Instagram que puntúa a todo el mundo. La popularidad del instituto hecha aplicación de móvil, un filmaffinity humano. Posiblemente sea el episodio más entretenido de toda la serie. Engancha desde el minuto uno sin necesidad de giros. Por si fuera poco, Bryce Dallas Howard está de diez. Gran trabajo en la dirección de Joe Wright, director de Orgullo y prejuicio o Expiación.

3×02 Playtesting  vacometro3

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Era cuestión de tiempo que la temática de los videojuegos protagonizara un episodio de Black Mirror. También que se apostara por el terror. Playtesting se abona al ya visto dilema de ‘Juego o realidad’ mezclándolo con elementos de películas como Cabin in the woods o ExistenZ. Entretenido, aunque deja poco poso. El arriesgado giro final mejora el resultado. Dirige Dan Trachtenberg, responsable de la recomendable Calle Cloverfield 10.

3×03 Cállate y baila vacometro4

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La serie saca su lado más crudo y malrollero en este episodio con el ciber-chantaje como tema estrella. Un niño se verá amenazado por unos hackers que asaltan la intimidad del usuario para jugar a titiriteros bajo la amenaza de airear sonrojantes actos privados. Deja muy mal cuerpo, y lo peor, el futuro que muestra está demasiado cerca. Mañana, si no es hoy. Un mundo dominado por los trolls 2.0. Lo redondea el Exit music (for a film), temazo del Ok computer de Radiohead. “Wake… from your sleep. The drying of your tears… Today.. we escape… we escape. Dirige James Watkins, responsable de la imprescindible Edén Lake y la hammeriana La mujer de negro.

3×04 San Junipero vacamarketmaszul

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Y llegó la madre de todos los capítulos de Black Mirror (Con permiso de Tu historia completa, el 1×03). Curiosamente el menos oscuro, el menos atroz, quizá el menos Black mirror. Su primera mitad trascurre sin rastro de Sci-fi, con brillantes referencias de nivel al cine, la música y los videojuegos. A mi me ponen Girlfriend in a coma de Los Smiths, Scream y el Bubble Bobble en el mismo capítulo y es imposible no conquistarme. Excepcionales la dirección artística y vestuario. Una historia de amor como nunca habíamos visto, ni seguramente veremos, en Black Mirror.

Charlie Brooker, creador de la serie,  ha subido a Spotify el insondable setlist del episodio: https://open.spotify.com/user/charliebrooker/playlist/1enamd7IoA2KtAoMxeiINW

 

3×05 La ciencia de matar vacometro3

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Y llegaron los zombies. Primer episodio a lo The Walking dead de la serie. También el primero que muestra la guerra. Gran entretenimiento, en la linea de la temporada, aunque se agarra demasiado a una (interesante) única idea. Como Playtesting, un escalón por debajo del resto, dentro del buen nivel. Participa Michael Kelly, el Doug Stamper de House of cards.

3×06 Odio nacional vacometro4

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Para cerrar la temporada 89 minutos de Thriller. Si Caída en picado daba protagonismo a Instagram, Odio nacional se lo la a otra de las redes más populares: Twitter.  Como tema principal el control gubernamental, y cierto homenaje al subgénero de terror por plaga, debidamente modernizado. Gran química entre la pareja de investigadoras Kelly Macdonald y Faye Marsay. Termina con Fall into me de Alev Lenz, un temazo. Belleza dentro del caos. Un buen colofón.

La noche del virgen: Pagafantas hardcore

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La noche del virgen empieza con una parodia de las campanadas de La 1 en la que Ignatius Farray, ‘capado’ para la ocasión, encarna a Ramón García. Paralelamente, en un disco-pub comienza la siempre decadente celebración de la nochevieja. Es ahí donde conocemos a Nico, un ‘loser in da dancefloor’ interpretado magistralmente por Javier Bódalo. Sus ganas de estrenarse en el golf casero le llevarán a una sucursal terrestre del infierno.

La opera prima de Roberto San Sebastián comienza como una efectiva comedia, como una prima guarrilla del Pagafantas de Borja Cobeaga. Chico busca chica desesperadamente, y se topa con madura misteriosa dispuesta a todo. Las carcajadas de la sala confirman que la fórmula funciona (Mención especial a los momentos del whatsapp de Nico). La pena es que cuando la película baja al barro y saca su vena más escatológica todo se frena en seco.

El problema es el que es. Uno del que ya os hemos hablado en alguna ocasión: El efecto Jes Extender, que debe su nombre al célebre alargador de pene de la teletienda. Esta técnica intenta mostrar tanto las virtudes de la película que éstas acaban volviéndose en su contra.  Lo que es divertido en segundos se hace pesado cuando supera el minuto. Como ejemplo la escena de la sokatira umbilical, alargada hasta la extenuación.

Esto genera a su vez que a la película le cueste respirar en espacio cerrado. Tan solo la ventana parece quitarle opresión al conjunto con divertidas escenas que parecen sacadas de la pensión de El día de la bestia. Los directores Juanfer Andrés y Esteban Roel solucionaron bastante mejor la papeleta de interiores en la también opresiva ‘Musarañas’.

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A pesar de este problema originado por el montaje, La noche del virgen tiene su punto. En sus mejores golpes la película de Roberto San Sebastián tiene algo del Peter jackson primerizo, mezclado con el primer De la Iglesia. No parece casual que ese neonato final parezca primo del peque de Braindead. También son dignos de mención los curiosos FX, más si cabe tratándose de una cinta Low Cost.

En el apartado interpretativo destaca la pareja protagonista (Javier Bódalo y Miriam Martín), que logra una extraña química. Bódalo aguanta estoicamente las secuencias más salvajes de la película. En cambio, es difícil encontrar explicación a la inclusión de un personaje como el de Araña, interpretado por Victor Amilibia. Un personaje machacante que solo parece estorbar, y cuya caracterización de ‘heavy de palo’ resulta poco creíble.

Lo mejor: El momento musical “Rata de dos patas”. MUY TOP.

Lo peor: Su empecinamiento por alargarlo todo.

Reacciones del público

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El siempre interactivo público de la Semana de Terror de Donostia se entregó de manera entusiasta en la parte inicial y rajó de lo lindo en la segunda mitad. Quizá le pasó factura a La noche del virgen esa presentación tan rojiblanca y provocadora ante el nada futbolero público del festival. Esto provocó que hacia el final se sucedieran los comentarios sobre el origen bilbaino de la película. Las partes más gore fueron recibidas con aplausos.

*Los respondables de la película tuvieron el detalle de repartir condones y caretas del prota a la entrada de la sesión. La pena es que no aprovecharan la ocasión para sacar un fotón con cientos de Bódalos en las butacas del Principal. 

Teaser de la película:

No respires: El Lazarillo de Detroit

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En el  primer episodio de El Lazarillo de Tormes, el joven Lázaro es mantenido por un mendigo ciego amante del vino. Ante la negativa del invidente a dar zumo de uva al pícaro, Lázaro decide tomarse la caridad por su cuenta y hacer un agujero al botijo de su amo para acceder al caldo. El joven es pillado in fraganti y recibe una monumental paliza. Eso es en esencia No respires, aderezado con las reglas del terror y con desarrollo en una desértica Detroit. Quizá me he excedido narrando todo este episodio, pero se que para muchos de vosotros el Lazarillo es un niño que sale en un anuncio de quesos. Y no os culpo. Mis compañeros de la universidad aún recuerdan mi relectura del libro en un examen de Literatura española, en el que respondí que la muerte del padre de Lázaro se produjo por el brutal atropello de un carro, cuando realmente murió en la guerra.

Vuelvo al tema. No respires no descubre vida en Marte, por momentos pierde la coherencia, pero funciona, tiene algo auténtico, a pesar de la escasa credibilidad del trio de ladrones protagonista, que decide asaltar una vivienda con el deseo de cambiar Detroit por California. Su look, su crudeza y la gran dupla que realizan protagonista femenina (Jane Levy) y antagonista (Stephen Lang) terminan por aupar esta cinta de terror un par de peldaños por encima de la media.

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Al igual que en su revisión de Posesión infernal, el director Fede Álvarez deja lo mejor para el último tercio. Un final con sabor a títulos como La matanza de Texas o Wolf Creek. En el nudo la cinta se encarga de romper la monotonía con un par de afortunados giros. Quizá el título ha llegado a nuestros cines demasiado dopada por la crítica americana, pero merece la pena adentrarse en su meritorio pasaje del terror. En el Top de sus Highlights el momento ‘chupito’. Los que la habéis visto ya sabéis a que me refiero.

Election: La noche de las bestias. Halloween para adultos

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James DeMonaco (Desconocemos su relación con el Principado) empezó la saga de la purga con un tremendo bodrio que partía de una genial idea. Una noche al año los americanos podían salir a matar sin que ello fuera considerado delito. En este trasfondo, nos encontramos la típica película de invasión casera, casera sin gas, o sea, de las malas. Vista la rentabilidad de la cinta, el estudio preparo otra secuela low cost con DeMonaco (si pones una I después de la N podrías invocar a Satanás) de nuevo al mando. Esta vez el director nos mostró la purga de verdad, nos enseñó lo que pasaba en la calle. El resultado fue tremendamente satisfactorio. Cine antisistema desde el sistema, y el origen de su propia iconografía, caretas blancas en tiempos oscuros.

Y en esa línea comenzaba Election, la tercera entrega de esta exitosa saga. Con aún más contenido político, y con el desarrollo de las líneas estéticas que dejó Anarchy. La primera hora de la película consigue enganchar gracias a todos los WTF, con la noche de la purga convertida en toda una festividad. Entre tanto, una candidata a la presidencia americana intentando sobrevivir, con ayuda del guardaespaldas Frank Grillo, en un auténtico infierno de asfalto.

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Las influencias son claras. La principal es 1997: Rescate en Nueva York, con Grillo en el papel de Snake Plissken, intentando salvar a la clase política. La segunda es The Warriors, con una ciudad tomada por las bandas, bandas ataviadas con ropajes que nos acercan a la tercera gran referencia: Mad Max: Fury Road. El carnaval veneciano en la dirección artística es la versión low cost de lo que nos ofreció el pasado año la dirección de Frank Miller.

Y todo iba bien… Hasta que las ideas se agotaron y la película se convirtió en una ensalada de disparos y hostias. Como bien apuntó mi amigo Julen “El final es una película de Jean Claude Van Damme” (Con todos respetos a JCVD). Es como si de pronto la construcción sólida levantada en la primera hora de película se hubiera venido abajo. Quizá el problema resida en el propósito de contentar al verdadero público de la cinta, cinéfagos amantes de la acción de videoclub, pero tras ofrecer un sólido discurso político Demonaco deja tirados a los que buscábamos algo más.

En el apartado interpretativo, Grillo demuestra auténticos signos de fatiga en su segunda participación en la saga. Su personaje debió limitarse a Anarchy. Elizabeth Mitchel tampoco atina con su pobre versión rubia de Pablo Iglesias, a la que podríamos rebautizar como la coletas.

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En definitiva, un gatillazo cuando más estábamos disfrutando. Eso sí, si hay cuarta purga volveremos a caer. Eso no lo dudeis ni un minuto. Nos la volverán a meter con el trailer, y picaremos de nuevo. Si es que antes no se impone esta ‘curiosa’ celebración. Desde luego que Trump tiene potencial para ser uno de los padres fundadores.

 

 

La invitación: Una fiesta de mierda

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Netflix nos ha dado la oportunidad de repescar The invitation, ganadora en el Festival de Sitges 2015 que hace unos meses tuvo un estreno limitado en las salas españolas. Un thriller cuyo punto de partida es la clásica reunión de amigos que deciden hacer frente al todopoderoso “Ya te llamaré y quedamos”. Pero no queridos lectores, no esperéis en The invitaron un fiestón al estilo Project X o Malditos Vecinos. Lo que debía ser una tranquila velada de reencuentro pronto se convertirá en una auténtica fiesta de mierda.

El guión por momentos está cogido con alfileres. Es difícil justificar que tras los reproches y momentos rarunos todavía haya quien no coja la puerta y se de a la fuga. Y así me he pasado medio metraje, diciendo que yo al de 5 minutos ya me hubiera pirado. Falta solidez narrativa y, en más de un pasaje, se echa en falta un mínimo de credibilidad. La dirección de Karyn Kusama (Aeon Flux, Jennifer’s Body) tampoco es ninguna maravilla.

A pesar de todo esto, The invitation guarda una sorpresa para los que lleguen al fin de fiesta, una escena final sublime, un WTF que deja con ganas de más. Lástima que llegar hasta ella no sea precisamente un camino de rosas. En definitiva, estamos ante un thriller casero que no pasará a la historia de las vencedoras en Sitges. Eso sí, si lo que quieres únicamente es pasar el rato, la película funciona como un buen entretenimiento.